Josef Albers et l'interaction des couleurs

Tout au long de l'histoire du modernisme, une conversation continue entre artistes a cherché à déterminer quel est l'élément le plus important de la peinture. Certains disent la forme. D'autres la ligne. D'autres encore la surface. Certains évoquent le sujet. À travers son art, ses écrits et ses postes d'enseignement très influents, Josef Albers a consacré presque toute sa carrière à explorer la proposition selon laquelle l'élément le plus important en peinture est la couleur. Ses recherches ont influencé le minimalisme, les peintres du champ chromatique, l'expressionnisme abstrait, l'art optique, et continuent d'inspirer une nouvelle génération d'artistes abstraits. Bien qu'Albers soit décédé en 1976, son ouvrage fondamental sur le sujet, L'Interaction des couleurs, est toujours considéré comme le texte le plus important que les jeunes artistes doivent lire pour comprendre les manières complexes dont l'œil humain perçoit la couleur.

Josef Albers et le Bauhaus

Albers est né en 1888, et il fut d'abord un éducateur avant d'être un artiste professionnel. Il a commencé sa carrière en enseignant une classe d'études générales à des élèves du primaire près de la petite ville allemande où il a grandi. En 1919, le Bauhaus ouvrit à Weimar, en Allemagne, offrant une formation sans précédent. Les fondateurs du Bauhaus voulaient en faire un lieu où artistes et artisans se formeraient ensemble dans le but de développer une perspective sur un art total. Albers s'inscrivit au Bauhaus l'année suivante, en 1920, à l'âge de 32 ans. Cinq ans plus tard, il devint le premier élève invité à rejoindre le Bauhaus en tant que maître formateur.

Josef Albers - Étude pour Tenayuca, 1940, crayon sur papier, 15,2 × 29,2 cm, Collection SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Au Bauhaus, Albers a formulé sa vision non seulement de la création artistique, mais aussi de l'enseignement de l'art. Bien qu'il fût personnellement très concentré sur la technique, il comprit qu'il ne consacrerait pas son temps de cours à enseigner la technique. Il décida plutôt de se concentrer sur l'enseignement d'une manière de penser l'art. Il adopta une approche réfléchie et scientifique de son art, et il croyait que la chose la plus importante à transmettre aux élèves était une façon de voir le monde différemment de ce qu'ils avaient vu auparavant. Son objectif déclaré en tant qu'enseignant était « d'ouvrir les yeux ».

Lorsque la pression nazie ferma le Bauhaus en 1933, Albers vint en Amérique et enseigna au tout nouveau Black Mountain College en Caroline du Nord. En 1950, il quitta ce poste pour diriger le département de design à Yale. Parmi ses élèves se trouvaient plusieurs artistes qui devinrent parmi les plus influents du XXe siècle, notamment Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Eva Hesse et Cy Twombly.

Josef Albers - Tenayuca, 1943, huile sur masonite, 57 × 110,5 cm, Collection SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

L'Interaction des couleurs

Une des critiques que beaucoup d'artistes, critiques et spectateurs ont adressées à Albers est que son œuvre semble impersonnelle. Cela tient sans doute à l'approche scientifique qu'Albers adopta pour son art. Par exemple, au dos de nombreuses œuvres, il note en détail les couleurs exactes utilisées dans la pièce. Mais il y a aussi une grande profondeur d'émotion et une bonne part de psychologie dans le travail d'Albers. Il s'intéressait à la manière dont les couleurs interagissaient entre elles, et à l'effet que cette interaction avait sur la perception humaine. L'une de ses découvertes clés est que les êtres humains sont facilement sujets à l'illusion, ce qu'il considérait comme aisément démontrable par son art.

En 1963, alors qu'il était à Yale, Albers écrivit un livre intitulé L'Interaction des couleurs, qui détaillait avec précision toutes ses découvertes sur la manière dont les couleurs interagissent entre elles. Le livre comprend des leçons détaillées, des expériences et des graphiques expliquant comment certaines couleurs neutralisent ou modifient d'autres couleurs, comment la lumière affecte la teinte, et comment ce qu'il appelait « l'œil humain normal » ne pouvait pas saisir certains phénomènes colorés en raison des limites de ses capacités perceptives. Si l'on considère ce livre sur un plan conceptuel, comme ses peintures, les leçons ne portent pas tant sur la couleur que sur le fait que les humains sont limités dans ce qu'ils peuvent percevoir, et que si les artistes comprennent ces limites, ils peuvent potentiellement élargir la gamme perceptive de ceux qui rencontrent leur œuvre.

Hommage au carré

En plus de ses écrits sur la couleur, Albers consacra 27 ans de sa vie à créer une série de peintures intitulée Hommage au carré. Cette série démontrait sa théorie des couleurs à travers l'exploration de différents carrés colorés. En utilisant une seule forme géométrique à répétition, il put étudier la vaste gamme de phénomènes perceptifs pouvant être obtenus simplement en juxtaposant diverses couleurs dans un nombre limité de compositions spatiales.

Lorsque Albers commença à réaliser ses peintures Hommage au carré en 1949, même les artistes les ignoraient en grande partie. Le monde de l'art à cette époque était dominé par des peintures gestuelles monumentales d'action painting. Les peintures d'Albers étaient relativement petites et très contrôlées. Elles étaient conçues. Albers définissait le design comme « planifier et organiser, ordonner, relier et contrôler. En bref, il englobe tous les moyens s'opposant au désordre et à l'accident. » À une époque où l'expressionnisme abstrait prédominait, des peintures conçues, apparemment sans émotion, étaient comme une hérésie.

Dans les années 1960, le monde de l'art rattrapa Albers et il devint aussi respecté en tant qu'artiste qu'il l'était déjà en tant qu'éducateur, écrivain et philosophe. Une partie de ce respect lui vint d'une série de commandes pour réaliser des œuvres publiques de grande envergure, certaines sous forme d'éléments architecturaux, d'autres sous forme de fresques. L'une des premières œuvres architecturales d'Albers fut un mur qu'il créa pour le Harkness Commons Graduate Center de l'université Harvard. Ses fresques comprenaient des œuvres pour le Time and Life Building au Rockefeller Center de New York, le Pan Am Center et le Corning Glass Building. En 1971, à 83 ans, Albers devint le premier artiste vivant à être honoré par une exposition personnelle au Metropolitan Museum of Art de New York.

Josef Albers - Brique, 1950, 2,3 × 2,5 m, Harkness Commons Graduate Center, université Harvard. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Une impression durable

Au début de sa formation, Albers fut profondément touché par les impressionnistes, en particulier les pointillistes, qui exploraient « l'impression » de couleur créée lorsque des couleurs complémentaires étaient placées côte à côte en petits points plutôt que mélangées à l'avance. Dans un poème écrit à un ami sur l'habitude des gens à suivre la foule plutôt qu'à penser par eux-mêmes, Albers écrivit : « Chacun ressent sa place à travers son voisin. » Comme une peinture impressionniste vue de loin, Albers voyait la société comme autant d'individus se mêlant pour former une image commune.

Il consacra sa vie à suivre un chemin unique, isolant sa propre vision et y restant fidèle. En étudiant ce qu'il apprit sur la manière dont les couleurs individuelles s'influencent mutuellement lorsqu'elles sont proches, et sur la capacité des humains à être trompés par l'illusion, nous pouvons apprécier non seulement son œuvre et ses leçons sur la peinture, mais aussi quelque chose de fondamental sur nous-mêmes.

Image en vedette : Josef Albers - Portails, Time Life Building, 1961. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio