L'art des illusions d'optique qui a marqué le 20e siècle

La réalité n’est pas toujours figée ; ou du moins, cela peut sembler ainsi à l’esprit humain. Ce que nous croyons est basé dans une certaine mesure sur ce que nous percevons, mais ce que nous percevons est aussi parfois déterminé par ce que nous croyons. Optique illusion art, ou Op Art en abrégé, est un style esthétique qui exploite intentionnellement cette bizarrerie de perception humaine qui donne à l’œil humain la capacité de tromper le cerveau humain. En manipulant des motifs, des formes, des couleurs, des matériaux et des formes, les Op Artists s'efforcent de créer des phénomènes qui trompent l'œil, incitant les spectateurs à voir plus que ce qui est réellement là. Et puisque les croyances peuvent avoir autant d’influence que les faits, l’Op Art pose la question de savoir ce qui compte le plus : la perception ou la vérité.

Une brève histoire de l’art des illusions d’optique

L'Op Art trouve ses racines dans une technique appelée trompe-l'œil, qui signifie en français tromper l'œil. Les premières références à de telles tendances dans l’art remontent à l’Antiquité, lorsque les artistes grecs de l’Antiquité tentaient de créer des peintures si réalistes que les gens seraient littéralement trompés en leur faisant croire que leurs images étaient réelles. La technique est ensuite devenue et démodée à de nombreuses reprises au fil des siècles, atteignant son plein essor au 19e siècle avec des peintures en trompe-l'œil  comme Escaping Criticism, peintes en 1874 de Pere Borrell del Caso, qui montre une image hyperréaliste d'un enfant sortant d'un cadre.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Mais bien que destiné à tromper l'œil, l'Op Art n'est pas la même chose que l'art hyper-réaliste. En fait, l'Op Art tel que nous le connaissons aujourd'hui est plus souvent abstrait, s'appuyant sur des compositions géométriques pour convaincre l'œil que des formes irréelles et des plans spatiaux existent. La première technique abstraite conçue pour tromper l'œil s'appelait Pointillisme. Plutôt que de mélanger les couleurs à l'avance, les peintres pointillistes plaçaient des couleurs non mélangées côte à côte sur une toile, créant l'illusion de champs de couleurs solides. Lorsque ces peintures sont vues de loin, il semble que les couleurs soient mélangées. Georges Seurat a inventé le Pointillisme et a maîtrisé l'effet avec des peintures telles que Phare à Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Illusions abstraites

Le concept sous-jacent au Pointillisme a finalement donné naissance à de nombreuses autres techniques alors que les artistes cherchaient des moyens de tromper l'esprit pour compléter une image. Il a inspiré le Divisionisme des Futuristes italiens, et les plans à quatre dimensions du Cubisme. Mais son application la plus réussie est survenue lorsqu'il a été combiné avec l'esthétique de l'abstraction géométrique, comme avec l'eau-forte géométrique abstraite Constellation Structurelle, peinte en 1913 par Josef Albers.

Selon ses propres déclarations, Albers n’essayait pas de créer une illusion d’optique avec cette œuvre. Il était engagé dans des expériences de composition simples concernant la perception des lignes et des formes sur une surface bidimensionnelle. Néanmoins, il a découvert que la disposition des lignes, des formes et des couleurs sur une surface peut effectivement modifier la façon dont l'esprit perçoit ce qui est réel. Et même s’il n’a pas cherché intentionnellement à tromper le spectateur avec ses œuvres, il a néanmoins passé sa vie à étudier ces effets.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zèbres et échiquiers

Victor Vasarely, contemporain d'Albers, s'est cependant engagé dans un effort conscient pour trouver des moyens de tromper les spectateurs avec son art. Vasarely était autant un scientifique qu'un peintre, et il s'intéressait particulièrement aux façons dont ces deux activités se rejoignaient pour affecter la perception. Dès les années 1920, l'artiste avait appris qu'en manipulant uniquement la ligne, il pouvait complètement déformer une surface bidimensionnelle d'une manière qui trompait l'esprit en la percevant comme un espace tridimensionnel.

Un sujet auquel Vasarely s'est tourné à plusieurs reprises dans son travail était le zèbre. Les rayures de cet animal servent en fait à tromper les prédateurs naturels qui ne peuvent pas dire dans quelle direction l'animal court en raison de l'interaction de ses rayures noires et blanches avec leur environnement. En perçant les secrets de ce phénomène, il les a appliqués à des compositions géométriques plus complexes et, dans les années 1960, a créé un style caractéristique qui a inspiré ce qui est aujourd'hui considéré comme le mouvement moderniste de l'Op Art. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Noir et blanc

L'un des artistes d'illusions optiques les plus célèbres du XXe siècle était l'artiste britannique Bridget Riley, qui a été directement inspirée par le travail de Victor Vasarely. Riley a étudié au Royal College of Art au début des années 1950. Ses premières œuvres étaient figuratives, mais après avoir pris un emploi d'illustratrice dans une agence de publicité, elle s'est intéressée à la création d'illusions visuelles. Elle a commencé à explorer le Pointillisme, puis le Divisionnisme et a finalement développé son propre style signature d'Op Art, basé principalement sur l'abstraction géométrique en noir et blanc.

Riley a si bien réussi à créer des illusions d'optique dans son travail que les spectateurs ont parfois rapporté avoir ressenti le mal de mer ou le mal des transports en regardant ses peintures. Ce phénomène a fasciné Riley, qui est devenu convaincu que la frontière entre perception et réalité est en effet assez fragile et qu'une croyance provoquée par une illusion pourrait en réalité avoir des conséquences réelles dans le monde physique. Riley a déclaré : « Il fut un temps où les significations étaient concentrées et où la réalité pouvait être corrigée ; lorsque ce genre de croyance a disparu, les choses sont devenues incertaines et sujettes à interprétation. »

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

L'œil réactif

L’apogée du mouvement moderniste Op Art est survenue avec une exposition intitulée The Responsive Eye qui a fait une tournée aux États-Unis en 1965. Cette exposition présentait plus de 120 œuvres d’art réalisées par des dizaines d’artistes représentant un large éventail de positions esthétiques. L'exposition comprenait les œuvres hautement illusionnistes de Victor Vasarely et Bridget Riley ainsi que des abstractionnistes géométriques plus sobres d'artistes comme Frank Stella et Alexander Liberman et des sculptures cinétiques d'artistes comme Wen-Ying Tsai et Carlos Cruz-Diez.

Également inclus dans le groupe The Responsive Eye, le sculpteur Jesús Rafael Soto, qui a sans doute poussé l'Op Art le plus loin dans le domaine de la perception tridimensionnelle avec un ensemble d'œuvres appelées Penetrables. Ces créations interactives se composent de centaines de tubes en plastique partiellement peints et suspendus à travers lesquels les spectateurs peuvent passer. Lorsqu'ils ne sont pas perturbés, ils présentent une illusion frappante qu'une forme concrète flotte dans l'espace. Mais lorsque les spectateurs interagissent physiquement avec les sculptures, l'illusion se dissipe, donnant la perception qu'une réalité concrète peut, en fait, être déformée et altérée par le toucher humain.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

L'héritage de l'Op Art

La bénédiction et la malédiction de l’Op Art sont sa popularité. Lorsque le mouvement était à son apogée dans les années 1960, de nombreux critiques le méprisaient parce que ses images étaient appropriées avec voracité par les fabricants d'articles kitsch comme des t-shirts, des tasses à café et des affiches. Mais pour des artistes comme Victor Vasarely et Jesús Rafael Soto, c’était précisément là le but.

Ces créateurs pensaient que la valeur d’une œuvre d’art était déterminée par le degré avec lequel le spectateur pouvait participer à sa réalisation. Ils ont créé des phénomènes esthétiques qui s'adaptent à chaque nouveau spectateur, créant des possibilités d'interprétation illimitées. Le fait que leur art ait été consommé à grande échelle était parfaitement conforme à leur concept, selon lequel il ne devrait y avoir aucune barrière entre les gens et l’art, et que les barrières qui semblent exister n’existent que dans notre perception.

Image en vedette : Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrylique sur toile. 200 x 200 cm. ©Victor Vasarely
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio