Peinture empâtée dans l’art abstrait

Peut-être que le bâtiment le plus symbolique d’Amérique est le One World Trade Center dans le bas de Manhattan. En tant que pièce maîtresse du développement qui a remplacé les tours jumelles détruites en 2001, son existence même est une déclaration puissante. Ajoutant de manière proéminente à son symbolisme, deux immenses peintures impasto abstraites sont installées en permanence dans le hall de son entrée sud. Le bâtiment est surnommé la Tour de la Liberté, et c’est le plus haut bâtiment de l’hémisphère occidental. Il s’élève à 1776 pieds : une référence délibérée à l’année où l’Amérique a déclaré son indépendance. Les peintures impasto mentionnées plus haut qui ornent les murs du hall sud sont de l’artiste américain Donald Martiny. L’une des peintures s’appelle Lenape, et l’autre s’appelle Unami. Les titres font référence à l’histoire précolombienne de New York. Les Lenape sont la tribu autochtone qui habitait à l’origine le terrain sur lequel la Tour de la Liberté a été construite. Unami est un dialecte Lenape. Au sommet de la Tour de la Liberté se trouve une plateforme d’observation appelée One World Observatory. Aussi loin que porte le regard depuis l’observatoire, tout l’environnement environnant soutenait autrefois la culture Lenape. Alors, que communique ce bâtiment ? Il a été conçu pour commémorer l’une des pires attaques terroristes de l’histoire humaine. Il met en avant les idées d’un monde uni, de liberté, d’indépendance et de commerce. Il encourage les visiteurs à adopter une vision à long terme. Et ses œuvres d’art les plus remarquables portent le nom de ceux qui ont été soumis pour construire la nation responsable de sa création. Quelle conversation a lieu ici ? Quelle est la signification de tout ce symbolisme ? Peut-être y a-t-il quelque chose à apprendre des œuvres elles-mêmes, et des qualités abstraites que représente la peinture impasto.

Ombre et Lumière

Le terme impasto vient du mot italien pour pâte. En peinture, il désigne la technique consistant à appliquer des couches épaisses de matière sur une surface afin de donner une dimension texturée à une œuvre. Le peintre italien du XVIe siècle Titien fut l’un des premiers artistes connus à avoir intentionnellement incorporé des techniques d’impasto dans ses peintures. Il a commencé à utiliser cette technique à une époque où les peintures étaient prisées pour leurs surfaces lisses et l’absence de coups de pinceau visibles. Peintre réaliste de maître, Titien a compris qu’en accumulant la peinture à certains endroits sur une surface, il pouvait créer des variations dans la réflexion de la lumière, donnant aux éléments d’une peinture un aspect vivant.

Chaque coup de pinceau d’une peinture impasto provoque des dégradés de couleur qui apparaissent à partir des ombres créées lorsque la lumière frappe la peinture en relief. Selon la position des lumières et le point de vue du spectateur, une peinture impasto peut changer subtilement, ajoutant des variations de profondeur et un sens accru du réalisme. À son époque, Titien allait à l’encontre de la tradition en laissant ses coups de pinceau visibles et en montrant les propriétés matérielles de son médium. Mais il maîtrisait si bien la technique que son influence fit rapidement école. Au XVIIe siècle, Rembrandt incorporait célèbrement la peinture impasto dans ses œuvres. Et au XIXe siècle, la technique était si appréciée que Van Gogh en fit sa marque de fabrique.

Van Gogh - La Nuit étoilée, 1889, 1889. Huile sur toile. 29 x 36 1/4 po. Collection MoMA. © Van Gogh (Gauche) et détail (Droite)

Expressions Abstraites

Au tournant du XXe siècle, un groupe de peintres appelés les Expressionnistes cherchaient des moyens d’exprimer des états émotionnels intérieurs dans leurs peintures plutôt que de simplement capturer la réalité extérieure. Ils adoptèrent la peinture impasto comme l’une de leurs techniques préférées. La peinture appliquée en couches épaisses possède de nombreuses qualités inhérentes, telles que le poids, la profondeur et la gravité. Plus elle est épaisse, plus elle crée d’ombre. Elle abstrait les images, déformant la manière dont les spectateurs interagissent avec le sujet. Les Expressionnistes la trouvèrent idéale pour communiquer le sérieux, l’intensité et le drame.

À la même époque où l’expressionnisme gagnait en importance, l’abstraction devenait également une préoccupation croissante pour de nombreux artistes. La peinture impasto s’avéra être une technique idéale pour les peintres abstraits puisqu’elle aidait à déplacer l’attention d’une peinture du sujet vers les qualités formelles de l’œuvre. Une peinture impasto abstraite, par conséquent, n’a pas besoin de représenter quoi que ce soit d’autre que la peinture elle-même. Hans Hofmann fut un artiste abstrait particulièrement influent qui adopta pleinement la peinture impasto. Hofmann croyait qu’en se concentrant sur les éléments formels de l’esthétique plutôt que sur la reproduction de la réalité, les artistes pouvaient exprimer des vérités plus profondes. Il utilisait la peinture impasto pour exprimer les qualités abstraites de la structure, de l’espace, de la couleur, de la forme et de l’illusion.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Huile sur lin. 40 x 50 po (101,6 x 127 cm). Collection privée.  Avec l’aimable autorisation de Tom Powel Imaging (Gauche) et détail de la peinture (Droite)

Dimensions Sculpturales

En plus d’être peintre, Hofmann était aussi enseignant. Beaucoup de ses élèves, tels que Helen Frankenthaler et Lee Krasner, l’épouse de Jackson Pollock, devinrent des figures majeures du mouvement expressionniste abstrait. Hofmann eut un effet profond sur la manière dont ces peintres se rapportaient à leurs médiums. Puisque l’objectif de nombreux peintres expressionnistes abstraits était de transmettre leurs sentiments subconscients et de capturer sur la toile l’émotion et l’intensité de l’acte de peindre, Hofmann leur inculqua que les qualités matérielles de leur médium devaient être un élément clé de leur travail.

Il leur enseigna que, « chaque moyen d’expression a son propre ordre d’être ». Entre les mains de peintres comme Jackson Pollock et Jane Frank, la peinture impasto prit une toute nouvelle dimension, au sens propre. Jane Frank construisait des couches sculpturales de médiums sur ses surfaces impasto. Jackson Pollock éclaboussait, laissait couler et versait la peinture en quantités si massives que le poids même de ses couches impasto menaçait de détruire les supports de ses œuvres. De plus, les expressionnistes abstraits élargirent le concept de peinture impasto pour inclure d’autres matériaux que la peinture, comme des médiums inhabituels et des débris tels que du verre brisé, des pierres, des mégots de cigarette. En ajoutant des matériaux et médiums inhabituels à leurs couches impasto, ces peintres exprimèrent une profondeur à la fois conceptuelle et physique.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Huile et enduit sur toile. 70 x 50 po. © Jane Frank

Tout est dans la Peinture

En réaction à l’intensité émotionnelle de l’expressionnisme abstrait, la peinture impasto tomba en disgrâce auprès de nombreux artistes dans les années 1960 et 1970, en particulier ceux associés au minimalisme. Ces artistes cherchaient à créer des surfaces lisses qui éliminaient toute trace de l’artiste individuel ayant réalisé l’œuvre. Pour obtenir des surfaces ultra lisses, ils utilisèrent des techniques telles que la teinture et la pulvérisation, et recoururent à des procédés mécanisés et industriels. Mais dans les années 1980, l’engouement pour l’impasto revint.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Huile sur lin. 28,25 x 28,25 po (71,76 x 71,76 cm). Avec l’aimable autorisation de George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Une des raisons pour lesquelles la technique retrouva sa faveur fut une réaction contre la prétendue absence d’âme du minimalisme. Une autre raison fut un intérêt croissant pour les qualités formelles des matériaux artistiques. Une expression particulièrement réussie de l’esthétique minimaliste fut la peinture monochrome. Les monochromes expriment la couleur pure et la platitude. Dans les années 1980, des peintres tels que James Hayward et Alan Ebnother commencèrent à réinventer le monochrome par la peinture impasto. Leurs monochromes impasto embrassaient l’expression de la couleur mais ajoutaient une dimension de physicalité et de spécificité du médium. En éliminant l’anonymat industriel des monochromes minimalistes et en réintroduisant la marque de l’artiste, ils revalorisèrent l’émotion et la personnalité, et attirèrent une attention renouvelée sur les qualités essentielles de la peinture.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Huile sur toile sur panneau. 30 x 28 po. © James Hayward (Gauche) et Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Huile sur toile sur panneau de bois. © James Hayward (Droite)

Au-delà de l’Impasto

En regardant l’histoire de la peinture impasto, il est clair que cette technique porte avec elle une gamme d’associations abstraites. À ses débuts, elle fit un pas sans précédent en ne cachant pas le fait qu’une œuvre d’art était faite de peinture. En ce sens, elle brisa l’illusion. Elle servit plus tard à mettre en lumière les différences subtiles et souvent changeantes entre l’obscurité et la lumière. À l’ère moderniste, la peinture impasto devint un moyen d’exprimer la profonde émotion et les sensibilités primaires de l’esprit subconscient. Et dans son usage contemporain, elle est devenue une expression de la puissance et de la simplicité du geste artistique lui-même. Que pouvons-nous donc déduire de la conversation qui a lieu entre le One World Trade Center et les peintures impasto abstraites de Donald Martiny qui occupent son hall ?

Bien que ces peintures semblent être d’immenses coups de pinceau impasto, elles ont en réalité été méticuleusement réalisées dans un processus laborieux, au cours duquel Martiny verse, laisse couler et étale couche après couche de médium, utilisant parfois ses mains nues. Elles expriment le travail acharné, l’adaptation, la patience, la vision et la force inhérente à la construction soigneuse de couches au fil du temps. Au-delà de cela, comme toutes les peintures impasto, Lenape et Unami symbolisent aussi la rupture des illusions, la nature évolutive de l’obscurité et de la lumière, la gamme de profondeurs émotionnelles et physiques, et les réalités primaires de l’esprit subconscient humain. Considérées sous cet angle, elles deviennent plus que des objets esthétiques, et plus que des gestes symboliques. Elles deviennent les parfaits représentants abstraits de leur médium, de leur environnement, de leurs noms, de leur histoire et de leur époque.

Image en vedette : Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio