Développer l'abstraction optique ou comment Victor Vasarely a trouvé son propre style

On suppose parfois que lorsque nous parlons des « arts et des sciences », nous parlons de choses très différentes. Après tout, la science consiste à étudier les choses, alors que l’art consiste à créer des choses. Mais les scientifiques ne créent-ils pas aussi et les artistes n’étudient-ils pas aussi ? Et l’imagination n’est-elle pas partie intégrante des deux ? Victor Vasarely était à la fois un scientifique et un artiste. Père d'un mouvement d'art abstrait moderniste connu sous le nom d'Op-Art, il a confortablement habité les deux mondes. Initialement formé en médecine, Vasarely aborde l'art dans une perspective systématique. Il analyse les qualités formelles de ce qui constitue un objet esthétique. Il a étudié la nature à la recherche des éléments constitutifs de l’univers visuel. Et il a analysé la manière dont les spectateurs percevaient l’univers visuel, à la recherche de la manière dont l’art pouvait contribuer à révéler des vérités fondamentales. Depuis les années 1920 où il mène ses premières expérimentations esthétiques, en passant par les années 1960 où il révèle sa création ultime, « l'Alphabet Plastique », jusqu'à la fin de sa vie à 90 ans, Vasarely aborde son art dans une perspective qui inclut à la fois créativité et analyse. . En cours de route, il a modifié la façon dont les humains perçoivent l'espace bidimensionnel et a créé une œuvre qui, même des décennies après sa mort, continue d'inspirer les artistes, les amateurs d'art, les designers et les scientifiques.

Victor Vasarely le scientifique

En 1906, à la naissance de Victor Vasarely, les artistes et les scientifiques étaient également respectés. À Budapest, où Vasarely a fait ses études universitaires, il n’aurait pas été inhabituel que des membres des deux disciplines interagissent les uns avec les autres, notamment dans les cafés animés des rives du Danube, qui étaient des centres de la scène intellectuelle européenne. Lorsque Vasarely est entré à l’université pour la première fois, c’était pour étudier pour devenir docteur à l’École de médecine de l’Université de Budapest. Mais après deux années d'études, il change brusquement de direction et décide de se consacrer à l'étude de l'art.

Mais si son sujet a changé, son approche de l’apprentissage n’a pas changé. En 1927, à l'âge de 21 ans, Vasarely s'inscrit dans une école d'art privée où il reçoit une formation formelle de peintre. Il excellait en tant qu'étudiant en art et, tout en perfectionnant ses compétences esthétiques, il continuait également à lire les livres des plus grands scientifiques de l'époque. L’un de ses auteurs préférés à cette époque de sa vie était Niels Bohr, qui reçut en 1922 le prix Nobel pour son étude de la structure atomique. En physique quantique, le modèle de Bohr décrit la structure d’un atome comme étant similaire à celle du système solaire. Visuellement, il ressemble à un cercle entouré de cercles plus grands, un motif que Vasarely explorerait à plusieurs reprises dans son art.

Victor Vasarely - Arlequin Sportif, ca. 1988. Sérigraphie. 38 1/2 × 28 1/2 po ; 97,8 × 72,4 cm. Édition de 300 exemplaires. RoGallery. ©Victor Vasarely

Construire son dossier

À travers son double cursus en art et en science, Vasarely a commencé à formuler une théorie selon laquelle les deux modes de pensée s'intersectaient d'une manière qui, perçue ensemble, pouvait, comme il le disait, « former une construction imaginaire qui est en accord avec notre sensibilité et notre connaissance contemporaine ». En 1929, il s'est inscrit à l'Académie Muhely de Budapest, qui à l'époque était l'équivalent hongrois du Bauhaus. Ses études là-bas se concentraient sur le concept d'un art total basé sur la géométrie. Il a expérimenté avec l'abstraction géométrique et a commencé à comprendre comment des illusions d'optique pouvaient être créées par l'arrangement de formes géométriques et de couleurs sur une surface bidimensionnelle. Une comparaison d'une de ses peintures de l'Académie Muhely intitulée Etudes Bauhaus C avec une peinture qu'il a réalisée en 1975 intitulée Vonal-Stri démontre l'obsession de Vasarely tout au long de sa vie pour les possibilités de la géométrie d'exprimer l'intersection de la science et de l'art.

Après avoir quitté l'Académie Muhely, Vasarely s'installe à Paris, se marie et a deux enfants. Il subvenait aux besoins de sa famille en tant que graphiste, poursuivant son art la nuit. Alors que son travail quotidien exigeait un style épuré et précis, sa pratique artistique était ouverte à son imagination. Il a développé un style personnel imprégné des deux. Cela s'est manifesté dans ses peintures « Zèbre » et « Arlequin », séries auxquelles il est revenu tout au long de sa vie, et dans des peintures comme « L'échiquier. .»

Victor Vasarely - Échiquier, 1975. Sérigraphie. 31 1/2 × 30 pouces ; 80 × 76,2 cm. Édition de 300 exemplaires. RoGallery. ©Victor Vasarely

Le mauvais chemin

Après 14 ans de travail sur des carrières doubles à Paris, Vasarely a enfin reçu sa première grande exposition. Elle a été suffisamment bien accueillie pour qu'il soit convaincu qu'il pouvait se consacrer à plein temps à être artiste. C'est à cette époque qu'il a pris un tournant dans le style visuel qu'il avait créé. En vacances sur une île en Bretagne, il a remarqué la façon dont les vagues affectaient le paysage, en particulier comment elles modifiaient le littoral et façonnaient les pierres. Cette observation l'a conduit sur un chemin vers une sorte d' abstraction géométrique biomorphique alors qu'il tentait de se connecter à une manifestation visuelle de la géométrie naturelle du monde organique.

Bien que Vasarely ait par la suite qualifié cette période de sa vie de « chemin erroné », elle a entraîné une évolution importante dans son travail. Elle a ajouté des éléments plus arrondis à ses peintures. Lorsqu'il est revenu à son style géométrique précédent, c'était avec l'inclusion de formes arrondies dynamiques qui semblaient se gonfler vers l'extérieur de la peinture ou s'effondrer vers l'intérieur de la surface. La façon dont ces formes trompaient l'œil donnait l'impression que l'image était en mouvement. Cette illusion cinétique, combinée à la tridimensionnalité des images sur les toiles de Vasarely, est devenue la base de l'esthétique iconique que nous appelons maintenant Op-Art.

Victor Vasarely - Sans titre #8 (sphère rose et turquoise). Sérigraphie. 13 × 10 pouces ; 33 × 25,4 cm. Édition de 50 exemplaires. Gregg Shienbaum Fine Art. ©Victor Vasarely

Le Manifeste Jaune

En 1955, Vasarely a exposé certaines de ses œuvres dans une exposition d'art cinétique intitulée « Le Movement » à Paris. Pour accompagner son travail, il a publié un essai intitulé Notes for a Manifesto. Imprimé sur du papier jaune, l'essai est depuis connu sous le nom de The Yellow Manifesto. Dans cet essai, Vasarely a déclaré : « Nous sommes à l'aube d'une grande époque. » Il a insisté sur le fait que des étiquettes telles que peinture et sculpture étaient obsolètes, car des artistes tels que Arp, Kandinsky, Mondrian et Calder avaient détruit les séparations artificielles entre les arts plastiques. Il a déclaré que puisque tous les phénomènes esthétiques sont des manifestations du même élan, il était temps de considérer toutes les réalisations artistiques comme faisant partie de « une seule sensibilité plastique dans différents espaces ».

La contribution de Vasarely à cette « grande époque » apparaît clairement lorsqu’on regarde les peintures qu’il a réalisées à cette époque de sa vie. Son travail a complètement redéfini l'expérience du spectateur d'une œuvre d'art en deux dimensions. Il a créé la perception que l’espace existait là où l’espace n’existait pas. L’expérience du spectateur a été transformée pour exister entièrement dans l’esprit du spectateur. Les formes qui résident sur l’une des toiles de Vasarely sont formelles et scientifiques, et pourtant, lorsqu’elles sont interprétées par l’œil, elles revêtent des qualités qui semblent défier les faits scientifiques de la réalité spatiale.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Sérigraphie sur papier Arches. 30 7/8 × 37 7/8 po ; 78,4 × 96,2 cm. Edition de 250 exemplaires. © Victor Vasarely

L'alphabet en plastique

Au sommet de sa popularité dans les années 1960, Vasarely crée ce qui constituera l’aboutissement de l’œuvre de sa vie. Il a décrit ce qu'il a appelé l'Alphabet Plastique, un langage visuel symbolique basé sur des formes géométriques et des couleurs. Il y avait 15 formes dans l’alphabet, toutes basées sur des variations du cercle, du triangle et du carré, et chacune des formes existait dans une gamme de 20 teintes différentes. Chaque forme était représentée dans un cadre carré, et la forme et son cadre environnant étaient présentés dans différentes teintes. L'alphabet en plastique pourrait être disposé selon un assortiment apparemment infini de combinaisons et utilisé pour créer une gamme évidemment infinie d'images.

Le concept que Vasarely implicite explicitement avec son Alphabet Plastique était que, grâce à sa mise en œuvre, l’acte créatif pouvait être mené à travers un processus purement scientifique. D’un côté, c’était déshumanisant, car cela représentait une forme de programmation, comme une intelligence proto-artificielle qui pourrait prendre en charge le processus de création artistique. D’un autre côté, il était humanisant, car il démocratisait et démystifiait le processus créatif, permettant à chacun de s’engager dans une activité esthétique créatrice.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Sérigraphie. 22 × 23 1/2 po ; 55,9 × 59,7 cm. Édition de 300 exemplaires. Gregg Shienbaum Fine Art. ©Victor Vasarely

L'art pour tous

Il est normal que la contribution pour laquelle Vasarely soit le plus connu soit une forme de perturbation. Non seulement son travail visuel a déformé la surface de l’art bidimensionnel, mais ses idées et son alphabet plastique ont également déformé la surface de la culture. Les amis, collègues et adeptes de Vasarely rappellent avec enthousiasme que l’une de ses devises était « l’art pour tous ». Il était ravi de voir son art figurer sur des vêtements, des cartes postales, des produits commerciaux et des publicités. Il prévoyait qu’à l’avenir, la seule façon pour l’art de rester pertinent serait que chaque être humain puisse participer à sa jouissance.

Non seulement nous pouvons voir des échos de l’art de Vasarely dans les produits de l’art contemporain et du design, mais nous voyons également des échos de sa philosophie dans la communauté numérique et la culture mondiale à laquelle elle a contribué. En créant un style d’art susceptible d’avoir un attrait universel au-delà des divisions sociales artificielles, Vasarely a créé quelque chose d’unique : une expérience esthétique sincère et joyeuse qui, bien qu’abstraite, peut facilement être appréciée par toute personne voyante. Et peut-être plus précieux encore, il a partagé une vision d'un avenir dans lequel l'art et la science travailleront ensemble pour un monde plus intéressant et plus équitable.

Image en vedette : Victor Vasarely - Zèbre, 1938. 52 x 60 cm. ©Victor Vasarely
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio