Les traits les plus importants de l'art cinétique

Qu’est-ce que l’art cinétique ? La définition la plus simple est : « un art qui dépend du mouvement pour son effet ». Mais cela est vraiment insuffisant. D’un point de vue scientifique, tout dépend du mouvement pour son effet, puisque tout est en mouvement en permanence, du plus grand objet à la plus petite particule de l’univers. Peut-être qu’une meilleure définition de l’art cinétique serait quelque chose comme : « toute création esthétique intentionnelle qui, pour être considérée comme achevée, dépend du mouvement physique conçu et extérieur d’une ou plusieurs de ses parties à un degré perceptible par les sens humains ». Mais peut-être même que cette définition est incomplète. Peut-être, comme pour tant d’autres choses concernant l’art, les définitions nous échappent. Peut-être qu’au lieu de définir l’art cinétique par des mots, nous devrions le définir par des exemples. Dans cet esprit, voici un bref examen, certes incomplet, de l’histoire et des exemples les plus célèbres de l’art cinétique.

Soufflé par le vent

Comme pour de nombreuses tendances esthétiques, le cinétisme s’est manifesté dans la culture créative prosaïque bien avant d’apparaître dans les beaux-arts. Le plus ancien exemple d’art cinétique serait probablement la carillon à vent, utilisé il y a au moins 5000 ans dans toute l’Asie du Sud-Est. Oui, il serait facile de soutenir que les carillons à vent ne sont pas des beaux-arts, mais il serait tout aussi facile de soutenir qu’ils pourraient l’être. Comme beaucoup de beaux-arts, ils évoquent le sacré, explorent l’interconnexion entre l’homme et la nature, et inspirent des états d’être transcendants. Et ils correspondent certainement à la définition des phénomènes esthétiques.

Si vous n’acceptez pas les carillons à vent comme premier art cinétique, nous pourrions aussi nous tourner vers la culture nordique, qui possède une riche tradition ancienne d’expression artistique cinétique. Une sculpture suspendue en mouvement représentant un voyage de chasse à la baleine au musée Zaans aux Pays-Bas remonte bien avant l’ère industrielle. Et les Himmeli nordiques semblent être les descendants directs des mobiles modernes. Ces sculptures anciennes, suspendues et faites à la main, proviennent des territoires germaniques (himmel est un mot germanique signifiant ciel). Bien qu’il soit incertain quel était le but original des Himmeli, ou depuis combien de temps ils sont utilisés, ils sont cinétiques, esthétiques, et au moins antérieurs au modernisme.

Une sculpture cinétique de baleine vieille de plusieurs siècles issue de la collection du musée Zaans

Le premier artiste cinétique moderniste

Presque tous les historiens de l’art moderniste diraient que le premier artiste cinétique moderne fut Marcel Duchamp, et que la première œuvre cinétique de Duchamp fut sa Roue de bicyclette. Composée d’une roue de bicyclette retournée et insérée dans le haut d’un tabouret, cette œuvre est aussi considérée comme le premier « ready-made ». Mais parfois, plus on apprend sur un sujet, moins il devient clair. Duchamp lui-même ne considérait pas cette sculpture en mouvement comme un beau-art. Lorsqu’on lui demanda pourquoi il l’avait créée, il répondit qu’il l’avait fait simplement parce que, « j’aimais la regarder. Tout comme j’aime regarder les flammes danser dans la cheminée. »

Si les intentions du créateur d’un objet sont centrales pour que cet objet soit considéré comme un beau-art, alors, selon l’aveu de son créateur, la Roue de bicyclette ne remplit pas ce critère. Qui peut dire que les anciens carillons à vent, les Himmeli nordiques ou une sculpture en mouvement d’un voyage de chasse à la baleine néerlandais ne devraient pas être considérés comme de l’art cinétique ? Pourquoi devraient-ils être rejetés comme artisanat, jouets, objets populaires ou simples décorations ? Peut-être y a-t-il un indice dans ce que Duchamp a dit à propos de regarder les flammes dans la cheminée qui unit la nature de tous les phénomènes créatifs, indépendamment de leur intention, comme des manifestations d’une pulsion humaine primordiale.

Marcel Duchamp - Démisphère rotatif, 1924. Yale University Art Gallery (Université de Yale), New Haven, CT, États-Unis. © Marcel Duchamp

Le mouvement du mouvement

Ce que nous considérons comme le mouvement moderne de l’art cinétique a vraiment commencé dans les années 1920. Pour qu’un mouvement artistique suscite de l’enthousiasme et gagne une crédibilité intellectuelle, il est utile que quelqu’un le nomme et défende sa position par écrit. Les artistes constructivistes russes Naum Gabo et Antoine Pevsner ont fait cela pour l’art cinétique en 1920. Gabo et Pevsner, qui étaient aussi frères, déclarèrent dans leur Manifeste réaliste : « Nous rejetons : l’erreur millénaire héritée de l’art égyptien : les rythmes statiques semblent être les seuls éléments de la création plastique. Nous proclamons un nouvel élément dans les arts plastiques : les rythmes cinétiques, qui sont des formes essentielles de notre perception du temps réel. »

Un an avant d’écrire ce manifeste, Gabo, qui était aussi ingénieur de formation, créa ce qui devrait probablement être considéré comme la première sculpture cinétique intentionnelle. Il appela cette œuvre Construction cinétique. Elle consistait en une seule tige métallique sortant d’une boîte en bois. Lorsqu’un interrupteur était activé, un moteur mécanique faisait vibrer la tige. L’œuvre reçut le surnom de « onde stationnaire » en raison de la façon dont elle imite la formation d’une onde lorsqu’elle est activée. En plus des sculptures en mouvement, Gabo réalisa aussi des sculptures statiques qui captaient l’esthétique du mouvement, un intérêt qu’il poursuivit tout au long de sa carrière.

Naum Gabo - Construction cinétique (Onde stationnaire), 1919. Métal, bois et moteur électrique. 616 x 241 x 190 mm. Collection Tate. © Nina & Graham Williams/Tate, Londres 2018

Mobilité ascendante

À peu près à la même époque où Gabo et Pevsner introduisaient le mot cinétique dans la discussion sur l’art moderne, l’artiste américain dadaïste Man Ray s’engageait dans la création de sa propre interprétation de l’esthétique cinétique. Ami et collègue de Marcel Duchamp, Man Ray connaissait certainement la Roue de bicyclette, et il connaissait probablement aussi la Construction cinétique. Ce qui rendait ses efforts différents de ces deux œuvres, c’est que plutôt que d’utiliser des moteurs ou des mécanismes comme des roues, Man Ray cherchait à capturer le mouvement organique dans son art.

Man Ray trouva sa solution pour une sculpture organique en mouvement en 1920 avec une œuvre qu’il appela Obstruction. Elle consistait en 36 cintres, chacun inséré dans un trou percé à l’extrémité d’un autre, tous suspendus à un seul cintre accroché à un crochet au plafond. L’élément cinétique de l’œuvre est introduit lorsque les cintres sont perturbés par le vent, des tremblements ou un contact direct avec un observateur ou un objet. En plus de construire Obstruction, Man Ray créa un schéma avec des instructions pour sa reproduction, encourageant quiconque tenterait de la reproduire à aller au-delà de ce qu’il avait fait, et à poursuivre la sculpture « à l’infini ». Ce schéma rappelle les œuvres conceptuelles ultérieures d’artistes comme Sol LeWitt, qui créa des instructions détaillées similaires pour reproduire ses dessins muraux.

Man Ray - Obstruction, 1920. 36 cintres interconnectés suspendus au plafond. © Man Ray

L’essor des machines

Bien qu’elles aient été révolutionnaires pour leur époque, les sculptures en mouvement comme Obstruction et Construction cinétique paraissent presque désuètes comparées à ce qui leur succéda bientôt. Tout au long des années 1920, l’artiste hongrois László Moholy-Nagy travailla sur une sculpture mécanique qu’il appela, une fois terminée, Accessoire lumineux pour scène électrique, ou le Modulateur d’espace lumineux.

Cette création fantastique comprenait des moteurs électriques, des panneaux mobiles et des ampoules électriques de différentes couleurs. Lorsqu’elle était activée, elle démontrait l’interaction cinétique de la couleur, de la lumière, du mouvement et du son. Le Modulateur d’espace lumineux ne fut pas seulement une œuvre fondatrice du mouvement de l’art cinétique ; il marqua aussi le début du mouvement de l’art lumino-cinétique, et introduisit le concept d’utiliser la lumière électrique comme élément de sculpture.

Laszlo Moholy-Nagy - Accessoire lumineux pour scène électrique, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Le mouvement des masses

Quand beaucoup de gens pensent aujourd’hui à l’art cinétique, ils imaginent les mobiles fantaisistes de l’artiste américain Alexander Calder. Beaucoup considèrent même Calder comme le père de l’art cinétique. Mais Calder ne commença à fabriquer ses mobiles qu’en 1931. Comme nous pouvons le voir, beaucoup d’autres avant lui cherchaient aussi à s’échapper des limites statiques de l’art plastique. En fait, on ne peut même pas parler de Calder et de ses mobiles sans mentionner à nouveau Marcel Duchamp qui, en visitant Calder dans son atelier, donna à ces créations cinétiques suspendues leur nom, mobiles, un mot qui en français peut signifier à la fois mouvement ou motif.

Mais Calder popularisa largement l’art cinétique. Après Calder, cette tendance continua d’être explorée par des générations d’artistes inspirés par les forces du mouvement. Bruno Munari ouvrit de nouvelles voies dans l’esthétique cinétique avec ses Machines inutiles. Le sculpteur américain George Rickey créa des sculptures cinétiques publiques qui réagissent aux moindres courants d’air ou vibrations. Et l’artiste contemporaine Emily Kennerk explore le cinétisme avec des projets tels que sa table à dîner vibrante activée par la voix, qui, à la manière de Hommage à New York de l’artiste conceptuel Jean Tinguely, utilise des forces cinétiques pour s’autodétruire. Bien que nous ne puissions pas définir précisément ce qu’est l’art cinétique, nous pouvons au moins pointer ces artistes cinétiques et examiner leur travail. Quelque part dans leurs efforts, nous commençons à voir ce qui, dans l’art cinétique, captive notre imagination. Même si nous ne pouvons pas le décrire, nous pouvons prendre plaisir à le regarder, comme le disait Duchamp, en « appréciant de regarder les flammes danser dans la cheminée. »

Image en vedette : Naum Gabo - Construction linéaire n° 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, Londres 2018
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio