Développer l’abstraction optique : comment Victor Vasarely a trouvé son propre style

On suppose parfois que lorsque nous parlons des « arts et sciences », nous parlons de choses nettement différentes. La science consiste à étudier les choses, après tout, tandis que l'art consiste à créer des choses. Mais les scientifiques ne créent-ils pas aussi, et les artistes n'étudient-ils pas également ? Et l'imagination n'est-elle pas essentielle aux deux ? Victor Vasarely était à la fois scientifique et artiste. Père d'un mouvement d'art abstrait moderniste connu sous le nom de Op-Art, il évoluait aisément dans ces deux mondes. Initialement formé en médecine, Vasarely abordait l'art d'un point de vue systématique. Il analysait les qualités formelles de ce qui constituait un objet esthétique. Il étudiait la nature à la recherche des éléments constitutifs de l'univers visuel. Et il analysait la manière dont les spectateurs percevaient l'univers visuel afin de comprendre comment l'art pouvait aider à révéler des vérités fondamentales. Des années 1920, lorsqu'il menait ses premières expériences esthétiques, jusqu'aux années 1960, lorsqu'il dévoila sa création ultime, « l'Alphabet Plastique », et jusqu'à la fin de sa vie à 90 ans, Vasarely abordait son art avec un point de vue alliant créativité et analyse. En chemin, il a modifié la façon dont les humains perçoivent l'espace bidimensionnel et a créé un corpus d'œuvres qui, même des décennies après sa mort, continue d'inspirer artistes, amateurs d'art, designers et scientifiques.

Victor Vasarely : le Scientifique

En 1906, lorsque Victor Vasarely est né, artistes et scientifiques jouissaient d'un respect égal. À Budapest, où Vasarely a fait ses études universitaires, il n'aurait pas été inhabituel que des membres des deux domaines interagissent, surtout dans les cafés animés le long des rives du Danube, qui étaient des centres de la scène intellectuelle européenne. Lorsque Vasarely est entré à l'université, c'était pour étudier la médecine à la Faculté de médecine de l'Université de Budapest. Mais deux ans après le début du programme, il change brusquement de direction et décide de se consacrer à l'étude de l'art.

Mais bien que son sujet ait changé, son approche de l'apprentissage ne l'a pas fait. En 1927, à l'âge de 21 ans, Vasarely s'inscrit dans une école d'art privée où il reçoit une formation formelle de peintre. Il excelle en tant qu'étudiant en art, et tout en affinant ses compétences esthétiques, il continue également à lire des ouvrages des plus grands scientifiques de l'époque. L'un de ses auteurs préférés à cette période de sa vie était Niels Bohr, qui en 1922 a reçu le prix Nobel pour son étude de la structure atomique. En physique quantique, le modèle de Bohr représente la structure d'un atome comme étant similaire à celle du système solaire. Visuellement, il ressemble à un cercle entouré de cercles plus grands, un motif que Vasarely explorera à plusieurs reprises dans son art.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, vers 1988 - © Victor Vasarely

Construire son argument

À travers ses études doubles en art et en science, Vasarely a commencé à formuler une théorie selon laquelle ces deux modes de pensée se croisent de manière à pouvoir, selon ses mots, « former une construction imaginaire en accord avec notre sensibilité et les connaissances contemporaines ». En 1929, il s’inscrit à l’Académie Mühely de Budapest, qui était alors l’équivalent hongrois du Bauhaus. Ses études portaient sur le concept d’un art total basé sur la géométrie. Il a expérimenté l’abstraction géométrique et a commencé à comprendre comment créer des illusions d’optique par l’agencement de formes géométriques et de couleurs sur une surface bidimensionnelle. Une comparaison entre une de ses œuvres de l’Académie MLes peintures de l’Académie Mühely intitulées Etudes Bauhaus C jusqu’à une œuvre réalisée en 1975 intitulée Vonal-Stri démontrent la concentration de toute une vie de Vasarely sur les possibilités de la géométrie pour exprimer l’intersection entre science et art.

Après avoir quitté l’Académie MÀ l’Académie Mühely, Vasarely s’installe à Paris, se marie et a deux enfants. Il soutient sa famille en tant que graphiste, poursuivant son art la nuit. Alors que son travail de jour exigeait un style net et précis, sa pratique artistique laissait libre cours à son imagination. Il a développé un style personnel mêlant les deux. Cela s’est manifesté dans ses peintures « Zebra » (voir FAQ 9) et « Harlequin » (voir ci-dessus), des séries qu’il a reprises tout au long de sa vie, ainsi que dans des œuvres comme « L’Échiquier » ci-dessous.

Victor Vasarely - Échiquier, 1975 - © Victor Vasarely

Le « Mauvais Chemin » et l’Éveil Cinétique

Après 14 ans à mener une double carrière à Paris, Vasarely a finalement obtenu sa première grande exposition. Elle a été suffisamment bien accueillie pour le convaincre qu'il pouvait se consacrer à plein temps à sa carrière d'artiste. C'est à cette époque qu'il s'est éloigné du style visuel qu'il avait jusque-là créé. En vacances sur une île en Bretagne, il a observé la manière dont les vagues modifiaient le paysage, notamment comment elles altéraient le littoral et façonnaient les pierres. Cette observation l'a conduit vers une sorte d’abstraction géométrique biomorphique alors qu'il tentait de se connecter à une manifestation visuelle de la géométrie naturelle du monde organique.

Bien que Vasarely ait plus tard qualifié cette période de sa vie de « mauvais chemin », elle a conduit à une évolution importante dans son travail. Elle a ajouté des éléments plus arrondis à ses peintures. Lorsqu'il est revenu à son style géométrique précédent, c'était avec l'inclusion de formes arrondies dynamiques qui semblaient gonfler vers l'extérieur de la peinture ou s'effondrer vers l'intérieur depuis la surface. La façon dont ces formes trompaient l'œil donnait l'impression que l'image bougeait. Cette illusion cinétique, combinée à la tridimensionnalité des images sur les toiles de Vasarely, est devenue la base de l'esthétique emblématique que nous appelons aujourd'hui Op-Art.

Victor Vasarely - Sans titre #8 (sphère rose et turquoise) - © Victor Vasarely

Le Manifeste Jaune : L’Art en Mouvement

En 1955, Vasarely a exposé certaines de ses œuvres lors d'une exposition d'art cinétique intitulée « Le Mouvement » à Paris. Pour accompagner son travail, il a publié un essai intitulé Notes pour un Manifeste. Imprimé sur du papier jaune, cet essai est depuis connu sous le nom de Le Manifeste Jaune. Il y déclarait : « Nous sommes à l'aube d'une grande époque. » Il affirmait que des étiquettes telles que peinture et sculpture étaient dépassées, puisque des artistes comme Arp, Kandinsky, Mondrian et Calder avaient détruit les séparations artificielles entre les arts plastiques. Il déclarait que puisque tous les phénomènes esthétiques sont des manifestations d'une même impulsion, il était temps de considérer toutes les réalisations artistiques comme faisant partie d’« une seule sensibilité plastique dans différents espaces ».

La contribution de Vasarely à cette « grande époque » est évidente lorsqu'on regarde les peintures qu'il a réalisées durant cette période de sa vie. Son travail a complètement redéfini l'expérience du spectateur face à une œuvre d'art bidimensionnelle. Il a créé la perception qu'un espace existait là où il n'y en avait pas. L'expérience du spectateur s'est transformée pour exister entièrement dans l'esprit du spectateur. Les formes qui résident sur une toile de Vasarely sont formelles et scientifiques, et pourtant, lorsqu'elles sont interprétées par l'œil, elles prennent des qualités qui semblent défier les faits scientifiques de la réalité spatiale.

Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely

L'Alphabet Plastique : Programmation esthétique

Au sommet de sa popularité dans les années 1960, Vasarely a créé ce qui représenterait l'apogée de son œuvre. Il a décrit ce qu'il appelait l'Alphabet Plastique, un langage visuel symbolique basé sur des formes géométriques et des couleurs. L'alphabet comprenait 15 formes, toutes basées sur des variations du cercle, du triangle et du carré, et chacune existait dans une gamme de 20 teintes différentes. Chaque forme était représentée dans un cadre carré, et la forme ainsi que son cadre environnant étaient présentés dans différentes teintes. L'Alphabet Plastique pouvait être arrangé en une infinité de combinaisons apparemment infinies et utilisé pour créer une multitude d'images manifestement sans fin.

Le concept que Vasarely a explicitement suggéré avec son Alphabet Plastique était que, par sa mise en œuvre, l'acte créatif pouvait être conduit par un processus purement scientifique. D'une part, cela déshumanisait, car cela représentait une forme de programmation, comme une proto-intelligence artificielle pouvant prendre en charge le processus de création artistique. D'autre part, cela humanisait, car cela démocratisait et démystifiait le processus créatif, permettant à quiconque de s'engager dans une activité esthétique créative.

Victor Vasarely - Titan A, 1985 - © Victor Vasarely

L'art pour tous

Il est approprié que la contribution pour laquelle Vasarely soit le plus reconnu soit une forme de disruption. Non seulement son travail visuel a déformé la surface de l'art bidimensionnel, mais ses idées et son Alphabet Plastique ont aussi bouleversé la surface de la culture. Les amis, collègues et disciples de Vasarely se souviennent avec enthousiasme que l'un de ses slogans était « l'art pour tous ». Il était ravi de voir son art intégré dans des vêtements, des cartes postales, des produits commerciaux et des publicités. Il prévoyait que, dans le futur, la seule façon pour l'art de rester pertinent serait que chaque être humain puisse participer à son appréciation.

Nous pouvons non seulement voir des échos de l'art de Vasarely dans les produits de l'art et du design contemporains, mais aussi des résonances de sa philosophie dans la communauté numérique et la culture mondiale à laquelle elle a contribué. En créant un style d'art raffiné pouvant avoir un attrait universel au-delà des divisions sociales artificielles, Vasarely a créé quelque chose d'unique : une expérience esthétique sincère et joyeuse qui, bien que abstraite, peut être facilement appréciée par quiconque sait voir. Et peut-être encore plus précieux, il a partagé une vision d'un avenir où l'art et la science collaborent pour un monde plus intéressant et équitable.

L'héritage vivant : Maîtres perceptuels contemporains

Transposant l'accent historique de Vasarely sur le mouvement optique, les grilles et la création démocratique à l'ère moderne, de nombreux artistes abstraits contemporains chez IdeelArt continuent de repousser les limites de la façon dont l'œil humain perçoit la lumière, l'espace et le mouvement. Bien que nous n'approfondissions pas ici leurs pratiques individuelles, ayant récemment exploré leur travail en détail dans notre éditorial complet, Op Art : L'embuscade perceptuelle et l'art qui refuse de rester immobile, cette sélection organisée représente certains des maîtres perceptuels les plus passionnants d'aujourd'hui :

• Cristina Ghetti : Emploie des rythmes géométriques pulsants et des vibrations chromatiques calculées pour créer des toiles peintes qui semblent physiquement s'étendre et se déplacer sous le regard du spectateur.

• Andy Harwood : Utilise des dégradés translucides méticuleux et un masquage net dans sa série Mesmerism pour maintenir l'œil dans un état de flux visuel continu.

• Sebastiaan Knot : Réinvente l'illusion optique en studio, photographiant des structures géométriques physiques sculptées uniquement par l'intersection de faisceaux lumineux colorés.

• Louise Blyton : Libère l'abstraction optique du cadre plat en créant des toiles en lin tridimensionnelles façonnées, recouvertes de pigments bruts et veloutés.

• Jesus Perea : Compose des formes géométriques architecturales méticuleusement équilibrées qui jouent avec l'ombre, la profondeur et l'orientation spatiale sur des plans plats.

• Bernadette Jiyong Frank : Superpose des dizaines de bandes micro-fines et translucides de couleur pour capturer la réfraction lumineuse changeante et lumineuse de la lumière.

• Brent Hallard : Utilise un masquage net et des surfaces monochromes très saturées qui repoussent les limites de la tension géométrique et de la vibration visuelle à bords durs.

Image en vedette : Victor Vasarely - Structure Universelle, Période Vega (à partir de 1968), DÉTAIL, © Victor Vasarely
Toutes les images sont utilisées à des fins illustratives uniquement
Par Phillip Barcio (2016) et Francis Berthomier (2026)

F Berthomier (co-fondateur d'IdeelArt) à la Fondation Vasarely - 2022

C Thomas (co-fondateur d'IdeelArt) à la Fondation Vasarely - 2022

FAQ : Victor Vasarely et la Fondation de l'Op Art

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