Joanne Freeman Entretien

Des toiles blanches élégantes ornées de quelques boucles soigneusement conçues de différentes couleurs, dégageant un certain rythme de paix et d'harmonie. Le principe du moins c'est plus est évident dans les œuvres de Joanne Freeman. Avec seulement quelques lignes efficaces, elle parvient à construire une vision percutante et à captiver le spectateur. IdeelArt a eu l'opportunité unique de poser à Joanne Freeman quelques questions sur son travail, son processus créatif et sa vie d'artiste. Nous avons discuté de ses réflexions sur son œuvre, de la manière dont elle perçoit la relation entre le créateur et l'art, et entre l'art et le spectateur. Alors, profitez de notre courte mais enrichissante interview avec la très charmante Joanne Freeman. 

Vous avez fréquenté l'université de Madison, dans le Wisconsin, donné des conférences dans le Massachusetts, exposé largement aux États-Unis et à l'étranger, et vous vivez et travaillez à New York. Pouvez-vous parler de la manière dont votre travail est influencé par le sentiment d’appartenance ?

Mon travail est fortement influencé par le lieu. Comme mentionné, je vis et travaille à New York, et ce climat visuel et culturel a un fort impact sur mon travail. Je suis toujours surpris quand je sors et rentre, par ce que je remarque. Le temps passé me donne toujours une perspective ravivée et une fraîcheur de regard. Les voyages font la même chose, lorsque dans un environnement différent, je suis ouvert à des choses que d'autres peuvent trouver banales par familiarité. Je peux raconter de nombreuses influences sur l’œuvre, parfois directement au moment où je la crée et parfois bien après coup lorsque je la regarde.

Comment votre travail est-il influencé par votre propre physicalité ?

Mon processus en studio est physiquement éprouvant, d’autant plus que l’échelle des peintures augmente. Les lignes dures des peintures sont tracées par le balayage de mon bras d’un bord à l’autre de la toile. La taille des supports externes et des lignes intérieures est relative à la fois au processus et aux proportions de mon corps.

Vous travaillez parfois sur des surfaces rondes. Compte tenu de la nature physique de vos gestes, comment évolue votre rapport à la surface face à l’espace circulaire ?

Les gestes deviennent plus contenus et contrôlés lorsqu’ils sont associés à un espace circulaire. Ils tournent plus délibérément et imitent la forme circulaire de la toile.  Alors que dans les plus grandes peintures rectangulaires, j'exécute de grands balayages qui s'étendent sur les bords et suggèrent l'infini, les pièces circulaires se centrent sur elles-mêmes, accentuant la forme et le bord de la surface, ce qui contribue à objectiver la peinture.

Une partie du travail que vous effectuez consiste à limiter votre accès à la surface en scotchant certaines zones. Comment votre état émotionnel/intellectuel varie-t-il lorsque vous êtes confronté à une œuvre comme celle-là, par opposition à lorsque vous avez une totale liberté d'accès à toute la surface ?

Je pense que vous faites référence à mes œuvres sur papier dans lesquelles je colle des zones et crée des formes de couleur, par opposition à mes peintures, qui semblent plus ouvertes. Le processus est en fait assez similaire entre les deux supports et est en fait assez intuitif. Je place soit une ligne, soit une forme sur la surface et je construis à partir d'elle. Avec les peintures, la composition est plus fixe et mes options concernent davantage le choix des couleurs. La couleur monochrome que j'utilise dans les dessins me permet de jouer davantage avec la composition. Quoi qu’il en soit, j’ai épuré le langage, fixé des limites et limité mes choix, ce qui permet paradoxalement plus de liberté.

Vous avez mentionné avoir été influencé par le travail d’artistes réducteurs. Pourriez-vous nommer quelques-uns des artistes dont vous admirez le travail et parler des questions qu’ils vous ont aidé à trouver ou à répondre.

Je regarde le travail de beaucoup d'artistes, certains qui me viennent à l'esprit sont : Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi et Ellsworth Kelly. J'admire le travail des artistes dont les œuvres semblent minimales et monumentales, mais célèbrent en même temps le fait main et la fantaisie. C’est un peu un piège, un processus de peinture réductrice, car il faut faire beaucoup de travail et d’excès pour parvenir à une déclaration simple et honnête. Je remets en question mes réactions face au travail de mes prédécesseurs et j'essaie de trouver la confiance nécessaire pour dire plus avec moins.

Que ressentez-vous intellectuellement pendant l’acte physique de création d’images réductrices ?

J'essaie d'agir de manière réflexive en studio en contrôlant les évaluations critiques et en essayant de porter des jugements viscéralement, sur la base des informations dont je dispose. La canonisation des artistes et les puissantes influences de l’histoire de l’art peuvent conduire à une situation que j’appelle le syndrome de Mona Lisa, où la mythologie d’une œuvre éclipse une réaction honnête à son égard. J'ai intériorisé un langage visuel réducteur qui fonctionne pour moi sur la base de ses précédents historiques de l'art ; Le constructivisme russe, l'école du Bauhaus, le néo-plasticisme et, moins évident, l'art paléochrétien de Giotto et Fra Angelico, au couvent de San Marco. Ces enseignements ainsi que les influences d’artistes plus contemporains m’accompagnent toujours en studio. Espérons que ce langage commun appris mène à une interprétation unique.

Qu’espérez-vous que le spectateur éprouvera en rencontrant votre travail ?

Étrangement, parce que je suis tellement impliqué dans le processus de création de mon œuvre, je peux avoir du mal à la voir sur le moment. J’ai eu l’expérience de voir mon travail quelques années plus tard chez quelqu’un d’autre ou dans le contexte d’une autre institution. À ce moment-là, il est toujours agréable de penser : « oh wow, ça marche ». J'espère la même chose pour un spectateur.

Joanne Freeman

Image à la une : Photographie prise de la série ''Covers'' de Joanne Freeman au Art on Paper, stand Kathryn Markel, Pier 36, New York, NY.  Du 4 au 6 mars - Avec l'aimable autorisation de l'artiste.