Comment les peintres coloristes parlent avec les teintes

Ce qu’un coloriste nous offre n’est pas un jaune qui dit « Jaune », ni même un jaune qui dit « Montagne » ou « Arbre », mais plutôt un jaune qui dit « Éternité », ou « Ferveur », ou « Bonté », ou « Puissance », ou « Calme », ou « Amour ». Les peintres coloristes ne se contentent pas de se concentrer sur la couleur, ils communiquent à travers elle. Ils collaborent avec elle pour exprimer ce qui autrement serait inexprimable. Ils utilisent la couleur non pas pour nous donner une surface à contempler, mais pour nous inviter à pénétrer au-delà de la surface, profondément dans la peinture, et en nous-mêmes.

Parler avec les teintes

Les peintres rebelles, plus tard connus sous le nom d’Impressionnistes, tinrent leur première exposition dans un atelier loué à Paris en 1874. L’establishment français, incarné par le Salon, les avait rejetés, et cette exposition ne fit qu’attirer de nouvelles insultes. Néanmoins, bien que mal compris, les Impressionnistes nous ont offert d’innombrables dons précieux, parmi lesquels une technique de peinture de petits croissants de couleur. Vue de loin, cette technique crée d’une manière ou d’une autre une sensation de couleur plus vibrante que celle obtenue par une peinture soigneusement mélangée et appliquée de manière traditionnelle.

Les croissants impressionnistes illustrent la loi du contraste simultané des couleurs. Des groupes post-impressionnistes tels que les Fauves et les Orphistes ont profondément exploré ce phénomène. La peintre Sonia Delaunay a inventé le terme « simultanéisme », décrivant comment certaines couleurs « vibraient » côte à côte et comment différentes couleurs, lorsqu’elles sont placées l’une à côté de l’autre, s’expriment différemment que lorsqu’elles sont montrées seules, et intensifient mutuellement leur teinte.

Sonia Delaunay - Rhythm Colour No. 1076, 1939, © Pracusa 2014083

Les grands peintres coloristes

Tout au long de l’histoire de l’abstraction, les peintres ont continué à développer le « simultanéisme », cherchant à faciliter des expériences transcendantes à travers leur travail par l’usage de la couleur. Lorsque le peintre Hans Hofmann est passé à l’abstraction pure, il a créé certaines de ses œuvres les plus chargées d’émotion en explorant la richesse expressive des teintes contrastées. Des décennies plus tard, les artistes du champ coloré ont fait évoluer une perspective de la peinture qui se concentrait exclusivement sur le pouvoir révélateur de la couleur.

Hans Hofmann - Elysium (détail), 1960, Huile sur toile, 214 x 128 cm, Musée Blanton d’Art, © 2010 Renate, Hans & Maria Hofmann Trust / Artists Rights Society (ARS), New York

La conversion continue de la couleur

L’exploration du langage des teintes se poursuit aujourd’hui alors que de nouvelles générations d’artistes cherchent des moyens d’explorer le potentiel de la couleur. Le peintre abstrait contemporain Matthew Langley développe les traditions des artistes du champ coloré, élargissant leur vocabulaire de manière saisissante. Langley travaille en couches, accumulant des champs de couleurs qui évoluent en un amalgame vibrant de teintes complémentaires. Sa technique intensive de construction et de réduction aboutit à une profondeur de sous-couches qui attire le regard vers l’intérieur. Le résultat est une œuvre qui révèle un sens des cycles, de la décomposition et de la nouvelle croissance, et du passage du temps.

Le peintre Brent Hallard s’appuie également sur le langage de la couleur, créant des œuvres vivement colorées sur aluminium ou papier en utilisant des marqueurs, des aquarelles et de la peinture acrylique. Hallard organise des champs monochromatiques en configurations précises sur ses surfaces façonnées. Les champs de couleur contrastés choquent simultanément l’œil et apaisent le subconscient. Les surfaces non picturales de Hallard possèdent une platitude inhérente, mais ses choix de couleurs et son sens de l’exactitude créent une dimension optique qui attire le spectateur dans un espace imaginaire de contemplation.

Matthew Langley - Solaris, 2015, 56 x 71 cm

Un rythme visuel

La peintre coloriste contemporaine Ellen Priest crée des œuvres qui parlent directement au rythme vibratoire de la couleur. Priest réalise des peintures inspirées du jazz qui cherchent à capturer l’expérience du mouvement et de la lumière. En appliquant intuitivement des marques audacieuses et gestuelles sur ses surfaces, elle peuple l’espace blanc actif de balayages de couleurs contrastées. Les images qui en résultent émettent une sensation d’improvisation alors que les couleurs réagissent les unes aux autres tout en se mêlant. À première vue, les œuvres sont actives, presque nerveuses. Après une contemplation plus approfondie, le mélange de teintes créé par les marques superposées offre un espace plus apaisé pour l’esprit.

Ce que recherchent les peintres coloristes abstraits est une compréhension accrue des propriétés communicatives de la couleur. Que la couleur parle est indéniable. L’entendre, la comprendre et la traduire par la peinture est le but du peintre coloriste. Que le spectateur comprenne une œuvre coloriste dépend en partie de sa manière de voir. Une des bizarreries de notre expérience humaine est que nos yeux perçoivent souvent les couleurs différemment. Mais c’est en partie ce qui rend les peintures coloristes si fertiles pour la contemplation, car chacun de nous doit les affronter individuellement et ne peut s’y relier qu’en lui-même.

Image en vedette : Sonia Delaunay - Syncopated Rhythm, dit Le Serpent Noir (détail), 1967, Musée des Beaux-Arts, Nantes, France, © Pracusa 2014083

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement