Umberto Boccioni et les formes uniques de continuité dans l'espace

Les artistes modernistes précoces étaient fascinés par le mouvement. Les cubistes montraient le mouvement en peignant des sujets sous plusieurs perspectives simultanées. Les orphistes se concentraient sur les qualités vibratoires de la couleur. Les dynamistes représentaient le mouvement par la répétition. Les futuristes exprimaient le mouvement en esthétisant la vitesse. Umberto Boccioni fut le père de la sculpture futuriste. Les Formes uniques de continuité dans l’espace de Boccioni, une sculpture représentant une forme quasi-humaine abstraite en mouvement, était considérée à l’époque de sa création comme le summum de la représentation du mouvement dans les arts plastiques. En tant que principal théoricien de l’art futuriste, Boccioni considérait que le travail des autres artistes modernistes était enlisé dans ce qu’il appelait la « discontinuité analytique », signifiant que leurs tentatives de montrer la vie se démentaient elles-mêmes par leur manque de vitalité. Avec son propre travail, Umberto Boccioni s’efforçait d’atteindre l’objectif esthétique insaisissable de la « continuité synthétique ». Plutôt que d’essayer d’imiter ou de reproduire le mouvement, il cherchait intuitivement à transmettre la vérité du mouvement par des moyens abstraits.

Umberto Boccioni le Peintre

Avant de s’intéresser au travail en trois dimensions, Boccioni était déjà un peintre très accompli. Il montrait peu d’intérêt pour l’art jusqu’à la fin de son adolescence, mais une fois que l’art l’a trouvé, il a démontré un talent brut et a rapidement appris les compétences classiques fondamentales. Lorsqu’il a rejoint les Futuristes à la fin de la vingtaine, Boccioni était l’un des peintres les plus habiles du mouvement. Rien qu’en jugeant ses autoportraits, on peut voir qu’Umberto Boccioni maîtrisait déjà le dessin figuratif, la manipulation de la peinture, la composition et une maîtrise d’une gamme de styles allant du divisionnisme à l’impressionnisme en passant par le post-impressionnisme.

En 1909, Boccioni s’était engagé à déconstruire son style, en se concentrant sur les éléments qui allaient finalement définir l’esthétique futuriste. Il développait le pouvoir émotionnel des couleurs lumineuses et vibrantes, la capacité de la ligne à transmettre la lumière, la manipulation de la forme pour exprimer le mouvement et l’utilisation des outils, des actions et de l’architecture de l’ère industrielle comme sujets modernes appropriés. Tous ces éléments sont visibles dans sa peinture Le Matin, de 1909. Et moins d’un an après avoir peint cette œuvre, Boccioni a porté ces éléments dans le domaine de l’abstraction, peignant ce que beaucoup considèrent comme la première véritable peinture futuriste, La Ville qui s’élève.

Umberto Boccioni - trois autoportraits, de 1905 (gauche), 1905 (milieu) et 1908 (droite)

La Sculpture Futuriste et les Formes uniques de continuité dans l’espace de Boccioni

L’ardeur de Boccioni à expérimenter est évidente dans sa rapide progression en tant que peintre. Il n’est donc pas surprenant qu’une fois qu’il ait compris les possibilités dynamiques de la sculpture, il ait été attiré par l’opportunité de faire revivre ce qu’il appelait « cet art momifié ». En 1912, il rédigea le document fondamental définissant les préoccupations sculpturales futuristes, intitulé Manifeste technique de la sculpture futuriste. Malgré son titre, il ne limita pas le discours aux aspects techniques, mais démontra plutôt toute la profondeur de la passion et de l’émotion pour lesquelles Boccioni était connu dans son œuvre. Par exemple, le manifeste commence par qualifier le corpus existant de sculptures exposées en Europe de « spectacle si lamentable de barbarie et de lourdeur que mon œil futuriste s’en détourne avec horreur et dégoût ».

Au cours de l’année suivant la création de ce document, Boccioni réalisa une douzaine de sculptures. Il ne les coula qu’en plâtre, démontrant manifestement la mentalité classique des futuristes, plus préoccupés par les idéaux que par la création d’une œuvre destinée à durer à travers les âges. Ses sculptures s’intéressaient principalement à l’idée de transmettre ce qu’il appelait la « succession », ou une série d’événements. Il qualifiait de « stupides » les artistes qui croyaient que la succession pouvait être obtenue par des astuces visuelles, telles que la répétition (comme chez les dynamistes) ou la peinture sous plusieurs perspectives (comme chez les cubistes). Il pensait que la succession devait être transmise par une composition abstraite unique, à travers une « recherche intuitive de la forme unique qui donne continuité dans l’espace ». Umberto Boccioni utilisa cette expression comme titre de l’une de ces premières douze sculptures, qu’il considérait comme incarnant l’essence de cette idée. Les multiples tirages en bronze de cette œuvre, Formes uniques de continuité dans l’espace, qui existent aujourd’hui dans des musées du monde entier, ont tous été réalisés après la mort de Boccioni. La pièce originale en plâtre se trouve à São Paulo, au Brésil, au Museu de Arte Contemporânea.

Umberto Boccioni - Le Matin (gauche), peint en 1909, et La Ville qui s’élève (droite), peinte en 1910

Développement d’une bouteille dans l’espace

L’une des sculptures futuristes les plus intrigantes de Boccioni s’intitule Développement d’une bouteille dans l’espace. Sans connaître son titre, un spectateur pourrait facilement lire l’œuvre comme un assemblage abstrait de formes géométriques regroupées en une sorte de montagne. Ou elle pourrait être vue comme une vision d’un paysage urbain futuriste de gratte-ciel. Même après avoir lu le titre, l’œuvre pourrait être considérée comme cubiste, car elle semble représenter une bouteille sous plusieurs plans spatiaux simultanés. Mais selon Boccioni, ce n’est rien de tout cela. Elle dépeint le mouvement d’un produit industriel manufacturé en train de s’assembler dans l’espace physique.

Contrairement à la forme quasi-humaine des Formes uniques de continuité dans l’espace, il n’y a pas de justification théorique évidente pour qu’une bouteille soit en mouvement. Le fait que Boccioni ait choisi un objet inanimé pour démontrer l’animation est révélateur. L’œuvre offre un indice inquiétant de l’adoration des futuristes pour le monde mécanisé auquel ils réagissaient. C’est une vision d’un avenir industrialisé autonome qui, à bien des égards, s’est réalisé, où les produits s’assemblent eux-mêmes et où le mouvement mécanisé se produit de manière autonome, sans intervention humaine.

Umberto Boccioni - Formes uniques de continuité dans l’espace, 1913, vue de face et de côté

La recherche contemporaine de la succession

Un aspect souvent méconnu à propos de Boccioni et des autres futuristes est qu’il y avait une contradiction inhérente dans leurs idées. Ils étaient censés se révolter contre le poids de l’histoire et embrasser l’ère de la machine. Et pourtant, ils le faisaient à travers les arts plastiques. La première caméra de cinéma a été inventée plus d’une décennie avant la publication du Manifeste futuriste. Pourquoi tenter de capturer le mouvement dans une peinture, alors qu’il pouvait littéralement être capturé sur pellicule ?

Il est touchant que ces artistes, tout en rejetant les artistes du passé, n’aient pas entièrement rejeté l’art lui-même. Ils auraient pu remplacer entièrement leurs pratiques anciennes par les mondes rapides, beaux et motorisés de la photographie et du cinéma. Mais au lieu de cela, ils ont choisi d’affronter l’époque moderne avec des techniques anciennes. Sachant que la représentation parfaite leur était accessible par la photographie et le cinéma, ils ont volontairement choisi l’abstraction, peut-être pour les mêmes raisons que tant d’autres, comme Wassily Kandinsky et Kazimir Malevich, l’ont fait. C’est une manière non seulement de nous montrer ce qui est visible à l’œil, mais aussi d’atteindre quelque chose qui réside au-delà de l’œil, dans l’esprit, dans le cœur ou dans l’âme. Aussi essentiels que la vitesse, les machines et l’ère industrielle aient été pour les futuristes, le fait qu’ils aient peint et sculpté révèle qu’ils croyaient au fond d’eux-mêmes que quelque chose d’ancien, comme l’humanité, était encore plus important.

Image en vedette : Umberto Boccioni - Développement d’une bouteille dans l’espace, réalisé en 1913, coulé en 1950
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio