Qu'est-ce qui est abstrait dans l'œuvre de John Baldessari

Alors qu'il enseignait à l'Université de Californie à San Diego, l'artiste John Baldessari a développé un exercice pour remettre en question l'attitude de ses étudiants envers l'art abstrait. Il leur a demandé de choisir « la pièce d'art la plus frustrante qu'ils pouvaient trouver, qui, selon eux, aurait le moins à voir avec la réalité ». Il les a ensuite envoyés avec un appareil photo et des instructions pour trouver l'équivalent de cette œuvre d'art dans le monde réel. Les étudiants ont réussi dans presque tous les cas. Que dit cela sur l'intégrité et la sainteté d'une image abstraite ? Quelles questions cela soulève-t-il sur pourquoi une chose est considérée comme de l'art et une autre chose presque identique ne l'est pas ? Comme le dit Baldessari, « c'est juste la façon dont vous voyez le monde. Ce n'est pas que l'art ne soit pas réel d'une manière ou d'une autre ». L'exercice visait à remettre en question l'attitude des étudiants. L'abstraction n'est qu'un mot, et les mots eux-mêmes sont abstraits. Que quelque chose soit considéré comme abstrait, conceptuel, objectif, sérieux ou satirique a autant à voir avec le contexte qu'avec l'esthétique. Et ce qui est encore plus important, c'est la perception. Ce qui définit finalement la nature de toute œuvre d'art dépend entièrement de votre point de vue.

Les mots sont des images

John Baldessari a contribué à certains des programmes artistiques les plus expérimentaux et les plus influents des États-Unis. En tant qu'artiste, il s'est bâti une réputation d'innovateur dont le travail évolue constamment. Baldessari a profondément influencé la génération actuelle d’artistes contemporains grâce à son dévouement à une approche omnidisciplinaire de la création artistique. Il est ouvert à travailler sur tous les supports afin de garder son travail intéressant. Cette approche découle naturellement de sa conviction personnelle selon laquelle il doit toujours s’efforcer de voir le monde sous un nouvel angle.

Un problème clé que Baldessari a abordé tout au long de son œuvre est le poids que les humains accordent aux images par rapport aux mots. Depuis les années 1960, il explore de nouvelles façons de juxtaposer les images et les mots. Ce qu'il a découvert, c'est que lorsque le langage est placé hors de son contexte à côté d'une image, la signification des deux peut changer de manière profonde et surprenante. Le cliché selon lequel les images valent mille mots est dépassé. Baldessari a prouvé qu’en matière de sens et de compréhension, les images et les mots ont le même poids.

John Baldessari – Pyramid, 2016. 3 color screenprint. 46 × 36 in. 116.8 × 91.4 cm. Gemini G.E.L. Los Angeles (Left) / John Baldessari - Oval, 2016. 3 color screenprint. 42 1/2 × 36 in. 108 × 91.4 cm. Gemini G.E.L. Los Angeles (Right). © John Baldessari

La crémation

Avant de découvrir son style mature, Baldessari était un peintre traditionnel qui excellait dans le dessin d'après modèle. Il commence à suivre des cours d'art à l'université en 1949, étudiant diverses perspectives (histoire de l'art, éducation artistique, art en studio) dans diverses écoles (UC Berkeley, UCLA, Otis, Chouinard) pendant plus de dix ans. Tout au long de cette période, et pendant la décennie suivante après l'école, il a suivi à peu près la même approche de la création artistique : il a peint des images sur des toiles. Mais un jour, dans son atelier, il fait l'inventaire de son travail. En alignant ses toiles contre le mur, il eut une révélation : ses œuvres étaient toutes identiques d'une manière essentielle, et étaient pareillement les mêmes que toutes les pièces jamais peintes.

Il voulait avancer. Mais il s’est rendu compte que pour y parvenir, il lui faudrait changer fondamentalement. Il décide de détruire toutes ses œuvres existantes. Appelant cela Le projet de crémation, Baldessari a embauché un crémateur et a tout brûlé, sauf quelques-unes de ce qu'il considérait comme ses pièces les plus avant-gardistes. Il a trouvé une galerie pour lui permettre d'organiser une exposition de The Cremation Project après les heures d'ouverture. L'exposition présentait certaines des cendres cuites dans les biscuits, accompagnées de la recette des biscuits, ainsi que des plaques commémoratives documentant les dates de naissance et de décès des œuvres d'art. Ainsi commence la phase omnidisciplinaire de sa carrière.

John Baldessari – Person With Guitar (Orange), 2004. 3-layer, 5-color screenprint construction (mounted to sintra and hand cut). Framed: 33 x 44 1/2 x 3 in. 83.8 x 113 x 7.6 cm. Edition of 45. Gemini G.E.L. Los Angeles. © John Baldessari

Des signes partout

Les quelques œuvres que John Baldessari a sauvées de la crémation étaient certaines des peintures conceptuelles basées sur le texte qu'il avait réalisées, qui comportaient des phrases ou des phrases faisant référence à la peinture ou à l'histoire de l'art. Il avait l'intention que ces œuvres attirent l'attention sur l'absurdité des commentaires artistiques auto-référentiels. Mais quelque chose dans la façon dont il les peignait les faisait être perçues davantage comme des déclarations personnelles. Ainsi, plutôt que de peindre lui-même ses prochaines peintures de panneaux, Baldessari a engagé des peintres de panneaux professionnels pour les peindre. Ce choix faisait référence aux idées minimalistes sur le retrait de l'ego de l'artiste, tout en remettant en question le sérieux de telles idées académiques.

Poursuivant cette ligne de pensée, Baldessari a ensuite conçu une série d'œuvres figuratives qu'il a embauchées pour peindre par des peintres d'enseignes. S'inspirant de l'artiste Al Held, qui avait critiqué l'art conceptuel en disant qu'il s'agissait de « simplement pointer des objets », Baldessari a demandé aux peintres d'enseignes de peindre des images de mains pointant des objets. Il a ensuite rendu hommage aux peintres d'enseignes en signant leur nom sur les toiles situées sous les tableaux. Ces œuvres remettaient en question le rôle de l'artiste dans le processus de création artistique et remettaient également en question la différence entre l'art fin et l'art fonctionnel. À un niveau abstrait, les doigts pointaient vers quelque chose de banal, attirant l’attention sur cette chose plutôt que sur la myriade d’autres qualités formelles et notions conceptuelles présentes dans l’œuvre.

John Baldessari - National City (W), 1996-2009. Yancey Richardson Gallery, New York (Left) / John Baldessari - National City (4), 1996-2009. Yancey Richardson Gallery, New York (Right). © John Baldessari

Images en mouvement

Dans les années 1970, John Baldessari a commencé à travailler avec le cinéma comme médium. La première œuvre qu'il a réalisée s'appelait « Je fais de l'art ». Dans le film, il agitait ses bras vides comme un peintre, faisant des gestes comme s'il travaillait sur une toile, tout en répétant : « Je fais de l'art ». Le film semble se moquer de la peinture comme d'un geste vide de sens. Mais la performance elle-même pourrait être perçue comme de l’art, tout comme le film. À un niveau abstrait, cela soulève de nombreuses questions, par exemple celle de savoir si l'art existe dans l'idée, dans l'exécution ou dans la relique, et si le simple fait de dire quelque chose est de l'art le rend tel.

En plus de réaliser ses propres films, John Baldessari s'approprie également souvent des éléments de pellicules existantes. Parfois, il le coupe en morceaux et place les images ensemble dans de nouvelles configurations. D’autres fois, il place une image fixe d’un film à côté d’une section de scénario sans rapport. Les nouveaux récits qui émergent de ce processus semblent à la fois cohérents et brisés. Ils sont entièrement informés par des spectateurs individuels, qui doivent chacun établir leurs propres associations entre les images et les mots en fonction de points de vue préexistants.

John Baldessari – Two Profiles, One with Nose and Turban; One with Ear and Hat, from Noses and Ears, Etc, The Gemini Series, 2006. Screenprint in colors on Rives BFK and Lanaquarelle paper mounted to Sintra. 30 × 52 in. 76.2 × 132.1 cm. Edition of 45. Collectors Contemporary, Singapore. © John Baldessari

Espaces vides

Dans l'un de ses corps de travail les plus célèbres, John Baldessari modifie des photographies trouvées en couvrant ou en peignant des éléments des images. Baldessari a été inspiré pour explorer cette idée après avoir remarqué comment les musées utilisaient du plâtre non peint pour combler les fissures et les trous dans la poterie ancienne. Il s'est intéressé aux espaces manquants dans les images. Il a trouvé des autocollants de points colorés, du type utilisé pour faire des étiquettes de prix pour une vente de garage, et a commencé à les utiliser pour couvrir des visages et d'autres points d'intérêt dans les photographies afin de changer la façon dont les images pourraient être perçues. 

Dans ces œuvres, nous expérimentons l’expression mature de l’effort déployé par Baldessari pour remettre en question notre point de vue. Les espaces remplis donnent l’impression que les images de choses comme les célébrations sont génériques. Les moments spéciaux semblent cliché. Les scènes jugées suffisamment précieuses par quelqu’un pour être capturées deviennent définitivement anonymes et banales. Ces images modifiées explorent avec éloquence les effets psychologiques abstraits qui peuvent survenir chez un spectateur lorsque ce qui était visible devient caché. Bien que leur signification soit ambiguë, ils expriment de manière succincte, quoique abstraite, une préoccupation plus vaste, que John Baldessari a depuis longtemps : remettre en question les conventions et élargir la perception de tous ceux qui rencontrent son art.

Image à la une : John Baldessari – illustration de la série John Baldessari Does Not Make Boring Art Anymore, 2007. © John Baldessari
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio