L'art des illusions d'optique qui a marqué le 20e siècle

La réalité n'est pas toujours figée ; ou du moins, elle peut sembler telle à l'esprit humain. Ce que nous croyons repose dans une certaine mesure sur ce que nous percevons, mais ce que nous percevons est aussi parfois déterminé par ce que nous croyons. L'art d'illusion optique, ou Op Art en abrégé, est un style esthétique qui exploite intentionnellement cette bizarrerie de la perception humaine qui donne à l'œil humain la capacité de tromper le cerveau humain. En manipulant les motifs, les formes, les couleurs, les matériaux et les volumes, les artistes Op s'efforcent de créer des phénomènes qui trompent l'œil, embrouillant les spectateurs pour qu'ils voient plus que ce qui est réellement là. Et puisque la croyance peut être aussi influente que le fait, l'Op Art pose la question de ce qui importe le plus : la perception ou la vérité.

Brève histoire de l'art d'illusion optique

L'Op Art trouve ses racines dans une technique appelée trompe-l'œil, qui signifie en français tromper l'œil. Les premières références à de telles tendances dans l'art remontent à l'Antiquité, lorsque les artistes grecs anciens tentaient de rendre les peintures si réalistes que les gens étaient littéralement trompés en croyant que leurs images étaient réelles. La technique est ensuite tombée en et hors de mode à de nombreuses reprises au fil des siècles, atteignant son apogée au XIXe siècle avec des peintures trompe-l'œil comme Échapper à la critique, peinte en 1874 par Pere Borrell del Caso, qui montre une image hyperréaliste d'un enfant sortant d'un cadre.

Pere Borrell del Caso - Échapper à la critique, 1874. Huile sur toile. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Mais bien que destiné aussi à tromper l'œil, l'Op Art n'est pas la même chose que l'art hyperréaliste. En fait, l'Op Art tel que nous le connaissons aujourd'hui est plus souvent abstrait, s'appuyant sur des compositions géométriques pour convaincre l'œil que des formes irréelles et des plans spatiaux existent. La première technique abstraite conçue pour tromper l'œil s'appelait le pointillisme. Plutôt que de mélanger les couleurs à l'avance, les peintres pointillistes plaçaient des couleurs non mélangées côte à côte sur une toile, créant l'illusion de champs solides de couleurs. Lorsque ces peintures sont vues de loin, il semble que les couleurs soient mélangées. Georges Seurat a inventé le pointillisme et a maîtrisé cet effet avec des peintures telles que Phare à Honfleur.

Georges Seurat - Phare à Honfleur, 1886. Huile sur toile. Dimensions totales : 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 po), encadré : 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 po). Collection de M. et Mme Paul Mellon

Illusions abstraites

Le concept sous-jacent au pointillisme a finalement donné naissance à de nombreuses autres techniques alors que les artistes cherchaient des moyens de tromper l'esprit pour qu'il complète une image. Il a inspiré le divisionnisme des futuristes italiens, et les plans quadridimensionnels du cubisme. Mais son application la plus réussie est venue lorsqu'il a été combiné avec l'esthétique de l'abstraction géométrique, comme avec la gravure géométrique abstraite Constellation structurelle, peinte en 1913 par Josef Albers.

Selon ses propres dires, Albers ne cherchait pas à créer une illusion optique avec cette œuvre. Il menait de simples expériences de composition concernant la perception des lignes et des formes sur une surface bidimensionnelle. Néanmoins, il a découvert que l'agencement des lignes, des formes et des couleurs sur une surface peut effectivement modifier la façon dont l'esprit perçoit ce qui est réel. Et bien qu'il n'ait pas intentionnellement cherché à tromper les spectateurs avec ses œuvres, il a néanmoins passé toute sa vie à étudier ces effets.

Josef Albers - Constellation structurelle, 1913. Lignes blanches gravées sur fond noir sur bois. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zèbres et damiers

Victor Vasarely, un contemporain d'Albers, s'est cependant engagé dans un effort conscient pour trouver des moyens de tromper les spectateurs avec son art. Vasarely était autant un scientifique qu'un peintre, et il s'intéressait particulièrement aux façons dont ces deux activités se rejoignent pour affecter la perception. Dès les années 1920, l'artiste avait appris qu'en manipulant uniquement la ligne, il pouvait complètement déformer une surface bidimensionnelle de manière à tromper l'esprit en lui faisant percevoir un espace tridimensionnel.

Un sujet auquel Vasarely revenait souvent dans son travail était le zèbre. Les rayures de cet animal servent en fait à tromper les prédateurs naturels qui ne peuvent pas déterminer dans quelle direction l'animal court à cause de l'interaction de ses rayures noires et blanches avec leur environnement. En découvrant les secrets de ce phénomène, il les a appliqués à des compositions géométriques plus complexes, et dans les années 1960, il a créé un style distinctif qui a inspiré ce que l'on considère aujourd'hui comme le mouvement moderniste de l'Op Art.

Victor Vasarely - Zèbre, 1938. © Victor Vasarely

Noir et blanc

L'une des artistes d'illusion optique les plus célèbres du XXe siècle était l'artiste britannique Bridget Riley, qui a été directement inspirée par le travail de Victor Vasarely. Riley a étudié au Royal College of Art au début des années 1950. Ses premières œuvres étaient figuratives, mais après avoir pris un emploi d'illustratrice dans une agence de publicité, elle s'est davantage intéressée à la création d'illusions visuelles. Elle a commencé par étudier le pointillisme, puis le divisionnisme, et a finalement développé son propre style distinctif d'Op Art, basé principalement sur l'abstraction géométrique en noir et blanc.

Riley a eu tellement de succès dans la création d'illusions optiques dans ses œuvres que les spectateurs rapportaient parfois des sensations de mal de mer ou de mal des transports en regardant ses peintures. Ce phénomène fascinait Riley, qui était convaincue que la frontière entre perception et réalité est en effet assez fragile, et qu'une croyance provoquée par une illusion pouvait réellement engendrer des conséquences réelles dans le monde physique. Riley disait : « Il fut un temps où les significations étaient claires et la réalité pouvait être fixée ; quand ce genre de croyance a disparu, les choses sont devenues incertaines et ouvertes à l'interprétation. »

Bridget Riley devant l'une de ses grandes peintures hypnotiques d'Op Art, © Bridget Riley

L'œil réactif

L'apogée du mouvement moderniste de l'Op Art est survenue avec une exposition intitulée L'œil réactif qui a parcouru les États-Unis en 1965. Cette exposition présentait plus de 120 œuvres d'art par des dizaines d'artistes représentant un large éventail de positions esthétiques. Le spectacle comprenait les œuvres très illusionnistes de Victor Vasarely et Bridget Riley ainsi que des abstractions géométriques plus sobres d'artistes comme Frank Stella et Alexander Liberman et des sculptures cinétiques d'artistes comme Wen-Ying Tsai et Carlos Cruz-Diez.

Également inclus dans le groupe L'œil réactif se trouvait le sculpteur Jesús Rafael Soto, qui a sans doute poussé l'Op Art le plus loin dans le domaine de la perception tridimensionnelle avec un ensemble d'œuvres appelé Penetrables. Ces créations interactives consistent en des centaines de tubes en plastique partiellement peints et suspendus que les spectateurs peuvent traverser. Lorsqu'ils ne sont pas perturbés, ils présentent une illusion frappante d'une forme concrète flottant dans l'espace. Mais lorsque les spectateurs interagissent physiquement avec les sculptures, l'illusion se dissout, donnant la perception qu'une réalité concrète peut, en fait, être déformée et modifiée par le toucher humain.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

L'héritage de l'Op Art

La bénédiction et la malédiction de l'Op Art est sa popularité. Lorsque le mouvement était à son apogée dans les années 1960, de nombreux critiques le méprisaient parce que ses images étaient avidement reprises par les fabricants d'objets kitsch comme les t-shirts, les mugs et les affiches. Mais pour des artistes comme Victor Vasarely et Jesús Rafael Soto, c'était précisément le but.

Ces créateurs croyaient que la valeur d'une œuvre d'art est déterminée par le degré auquel un spectateur peut participer à son achèvement. Ils ont créé des phénomènes esthétiques qui s'adaptent à chaque nouveau spectateur, créant des possibilités d'interprétation illimitées. Le fait que leur art ait été consommé à grande échelle correspondait parfaitement à leur concept, qui est qu'il ne devrait y avoir aucune barrière entre les gens et l'art, et que les barrières qui semblent exister n'existent qu'en notre perception.

Image en vedette : Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrylique sur toile. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio