L'histoire du paysage abstrait dans l'art

L’abstraction est l’Eminem de l’art. Elle est venue défier nos perceptions. Considérez ce que l’abstraction a fait pour la peinture de paysage. Pendant des siècles, les paysages occupaient une place misérablement basse (juste au-dessus des peintures d’animaux) dans la hiérarchie officielle des genres artistiques de l’Académie française. Mais l’art abstrait de paysage a défié ce point de vue désuet et bourgeois. L’abstraction a complètement transformé la définition conceptuelle de ce que peuvent être les paysages, ainsi que les manières dont ils peuvent être explorés dans l’art contemporain.

Les racines de l’art abstrait de paysage

Les Grecs peignaient des scènes de nature il y a 1500 ans. Les artistes chinois aussi, bien que leurs œuvres ne soient pas traditionnellement appelées paysages en raison de la présence fréquente de petites figures humaines. Mais ce n’est qu’au XVIe siècle que la nature est devenue un sujet acceptable pour les peintres européens. C’est alors que les artistes hollandais ont commencé à réaliser ce qu’ils appelaient des peintures « landschap », des images entièrement composées de scènes naturelles terrestres. Mais il a fallu encore 200 ans pour que l’Académie française accepte la peinture de paysage comme un genre valable. Et bien qu’ils en aient d’abord minimisé le potentiel, une fois que les pouvoirs institutionnels européens ont reconnu la peinture de paysage comme légitime, tout a changé.

Debra Ramsay - Un an, Sentier jaune, Paysage comme temps, 2014. Acrylique sur film polyester. 66 x 200 cm

Ce que l’art de paysage a apporté à l’abstraction

Au milieu des années 1800, les artistes paysagistes ont commencé à utiliser un style de peinture appelé « en plein air », ou peinture à l’air libre. La peinture en plein air a fait sortir les peintres de leurs ateliers pour peindre dehors. Cela a immédiatement fait de la peinture de paysage la manière la plus sensuelle pour un peintre de travailler. Comparez aux alternatives que sont les peintures historiques ou religieuses, les portraits, les scènes de la vie quotidienne, les natures mortes ou les scènes animalières. La peinture en plein air offrait un monde de plaisirs sensoriels, comme le scintillement de la lumière sur l’eau, les couleurs changeantes du ciel, la multitude miraculeuse de couleurs, de lignes et de formes dans la nature.

La peinture en plein air a contribué directement à l’attention portée par l’impressionnisme à capturer les qualités de la lumière, ainsi qu’aux expérimentations du post-impressionnisme avec la couleur et le mouvement. Pensez à « La Nuit étoilée » de Vincent van Gogh, un chef-d’œuvre paysagiste post-impressionniste de 1889. Dans cette œuvre, van Gogh tente de transmettre une émotion plutôt que la réalité, démontrant que la peinture de paysage est un véhicule parfait pour la quête artistique générale visant à transmettre le « ressenti » d’un sujet plutôt que son image précise.

Vincent van Gogh - La Nuit étoilée, 1889. Huile sur toile, 73,7 x 92,1 cm. Collection MoMA. Acquis par le legs Lillie P. Bliss (par échange). La conservation a été rendue possible par le projet de conservation artistique de la Bank of America. © MoMA

Ce que l’abstraction a apporté à l’art de paysage

Les premiers artistes abstraits ont élevé le statut de la peinture de paysage en l’utilisant comme genre de prédilection pour exprimer leurs méthodes en rapide évolution. Georges Braque a peint abondamment des paysages fauves, célébrant des choix de couleurs vives et arbitraires qui rejetaient avec audace la palette réaliste de la scène représentée. Plus tard, Braque, Pablo Picasso et Albert Gleizes, les voix principales du cubisme, utilisaient régulièrement les paysages comme sujets idéaux pour explorer leurs idées révolutionnaires.

Hans Hofmann, l’un des artistes abstraits les plus influents de l’histoire, était un peintre passionné de paysages, développant progressivement à travers eux son langage visuel emblématique. Hofmann a enseigné à de nombreux peintres abstraits majeurs du XXe siècle et leur a posé, directement ou indirectement, la question de ce que le mot paysage pourrait potentiellement signifier.

Sarah Hinckley - Cela commence par un simple regard (1), 2007. 45 x 33 cm. © Sarah Hinckley

Entrée dans l’Inscape

Par exemple, un paysage doit-il forcément faire référence à la terre ? Le peintre expressionniste abstrait chilien Roberto Matta a été à la fois influencé et soutenu par Hans Hofmann dans les années 1950. Matta a inventé le terme « inscape » pour désigner les peintures abstraites qu’il réalisait en explorant le paysage psychanalytique de l’esprit humain. Les « inscapes » de Matta incluaient l’espace de la pensée humaine dans le domaine de la « terre ». Ses œuvres mêlaient abstraction et surréalisme, élargissant considérablement le concept de ce qu’un paysage pouvait être.

Jackson Pollock et Helen Frankenthaler, deux des expressionnistes abstraits les plus célèbres, ont tous deux peint des paysages avant de trouver les voix qui les ont finalement rendus célèbres. Les paysages de Pollock sont expressionnistes, transmettant la profondeur et la maîtrise de la couleur qui l’ont ensuite défini. Les paysages de Frankenthaler sont si proches de ses œuvres de champ de couleur qu’ils remettent en question la frontière entre représentation et pure abstraction.

Tom McGlynn - Motif test 8 (Naples), 2005. Acrylique sur papier Fabriano. 55,8 x 83,8 cm

Le paysage abstrait contemporain

Les triomphes conceptuels passés de l’abstraction permettent aux peintres contemporains une liberté totale pour explorer de nouvelles perspectives sur le paysage. Sarah Hinckley crée des peintures utilisant de larges bandes de couleur diffusée qui s’alignent de manière suggestive d’horizons. Originaire de Cape Cod, Hinckley s’inspire des impressions laissées à la rencontre du sable et de la mer. Son travail suggère ces impressions, s’appuyant sur la couleur et la texture pour transmettre l’essence de la nature.

Bien que leurs inspirations diffèrent, les peintres Tom McGlynn et Debra Ramsay élargissent tous deux les limites conceptuelles de la manière dont le paysage environnant d’un artiste peut être représenté. McGlynn crée des peintures minimalistes composées de blocs rectangulaires de couleur disposés sur une toile blanche. Pour trouver ce langage visuel, McGlynn réduit et abstrait des éléments du paysage urbain. Ramsay crée de même des agencements de blocs colorés, de lignes et de formes géométriques. Pour trouver son langage visuel, elle réduit et abstrait des éléments des couleurs changeantes des éléments naturels d’un paysage sauvage.

Des artistes comme McGlynn et Ramsay élargissent les notions de la manière dont les paysages sont explorés et compris. Sans faire référence aux paysages traditionnels, ils présentent des images abstraites de leur environnement. Dans la tradition des artistes abstraits qui les ont précédés, ils témoignent de l’idée que le concept de paysage contient une multitude de perspectives fascinantes qui attendent d’être explorées.

Image en vedette : Peggy Wilson - Paysage abstrait II. © Peggy Wilson
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio