L'histoire derrière la composition VII de Vassily Kandinsky

“Composition VII” (1913) de Wassily Kandinsky est considérée par de nombreux amateurs d’art abstrait comme la peinture la plus importante du XXe siècle — peut-être même la peinture abstraite la plus importante jamais créée. Pourtant, souvent, lorsqu’on la regarde pour la première fois, la réaction est négative, exprimant colère, frustration, voire dégoût. Indéniablement, c’est une peinture difficile, surtout pour ceux qui découvrent l’art abstrait. Tout d’abord, elle est massive, mesurant 200 x 300 centimètres. Ensuite, la surface est entièrement couverte d’innombrables formes amorphes superposées, de lignes apparemment aléatoires, et d’un champ de couleurs, certaines vives, d’autres floues. Rien ne fait référence au monde naturel connu. Seule l’illusion de profondeur est perceptible, mais l’espace dans lequel elle s’enfonce ne ressemble en rien à la réalité. La peinture pourrait facilement sembler absurde à quiconque ne souhaite pas s’efforcer de percer ses mystères. Mais pour ceux qui acceptent de l’étudier avec un esprit ouvert, “Composition VII” peut offrir des dividendes intellectuels, visuels, et même spirituels, suffisants pour toute une vie. Et je ne fais pas d’exagération. Cette peinture est vraiment aussi importante pour certaines personnes — non seulement à cause de ses qualités visuelles, physiques ou formelles, mais parce que pour Kandinsky et ceux qui l’apprécient, “Composition VII” est devenue une incarnation concrète de la pureté spirituelle en art.

Escalier vers Sept

Entre 1910 et 1939, Kandinsky a peint 10 toiles auxquelles il a donné le titre “Composition.” Aujourd’hui, seules sept de ces peintures subsistent, les trois premières ayant été détruites pendant la Première Guerre mondiale. Mais des photographies des trois premières Compositions existent. Bien qu’elles ne contiennent pas d’informations sur les couleurs, elles nous permettent de deviner l’essence du parcours visuel que Kandinsky suivait en créant chacune d’elles. Ce parcours consistait d’abord à transformer des paysages et des figures traditionnels en masses biomorphiques simplifiées, puis à amener ces masses à des formes de plus en plus abstraites. Dans “Composition III,” par exemple, les formes humaines et animales sont encore reconnaissables, se déplaçant, peut-être en train de jouer ou de se battre, ou les deux, dans un environnement pastoral. Mais dans “Composition IV” (1911), les formes sont presque méconnaissables. Kandinsky nous dit que dans cette image, il y a des figures allongées en bas à droite, et deux tours au sommet d’une colline en haut à droite, une scène qu’il décrit comme une guerre et une paix simultanées. Mais il serait difficile pour moi d’arriver à cette conclusion sans son explication.

Wassily Kandinski - Composition VI, 1913. Huile sur toile. 195 x 300 cm. Musée de l’Ermitage

“Composition V” (1911) est encore plus abstraite, et pourtant l’émotion qu’elle exprime semble aussi plus intense que dans les Compositions précédentes. Dans cette peinture, les formes restent encore un peu liées au monde naturel puisque des figures légèrement humanoïdes et des éléments quasi-naturels, bien que simplifiés, parsèment l’image. Presque totalement abstraite, cependant, est “Composition VI,” que Kandinsky a peinte deux ans après “Composition V.” Sa caractéristique la plus marquante est ses lignes, comme les six lignes parallèles au centre de l’image qui ressemblent au manche d’une guitare. Selon Kandinsky, cette peinture représente “le Déluge,” c’est-à-dire l’histoire biblique de Noé. Il a tenté de distiller les essences émotionnelles, psychologiques et spirituelles de cette histoire — destruction et création ; peur et espoir — dans une exploration visuelle de l’équilibre et de l’harmonie. À propos de “Composition VI,” il a écrit : “le motif original de la peinture (le Déluge) a été dissous et transféré à une existence interne, purement picturale, indépendante et objective.” Néanmoins, la peinture inclut encore clairement certains éléments figuratifs, qui relient son langage visuel au monde extérieur.

Une expression du sentiment intérieur

“Composition VII” est considérée comme si importante parce que c’est la première fois que Kandinsky estime avoir atteint l’idéal pour lequel sa série Composition a été nommée. Dans les derniers paragraphes du dernier chapitre de son ouvrage fondamental, De l’esprit dans l’art, publié en 1910, il décrit trois types différents d’inspiration artistique. Le premier, qu’il appelle “impression,” est une impression artistique directe de la nature extérieure. Le second, qu’il appelle “improvisation,” est une “expression inconsciente, spontanée,” similaire à la pratique surréaliste ultérieure du dessin automatique. Le troisième, qu’il appelle “composition,” est “une expression d’un sentiment intérieur lentement formé, qui ne s’exprime qu’après une longue maturation.” Pour “Composition VII,” l’expression “longue maturation” est essentielle. Quand il a peint “Composition VII,” Kandinsky vivait à Munich. D’après les archives historiques qu’il tenait à l’époque, nous savons qu’il a planifié “Composition VII” pendant des mois, créant plus de 30 esquisses préliminaires dans divers médiums. Chaque esquisse préliminaire construit une image totalement dépourvue à la fois d’“impression” et d’“improvisation.”

Wassily Kandinski - Composition VII, 1913. Huile sur toile. 79 x 119 in (200,6 x 302,2 cm). Galerie Tretiakov

Peu après avoir terminé cette étape majeure, Kandinsky fut contraint par le déclenchement de la Première Guerre mondiale de retourner en Russie. Déprimé par la guerre, il peignit à peine pendant des années. Il fallut dix ans avant qu’il ne reprenne sa série Composition. “Composition VIII” (1923) traduit l’imagerie abstraite de son prédécesseur en un langage visuel purement géométrique. “Composition IX,” qui ne fut achevée qu’en 1936, n’est pas purement abstraite, mais réintroduit l’idée d’“impression” en ajoutant des formes florales et d’autres images naturelles. “Composition X” (1939), terminée cinq ans avant la mort de Kandinsky, est très symbolique, et aussi étonnamment moderne, même aujourd’hui. Cependant, bien que chacune de ces Compositions ultérieures, ainsi que chacune des six qui les ont précédées, puisse être considérée comme visionnaire, ce qui distingue “Composition VII” est le fait qu’en atteignant une abstraction réfléchie, méthodique, mature et totale, elle réalise l’idéal ultime que Kandinsky cherchait à atteindre, non seulement avec cette série mais avec toutes ses œuvres du XXe siècle. C’est la première fois que Kandinsky parvient avec la peinture à ce que, selon lui, les musiciens atteignent avec la musique : une traduction pure des sentiments en éléments abstraits formels capables d’exprimer l’esprit humain.

Image en vedette : Wassily Kandinski - Composition V, 1911. Huile sur toile. 74,8 x 108,2 in (190 x 275 cm). Collection privée.
Toutes les images via Wikimedia Commons.
Par Phillip Barcio