Art Concret : Guide du Collectionneur pour l'Art de la Clarté Absolue

Dans le lexique de l'histoire de l'art, peu de termes sont aussi mal compris que « Art Concret ». Pour les non-initiés, ce mot évoque le poids, la solidité, ou peut-être le matériau industriel gris lui-même. Dans le monde de l'art, cependant, il signifie quelque chose de bien plus radical : un rejet de l'idée que l'art doit être « à propos » de quelque chose d'autre. Alors que l'abstraction traditionnelle abstrait la réalité (prenant un arbre et le réduisant à des lignes), l'Art Concret construit une nouvelle réalité. Il soutient qu'une ligne, une couleur ou un plan est une chose réelle, aussi concrète qu'une chaise ou une pierre. Aujourd'hui, alors que nous naviguons dans un monde saturé de bruit numérique et de récits sans fin, la quête de « clarté absolue » et de forme autonome de l'Art Concret semble non seulement pertinente, mais essentielle. Elle offre un sanctuaire visuel, un lieu où ce que vous voyez est exactement ce que c'est.

Au-delà de l'abstraction : la nature distincte de l'Art Concret

Avec le Suprématisme, le Constructivisme, De Stijl, l'Art Néo-Concret et le Minimalisme, l'Art Concret est l'un des six mouvements d'art abstrait géométrique qui ont émergé au XXe siècle, entre 1913 et 1970 environ. Mais il se distingue nettement de tous les autres de cette liste. La différence peut ne pas être immédiatement apparente. Visuellement, ces six mouvements ont produit des œuvres similaires. Cela s'explique par le fait qu'ils reposaient tous sur la même syntaxe — un langage visuel fondé sur des éléments formels non objectifs comme les lignes, les formes et les couleurs.

Daniel Göttin - Sans titre 1-12 - 2017

La différence essentielle entre eux était presque entièrement sémantique, c’est-à-dire que l’intention et la signification sous-jacentes à chacun étaient uniques. Le Suprématisme utilisait l’abstraction géométrique pour communiquer la « suprématie du sentiment ou de la perception pure ». Le Constructivisme l’utilisait pour construire de nouveaux symboles utiles pour un monde moderne. De Stijl utilisait des éléments géométriques pour explorer l’harmonie intrinsèque de l’univers. L’Art Concret était purement plastique : chaque élément visuel employé était créé de manière mécanique et dépourvu de toute signification symbolique, émotionnelle, spirituelle ou naturaliste. L’Art Néo-Concret utilisait le même langage visuel que l’Art Concret, mais rejetait sa pure plasticité, se concentrant plutôt sur le potentiel phénoménologique qui émerge lorsque les gens interagissent avec l’art. Le Minimalisme convenait que les éléments plastiques devaient être autoréférentiels, mais portait cette croyance à son extrême, dotant les composants esthétiques d’un pouvoir autonome au point de sublimer l’artiste, supprimant toute preuve d’auteur, de narration, de biographie ou de tout autre élément pouvant interférer avec la présence totalitaire de l’œuvre.

De tous ces mouvements, seul l’Art Concret peut prétendre être purement abstrait. Lui seul cherchait activement à éliminer toute signification extérieure, libérant les artistes de la nécessité de communiquer quoi que ce soit au-delà de ce qui était clairement visible dans l’œuvre.

Vers la concrétisation

La tendance vers un art pur et plastique a pris racine en Europe vers le milieu des années 1800. C’est à cette époque que des peintres associés à des mouvements comme l’Impressionnisme et le Divisionnisme ont commencé à isoler des éléments comme la lumière et la couleur en tant que choses dignes d’une considération individuelle. Mais le sujet et la signification restaient importants pour les gens à cette époque, sinon pour les artistes eux-mêmes, du moins pour leurs mécènes. Il a fallu des mouvements comme le Cubisme et le Futurisme pour commencer à changer cette perspective, ouvrant la voie à des artistes comme Wassily Kandinsky et Kazimir Malevich pour peindre des œuvres complètement abstraites au début des années 1900.

Mais même Kandinsky et Malevich réalisaient des œuvres qui faisaient référence à des sources extérieures de signification, telles que la spiritualité et le symbolisme. Ce n’est qu’en 1930 que le premier Européen a réussi à verbaliser le désir d’embrasser une forme d’art visuel abstrait véritablement dénuée de sens. Cet artiste était le peintre et écrivain néerlandais Theo van Doesburg. Van Doesburg était devenu célèbre vers 1917, lorsqu’il a cofondé De Stijl avec Piet Mondrian. Mais il s’est rapidement séparé de Mondrian, car ce dernier, comme beaucoup d’autres artistes abstraits, était fortement influencé par la spiritualité utopique. Van Doesburg voulait échapper à toutes ces influences, ainsi qu’à toutes les références naturalistes ou figuratives. Ainsi, en 1930, avec l’artiste suisse Otto Gustaf Carlsund, le peintre français Jean Hélion, le peintre arménien Léon Arthur Tutundjian et le typographe français Marcel Wantz, il a coécrit le Manifeste de l’Art Concret.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Le Manifeste de l’Art Concret

Le manifeste énonçait six principes : « 1) L’art est universel. 2) Une œuvre d’art doit être entièrement conçue et façonnée par l’esprit avant son exécution. Elle ne doit recevoir aucune donnée formelle de la nature, de la sensualité ou de la sentimentalité. Nous voulons exclure le lyrisme, le drame, le symbolisme, etc. 3) La peinture doit être entièrement construite avec des éléments purement plastiques, à savoir des surfaces et des couleurs. Un élément pictural n’a pas de signification au-delà de “lui-même” ; par conséquent, une peinture n’a pas de signification autre que “lui-même”. 4) La construction d’une peinture, ainsi que celle de ses éléments, doit être simple et visuellement contrôlable. 5) La technique de peinture doit être mécanique, c’est-à-dire exacte, anti-impressionniste. 6) Un effort vers une clarté absolue est obligatoire. »

Van Doesburg est décédé un an après la publication du Manifeste de l’Art Concret, il n’a donc pas eu le temps de le défendre contre l’armée de critiques qui l’ont attaqué dans les décennies suivantes. Les reproches de ces critiques portaient principalement sur ce qu’ils percevaient comme la froideur, l’absence d’âme et la stérilité de l’Art Concret. Mais, bien sûr, c’était l’intention même du mouvement. En fait, il est difficile d’imaginer que, si van Doesburg avait vécu plus longtemps, il aurait pris la peine de discuter avec ses détracteurs. Il aurait probablement interprété le mot « sans âme » comme un compliment, et les mots « froid » et « stérile » comme de grands éloges.

Manifeste Art Concret, mai 1930, via wikiart.org

Pour comprendre pourquoi l’Art Concret a d’abord séduit tant d’artistes, il est essentiel de comprendre que van Doesburg faisait partie d’une génération devenue désabusée après des décennies de violence. La mort et la destruction massives accompagnant la guerre moderne les ont choqués. Et de nombreux intellectuels ont conclu que cette violence n’était pas née du vide. Au contraire, ils la voyaient comme le résultat inévitable de conflits politiques, religieux et idéologiques. L’Art Concret était un appel aux artistes pour qu’ils se déconnectent de la réalité qui avait conduit le monde au bord de la destruction.

Le marché de la clarté : collectionner l’Art Concret aujourd’hui

Au milieu des années 2020, le marché de l’art a connu un changement discret mais décisif. Après une décennie dominée par des œuvres figuratives hyper-narratives et politiquement engagées, les collectionneurs et les décorateurs d’intérieur se tournent de plus en plus vers l’Abstraction Géométrique et le Minimalisme. Cette tendance n’est pas seulement esthétique ; elle est psychologique. Dans une période marquée par la volatilité mondiale et le bruit numérique, le monde de l’art assiste à une « fuite vers la structure », un désir collectif de sanctuaire visuel.

L’Art Concret se trouve au sommet de ce mouvement. Parce qu’il refuse de faire référence au monde extérieur chaotique, rejetant la politique, la tragédie et la représentation au profit de la forme pure, il offre une stabilité intemporelle qui l’isole des caprices de l’art dicté par la mode. C’est, par définition, un art de la certitude.

Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (gauche) et Cut Up Paper 1.27 (droite), 2016

La validation « Blue Chip »

Le marché des maîtres originaux de ce mouvement a connu une croissance régulière et robuste, confirmant son statut de classe d’actifs « sûre ». Bien que Josef Albers soit souvent en tête des rapports de marché grâce à son volume d’enchères fiable (son marché de l’estampe aurait triplé son chiffre d’affaires depuis 2015), il n’est pas un cas isolé. Les résultats record pour Max Bill et Theo van Doesburg (dont Contra-Composition VII a atteint un record de 4,1 millions de dollars) prouvent le statut blue-chip du genre. Par ailleurs, une récente montée en puissance de l’attention institutionnelle pour des figures comme Verena Loewensberg et Richard Paul Lohse suggère que le marché réévalue activement et élève les figures clés européennes du mouvement.

De plus, l’aile « Néo-Concrète » du mouvement a connu une croissance explosive, avec des maîtres brésiliens comme Lygia Pape et Hélio Oiticica réalisant des ventes record qui valident l’attrait mondial et interculturel du mouvement.

L’opportunité contemporaine

Pour le collectionneur avisé, cette validation historique sert de signal sur le marché. Lorsque les « ancêtres » d’un mouvement se solidifient en statut blue-chip, le marché élargit naturellement son focus pour trouver ses héritiers vivants. Collectionner l’Art Concret contemporain n’est pas seulement un point d’entrée accessible ; c’est un investissement stratégique dans la continuité d’une lignée prestigieuse.

En acquérant des œuvres de praticiens vivants, comme ceux présentés sur IdeelArt, les collectionneurs s’engagent dans le chapitre actuel d’un dialogue historique qui dure depuis un siècle. Contrairement aux styles expressifs qui peuvent sembler inextricablement liés à un moment précis, la pureté mathématique de l’Art Concret lui permet d’agir comme une « ancre visuelle » permanente dans une collection, un favori pérenne pour ceux qui recherchent à la fois rigueur intellectuelle et paix esthétique.

Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris

L’héritage de l’Art Concret dans la pratique contemporaine

Les règles strictes énoncées dans le manifeste de Van Doesburg de 1930, exigeant une précision mécanique et la suppression de la sentimentalité, peuvent sembler rigides aujourd’hui. Cependant, l’esprit fondamental du mouvement prospère dans la pratique contemporaine. Les artistes continuent de défendre la réalité « concrète » de leurs matériaux, utilisant la structure, la géométrie et la couleur non pas pour symboliser une émotion, mais pour créer des objets autonomes qui interagissent directement avec la perception du spectateur.

Chez IdeelArt, plusieurs artistes portent ce flambeau, faisant évoluer la tradition pour le XXIe siècle :

Tilman : Héritier direct de la tradition Concrète, Tilman cite explicitement le mouvement comme source principale d’inspiration. Ses « environnements construits » et objets empilés ne représentent pas le monde ; ce sont de nouveaux objets qui y entrent. En interprétant des éléments visuels trouvés en « objets concrets fabriqués » par un processus réducteur, il répond à l’exigence du manifeste d’œuvres construites plutôt qu’impressionnistes.

Arvid Boecker : Les fondateurs d’Abstraction-Création appelaient à un art « conçu par l’esprit » et exécuté avec une précision mécanique, dépouillant l’ego romantique de l’artiste. Le peintre allemand Arvid Boecker incarne cette approche « scientifique » de la création. Utilisant des raclettes de sérigraphie plutôt que des pinceaux traditionnels, il élimine le geste expressif de la main, traitant la toile comme un site de construction rigoureuse. Il applique couche après couche de peinture à l’huile dans un processus systématique d’addition et de soustraction, créant des œuvres où la couleur n’est pas une émotion, mais un poids et une profondeur physiques. Sa pratique réalise le rêve du mouvement d’un art aussi objectif et substantiel qu’une machine ou un bâtiment.

Daniel Göttin : Le travail de Göttin pousse l’élément « plastique » de l’Art Concret dans l’espace tridimensionnel. Travaillant avec des matériaux industriels comme le ruban adhésif, le bois et le métal, il crée des interventions spécifiques au site qui répondent à l’architecture d’une pièce. Son art n’est pas une fenêtre sur une illusion, mais une altération physique de la réalité, mettant en lumière l’interaction concrète de la lumière, de l’ombre et du matériau.

Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Diptyque, 2024)

Ulla Pedersen : L’artiste danoise décrit sa propre pratique comme une « exploration concrète de la couleur, de la matérialité, de la forme et de l’équilibre ». Son travail correspond aux critères du mouvement en matière de contrôlabilité visuelle, utilisant souvent un processus « réducteur » pour combiner des éléments positifs et négatifs en de nouvelles configurations. En juxtaposant « forme et non-forme », elle maintient la fascination du mouvement pour la précision mathématique et l’autonomie de la forme.

Brent Hallard : Le travail de Hallard sur aluminium et papier incarne la « clarté absolue » recherchée par Van Doesburg. Ses images monochromatiques et semi-monochromatiques de formes géométriques rejettent la narration au profit de la précision et de l’exactitude. Son attention portée à l’iconographie minimaliste crée une expérience visuelle directe et non médiée qui ne se réfère qu’à elle-même.

Arvid Boecker, de gauche à droite : #1744 (2025), #1691 (2024) et #1740 (2025)  

Pierre Muckensturm : Initialement peintre figuratif, Muckensturm s’est tourné vers l’abstraction pour capturer un sentiment de « calme et de constance ». Ses grandes peintures à l’huile et ses estampes isolent des éléments gestuels, mais plutôt que de les utiliser pour un récit expressionniste, il les traite comme des composants structurels. Il explore méthodiquement la transformation de la toile, créant des œuvres où « l’harmonie avec le temps » génère un sentiment de réalité objective et intemporelle proche de l’idéal Concret.

Conclusion : l’élément humain

Le public contemporain ne peut s’empêcher de trouver du sens dans l’Art Concret. L’intention de l’artiste importe souvent peu pour nous, car nous voyons l’œuvre dans le contexte de l’histoire de l’art et de nos histoires personnelles. C’est ce que les artistes brésiliens comme Lygia Pape, Hélio Oiticica et Lygia Clark, qui ont fondé le Mouvement Néo-Concret, ont également compris. Ils savaient que même si une couleur, une forme ou une ligne ne fait référence qu’à elle-même, elle prend un nouveau sens lorsque nous l’expérimentons personnellement. Malgré les meilleurs efforts des artistes Concrets pour atteindre une pureté objective, la clarté absolue dans l’art abstrait est insaisissable, car l’esprit humain est toujours là, prêt à troubler l’eau avec sa propre imagination.

Par Phillip Barcio (2017) - Édité par Francis Berthomier (2025).
Image en vedette : ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).

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