Charge poétique d’une estampe abstraite

Lors du vernissage de votre œuvre de peintre abstrait préféré, vous êtes immédiatement attiré par un tableau, comme une lune heureuse attirée vers une étoile accueillante. Tu sais que tu le veux. Ensuite, vous voyez quelque chose écrit dans le coin inférieur droit : 1/10. Ce n’est pas une peinture abstraite ; c'est une impression abstraite. Votre esprit change. Des questions d’unicité s’imposent. Ce n’est pas un cas isolé ; c'est l'un des dix. Faut-il quand même l'acheter ?

Poésie visuelle

Qui peut prétendre comprendre la démarche d’un poète ? Mais nous savons ceci : les poètes arrangent les mots dans des configurations abstraites afin d’inviter l’inattendu dans l’esprit du lecteur. Lorsque nous lisons un poème, alors que nous essayons de comprendre ce que nous lisons, l’activité électrique augmente dans notre cerveau. Lorsque nous établissons enfin une connexion et que quelque part au plus profond de notre conscience, le sens est déterminé, notre cerveau libère des produits chimiques induisant du plaisir et nous éprouvons de la joie. Nous ressentons une sensation de rythme et de beauté. C’est ce qu’on appelle la charge poétique.

Les peintures abstraites sont également dites posséder une charge poétique. Elles sont à l'imagerie ce que les poèmes sont aux mots. Lorsque vous regardez une image d'une pomme, la lumière frappe la surface de l'image et se reflète sur votre rétine. Votre cerveau analyse les couleurs, les formes et les lignes au fur et à mesure qu'elles passent par la rétine, et dit "pomme". Mais lorsque vous regardez une image abstraite, bien que la même science optique se produise, à la fin du processus, votre cerveau ne sait pas quoi dire. Il s'efforce de s'engager dans des manœuvres neurologiques afin de déterminer le sens conceptuel des couleurs, des formes et des lignes qu'il voit. Lorsqu'il parvient enfin à un certain sens intérieur de la signification de l'image, le rythme et la beauté affluent.

La question est, un tirage abstrait peut-il avoir le même effet ? Un tirage abstrait peut-il posséder la même charge poétique qu'une peinture abstraite ? Pour le découvrir, examinons les différences entre les peintures et les tirages et considérons les manières dont le cerveau pourrait réagir à chacun.

Clayton Kashuba - High Tade (detail), © Clayton Kashuba

L'artiste est présent

Tout d’abord, soyons clairs, nous ne parlons pas ici de reproductions. Nous ne parlons pas de copies produites en masse d’œuvres d’art originales. Nous ne parlons pas non plus d’impressions giclées sur lesquelles est appliquée une glaçure pour les faire ressembler à des peintures, ni de photographies de peintures transformées en affiches. Nous parlons ici de tirages d’artistes : éditions limitées, multiples réalisés à la main de l’œuvre originale d’un artiste. Les reproductions ne sont que des copies. Les estampes sont considérées comme des œuvres d’art uniques et authentiques.

Les estampes d’artistes sont réalisées de différentes manières. Ils peuvent être réalisés à partir d’une gravure, comme une gravure sur bois. Ils peuvent être réalisés par lithographie, qui consiste à graver une image dans du métal ou de la pierre. Ils peuvent être réalisés par sérigraphie, mot sophistiqué pour désigner la sérigraphie. Ou bien ils peuvent être réalisés par une variante de ces méthodes impliquant la main de l’artiste et un processus quasi-mécanique supplémentaire.

Lors de la réalisation d'impressions à partir d'une gravure ou d'une lithographie, chaque itération de l'impression use légèrement la plaque originale, altérant subtilement les impressions ultérieures. Lors de la sérigraphie, le processus implique l’application d’un médium par l’artiste et l’application d’une pression de la main de l’artiste. Cela entraîne d'innombrables variations entre les impressions en raison d'inévitables écarts, de changements environnementaux ou de changements dans la qualité de la surface ou du support.

Matthew Langley - So Though, 2015, 22 x 28 in

Unicité

Tout cela signifie que les tirages des artistes sont uniques. Ils semblent être identiques, mais même de la manière la plus subtile, ils ne le sont pas. Cela est de bon augure pour la charge poétique d’une estampe, puisque les humains réagissent viscéralement à des choses rares. Si le spectateur sent que quelque chose peut être trouvé ailleurs, un élément de crainte disparaît.

Peut-être qu’en ce sens, une estampe possèderait moins de potentiel de charge poétique qu’une peinture, puisqu’une peinture est totalement unique. Cependant, étant donné que chaque tirage réalisé par un artiste diffère de tous les autres tirages en raison des écarts inévitables et inhérents au processus, tant que la série de tirages est suffisamment petite et que le bassin d'acheteurs est suffisamment grand, une rareté sera toujours créée. Et la rareté est un substitut suffisamment proche de la rareté pour qu’elle redonne à l’imprimé tout le caractère unique qu’il a pu perdre.

Margaret Neill - Rainure 1, 2005, 22.8x22in

Spécificité du milieu

Le cerveau humain réagit différemment à différents médiums en raison de la manière dont divers médiums interagissent différemment avec la lumière. Les huiles réfléchissent la lumière différemment que les acryliques ou le gouache. Les aquarelles réfléchissent la lumière différemment que le charbon ou l'encre. Chaque médium possède également d'autres qualités physiques inhérentes, telles que la viscosité, la granularité, ou même l'arôme ou le goût des produits chimiques ou des métaux présents dans le médium. Chaque élément des qualités essentielles d'un médium pourrait potentiellement transférer un sens aux spectateurs, affectant ainsi la charge poétique d'une œuvre.

Mais la spécificité du médium affecte-t-elle une impression différemment qu’une peinture ? Les peintures et les gravures sont réalisées avec un médium. Les deux peuvent être réalisés avec de l’encre, de la peinture ou tout autre support que l’artiste peut imaginer. Ce qui compte, c'est de savoir si le bon support est choisi pour le bon travail. Les estampes impliquent des outils différents de ceux des peintures, de sorte qu'un choix inapproprié du support pourrait interférer avec la connexion du spectateur avec l'œuvre. Tant que le support approprié est choisi, cela ne devrait pas affecter la charge poétique d’une estampe.

Jose Heerkens - L28. Passing Colours, 2012, 13.8 x 13.8 in

Planéité vs. Pâte

Ce qui peut être très important, c'est la manière dont le médium est appliqué. Chaque support a un poids visuel perceptible et des qualités tactiles qui lui sont propres. La façon dont il est appliqué sur une surface modifie fondamentalement la façon dont la lumière y réagit. Le mot empâtement fait référence à la qualité de la peinture lorsqu’elle est appliquée sur la surface d’un tableau. La texture et les crêtes de la peinture se développent au fur et à mesure qu’elle est superposée sur une surface, ce qui lui donne de la profondeur. Plus le support s'étend sur la surface de l'œuvre, plus l'œuvre est empâtée et moins plane.

Puisque les impressions sont réalisées à l'aide d'une machine ou d'un autre dispositif, elles ne possèdent pas d'impasto. Le médium s'étale à plat sur la surface et ne contient pas de coups de pinceau. Cette platitude donne à l'œuvre un aspect de perfection mécanisée qui est décidément différent des qualités "picturales" d'une œuvre avec impasto. Mais la platitude ne devrait pas réduire la capacité d'une impression à posséder une charge poétique. La platitude peut être une caractéristique très souhaitable dans une œuvre d'art. La platitude a conduit Clement Greenburg à vanter les traits désirables des abstractionnistes post-picturaux. Il les a loués pour la clarté de leurs images, qu'il estimait renforcée par leurs qualités "picturales" minimales.

Holly Miller - Bend #2, 2013, 9.8 x 9.8 in

À la limite

Lorsqu'un peintre réalise un tableau, le processus implique souvent d'aller au-delà du bord de la surface, par exemple en faisant couler de la peinture sur le bord et sur le côté de la toile. Ce sentiment d’imperfection peut affecter la charge poétique en transmettant la passion, l’énergie ou la liberté, apportant ainsi des niveaux supplémentaires d’excitation conceptuelle à l’œuvre.

Les impressions sont déroulées sur des surfaces planes de manière contrôlée. Le processus de réalisation d’une impression a tendance à donner des bords nets et des coins relativement précis. Ce look tend à transmettre davantage un sentiment de contrôle de la part de l’œuvre que ce qui serait communiqué à travers une peinture, mais cela ne réduit pas nécessairement la charge poétique d’une estampe. Cela communique simplement quelque chose de plus discret.

Dana Gordon - Night (detail), 2012, 59.8 x 78 in

Sous la surface

Les peintures commencent généralement par une sorte de surface d’apprêt, comme une toile ou un panneau enduit de gesso. Cette sous-surface donne au tableau une sous-couche qui apporte de la profondeur aux couches suivantes et cache la matérialité de la surface. Des sous-couches supplémentaires peuvent ajouter une luminosité et une valeur profondes aux couleurs qui finissent par constituer la couche finale d'une peinture.

Les impressions ne sont généralement pas composées de plusieurs couches de support. Bien que certains artistes réalisent des impressions avec de nombreuses couches de support, une impression est souvent constituée d'une seule couche imprimée sur une feuille de papier ou sur une autre surface non apprêtée. Cela peut donner à une impression l’impression de reposer sur une surface plutôt que d’y être incorporée. De cette manière, une impression pourrait perdre une certaine capacité à attirer le spectateur, puisqu’elle pourrait attirer l’attention sur la surface sur laquelle elle repose.

Anya Spielman - Bloom, 2010, 7.9 x 5.9 in

Additionnez-le

Une estampe et une peinture partagent de nombreuses similitudes. Ils utilisent tous deux le médium pour transmettre du sens. Ils peuvent tous deux posséder une spécificité moyenne. Mais ils diffèrent également sur des points importants. Bien qu’uniques, ils le sont différemment. Les estampes possèdent également plus de planéité que les peintures. Ils utilisent moins de couches. Ils sont moins picturaux. D’une certaine manière, cela renforce la charge poétique d’une estampe. Les couleurs peuvent être plus pures, plus intenses, peut-être plus modernes. Et qui a dit que modernité et poésie ne pouvaient pas faire bon ménage ?

Nous pensons que la capacité d’une peinture abstraite à affecter le spectateur est indéniable. Et bien que différent, pourquoi un imprimé abstrait serait-il moins capable de toucher quelqu’un de la même manière ? Lorsque vous envisagez d'acheter une œuvre d'art et que vous voyez ce petit 1/10, ou 3/50, ou 100/300 dans le coin inférieur de l'image, prenez du recul, videz-vous la tête puis regardez en arrière. travail. Si ce que vous voyez devant vous est beau et que votre cœur s’ouvre, c’est une charge poétique. C’est un déluge : une effusion. Célébrez le fait qu’il provient d’une impression.

Image en vedette : Michael Keck - Running Free, © Michael Keck