Couleur et géométrie audacieuses dans la peinture de Gillian Ayres

La célèbre artiste abstraite britannique Gillian Ayres pratique l'art de manière professionnelle depuis près de 70 ans. Depuis qu'elle a obtenu son diplôme de la Camberwell School of Art de Londres en 1950, elle n'a jamais renoncé à sa seule passion : la peinture. Même au milieu de tendances mondiales comme l'art conceptuel, l'art de la performance, le land art, l'art de l'installation et l'art multimédia, dont chacune remettait en question la pertinence de son travail, Ayres restait dévouée à la proposition simple de créer des images avec de la peinture. Son travail a toujours été abstrait, même si son style a continuellement évolué. Lorsqu’on lui demande le sens de son œuvre ou quelle a été l’impulsion d’une œuvre particulière qu’elle a créée, elle détourne la conversation des mots. "C'est une expérience visuelle", dit-elle, "pas littéraire."

Une certaine rature

En parlant de ses débuts à l'école d'art, Gillian Ayres adopte une sorte d'aspect sournois. Elle se souvient d'avoir été complètement dégoûtée par les méthodes d'enseignement de nombreux professeurs. Elle et les autres étudiants devaient passer des journées entières à se concentrer sur des choses telles que dessiner à plusieurs reprises une partie du corps d'un modèle ou esquisser une scène devant un café londonien. Elle percevait la répétition et la précision sans relâche comme banales. Elle aspirait à découvrir l'art moderniste et l'art abstrait, et à créer le type d'art qui la ferait se sentir vivante, vibrante et libre.

Elle se décrit à cette époque comme subversive. Cependant, elle a dit : « Ce n'est pas une ambition d'aller à l'encontre du courant. Je ne pense pas qu'il y ait eu un désir d'être subversif. Je pense qu'on se sentait juste mal dans sa peau. » Cette mal-être a finalement été validé au début des années 1950 lorsqu'elle a rencontré pour la première fois le travail de Jackson Pollock. Les images qu'elle a vues de lui travaillant au sol, manipulant la peinture de manière lâche, active et vivante, l'ont inspirée, et elle a immédiatement su qu'elle voulait être libre comme ça. À ce jour, Ayres considère Pollock comme une grande source d'inspiration ; non pas qu'elle ait copié sa technique, son style ou l'apparence de son travail, mais plutôt qu'il lui a montré un chemin vers la rupture avec le désordre classique.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Une véritable vocation

Nouvellement encouragée, Ayres a passé les années 1950 à développer un style abstrait dynamique et vibrant. Mais bien que son travail lui ait valu le respect d'autres peintres, et dans une certaine mesure du public, le modernisme et l'abstraction n'étaient pas encore largement acceptés en Grande-Bretagne. Elle avait exposé et vendu un petit nombre de tableaux, mais le succès financier lui échappait. Elle a donc accepté avec joie lorsqu'on lui a proposé un poste temporaire d'enseignante à l'Académie des Beaux-Arts de Bath, une école d'art connue pour son caractère progressiste. Elle a fini par rester à Bath pendant sept ans, puis a déménagé pour donner des cours à la Saint Martin's School of Art pendant 12 ans, et pour diriger le département de peinture à la Winchester School of Art pendant trois ans.

Tout en enseignant, Ayres a continué à faire évoluer son style. Elle a expérimenté avec des formes biomorphiques, exploré une gamme de palettes de couleurs, et fluctué entre des œuvres picturales, impasto et des surfaces planes. Et sa réputation de rebelle a grandi, alors qu'elle continuait à défendre avec fermeté la peinture alors que presque tous ses collègues orientaient leurs étudiants vers d'autres médias, plus contemporains. Mais ensuite, à la fin des années 1970, elle a eu un moment de clarté. Après avoir failli mourir d'une crise de pancréatite aiguë, elle a réalisé que malgré son succès en tant qu'éducatrice, tout ce qu'elle voulait vraiment faire était de peindre. Elle a rapidement mis fin à sa carrière académique et a déménagé à la campagne au Pays de Galles pour se consacrer à plein temps à son art.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Couleur et forme

Nouvellement consacrée, Ayres s'est immergée dans son amour de la peinture. Elle s'était déjà tournée vers un style plus empâté et texturé, et maintenant son travail est devenu encore plus pictural, plus tactile et plus luxuriant. Elle a utilisé ses mains nues pour manipuler la peinture, se connectant directement et personnellement aux surfaces. Ses peintures de cette époque apparaissent comme un terreau primordial pour de nouveaux rapports de couleurs et des formes inimaginables. D’innombrables possibilités jaillissent de ces compositions extatiques, parvenant tant bien que mal à l’harmonie malgré leur complexité.

C'est à peu près à cette époque qu'Ayres a réalisé qu'elle n'avait plus aucun intérêt pour la tonalité. Elle ne voulait rien de teintes atténuées, ni de nuances de couleur. Elle voulait de l'intensité. Et avec son attention portée sur des couleurs vives et pures, elle a également commencé à se diriger vers une utilisation plus figurative de la forme, durcissant ses lignes et permettant à de plus grands champs de couleur d'habiter ses compositions. Un sentiment de calme confiance est apparu dans ses peintures, peut-être en rapport avec une vie désormais passée dans une contemplation constante du travail essentiel qu'elle se sentait destinée à accomplir.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Oil on canvas. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Une nouvelle géométrie

Tout au long des années 1990 et au début des années 2000, Ayres a continué à évoluer vers un sens de formes reconnaissables dans ses compositions. Des indices d'objets naturels apparaissent et disparaissent, tels qu'une lune ou un soleil, une ligne d'horizon, ou un assortiment mondain de formes semblables à un festin sur une table ou des fleurs dans un champ. Certaines de ses compositions flirtent avec des formes et des motifs géométriques, même si ce n'est que par fragments. Mais ce n'est pas tant une figuration réaliste qui a émergé dans ses œuvres les plus récentes, c'est plutôt comme si un langage visuel abstrait figuratif s'était affirmé, semblable à ce qui s'est matérialisé lorsque Matisse, dans la phase tardive de sa carrière, a développé ses emblématiques découpes hard-edge.

Ce langage visuel se prête particulièrement bien au médium de la gravure, qui intéresse depuis longtemps Ayres. Ces dernières années, elle a aimé réaliser des gravures et des gravures sur bois pendant les mois d'hiver dans son atelier. Les couleurs de ses imprimés sont plus vibrantes et pures que jamais, créant des relations audacieuses qui choquent l’œil par leur présence dynamique. Elle fait référence au processus de gravure comme à quelque chose qui est lié à la volonté de reproduire. Mais malgré sa qualité essentiellement reproductive, elle a tendance à ajouter des éléments peints à la main à de nombreuses estampes qu'elle réalise, rendant chaque œuvre d'art unique. Cette fusion de processus mécaniques et de peinture à la main donne lieu à un mélange de textures en couches.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Innovation sans limites

À une époque où la technologie et les pratiques multimédias semblent être à l'avant-garde de chaque foire d'art et biennale, et où les œuvres ouvertement sociales, culturelles et politiques attirent une grande partie de l'attention des médias, il est remarquable que Gillian Ayres continue de prouver que la peinture abstraite est toujours pertinente. Elle a résisté à la pression d'innombrables tendances, tout en restant fidèle à son simple amour de la couleur, de la forme, de la surface et de la peinture. Dans la tradition des maîtres modernistes qui l'ont inspirée, comme Picasso, Matisse et Miro, Ayres a démontré la valeur de la peinture en montrant simultanément à quel point elle peut être simple et variée.

Et pourtant, malgré son amour exclusif pour le médium, sa vision esthétique et ses habitudes ont continuellement progressé. Elle a travaillé de diverses manières avec une gamme de médiums de peinture différents, explorant et embrassant la spécificité de chaque médium. Et en élargissant sa pratique pour inclure des procédés d'impression, elle a étendu les limites de la peinture chaque fois qu'elle le pouvait. Elle a prouvé qu'elle était complexe, et pourtant, en réduisant les éléments de la peinture à la couleur, la forme et l'espace, elle a enseigné à plusieurs générations de spectateurs comment simplement regarder. « On s'inquiète terriblement, d'une manière agitée », dit-elle. « Je veux trouver quelque chose, et je veux que mes peintures soient inspirantes, mais je ne pense pas savoir comment finir une image, et je ne sais pas comment commencer non plus. Les gens aiment comprendre, et j'aimerais qu'ils ne le fassent pas. J'aimerais qu'ils se contentent de regarder."

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Image en vedette : Gillian Ayres - Sun Up (détail), 1960. Huile sur toile. © Gillian Ayres
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio