Développer l'abstraction optique ou comment Victor Vasarely a trouvé son propre style

On suppose parfois que lorsque nous parlons des « arts et sciences », nous évoquons des choses nettement différentes. La science consiste à étudier les choses, après tout, tandis que l’art consiste à créer des choses. Mais les scientifiques ne créent-ils pas aussi, et les artistes n’étudient-ils pas également ? Et l’imagination n’est-elle pas essentielle aux deux ? Victor Vasarely était à la fois scientifique et artiste. Père d’un mouvement d’art abstrait moderniste connu sous le nom d’Op-Art, il évoluait aisément dans ces deux mondes. Initialement formé en médecine, Vasarely abordait l’art d’un point de vue systématique. Il analysait les qualités formelles de ce qui constituait un objet esthétique. Il étudiait la nature à la recherche des éléments constitutifs de l’univers visuel. Et il analysait la manière dont les spectateurs percevaient l’univers visuel afin de découvrir comment l’art pouvait aider à révéler des vérités fondamentales. Depuis les années 1920, lorsqu’il menait ses premières expériences esthétiques, jusqu’aux années 1960, quand il dévoila sa création ultime, « l’Alphabet Plastique », et jusqu’à la fin de sa vie à 90 ans, Vasarely abordait son art avec un point de vue qui incluait à la fois créativité et analyse. En chemin, il a modifié la façon dont les humains perçoivent l’espace bidimensionnel et a créé un corpus d’œuvres qui, même des décennies après sa mort, continue d’inspirer artistes, amateurs d’art, créateurs et scientifiques.

Victor Vasarely le Scientifique

En 1906, à la naissance de Victor Vasarely, artistes et scientifiques jouissaient d’un respect égal. À Budapest, où Vasarely fit ses études universitaires, il n’était pas rare que les membres des deux domaines interagissent, notamment dans les cafés animés le long des rives du Danube, qui étaient des centres de la scène intellectuelle européenne. Lorsque Vasarely entra à l’université, c’était pour étudier la médecine à la Faculté de Médecine de Budapest. Mais au bout de deux ans, il changea brusquement de voie et décida de se consacrer à l’étude de l’art.

Bien que son sujet ait changé, sa méthode d’apprentissage resta la même. En 1927, à 21 ans, Vasarely s’inscrivit dans une école d’art privée où il reçut une formation formelle de peintre. Il excella en tant qu’étudiant en art, et tout en perfectionnant ses compétences esthétiques, il continua à lire les ouvrages des plus grands scientifiques de l’époque. L’un de ses auteurs favoris à cette période était Niels Bohr, qui reçut en 1922 le prix Nobel pour son étude de la structure atomique. En physique quantique, le modèle de Bohr représente la structure d’un atome comme étant similaire à celle du système solaire. Visuellement, il ressemble à un cercle entouré de cercles plus grands, un motif que Vasarely explorera à plusieurs reprises dans son art.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, vers 1988. Sérigraphie. 97,8 × 72,4 cm. Édition de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Construire son Argument

Par son double apprentissage de l’art et de la science, Vasarely commença à formuler une théorie selon laquelle les deux modes de pensée se croisaient de manière à pouvoir, selon ses mots, « former une construction imaginaire en accord avec notre sensibilité et les connaissances contemporaines ». En 1929, il s’inscrivit à l’Académie Muhely de Budapest, qui à l’époque était l’équivalent hongrois du Bauhaus. Ses études portaient sur le concept d’un art total fondé sur la géométrie. Il expérimenta l’abstraction géométrique et commença à comprendre comment des illusions d’optique pouvaient être créées par l’agencement de formes géométriques et de couleurs sur une surface bidimensionnelle. Une comparaison entre une de ses peintures de l’Académie Muhely intitulée Etudes Bauhaus C et une peinture réalisée en 1975 intitulée Vonal-Stri illustre la concentration de toute une vie de Vasarely sur les possibilités de la géométrie pour exprimer l’intersection entre science et art.

Après avoir quitté l’Académie Muhely, Vasarely s’installa à Paris, se maria et eut deux enfants. Il soutint sa famille en tant que graphiste, poursuivant son art le soir. Alors que son travail de jour exigeait un style net et précis, sa pratique artistique laissait libre cours à son imagination. Il développa un style personnel imprégné des deux. Il se manifesta dans ses séries de peintures « Zebra » et « Harlequin », auxquelles il revint tout au long de sa vie, ainsi que dans des œuvres comme « Le Damier ».

Victor Vasarely - Damier, 1975. Sérigraphie. 80 × 76,2 cm. Édition de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Le Mauvais Chemin

Après 14 ans de double carrière à Paris, Vasarely obtint enfin sa première grande exposition. Elle fut suffisamment bien accueillie pour qu’il soit convaincu de pouvoir se consacrer entièrement à l’art. C’est à cette époque qu’il s’éloigna du style visuel qu’il avait créé. En vacances sur une île en Bretagne, il observa comment les vagues modifiaient le paysage, notamment la façon dont elles altéraient le littoral et façonnaient les pierres. Cette observation le conduisit vers une sorte d’abstraction géométrique biomorphique alors qu’il tentait de se connecter à une manifestation visuelle de la géométrie naturelle du monde organique.

Bien que Vasarely ait plus tard qualifié cette période de sa vie de « mauvais chemin », elle entraîna une évolution importante dans son œuvre. Elle ajouta des éléments plus arrondis à ses peintures. Lorsqu’il revint à son style géométrique précédent, ce fut avec l’inclusion de formes arrondies dynamiques qui semblaient gonfler vers l’extérieur de la toile ou s’effondrer vers l’intérieur depuis la surface. La façon dont ces formes trompaient l’œil donnait l’impression que l’image bougeait. Cette illusion cinétique, combinée à la tridimensionnalité des images sur les toiles de Vasarely, devint la base de l’esthétique emblématique que nous appelons aujourd’hui Op-Art.

Victor Vasarely - Sans titre n°8 (sphère rose et turquoise). Sérigraphie. 33 × 25,4 cm. Édition de 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Le Manifeste Jaune

En 1955, Vasarely exposa certaines de ses œuvres lors d’une exposition d’art cinétique intitulée « Le Mouvement » à Paris. Pour accompagner son travail, il publia un essai intitulé Notes pour un Manifeste. Imprimé sur papier jaune, cet essai est depuis connu sous le nom de Manifeste Jaune. Il y déclara : « Nous sommes à l’aube d’un grand âge. » Il affirma que des étiquettes telles que peinture et sculpture étaient dépassées, car des artistes comme Arp, Kandinsky, Mondrian et Calder avaient détruit les séparations artificielles entre les arts plastiques. Il déclara que puisque tous les phénomènes esthétiques sont des manifestations d’une même impulsion, il était temps de considérer toutes les réalisations artistiques comme faisant partie d’« une seule sensibilité plastique dans différents espaces ».

La contribution de Vasarely à ce « grand âge » est évidente lorsqu’on regarde les peintures qu’il réalisa à cette période de sa vie. Son œuvre redéfinit complètement l’expérience du spectateur face à une œuvre d’art bidimensionnelle. Il créa la perception d’un espace là où il n’y en avait pas. L’expérience du spectateur se transforma pour exister entièrement dans l’esprit du spectateur. Les formes qui résident sur une toile de Vasarely sont formelles et scientifiques, et pourtant, lorsqu’elles sont interprétées par l’œil, elles prennent des qualités qui semblent défier les faits scientifiques de la réalité spatiale.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Sérigraphie sur papier Arches. 78,4 × 96,2 cm. Édition de 250. © Victor Vasarely

L’Alphabet Plastique

Au sommet de sa popularité dans les années 1960, Vasarely créa ce qui représenterait l’aboutissement de son œuvre. Il décrivit ce qu’il appelait l’Alphabet Plastique, un langage visuel symbolique basé sur des formes géométriques et des couleurs. L’alphabet comprenait 15 formes, toutes basées sur des variations du cercle, du triangle et du carré, et chacune existait dans une gamme de 20 teintes différentes. Chaque forme était représentée dans un cadre carré, et la forme ainsi que son cadre étaient présentés dans différentes teintes. L’Alphabet Plastique pouvait être arrangé en une multitude apparemment infinie de combinaisons et utilisé pour créer une gamme manifestement sans fin d’images.

Le concept que Vasarely sous-entendait explicitement avec son Alphabet Plastique était que, par son application, l’acte créatif pouvait être mené par un processus purement scientifique. D’une part, cela déshumanisait, car cela représentait une forme de programmation, comme une proto-intelligence artificielle pouvant prendre en charge le processus de création artistique. D’autre part, cela humanisait, car cela démocratisait et démystifiait le processus créatif, permettant à quiconque de s’engager dans une activité esthétique créative.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Sérigraphie. 55,9 × 59,7 cm. Édition de 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

L’Art pour Tous

Il est approprié que la contribution pour laquelle Vasarely soit le plus reconnu soit une forme de rupture. Non seulement son œuvre visuelle déformait la surface de l’art bidimensionnel, mais ses idées et son Alphabet Plastique déformaient aussi la surface de la culture. Les amis, collègues et disciples de Vasarely se souviennent avec enthousiasme que l’un de ses devises était « l’art pour tous ». Il était ravi de voir son art apparaître sur des vêtements, des cartes postales, des produits commerciaux et des publicités. Il prévoyait que, dans l’avenir, la seule façon pour l’art de rester pertinent serait que chaque être humain puisse participer à son appréciation.

Non seulement nous pouvons voir des échos de l’art de Vasarely dans les produits de l’art et du design contemporains, mais nous voyons aussi des échos de sa philosophie dans la communauté numérique et la culture mondiale à laquelle elle a contribué. En créant un style d’art raffiné pouvant avoir un attrait universel au-delà des divisions sociales artificielles, Vasarely créa quelque chose d’unique : une expérience esthétique sincère et joyeuse qui, bien que abstraite, peut être facilement appréciée par quiconque sait voir. Et peut-être plus précieux encore, il partagea une vision d’un avenir où l’art et la science travaillent ensemble pour un monde plus intéressant et équitable.

Image en vedette : Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio