L'histoire derrière la composition VII de Vassily Kandinsky

La « Composition VII » (1913) de Wassily Kandinsky est considérée par de nombreux amateurs d'art abstrait comme être la peinture la plus importante du XXe siècle, peut-être même la peinture abstraite la plus importante jamais créée. Pourtant, souvent, lorsque quelqu'un le regarde pour la première fois, il réagit négativement, exprimant sa colère, sa frustration, voire son dégoût. Indéniablement, c’est une peinture difficile, surtout pour ceux qui débutent dans l’art abstrait. Tout d’abord, il est massif, mesurant 200 x 300 centimètres. Deuxièmement, la surface est entièrement recouverte d’innombrables formes amorphes qui se chevauchent, de lignes apparemment aléatoires et d’un champ de mines de couleurs, certaines vives et d’autres floues. Rien ne fait référence au monde naturel connu. Seule l'illusion de la profondeur est perceptible, mais l'espace dans lequel elle s'éloigne n'a aucun semblant de réalité. Le tableau pourrait facilement paraître absurde à quiconque ne veut pas travailler à percer ses mystères. Mais pour ceux qui souhaitent l’étudier avec un esprit ouvert, « Composition VII » peut rapporter suffisamment de dividendes intellectuels, visuels et même spirituels pour durer toute une vie. Et je ne suis pas hyperbolique. Cette peinture est vraiment importante pour certaines personnes, non seulement en raison de ses qualités visuelles, physiques ou formelles, mais aussi parce que pour Kandinsky et ceux qui l'apprécient, la « Composition VII » est devenue une incarnation concrète de la pureté spirituelle. dans l'art.

L'escalier vers sept

Entre les années 1910 et 1939, Kandinsky a peint 10 toiles auxquelles il a attribué le titre "Composition". Aujourd'hui, seules sept de ces peintures subsistent, les trois premières ayant été détruites pendant la Première Guerre mondiale. Mais des photographies des trois premières Compositions existent. Bien qu'elles manquent d'informations sur la couleur, nous pouvons en tirer quelques indices sur l'essence du voyage visuel dans lequel Kandinsky s'est engagé en créant chacune d'elles. Ce voyage impliquait initialement de transformer des paysages et des figures traditionnels en masses simplifiées, biomorphiques, puis de coaxer ces masses en formes et en figures de plus en plus abstraites. Dans "Composition III", par exemple, les formes d'humains et d'animaux sont encore reconnaissables, se déplaçant, peut-être en train de jouer ou peut-être de se battre, ou les deux, dans une sorte d'environnement pastoral. Mais ensuite, dans "Composition IV" (1911), les formes sont presque méconnaissables. Kandinsky nous dit que dans cette image, il y a des figures allongées en bas à droite, et deux tours se tenant au sommet d'une colline en haut à droite, une scène qu'il décrit comme une guerre et une paix simultanées. Mais il me serait difficile d'arriver à cette conclusion sans son explication.

Wassily Kandinski - Composition VI, 1913. Huile sur toile. 195 x 300 cm. Musée de l'Ermitage

La « Composition V » (1911) est encore plus abstraite, et pourtant l'émotion qu'elle exprime est également plus intense que dans les Compositions précédentes. Dans ce tableau, les formes du tableau se rapportent encore quelque peu au monde naturel puisque des figures légèrement humanoïdes et des traits quasi naturels, aussi épurés soient-ils, sont intercalés dans toute l'image. Cependant, la « Composition VI », que Kandinsky a peinte deux ans après la « Composition V », est presque totalement abstraite. Sa caractéristique la plus marquante réside dans ses lignes, comme les six lignes parallèles au milieu de l'image qui ressemblent au manche d'une guitare. Ce que représente ce tableau, selon Kandinsky, c’est « le déluge », c’est-à-dire l’histoire biblique de Noé. Il a tenté de distiller les essences émotionnelles, psychologiques et spirituelles de l’histoire : destruction et création ; la peur et l'espoir - dans une exploration visuelle de l'équilibre et de l'harmonie. À propos de la « Composition VI », écrit-il, « le motif original du tableau (le Déluge) a été dissous et transféré à l'existence interne, purement picturale, indépendante et objective ». Néanmoins, le tableau comporte encore clairement des éléments figuratifs qui lient son langage visuel au monde extérieur.

Une expression de sentiment intérieur

La « Composition VII » est considérée comme si importante parce que c'est la première fois que Kandinsky estime qu'il atteint l'idéal qui a donné son nom à sa série de Compositions. Dans les derniers paragraphes du dernier chapitre de son livre fondateur, Du spirituel dans l’art, publié par Kandinsky en 1910, il décrit trois types différents d’inspiration artistique. La première, qu’il appelle « impression », est décrite comme une impression directe et artistique de la nature extérieure. La seconde, qu’il appelle « improvisation », est décrite comme une « expression inconsciente et spontanée », semblable à la pratique surréaliste ultérieure du dessin automatique. La troisième, qu’il appelle « composition », décrit-il comme « l’expression d’un sentiment intérieur lentement formé, qui ne s’exprime qu’après une longue maturation ». Lorsqu’il s’agit de la « Composition VII », l’expression « longue maturation » est essentielle. Lorsqu’il peint « Composition VII », Kandinsky vivait à Munich. D'après les archives historiques qu'il a tenues à l'époque, nous savons qu'il a planifié la « Composition VII » pendant des mois, créant pour elle plus de 30 esquisses préliminaires sur divers supports. Chaque esquisse préliminaire construit vers une image totalement dépourvue à la fois d’« impression » et d’« improvisation ».

Wassily Kandinski - Composition VII, 1913. Huile sur toile. 79 x 119 pouces (200,6 x 302,2 cm). Galerie Tretiakov

Peu après avoir terminé ce jalon, Kandinsky a été contraint par le déclenchement de la Première Guerre mondiale de retourner chez lui en Russie. Déprimé par la guerre, il a à peine peint pendant des années. Il a fallu 10 ans avant qu'il ne reprenne sa série de Compositions. "Composition VIII" (1923) traduit l'imagerie abstraite de son prédécesseur en un langage visuel purement géométrique. "Composition IX", qui ne fut achevée qu'en 1936, n'est pas purement abstraite, mais réintroduit l'idée d'"impression" en ajoutant des formes florales et d'autres imageries naturelles. "Composition X" (1939), qui fut achevée cinq ans avant la mort de Kandinsky, est hautement symbolique et également choquante de modernité, même aujourd'hui. Cependant, bien que chacune de ces Compositions ultérieures, et chacune des six qui l'ont précédée, puisse être considérée comme visionnaire, ce qui distingue "Composition VII" est le fait qu'en atteignant une abstraction réfléchie, méthodique, mature et totale, elle réalise l'idéal ultime que Kandinsky cherchait à atteindre, non seulement avec cette série mais avec toutes ses œuvres du 20ème siècle. C'est la première fois que Kandinsky a réussi avec la peinture ce qu'il croyait que les musiciens réussissaient avec la musique : une traduction pure des sentiments en éléments abstraits formels capables d'exprimer l'esprit humain.

Image à la une : Wassily Kandinski - Composition V, 1911. Huile sur toile. 74,8 x 108,2 pouces (190 x 275 cm). Collection privée.
Toutes les images via Wikimedia Commons.
Par Phillip Barcio