Apprécier les portraits abstraits et leur esthétique particulière

Les artistes de portraits abstraits affrontent des défis particuliers. Lorsque nous voyons des visages partout ; cela s’appelle la paréidolie. Lorsque nous voyons tout en visages ; cela s’appelle l’empathie. Les portraits abstraits habitent un espace quelque part entre les deux, et leurs artistes doivent composer simultanément avec les deux. D’une certaine manière, l’habitude naturelle qu’ont les humains de percevoir des motifs visuels familiers partout, qu’ils soient réellement présents ou non, peut profiter aux créateurs de portraits abstraits. Ils ont à peine besoin de faire référence au visage ou à la silhouette humaine pour évoquer leur présence. Mais l’obsession de chercher des visages et des silhouettes dans une image abstraite peut aussi distraire les spectateurs de la considération des autres aspects d’une œuvre d’art. De même, les peintres de portraits abstraits peuvent bénéficier de la tendance naturelle des spectateurs à éprouver de l’empathie chaque fois qu’ils perçoivent, même faiblement, l’image d’un autre reconnaissable. Quelles que soient les sensibilités qu’un spectateur empathique attribue à une image, elles peuvent jouer en faveur du concept de l’œuvre. Mais l’empathie peut aussi gêner la compréhension. La reconnaissance d’un visage ou d’une silhouette familière dans une œuvre d’art peut faire surgir dans l’esprit du spectateur des préjugés personnels, des généralisations et des appréhensions, ce qui peut compromettre et embrouiller les idées que l’artiste avait initialement en tête.

Définir les portraits abstraits

Au XVIe siècle, les Italiens ont établi une hiérarchie des sujets les plus respectables pour une œuvre d’art. Le sujet le plus respectable était considéré comme étant la scène historique, qui se terminait généralement par un épisode mythologique ou religieux. Le deuxième sujet le plus respectable était le portrait. Dans un sens classique, un portrait était généralement défini comme l’image d’un humain, le plus souvent représenté de la tête jusqu’à environ le milieu du torse. Mais cela ne doit pas être uniquement cela. Un portrait peut aussi représenter tout le corps, ou seulement le visage. Et il ne doit pas nécessairement être l’image d’un humain. Il peut s’agir de l’image de tout être, humain, animal, fictif, mythique, spirituel, ou toute combinaison de ceux-ci.

Pour être considéré comme un portrait abstrait, une œuvre doit incorporer deux facultés : premièrement, elle doit utiliser le concept de portrait d’une certaine manière ; et deuxièmement, elle doit être abstraite, ce qui signifie qu’elle doit traiter du domaine des idées, ou du moins éviter une approche purement objective ou représentative de la réalité. Ce qu’elle n’a pas à être, c’est un médium ou une discipline particulière. Un portrait abstrait peut être un dessin ou une peinture, ou il peut aussi s’agir de photographie de portrait abstrait, de sculpture de portrait abstrait, d’installation de portrait abstrait, d’art de la performance de portrait abstrait, etc. Tout phénomène esthétique abstrait qui incorpore la figure de tout être, réel, imaginaire, ou toute combinaison de ceux-ci, pourrait être considéré comme un portrait abstrait.

Joan Miro - Tête de femme, 1938. Huile sur toile. 45,72 x 54,93 cm. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Se confronter à soi-même

D’un point de vue interprétatif, ce qui peut être le plus difficile, et parfois le plus controversé, dans l’appréciation des portraits abstraits, c’est qu’ils sont intrinsèquement personnels. Le constructivisme social postule que tout ce que nous comprenons de la vie découle de nos expériences, et que toutes nos expériences formatrices proviennent d’interactions sociales. D’un point de vue psychologique, une créature regardant l’image d’une autre créature est une interaction sociale. Un spectateur interagissant avec une salle pleine de portraits abstraits constitue une communauté.

Ce qui est difficile dans la nature personnelle des portraits abstraits, c’est qu’ils invitent à des réflexions bien plus profondes et plus intenses que ce que pourraient susciter d’autres types de art abstrait. Par exemple, une sculpture géométrique abstraite ou une composition entièrement abstraite telle qu’une peinture de champ de couleur ou un monochrome peuvent être abordés uniquement selon leurs qualités formelles, symboliques, interprétatives ou contemplatives. Mais en plus de tous ces éléments, les portraits abstraits obligent aussi les spectateurs à interagir avec eux-mêmes.

Frank Auerbach - Tête de JYM II, 1984-85. Huile sur toile. 660 x 610 mm. Collection privée. © Frank Auerbach

Se dévoiler

Le principal défi pour apprécier les portraits abstraits est donc de surmonter les préjugés inhérents. Lorsqu’un spectateur regarde un portrait figuratif, construit pour imiter la réalité aussi fidèlement que possible, le simple fait de reconnaître l’image aide le spectateur à la considérer avec respect. Un sens de la maîtrise artistique et picturale exige que l’être représenté dans le portrait mérite une attention spéciale et complète. Mais les portraits abstraits suscitent d’étranges généralisations. Un domaine où cela est évident est celui des portraits abstraits de populations déjà marginalisées. Considérons, par exemple, les portraits abstraits de femmes.

Deux des peintres de portraits abstraits les plus célèbres sont Pablo Picasso et Willem de Kooning. Ensemble, ils ont peint des centaines de portraits abstraits. Beaucoup des portraits abstraits les plus célèbres de Picasso étaient des femmes, comme sa célèbre Femme qui pleure. Mais son plus controversé était un portrait abstrait de sa maîtresse Marie-Thérèse Walter, intitulé Le Rêve. Ce tableau est controversé parce que les gens pensent y voir un phallus dans la tête de la figure. Ils l’interprètent donc comme une peinture érotique. Mais est-ce simplement de la paréidolie ? Ou est-ce de l’empathie ? Ou est-ce une préoccupation voyeuriste à propos de la relation que Picasso avait avec le modèle ? Le fait que la peinture soit abstraite ouvre la porte à des sauts interprétatifs qui laissent transparaître des préjugés inhérents. La peinture nous montre-t-elle vraiment quelque chose sur Picasso et sa maîtresse ? Ou nous montre-t-elle quelque chose sur nous-mêmes ?

Les femmes de de Kooning

Un phénomène similaire se produit lorsque les gens regardent les portraits abstraits que Willem de Kooning a peints de femmes. Lorsque d’autres peintures abstraites de de Kooning sont discutées, les qualités les plus souvent évoquées sont leur qualité gestuelle, leur énergie vibrante, leurs marques de pinceau distinctes, leur palette caractéristique, ainsi que la tension et la passion transmises par leurs compositions expressives. Ses compositions purement abstraites sont qualifiées de complexes, élaborées et puissantes. Ses paysages abstraits sont qualifiés de sublimes.

Mais un vocabulaire bien différent est utilisé pour parler des portraits abstraits que de Kooning a peints de femmes. Les adjectifs couramment employés par les spectateurs, en particulier les critiques, pour décrire ces peintures sont plutôt hostiles, en colère, violents, fous, misogyne et insensés. De Kooning a noté que lorsqu’il peignait ses portraits de femmes, il espérait qu’ils seraient perçus comme simplement uniques, et peut-être humoristiques. Il tentait de transmettre à sa manière la forme féminine, de façon classique et pourtant moderne et abstraite, comme personne ne l’avait fait auparavant. Alors, qu’y a-t-il dans le portrait de ces peintures qui suscite de tels commentaires anthropomorphiques ? De Kooning a-t-il mis ces pensées dans la peinture ou est-ce nous ?

Willem de Kooning - Femme I, 1950–52. Huile sur toile. 192,7 x 147,3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Gauche) / Willem de Kooning - Femme Willem, 1949. Huile, émail et fusain sur toile. 152,4 x 121,6 cm. Collection privée. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Droite)

Voir les peintres de portraits abstraits dans leurs peintures

Au lieu d’apporter nos propres préjugés sur le sens sous-jacent de ces peintures, une autre façon d’apprécier les portraits abstraits est d’interpréter les manières dont ils communiquent la pensée de l’artiste qui les a peints. Par exemple, les portraits abstraits de Paul Klee montrent l’intérêt de ce peintre pour la couleur, la forme et les compositions harmonieuses. Ils communiquent sa recherche de l’essence géométrique de la nature, et l’équilibre qu’il cherchait à capturer dans son art.

De même, en regardant les portraits abstraits de Robert Delaunay, on peut voir son évolution d’un peintre figuratif à un abstractionniste. Les premiers portraits, comme celui qu’il a peint en 1906 de son ami Jean Metzinger, peuvent être appréciés pour leur usage avancé du divisionnisme. Cette peinture capture la fascination de Delaunay pour la couleur, et les divers effets visuels abstraits rendus lorsque différentes couleurs sont placées côte à côte sur une surface. Elle communique aussi sa recherche pour aplatir le plan de l’image et accorder une attention égale à toutes les parties de l’image.

Paul Klee - Senecio, 1922. Huile sur toile. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Bâle, Bâle, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Gauche) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Huile sur toile. 55 x 43 cm (Droite)

Ce que la photographie de portrait abstrait enseigne

La manière la plus directe d’apprécier les portraits abstraits est simplement de suivre le chemin des idées qu’ils inspirent. Les idées sont au cœur de la photographie abstraite de portrait. Dans la photographie Noire et Blanche de Man Ray, on voit le visage d’un modèle féminin posé à côté d’un masque en bois. Le visage et le masque ont une forme similaire, et partagent une expression commune. Bien que nous montrant la réalité objective, cette image remet en question la capacité d’une photographie à nous montrer ce qui est réel, en défiant la vérité de notre propre visage. Elle demande au spectateur : « Lequel est le masque ? »

Très différente, mais aussi fondée sur des idées, est la photographie double image de Marcel Duchamp prise par Victor Obsatz en 1953. Elle montre une image de Duchamp contemplatif regardant par la fenêtre, et superposée au-dessus, un Duchamp souriant et joyeux nous regardant. Elle nous montre le penseur sérieux et le farceur satirique, tous deux incarnés par cet artiste. Cette photographie nous enseigne comment apprécier tous les portraits abstraits ; comme des images qui combinent des réalités, comme des visions de mondes dans des mondes. Ils nous montrent une image de nous-mêmes, et suggèrent aussi qu’il y a plus en nous que ce que nous savons.

Image en vedette : Salvador Dalí - Galatée des sphères, 1952. Huile sur toile. Théâtre et musée Dalí, Figueres, Espagne. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio