Questions de liberté - Retour sur l'art concret

Avec le suprématisme, le constructivisme, De Stijl, l'art néo-concret et le minimalisme, l'l'art concret fait partie d'une demi-douzaine de mouvements d'art abstrait géométrique qui ont émergé au XXe siècle. Siècle, à peu près entre 1913 et 1970. Mais il est nettement différent de tous les autres sur cette liste. La différence n’est peut-être pas évidente. Visuellement, ces six mouvements ont produit un travail similaire. En effet, tous étaient basés sur la même syntaxe : un langage visuel enraciné dans des éléments formels non objectifs comme les lignes, les formes et les couleurs. La différence essentielle entre eux était presque entièrement sémantique, ce qui signifie que l’intention et la signification sous-jacentes à chacun étaient uniques. Le suprématisme a utilisé l'abstraction géométrique pour communiquer la « suprématie du sentiment ou de la perception pure ». Le constructivisme l'a utilisé pour construire de nouveaux symboles utiles pour un monde moderne. De Stijl a utilisé des éléments géométriques pour explorer l'harmonie intrinsèque de l'univers. L'art concret était purement plastique : chaque élément visuel qu'il utilisait était créé de manière mécanique et était dépourvu de toute signification symbolique, émotionnelle, spirituelle ou naturaliste. L’art néo-concret utilise le même langage visuel que l’art concret, mais rejette sa pure plasticité, se concentrant plutôt sur le potentiel phénoménologique qui apparaît lorsque les gens interagissent avec l’art. Le minimalisme convenait que les éléments plastiques devaient être autoréférentiels, mais poussait cette croyance à l'extrême, conférant aux composants esthétiques un pouvoir autonome au point de sublimer l'artiste, supprimant toute preuve d'auteur, de récit, de biographie ou de tout autre élément susceptible d'interférer avec l'artiste. la présence totalitaire de l’œuvre. De tous ces mouvements, un seul – l’art concret – peut se targuer d’être purement abstrait. Elle seule cherchait activement à éliminer toute signification extérieure, libérant ainsi les artistes de la nécessité de communiquer quoi que ce soit au-delà de ce qui était clairement visible dans l'œuvre.

Vers la concrétion

La tendance vers un art pur et plastique a pris racine en Europe vers le milieu des années 1800. C'est à ce moment-là que des peintres associés à des mouvements comme l'impressionnisme et le divisionnisme ont commencé à isoler des éléments comme la lumière et la couleur comme des choses dignes d'une considération individuelle. Mais le sujet et la signification étaient encore importants pour les gens à cette époque, si ce n'est pour les artistes eux-mêmes, du moins pour leurs mécènes. Il a fallu des mouvements comme le cubisme et le futurisme pour commencer à changer cette perspective, ouvrant la voie à des artistes comme Wassily Kandinsky et Kazimir Malevich pour peindre des œuvres complètement abstraites au début des années 1900.

Mais même Kandinsky et Malevich ont réalisé des œuvres qui faisaient référence à des sources de signification extérieures, telles que la spiritualité et le symbolisme. Ce n'est qu'en 1930 qu'un premier Européen a réussi à verbaliser le désir d'embrasser une forme d'art visuel abstrait véritablement dépourvue de sens et pure. Cet artiste était le peintre et écrivain néerlandais Theo van Doesburg. Van Doesburg s'était d'abord fait connaître vers 1917, lorsqu'il a cofondé De Stijl avec Piet Mondrian. Mais lui et Mondrian se sont rapidement séparés, car Mondrian, comme de nombreux autres artistes abstraits, était fortement influencé par la spiritualité utopique. Van Doesburg voulait échapper à toutes ces influences, ainsi qu'à toutes les références naturalistes ou figuratives. Ainsi, en 1930, avec l'artiste suisse Otto Gustaf Carlsund, le peintre français Jean Hélion, le peintre arménien Léon Arthur Tutundjian et le typographe français Marcel Wantz, il a coécrit le Manifeste de l'Art Concret.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Le Manifeste de l'Art Concret

Le manifeste énonçait six principes : “1) L'art est universel. 2) Une œuvre d'art doit être entièrement conçue et façonnée par l'esprit avant son exécution. Elle ne doit recevoir aucun élément formel de la nature, de la sensualité ou de la sentimentalité. Nous voulons exclure le lyrisme, le drame, le symbolisme, etc. 3) La peinture doit être entièrement construite avec des éléments purement plastiques, à savoir des surfaces et des couleurs. Un élément pictural n'a pas de signification au-delà de « lui-même » ; par conséquent, une peinture n'a pas d'autre signification que « elle-même ». 4) La construction d'une peinture, ainsi que celle de ses éléments, doit être simple et visuellement contrôlable. 5) La technique de peinture doit être mécanique, c'est-à-dire exacte, anti-impressionniste. 6) Un effort vers une clarté absolue est obligatoire.”

Van Doesburg est décédé un an après la publication du Manifeste de l’art concret. Il n’est donc pas resté assez longtemps pour le défendre contre l’armée de critiques qui l’ont attaqué au cours des décennies qui ont suivi. Les plaintes de ces critiques portaient principalement sur ce qu’ils percevaient comme la froideur sans âme et la stérilité de l’art concret. Mais, bien sûr, telle était l’intention du mouvement depuis le début. En fait, il est difficile d’imaginer que, si van Doesburg avait vécu plus longtemps, il aurait pris la peine de discuter avec ses détracteurs. Il aurait probablement interprété le mot sans âme comme un compliment, et les mots froids et stériles comme un éloge.

Art Concret Manifesto, May 1930, via wikiart.org

La clarté est insaisissable

Pour comprendre pourquoi l’art concret a d’abord séduit tant d’artistes, il est essentiel de comprendre que van Doesburg faisait partie d’une génération blasée après des décennies de violence. Les morts et les destructions massives qui accompagnaient la guerre moderne les ont choqués. Et de nombreux intellectuels sont parvenus à la conclusion que la violence n’était pas née de rien. Au contraire, ils y voyaient le résultat inévitable d’un conflit politique, religieux et idéologique. L'art concret était un appel aux artistes pour qu'ils se déconnectent de la réalité qui avait amené le monde au bord de la destruction.

Même aujourd'hui, de nombreux artistes, tels que Daniel Göttin et Tilman, embrassent les principes de l'Art Concret, s'efforçant d'atteindre une clarté absolue. Mais cela reste un objectif complexe. Les publics contemporains ne peuvent s'empêcher de trouver un sens dans l'Art Concret. L'intention de l'artiste signifie peu pour nous, car nous voyons l'œuvre dans le contexte de l'histoire de l'art et de nos histoires personnelles. C'est ce que des artistes brésiliens comme Lygia Pape, Hélio Oiticica et Lygia Clark, qui ont établi le Mouvement Néo-Concret, ont également réalisé. Ils savaient que même si une couleur, une forme ou une ligne ne fait référence qu'à elle-même, elle prend un nouveau sens lorsque nous l'expérimentons par nous-mêmes. Malgré les meilleurs efforts des artistes concrets, la clarté absolue dans l'art abstrait est insaisissable, car l'esprit humain reste toujours joyeusement à l'écart, prêt à troubler les eaux.

Image à la une : Tilman - Sans titre (257.11), 2011, 25,6 x 19,7 po.

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Par Phillip Barcio