Les techniques d'art abstrait les plus typiques

Avant l'essor de l'art abstrait moderniste, la plupart des techniques artistiques ont été développées avec un seul objectif en tête : aider les artistes à imiter plus précisément la réalité dans leur travail. Une fois que la quête du mimétisme a perdu de son importance, les artistes n’ont plus été limités par les techniques existantes. Ils pourraient les modifier ou les abandonner complètement à la recherche de nouvelles façons d’atteindre les objectifs de l’art non objectif. Puisque l’art abstrait est fondé sur les principes de liberté et d’inventivité, de nouvelles techniques sont constamment inventées, de sorte qu’aucune liste de techniques d’art abstrait ne pourra jamais être exhaustive. Mais voici un aperçu de huit techniques d’art moderniste courantes que les artistes abstraits utilisent souvent.

L’Action Painting comme l’une des techniques artistiques les plus radicales

Le terme peinture d'action englobe en réalité un certain nombre de tendances différentes, y compris la peinture éclaboussée, la peinture goutte à goutte et le marquage gestuel. Les expressionnistes abstraits ont été les pionniers de cette technique. L'objectif de la peinture d'action est d'injecter de la spontanéité et de la physicalité dans le processus de peinture. Certains critiques accusent les peintres d'action de produire des œuvres chaotiques et incontrôlées, mais des peintres comme Jackson Pollock, le principal fondateur de la peinture d'action, soutenaient que leur travail n'était pas chaotique mais plutôt guidé et intuitif. Grâce aux œuvres emblématiques réalisées par des peintres d'action comme Pollock, Willem de Kooning et Franz Kline, la peinture d'action est l'une des techniques d'art abstrait les plus courantes et facilement reconnaissables aujourd'hui.

Jackson Pollock travaille sur une action painting

Collage

La plupart des collages sont réalisés avec du papier, mais toute œuvre d'art en deux dimensions créée en ajoutant une combinaison de matériaux autres que des médiums liquides sur sa surface peut être appelée un collage. Les premiers artistes modernistes à incorporer le collage dans leurs œuvres étaient les cubistes, à savoir Pablo Picasso et Georges Braque. Bien que beaucoup considèrent leurs collages cubistes comme abstraits, ils soutiennent qu'ils tentaient en réalité de représenter plus fidèlement la réalité, telle que l'esprit la perçoit, en ajoutant des éléments du monde objectif à leurs images. De nombreux autres mouvements d'art abstrait depuis ont également inclus de manière célèbre le collage, tels que le dadaïsme et l'expressionnisme abstrait.

Jackson Pollock au travail 

Décollage

Essentiellement à l’opposé du collage, le décollage est une technique artistique qui consiste à couper ou à arracher des éléments d’une image originale. Dans un décollage abstrait, un artiste peut d'abord ajouter des couches de papier sur une surface, puis utiliser des outils ou ses mains pour retirer des parties des différentes couches afin de créer une composition abstraite. Souvent, les surfaces publiques où les gens affichent les factures commencent à ressembler à des décollages à mesure que les couches d'affiches se dégradent et se déchirent au fil des années.

Picasso dans son atelier, inventant le collage moderniste 

Coloration

Dans les années 1950, Helen Frankenthaler a inventé ce qu'elle appelait la technique du "soak stain". Cela consistait à verser un médium de peinture dilué directement sur une toile non apprêtée. En ne préparant pas d'abord la toile, le médium s'étalait à partir de l'endroit où il avait été appliqué, créant des zones organiques de couleur qui ne révélaient aucune trace de pinceau ni d'autres vestiges de la main de l'artiste. La technique de tache a rapidement été adoptée par de nombreux autres artistes abstraits, en particulier Morris Louis et Kenneth Noland, et a contribué à inspirer ce qui est devenu connu sous le nom de peinture de champ de couleur.

Helen Frankenthaler dans son studio maîtrisant sa technique de coloration par trempage  

Fabrication

Lorsque vous faites fabriquer quelque chose, cela signifie que vous le faites produire, généralement par le biais d'un processus industriel. Les Minimalistes étaient les artistes abstraits les plus célèbres à adopter intentionnellement l'utilisation répandue de la fabrication comme technique artistique. L'un des objectifs clés du Minimalisme était d'éliminer toute référence à l'ego de l'artiste. Les artistes minimalistes concevaient leurs objets esthétiques puis les faisaient fabriquer à partir de matériaux industriels par d'autres parties. La fabrication de l'art abstrait soulève des questions sur l'importance de l'artiste à réellement créer des œuvres.

Le processus de fabrication  

Assemblage

En tant que technique artistique, l'assemblage est considéré comme l'opposé de la sculpture. La sculpture est l'acte de créer une forme en sculptant un matériau tel que le bois ou la pierre, ou en le coulant à partir d'un matériau tel que le plastique ou le métal, ou en le façonnant à partir d'un matériau tel que l'argile. Dans un assemblage, l'artiste crée une forme tridimensionnelle en combinant des éléments disparates. Un artiste abstrait célèbre pour avoir utilisé la technique de l'assemblage était Robert Rauschenberg, qui l'a utilisée pour créer ses célèbres "combines."

Andy Warhol dans son studio « The Factory », en 1965, travaillant sur sa sérigraphie emblématique « Flowers »

Gravure

Une impression est toute image bidimensionnelle transférée sur une surface à partir d’une matrice préalablement préparée. Il existe plusieurs façons de réaliser une impression, notamment la lithographie, la gravure sur bois, la gravure, la sérigraphie et l'impression numérique. En tant que technique artistique, la gravure permet à un artiste de créer une image à l’avance, puis d’en faire plusieurs copies. Mis à part les impressions numériques, la plupart des copies d'impressions ne sont pas réellement identiques car la plupart des procédures de gravure créent des incohérences en raison de défauts mineurs et de changements dans la surface de la plaque originale à partir de laquelle les impressions sont réalisées. Ces incohérences sont essentielles au caractère unique des tirages signés et numérotés. Les incohérences étaient une préoccupation esthétique majeure d'Andy Warhol, qui s'appuyait largement sur la gravure et d'autres processus mécaniques dans son travail.

Vue intérieure de trois des reliefs de la chapelle Frank Stella en France

Relief

La technique du relief consiste à sculpter une image à partir d'une surface bidimensionnelle de manière à ce que l'image sculptée dépasse de la surface de l'œuvre. Parfois, d'autres matériaux et éléments sont ajoutés à un relief afin de créer ce qu'on appelle un relief composite, qui est comme une combinaison de relief et de collage. L'artiste Frank Stella a longtemps intégré le relief composite dans sa pratique pluridisciplinaire. Six de ses œuvres de relief composite à grande échelle sont situées sur le terrain de la Fondation Venet en France dans une installation extérieure permanente appelée la Chapelle Frank Stella.

Image en vedette : Robert Rauschenberg (à droite) travaillant avec Billy Klüver, un ingénieur électricien des Bell Telephone Laboratories, sur l'assemblage « Oracle » de Rauschenberg en 1965.
Toutes les images utilisées uniquement à des fins d'illustration
Par Phillip Barcio