Franz Kline et sa manière d'action painting

Et si depuis le début nous n’étions pas censés interpréter les hiéroglyphes ? Et s’il ne s’agissait pas de symboles, mais simplement de formes esthétiques destinées à être appréciées en tant qu’art ? Ils peuvent certainement être appréciés comme tels par ceux d’entre nous qui ne savent pas les lire de toute façon. Le travail de Franz Kline représente un moment dans l'évolution de l'expressionnisme abstrait où une question similaire a été posée quant à savoir si l'interprétation était nécessaire ou même possible avec certains arts abstraits. La technique gestuelle emblématique de Kline, combinée à son utilisation de pinceaux de peinture domestiques courants, a donné lieu à des marques de pinceau qui, à première vue, ressemblent parfaitement à celles réalisées par d'autres Action Painters tels que Willem de Kooning et Jackson Pollock. Mais alors que ces peintres réalisaient des œuvres profondément enracinées dans une signification sous-jacente, Kline réalisait des œuvres qui ne faisaient que référence à elles-mêmes. Les coups de pinceau qu'il a créés étaient, comme il l'a expliqué, "sans rapport avec aucune entité sauf celle de leur propre existence."

À la recherche de Franz Kline

Si jamais il y avait un peintre qui aurait pu consacrer toute une vie à explorer les profondeurs du subconscient, c'était Franz Kline. La jeunesse de Kline était marquée par la douleur. Son père est mort alors que Franz n'avait que sept ans, et sa mère l'a rapidement abandonné à un orphelinat avant de se remarier. Plus tard, la propre femme de Franz a souffert de fréquentes crises de maladie mentale et a passé du temps dans des institutions psychiatriques. Combinées à l'agitation existentielle que le monde entier connaissait dans les années 1940, les luttes personnelles de Kline faisaient de lui le représentant idéal des idées sur le subconscient et la révélation mystique qui émergeaient au sein de la communauté Expressionniste Abstrait.

Franz Kline - Sans titre II, 1952, Encre et huile sur pages d'annuaire téléphonique coupées-collées sur papier cartonné, 11 x 9 po. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Comme beaucoup de ses contemporains, Kline a été formé à l'origine en tant que peintre figuratif. Ses premières œuvres montrent une excellente maîtrise de la technique formelle et un talent avancé pour le dessin. Il a fait la transition vers l'abstraction après s'être lié d'amitié avec des membres de l'École de New York, tels que Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman et Philip Guston. Grâce à leur influence, Kline a affiné son approche, explorant la nature des coups de pinceau dans des peintures d'action à grande échelle qui consistaient en une palette simplifiée, en noir et blanc. Mais un regard sur ses œuvres antérieures, bien que figuratives par nature, telles que Puppet in the Paint Box, révèle certains des mêmes coups de pinceau et une maîtrise brute de la composition et de la couleur qui ont défini le style abstrait qui l'a finalement rendu célèbre.

Franz Kline dans son atelier, 1954, en couverture du magazine LIFE avec deux de ses peintures emblématiques en noir et blanc. © 2018 Domaine Franz Kline/Artists Rights Society (ARS), New York

Le lien minimaliste

Même s’il était ami et est encore aujourd’hui associé aux membres fondateurs des peintres expressionnistes abstraits de l’école de New York, l’œuvre de Kline se distingue de la leur d’une manière spécifique et importante. Alors que les autres expressionnistes abstraits exploitaient leurs propres sentiments, intuitions et émotions subconscientes et les utilisaient pour créer des œuvres profondément personnelles et pleines de sens cachés, Kline réalisait des œuvres qui traitaient des qualités formelles de la peinture, telles que la peinture, le coup de pinceau, composition et couleur.

Franz Kline - Sans titre – Locomotive. © 2018 Domaine Franz Kline/Artists Rights Society (ARS), New York

Il a emprunté la technique de peinture gestuelle conçue par ses collègues expressionnistes abstraits et a développé avec elle son propre style physique, actif et distinct. Mais il n’y avait ni mysticisme ni signification cachée dans les peintures d’action emblématiques de Kline. De plus, les compositions picturales de Kline n’étaient pas spontanées et instinctives comme les œuvres de Pollock, mais étaient plutôt planifiées à l’avance, souvent esquissées en détail sur les pages d’anciens annuaires téléphoniques.

Plutôt que d'expliquer ou d'analyser le contenu de ses œuvres, Kline encourageait les spectateurs à simplement interagir avec les marques et les compositions elles-mêmes, sans chercher de symbolisme ou de signification, mais en interagissant simplement avec les qualités formelles de l'art. Ces œuvres étaient toutes axées sur l'appréciation esthétique singulière de ses coups de pinceau caractéristiques et de l'espace négatif environnant. Kline pensait que l'impact émotionnel de l'œuvre pouvait être entièrement ressenti à travers une appréciation de ces qualités formelles, et insistait sur le fait que c'était la chose la plus importante sur laquelle se concentrer. Grâce à ce style personnel, il est devenu une sorte de lien entre le mysticisme des expressionnistes abstraits et le formalisme adopté par les minimalistes.

Franz Kline - Sans titre – Rocking Chair. © 2018 Domaine Franz Kline/Artists Rights Society (ARS), New York

La connexion de Kooning

L’histoire la plus souvent répétée sur l’évolution de Kline vers un maître abstrait est celle-ci : il réalisait déjà des peintures d’action gestuelles, quoique à petite échelle. Ces pièces, telles que Untitled – Locomotive et Untitled – Rocking Chair, toutes deux datant de 1946, contiennent toutes les matières premières de trait, de ligne, de couleur et de composition qui seraient finalement définir son style ultérieur. Selon la légende, l'ami de Kline, Willem de Kooning, a encouragé Kline à projeter ces petites peintures en grande partie sur le mur, si agrandies qu'il pouvait simplement apprécier chaque coup de pinceau par lui-même.

Franz Kline - Chef, 1950, Huile sur toile, 58 3/8 x 73 ½ po. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Comme pour toutes les histoires du monde de l’art, celle-ci a ses opposants. Qu’il s’agisse ou non d’un mythe fondé sur des faits n’a pas d’importance. Il ressort clairement de son travail à la fin des années 1940 que Kline s’était déjà orienté vers l’isolement de la nature formelle et des caractéristiques de ses marques de pinceau. Que ce soit de Kooning qui lui ait recommandé de travailler en grand, en mettant les coups de pinceau en valeur monumentale, ou qu’il ait eu l’idée lui-même, cela ne fait pas beaucoup de différence. Quoi qu’il en soit, en 1950, il avait pleinement adopté l’idée de travailler à grande échelle. Cette année-là, il a reçu sa première exposition personnelle à la Charles Egan Gallery de New York, qui l'a présenté ainsi que ses peintures au pinceau à grande échelle, telles que Chief, en Amérique.

Cy Twombly - Sans titre, 1951, Peinture industrielle sur toile, 85 x 101 cm. © 2018 Domaine Franz Kline/Artists Rights Society (ARS), New York

Franz Kline le professeur

Tout au long des années 1950, Kline devint plus célèbre et plus influent. Il a enseigné dans plusieurs institutions différentes pendant cette période, notamment le Black Mountain College et le Pratt Institute de Brooklyn. Ce qui ressort le plus clairement dans le travail de ses élèves est leur volonté d’explorer leur propre relation au geste, à la création de marques et à la physicalité. L’un des étudiants les plus célèbres de Kline était le peintre abstrait Cy Twombly, qui étudia auprès de Kline en 1951 à Black Mountain. Le style emblématique de Twombly est une forme très individuelle d’action painting profondément influencée par la technique de Kline.

Franz Kline - Roi Oliver, 1958, Huile sur toile, 251,4 x 196,8 cm. © 2018 Domaine Franz Kline/Artists Rights Society (ARS), New York

À la fin des années 1950, Kline élargit son style pour inclure une palette de couleurs plus large. Dans des œuvres telles que King Oliver, peintes en 1958, son style personnel emblématique est toujours évident, tout comme ses coups de pinceau gestuels. Mais la palette de couleurs élargie ajoute de nouvelles dimensions au travail qui détournent l’attention des qualités des marques et la portent sur un examen plus approfondi des autres qualités formelles de la peinture. Kline a acquis une notoriété internationale au cours de cette période de sa vie grâce à son travail inclus dans une exposition itinérante organisée par le MoMA de New York intitulée The New American Painting, qui a fait une tournée en Europe en 1958.

Franz Kline est mort subitement en 1962 d'une insuffisance cardiaque. Bien qu'il n'ait jamais vécu pour voir l'épanouissement complet de mouvements tels que le Minimalisme et l'Abstraction Post-Peintre, son attention portée aux qualités formelles de la création de marques dans l'Expressionnisme Abstrait a certainement conduit à leur développement intellectuel et à leur succès critique. À travers les œuvres emblématiques de Kline, nous voyons un pont conceptuel se former. Son travail en tant qu'artiste et éducateur a encouragé de nombreux membres de sa propre génération et des générations futures à considérer les peintures comme des objets plutôt que comme des médiums ou des intermédiaires vers des expériences transcendantes, et a aidé le Modernisme de la fin du 20ème siècle dans sa quête pour rester inventif et libre.

Image en vedette : Franz Kline - Marionnette dans la boîte de peinture, 1940, huile sur carton toilé, 14 x 18 po.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio