Le rôle des formes biomorphiques dans l'art abstrait

Biomorphisme vient des mots grecs bio, signifiant vie, et morphe, signifiant forme. Cela ne signifie cependant pas une forme de vie. Cela signifie plutôt la tendance à présenter l’apparence ou les qualités d’un être vivant. Bien que cela semble scientifique, la première utilisation du terme était pour décrire l'art biomorphique dans l'exposition Cubisme et art abstrait de 1936 au MoMA. Écrit par Alfred H. Barr, le catalogue de cette exposition définissait le biomorphisme comme : « Curviligne plutôt que rectiligne, décoratif plutôt que structurel et romantique plutôt que classique dans son exaltation du mystique, du spontané et de l'irrationnel. » Barr a inventé le terme pour expliquer aux spectateurs la nature d'un certain type d'abstraction qui apparaissait dans l'art moderne depuis le début du 20e siècle. L'abstraction biomorphique intègre un langage visuel basé sur des formes biomorphiques - des formes bulbeuses, luxuriantes et somptueuses - qui ne sont ni représentatives ni géométriques, mais qui sont étrangement familières ; les gens les reconnaissent et se connectent avec eux à un niveau primaire, même s'ils ne les ont jamais vus auparavant.

Les racines du biomorphisme

C'est au début des années 1900 qu'un philosophe français nommé Henri Bergson a exprimé pour la première fois les concepts qui sous-tendent le biomorphisme. À cette époque, l’attitude dominante de la classe intellectuelle était que la raison et la science étaient les meilleurs, sinon les seuls, moyens de comprendre le monde réel. Une manière particulièrement populaire de voir le monde était celle d’une perspective téléologique. La téléologie affirme que tout a deux types de finalités : des finalités naturelles, innées ou intrinsèques, et des finalités non naturelles, imposées ou extrinsèques. Par exemple, le but intrinsèque d’un bulbe de fleur serait de devenir une fleur. Le but extrinsèque d’un bulbe à fleur serait de créer des revenus pour le propriétaire d’un magasin de bulbes à fleurs.

Henri Bergson pensait que le but n’était ni intrinsèque ni extrinsèque, mais qu’il était malléable, inconnaissable et peut-être inexistant dans le sens où il ne pouvait être défini objectivement. Il croyait que l’intuition, basée sur l’expérience et l’instinct, était tout aussi importante, sinon plus, que la science et la logique. Il a expliqué que la créativité évolue de la même manière que la nature, à travers des processus de fécondité, de mutation et ce qu'il a décrit comme une nouveauté imprévisible. Il pensait qu'il y avait une limite à la raison et à ce qui pouvait être planifié, et que le hasard était vital à la fois dans le monde naturel et dans le travail créatif des artistes. L'automatisme était essentiel à sa philosophie ; l'idée selon laquelle les systèmes naturels et les individus créatifs peuvent agir de manière indépendante et imprévisible, sans précédent ni explication.

Wassily Kandinsky - Study for Composition II, 1910. 97.5 x 130.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, NY, US

Art biomorphique

Les idées proposées par Bergson contrastaient fortement avec la manière analytique dont de nombreux artistes abordaient leur travail. L'une des premières manifestations esthétiques des processus naturels décrits par Bergson fut le tableau Le Bonheur de Vivre d'Henri Matisse. La peinture est figurative mais abstraite. Il montre des gens se prélassant nus dans un paradis semblable à celui d’Eden. Les Biomorphiques formes composent l'environnement naturel, et les formes humaines sont corpulentes et d'apparence organique . L'environnement naturel semble être en train de changer, et le langage visuel qu'ils partagent avec les figures humaines implique que l'humanité est également connectée à l'état de la nature en constante évolution. L’esthétique de cette peinture constitue le fondement de ce qui sera considéré comme une abstraction biomorphique.

L'abstraction biomorphique était une alternative pour de nombreux peintres au formalisme intentionnel qui dominait les tendances abstraites précises et géométriques de styles comme le Constructivisme et l'Art concret. Wassily Kandinsky s'intéressait particulièrement aux aspects spirituels et musicaux de l'art abstrait. Il a combiné des formes biomorphiques avec les lignes et les formes géométriques dans ses premières peintures purement abstraites. Bien que le peintre Joan Miró ait insisté sur le fait que ses peintures n'étaient pas abstraites, mais représentatives des images de rêve qu'il voyait dans sa tête, il a également incorporé de manière célèbre des formes biomorphiques dans son style iconique et idiosyncratique.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (The Joy of Life), 1905-1906. Oil on canvas. 175 x 241 cm. Barnes Foundation, Lower Merion, PA, US

Sculpture biomorphique

Peu après son apparition dans les peintures abstraites, le biomorphisme a trouvé sa voix dans les arts tridimensionnels. Le premier sculpteur abstrait biomorphique était Jean Arp. Il a d'abord incorporé des formes biomorphiques dans ses reliefs muraux, qui ressemblaient à des objets en forme d'œuf avec des formes nichées à l'intérieur des formes. Il a ensuite élargi son champ en créant des objets sculpturaux biomorphiques dans une vaste gamme de formes et de tailles, développant progressivement un immense langage de formes organiques et naturelles au cours de sa carrière.

Le langage des formes bulbaires qu'Arp a créé est devenu une profonde inspiration pour les deux sculpteurs britanniques du milieu du siècle qui ont véritablement défini le langage de la sculpture abstraite biomorphique moderniste. Le premier était Henry Moore, qui a utilisé le biomorphisme pour exprimer le lien essentiel entre la nature et l'humanité, et est surtout connu pour ses abstractions biomorphiques monumentales de figures humaines allongées. L'autre était Barbara Hepworth, qui a utilisé une énorme variété de matériaux et de techniques et a considérablement élargi le langage du biomorphisme dans son œuvre monumentale.

Joan Miró - Peinture, 1933. Huile sur toile. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Le surréalisme et l'autre forme

L'un des styles les plus influents sur lesquels le biomorphisme a eu un impact était le surréalisme. Yves Tanguy a peint des formes étranges, étrangement vivantes, mais aliénées dans ses paysages surréalistes désolés. Leur lumière dure et leurs environnements non naturels évoquent des notions apocalyptiques, et les formes elles-mêmes semblent plus comme des os et des restes que comme la vie elle-même. Pendant ce temps, les formes suintantes, dégoulinantes et en constante évolution dans les peintures de Salvador Dali habitent un espace quelque part entre la vie et la mort. Même ce qui semble être fait de pierre menace de prendre vie dans ses images oniriques.

L'utilisation surréaliste de formes biomorphiques ajoute une couche interprétative supplémentaire à l'étude de l'art abstrait biomorphique. Ces peintres avaient un lien particulier avec la racine du mot morphe. Dans la mythologie grecque, Hypnos est le dieu du sommeil. Son fils s'appelle Morphée et est le dieu des rêves. Le surréalisme était fondé sur l’étude du subconscient et grandement influencé par le monde des rêves. En ce sens, c’était la manifestation ultime du biomorphisme, car il s’appuyait sur un véritable automatisme, l’expression parfaite de la liberté et de la nouveauté imprévisible, et il habitait également le royaume de Morphée, le dieu des rêves. 

La tradition biomorphique contemporaine

Aujourd'hui, les formes biomorphiques ont trouvé une place dans le lexique esthétique général de l'art abstrait, et de nombreux artistes contemporains intègrent les traditions du biomorphisme dans leur travail. Le peintre abstrait basé à Los Angeles Gary Paller explore ces traditions directement en créant des compositions intuitives et superposées de formes organiques qui semblent s'emboîter, engluées dans les rythmes du processus et de l'évolution. Et l'artiste new-yorkais né à Boston Dana Gordon intègre des motifs biomorphiques dans ses explorations de préoccupations abstraites plus formelles, telles que la couleur, la structure et la ligne.

Bien que la pensée fondamentale derrière le biomorphisme soit apparue comme une réaction contre la rationalité et la science, l’évolution du biomorphisme dans l’art nous a aidé à réaliser que les gens n’ont plus besoin de choisir entre la raison et l’instinct. Cela nous a aidé à marier le côté rationnel et analytique de notre nature à la beauté étrange et naturelle de ce qu'Alfred H. Barr appelait le monde biomorphique « mystique, spontané et irrationnel ».

Image en vedette : Yves Tanguy - Je t'attends, 1934. Huile sur toile. 28 1/2 x 45 po (72,39 x 114,3 cm) Cadre : 35 × 50 × 1 po (88,9 × 127 × 2,54 cm). Collection LACMA
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio