Peinture empâtée dans l’art abstrait

Le bâtiment le plus symbolique d’Amérique est peut-être le One World Trade Center, dans le Lower Manhattan. En tant que pièce maîtresse du développement qui a remplacé les tours jumelles détruites en 2001, son existence même est une déclaration puissante. Deux énormes abstraits empâtements peintures installées en permanence dans le hall de son entrée sud. Le bâtiment est surnommé Freedom Tower et est le plus haut bâtiment de l’hémisphère occidental. Il s’élève à 1 776 pieds : une référence délibérée à l’année où l’Amérique a déclaré son indépendance. Les peintures à empâtement mentionnées ci-dessus qui ornent les murs du hall sud sont de l'artiste américain Donald Martiny. L'une des peintures s'appelle Lenape  et l'autre s'appelle Unami. Les titres font référence à l'histoire précolombienne de New York. Les Lenape sont la tribu indigène qui habitait à l'origine le terrain sur lequel la Freedom Tower a été construite. Unami est un dialecte Lenape. Au sommet de la Freedom Tower se trouve une plate-forme d’observation appelée One World Observatory. À perte de vue depuis l'observatoire, tout l'environnement environnant soutenait autrefois la culture Lenape. Alors, que communique ce bâtiment ? Il a été conçu pour commémorer l’une des pires attaques terroristes de l’histoire de l’humanité. Il met en avant les idées d'un monde unique, de liberté, d'indépendance et de commerce. Cela encourage les visiteurs à avoir une vision à long terme. Et ses œuvres d’art les plus marquantes portent le nom de ceux qui ont été soumis pour construire la nation responsable de sa création. Quelle conversation a lieu ici ? Quel est le sens de toute cette symbolique ? Peut-être y a-t-il quelque chose à apprendre des œuvres d'art elles-mêmes et des qualités abstraites de la empâtement peinture représente.

Ombre et Lumière

Le terme empâtement vient du mot italien signifiant pâte. En peinture, il fait référence à la technique consistant à appliquer des couches épaisses de médium sur une surface afin de donner une dimension texturale à une œuvre d'art. Le peintre italien du XVIe siècle, Titien, fut l'un des premiers artistes connus à avoir intentionnellement incorporé des techniques d'empâtement dans ses peintures. Il a commencé à utiliser cette technique à une époque où les peintures étaient appréciées pour leurs surfaces lisses et l'absence de coups de pinceau visibles. Peintre réaliste magistral, Titien s'est rendu compte qu'en accumulant de la peinture dans certaines zones d'une surface, il pouvait créer des variations dans la façon dont la lumière se reflétait sur celle-ci, donnant aux éléments d'une peinture une sensation réaliste.

Chaque coup de pinceau en impasto provoque des gradations de couleur qui apparaissent à partir des ombres créées lorsque la lumière frappe la peinture en relief. Selon la position des lumières et le point de vue d'un spectateur, une peinture en impasto peut se modifier de manière subtile, ajoutant des variations de profondeur et un sens accru du réalisme. À son époque, Titien brisait la tradition en permettant à ses coups de pinceau d'être visibles et aux propriétés matérielles de son médium de se montrer. Mais il maîtrisait tellement la technique que son influence a rapidement fait adopter cette méthode. Au 17ème siècle, Rembrandt intégrait célèbrement la peinture en impasto dans ses œuvres. Et au 19ème siècle, la technique était si bien considérée que Van Gogh en a fait son style emblématique.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Expressions abstraites

Au tournant du XXe siècle, un groupe de peintres appelés expressionnistes cherchaient des moyens d'exprimer les états émotionnels intérieurs dans leurs peintures plutôt que de simplement capturer la réalité extérieure. Ils ont adopté la peinture d’empâtement comme l’une de leurs techniques préférées. La peinture en couches épaisses possède de nombreuses qualités inhérentes, telles que le poids, la profondeur et la gravité. Plus il est appliqué épais, plus il crée d’ombre. Il fait abstraction des images, déformant la façon dont les spectateurs interagissent avec le sujet. Les expressionnistes le trouvaient idéal pour communiquer le sérieux, l’intensité et le drame.

À peu près au même moment où l’expressionnisme gagnait en importance, l’abstraction devenait également une préoccupation croissante pour de nombreux artistes. La peinture à empâtement s'est avérée être une technique idéale pour les peintres abstraits, car elle a permis de déplacer l'attention d'une peinture du sujet vers les qualités formelles de l'œuvre. Une peinture abstraite à empâtement ne doit donc pas nécessairement concerner autre chose que la peinture. Hans Hofmann était un artiste abstrait particulièrement influent qui a pleinement adopté la peinture à empâtement. Hofmann pensait qu’en se concentrant sur les éléments formels de l’esthétique plutôt qu’en imitant la réalité, les artistes pouvaient exprimer des vérités plus profondes. Il a utilisé la peinture empâtée pour exprimer les qualités abstraites de structure, d'espace, de couleur, de forme et d'illusion.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Dimensions sculpturales

En plus d'être peintre, Hofmann était également enseignant. Beaucoup des étudiants qu'il a formés, tels que Helen Frankenthaler et Lee Krasner, la femme de Jackson Pollock, sont devenus des figures de proue du mouvement expressionniste abstrait. Hofmann a eu un effet profond sur la manière dont ces peintres se rapportaient à leurs médiums. Puisque l'accent de nombreux peintres expressionnistes abstraits était de transmettre leurs sentiments subconscients et de capturer sur toile l'émotion et l'intensité de l'acte de peindre, Hofmann leur a inculqué que les qualités matérielles de leur médium devaient être un élément clé de leur travail.

Il leur a enseigné que « chaque moyen d'expression a son propre ordre d'être ». Entre les mains de peintres comme Jackson Pollock et Jane Frank, la peinture avec empâtement a littéralement pris une toute nouvelle dimension. Jane Frank a construit des couches sculpturales de médiums sur ses surfaces empâtées. Jackson Pollock éclaboussait, coulait et versait de la peinture en quantités si massives que le poids de ses couches d'empâtement menaçait de détruire les supports de ses œuvres. Les expressionnistes abstraits ont en outre élargi le concept de peinture empâtée pour inclure des éléments autres que la peinture, comme des médiums inhabituels et des détritus tels que du verre brisé, des pierres, des mégots de cigarettes. En ajoutant des matériaux et des médiums inhabituels à leurs couches d'empâtement, ces peintres ont exprimé la profondeur conceptuelle et physique.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Tout sur la peinture

En réponse à l'intensité émotionnelle de l'Expressionnisme abstrait, la peinture en impasto est tombée en désuétude chez de nombreux artistes dans les années 1960 et 70, en particulier ceux associés au Minimalisme. Ces artistes cherchaient à créer des surfaces lisses qui éliminaient les preuves de l'artiste individuel qui avait réalisé l'œuvre. Pour créer des surfaces ultra lisses, ils se sont tournés vers des techniques telles que la teinture et le pulvérisateur, et ont utilisé des processus mécanisés et industriels. Mais dans les années 1980, l'amour pour l'impasto est revenu.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Une des raisons pour lesquelles la technique a retrouvé sa faveur était une réaction contre la froideur perçue du Minimalisme. Une autre raison était un intérêt croissant pour les qualités formelles des matériaux artistiques. Une expression particulièrement réussie de l'esthétique minimaliste était la peinture monochrome. Monochromes expriment la couleur pure et la planéité. Dans les années 1980, des peintres tels que James Hayward et Alan Ebnother ont commencé à réimaginer le monochrome à travers la peinture en impasto. Leurs monochromes en impasto ont embrassé l'expression de la couleur mais ont ajouté une dimension de physicalité et de spécificité du médium. En éliminant l'anonymat industriel des monochromes minimalistes et en réintroduisant la marque de l'artiste, ils ont re-priorisé l'émotion et la personnalité, et ont attiré une attention renouvelée sur les qualités essentielles de la peinture.

James Hayward - Abstrait 31, 2001. Huile sur toile sur panneau. 30 x 28 po. © James Hayward (Gauche) et Chromachord asymétrique 38, 2009. Huile sur toile sur panneau en bois. © James Hayward (Droit)

Au-delà de la pâte

En repensant à l’histoire de la peinture à empâtement, il est clair que cette technique comporte une gamme d’associations abstraites. À ses débuts, elle a pris la mesure sans précédent de ne pas cacher le fait qu’une œuvre d’art était réalisée à partir de peinture. En ce sens, cela a brisé l’illusion. Il a ensuite servi à mettre en évidence les différences subtiles et souvent changeantes entre l’obscurité et la lumière. À l’ère moderniste, la peinture empâtée est devenue un moyen d’exprimer les émotions profondes et les sensibilités primaires de l’esprit subconscient. Et dans son usage contemporain, il est devenu une expression de la puissance et de la simplicité du geste artistique lui-même. Alors, que pouvons-nous savoir de la conversation qui a lieu entre le One World Trade Center et les peintures abstraites à empâtement de Donald Martiny qui occupent son hall ? 

Bien que ces peintures semblent être d'énormes coups de pinceau empâtés, elles ont en réalité été méticuleusement réalisées au cours d'un processus laborieux, au cours duquel Martini verse, coule et étale couche après couche de médium, parfois à mains nues. Ils expriment le travail acharné, l’adaptation, la patience, la vision et la force inhérente à la construction minutieuse de couches au fil du temps. Au-delà de cela, comme toutes les peintures à empâtement, Lenape  et Unami symbolisent également l'éclatement des illusions, la nature évolutive de l'obscurité et de la lumière, la gamme de profondeur émotionnelle et physique et l'univers primal. réalités de l'esprit humain subconscient. Considérés sous cet angle, ils deviennent plus que des objets esthétiques et plus que des gestes symboliques. Ils deviennent les parfaits représentants abstraits de leur médium, de leur environnement, de leurs homonymes, de leur histoire et de leur époque.

Image en vedette : Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio