Joanne Freeman Entretien

Des toiles blanches élégantes ornées de quelques boucles soigneusement dessinées de différentes couleurs, dégageant un certain rythme de paix et d’harmonie. Le principe du moins c’est plus est évident dans les œuvres de Joanne Freeman. Avec seulement quelques lignes efficaces, elle parvient à construire une vision marquante et à captiver le spectateur. IdeelArt a eu une occasion unique de poser quelques questions à Joanne Freeman sur son travail, son processus créatif et sa vie d’artiste. Nous avons discuté de ses réflexions sur son œuvre, de la manière dont elle perçoit la relation entre le créateur et l’art, ainsi qu’entre l’art et le spectateur. Alors, profitez de notre entretien court mais riche en enseignements avec la très charmante Joanne Freeman.

Vous avez étudié à l’université de Madison, dans le Wisconsin, donné des conférences au Massachusetts, exposé largement aux États-Unis et à l’international, et vous vivez et travaillez à New York. Pouvez-vous parler des façons dont votre travail est nourri par un sentiment de lieu ?

Mon travail est fortement influencé par le lieu. Comme mentionné, je vis et travaille à New York, et ce climat visuel et culturel a un impact puissant sur mon travail. Je suis toujours surprise quand je pars et reviens, par ce que je remarque. Le temps passé loin me donne toujours une perspective renouvelée et une fraîcheur de regard. Le voyage produit le même effet : dans un environnement différent, je suis ouverte à des choses que d’autres pourraient trouver banales par habitude. Je peux citer de nombreuses influences sur mon travail, parfois directement pendant sa création, parfois bien après, quand je le regarde.

Comment votre travail est-il influencé par votre propre physicalité ?

Mon processus en atelier est physiquement exigeant, surtout à mesure que la taille des tableaux augmente. Les lignes nettes dans les peintures sont tracées par le mouvement de mon bras d’un bord à l’autre de la toile. La taille des supports extérieurs comme des lignes intérieures est relative à la fois au processus et aux proportions de mon corps.

Vous travaillez parfois sur des surfaces rondes. Compte tenu de la nature physique des gestes que vous faites, comment évolue votre lien avec la surface face à un espace circulaire ?

Les gestes deviennent plus contenus et maîtrisés lorsqu’ils sont associés à un espace circulaire. Ils sont plus délibérés, tournant et imitant la forme circulaire de la toile. Là où dans les grandes peintures rectangulaires j’exécute de larges balayages qui débordent des bords et suggèrent l’infini, les pièces circulaires se recentrent sur elles-mêmes, accentuant la forme et le bord de la surface, ce qui contribue à objectiver la peinture.

Certaines de vos œuvres impliquent de limiter votre accès à la surface en masquant des zones avec du ruban adhésif. Comment votre état émotionnel et intellectuel varie-t-il lorsque vous abordez une œuvre ainsi, par rapport à quand vous avez toute liberté d’accès à la surface ?

Je pense que vous faites référence à mes œuvres sur papier où je masque des zones pour créer des formes de couleur, par opposition à mes peintures, qui semblent plus ouvertes. Le processus est en fait assez similaire entre les deux supports et très intuitif. Je place soit une ligne, soit une forme sur la surface et construis à partir de là. Pour les peintures, la composition est plus fixée et mes options concernent davantage les choix de couleur. La couleur monochrome que j’utilise dans les dessins me permet de jouer davantage avec la composition. Dans tous les cas, j’ai réduit le langage, fixé des limites et limité mes choix, ce qui paradoxalement permet plus de liberté.

Vous avez mentionné être influencée par le travail d’artistes réductifs. Pourriez-vous nommer quelques artistes dont vous admirez le travail, et parler des questions qu’ils vous ont aidée à trouver ou à résoudre ?

Je regarde beaucoup de travaux d’artistes, parmi ceux qui me viennent à l’esprit : Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi et Ellsworth Kelly. J’admire le travail d’artistes dont les œuvres paraissent minimalistes et monumentales, mais qui célèbrent en même temps le fait main et le fantaisiste. C’est un peu un cercle vicieux, le processus de peinture réductive, car il faut passer par beaucoup de travail et d’excès pour atteindre une déclaration simple et honnête. Je questionne mes réactions face au travail de mes prédécesseurs, et j’essaie de trouver la confiance pour dire plus avec moins.

Que vivez-vous intellectuellement lors de l’acte physique de création d’une image réductive ?

J’essaie d’agir de manière réflexive en atelier en contrôlant les jugements critiques et en tentant de porter des jugements viscéraux, basés sur l’information devant moi. La canonisation des artistes et les puissantes influences de l’histoire de l’art peuvent mener à une situation que l’on m’a décrite comme le syndrome de la Joconde, où la mythologie d’une œuvre éclipse une réaction honnête à celle-ci. J’ai intériorisé un langage visuel réductif qui fonctionne pour moi, fondé sur ses précédents historiques : le constructivisme russe, l’école du Bauhaus, le néo-plasticisme, et moins évident, l’art chrétien primitif de Giotto et Fra Angelico, au couvent de San Marco. Ces enseignements, ainsi que les influences d’artistes plus contemporains, m’accompagnent toujours en atelier. J’espère que ce langage commun appris mène à une interprétation unique.

Qu’espérez-vous que le spectateur ressente en découvrant votre travail ?

Étrangement, parce que je suis tellement impliquée dans le processus de création, j’ai parfois du mal à vraiment voir mon travail sur le moment. J’ai eu l’expérience de voir mon travail quelques années plus tard chez quelqu’un d’autre ou dans le cadre d’une autre institution. À ce moment-là, c’est toujours agréable de penser : « oh, ça fonctionne ». J’aimerais que ce soit la même chose pour un spectateur.

Joanne Freeman

Image en vedette : Photographie prise de la série « Covers » de Joanne Freeman lors d’Art on Paper, stand Kathryn Markel, Pier 36, New York, NY. 4-6 mars - Avec l’aimable autorisation de l’artiste