Le cubisme de Sonia Delaunay et l'exploration de la couleur

Beaucoup de choses pourraient être écrites et ont été écrites sur les réalisations professionnelles de Sonia Delaunay. Elle fut l’une des artistes les plus influentes du XXe siècle. Dans la vingtaine, son approche visionnaire de l’abstraction l’a amenée à devenir l’une des premières artistes modernistes. Dans la trentaine, elle a transformé sa pratique en atelier en la manifestation d'un Gesamtkunstwerk, ou œuvre d'art totale, démontrant l'idéal du Bauhaus deux ans avant l'existence du Bauhaus. Elle a créé un corpus de peintures unique et influent au cours de sa vie, travaillant sans interruption jusqu'à peu de temps avant sa mort à 94 ans. Et en plus de peindre, elle a également travaillé dans la mode, le théâtre, le cinéma, l'édition et s'est engagée dans toutes sortes de design. activités. À 79 ans, elle est devenue seulement la deuxième artiste vivante à avoir une exposition rétrospective au Louvre, et la première artiste féminine à franchir cette étape. On pourrait même facilement affirmer que Sonia Delaunay a été la première artiste à transformer efficacement sa personnalité en marque, dans le contexte contemporain du terme. Sauf que se concentrer exclusivement sur ces réalisations externes impliquerait que son objectif était depuis le début de réaliser de telles choses. Mais en réalité, Delaunay n’avait pas l’intention de faire une telle chose. Ses seuls objectifs étaient sérieusement d'explorer la couleur, la forme et la composition, et de révéler au reste du monde à travers son art l'essence inconnue de tout ce qu'elle cherchait en elle.

Devenir Sonia Delaunay

L’histoire des débuts de Sonia Delaunay pourrait résonner chez n’importe quel parent. Comme il est facile de créer une opportunité ou de ne pas la saisir, et comment le moindre changement de circonstances peut profondément affecter les chances de réussite d’un enfant. Sonia Delaunay est née Sarah Ilinitchna Stern dans une famille ouvrière de l'actuelle Ukraine. Ses opportunités dans sa ville natale étaient très limitées, mais elle avait un oncle et une tante riches à Saint-Pétersbourg nommés Henri et Anna Terk. Les Terks ne pouvaient pas avoir d'enfants et ils ont demandé à adopter Sarah auprès de ses parents en difficulté. Sa mère a d’abord résisté. Mais quand Sarah eut cinq ans, sa mère finit par céder et lui permit de s'installer définitivement à Saint-Pétersbourg pour vivre avec son oncle et sa tante.

Une fois arrivée à Saint-Pétersbourg, Sarah a changé son nom en Sonia Terk. Avec son nouveau nom est venue une nouvelle série d'expériences et des possibilités beaucoup plus diverses. La vie avec sa tante et son oncle comprenait des voyages à travers le monde, la meilleure éducation, et des visites régulières dans des musées et des bibliothèques. Elle pouvait parcourir des livres d'art chez elle et participer à des discussions intellectuelles sur une variété de sujets. À l'âge de 16 ans, elle avait développé un intérêt pour devenir artiste. Les Terk ont encouragé son intérêt, et à 18 ans, ils l'ont envoyée en Allemagne pour étudier l'art. Deux ans plus tard, en 1905, elle a déménagé à nouveau, cette fois à Paris, l'épicentre de l'art avant-gardiste en Europe.

Un livre du poète moderniste Blaise Cendrars, relié et illustré par Sonia Delaunay en 1913

Découvrir la couleur

À Paris, Sonia Delaunay a continué à étudier l'art à l'école, mais l'expérience qu'elle avait avec ses enseignants était trop académique et formelle pour sa disposition. Elle a découvert qu'elle recevait beaucoup plus d'inspiration dans les galeries, qui montraient des œuvres d'artistes européens expérimentaux tels que les Post-Impressionnistes. Elle était arrivée à Paris au moment parfait. Elle se trouvait au cœur de la communauté avant-gardiste à l'aube du Cubisme, lorsque des plans géométriques ont été adoptés pour la première fois dans le but de transmettre une réalité en quatre dimensions. Et elle était là lorsque le Manifeste Futuriste a été imprimé pour la première fois dans les journaux français, mettant l'idée de mouvement au premier plan de la conversation artistique. Et les Fauves, qui étaient à l'apogée de leur influence lorsqu'elle est arrivée dans la ville, l'ont profondément inspirée. Elle a été viscéralement touchée par la façon dont ses yeux percevaient, et ses émotions expérimentaient, les relations entre leurs couleurs brillantes et lumineuses.

Les premières peintures que Sonia Delaunay réalisait après son arrivée à Paris exploraient de nombreuses idées de ces autres mouvements de manière figurative. Mais elle cherchait autre chose. Plus précisément, elle voulait un moyen d'explorer l'élément de la couleur pour sa propre valeur. Mais elle voulait aussi être intuitive et libre. Elle avait peu d'intérêt pour les théories académiques échangées par ses contemporains, qu'elle pensait être, « Trop sophistiquées. Je suis plus proche de la nature et de la vie », expliqua-t-elle un jour, près de la fin de sa vie. « Je cherchais quelque chose en moi et peu à peu cela est devenu de la peinture abstraite.”

Sonia Delaunay - Yellow Nude, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

À la recherche de l'abstraction

La percée qui a finalement conduit Sonia Delaunay à embrasser pleinement la peinture non objective s'est produite d'une manière des plus inattendues. Tout comme son départ de sa ville natale pour Saint-Pétersbourg, il est né d'un choix audacieux qu'elle a fait de créer son propre destin. À son arrivée à Paris, elle s'était liée d'amitié avec un galeriste et écrivain nommé Wilhelm Uhde, qui exposait les plus grands artistes d'avant-garde. Elle et lui étaient des âmes sœurs, comme elle l'a dit, "tous deux à la recherche de quelque chose d'abstrait". Ils se sont mariés, non pas par attirance romantique, mais parce que cet arrangement leur procurait des avantages pratiques à tous les deux. Pour Sonia, cela l’a libérée de la pression qu’elle subissait de la part de sa mère biologique pour qu’elle abandonne sa carrière d’artiste.

Puis, une nuit dans la galerie, moins d'un an plus tard, Sonia rencontra un jeune artiste passionné et opiniâtre nommé Robert Delaunay. Les deux ressentirent immédiatement une connexion et tombèrent amoureux. Sonia demanda le divorce à Uhde, qu'il accorda à l'amiable, et l'année suivante, elle épousa Robert. Lorsque les deux eurent leur premier enfant, Sonia fabriqua à la main une couverture pour le bébé en utilisant des techniques inspirées des traditions de l'art populaire russe de son pays. Lorsque la couverture fut terminée, elle y vit l'inspiration qu'elle cherchait. Les formes lui rappelaient des plans cubistes, mais les relations de couleurs entre les formes donnaient vie à l'ensemble de la composition. Cette couverture que Sonia Delaunay avait faite par instinct pour son enfant devint la base de tout son futur travail abstrait.

La courtepointe réalisée par Sonia Delaunay pour son bébé en 1911, fait désormais partie de la collection du Musée national d'art moderne de Paris, France

Le cubisme orphique

Le soir à Paris, Sonia Delaunay et son mari Robert Delaunay se promenaient ensemble dans la ville et parlaient d'art. Au cours de leurs promenades, ils s'émerveillaient devant les lumières électriques qui commençaient à peine à être installées. Ils discuteraient de la manière dont les couleurs de la ville étaient affectées par la lumière synthétique et se réjouiraient des formes et des motifs créés par la lumière. De retour de leurs promenades, chacun s'efforçait de capturer sur toile son expérience, en utilisant le langage des couleurs et des formes abstraites inspiré de la courtepointe réalisée par Sonia.

Ils ont appelé leur approche visuelle unique simultanéisme. Le mot faisait référence à la relation entre les couleurs et les formes, et à l'existence simultanée de multiples réalités dans leurs compositions. Lorsque Sonia et Robert exposèrent ces peintures, leur ami, le critique d'art Guillaume Apollinaire, baptisa leur nouveau style Cubisme Orphique, ou Orphisme. Bien que la référence n'ait jamais été parfaitement claire, le terme se rapporte au mythique musicien et poète grec Orphée, dont la musique légendaire était censée avoir la capacité de charmer toutes les créatures et toutes les choses.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Huile sur toile. 182 x 149 cm. Musée National d'Art Moderne, Paris, France

La poésie des couleurs

Si la référence à Orphée semble appropriée à l’œuvre de Sonia Delaunay, la comparaison avec le cubisme est erronée. Le cubisme était aussi académique qu’esthétique. Alors que Robert Delaunay était un théoricien et analyste passionné, Sonia préférait travailler de manière intuitive et mettre l'accent sur l'exploration et l'expérimentation. À propos de cette dichotomie, elle a dit un jour : "Il a parlé, mais j'ai réalisé." Même si Sonia utilisait un langage de formes similaire à celui des cubistes, elle n'avait aucun objectif intellectuel commun avec eux. Ses formes n'étaient que des récipients pour la couleur. «S'il existe des formes géométriques», expliquait-elle un jour à la Sorbonne, «c'est parce que ces éléments simples et maniables sont apparus adaptés à la répartition des couleurs dont les relations constituent l'objet réel. de notre recherche.”

Sonia comparait souvent la peinture à la poésie. Sonia Delaunay se considérait comme recherchant des combinaisons de couleurs pouvant évoquer une multitude d'interprétations possibles et créer des significations simultanées. Il était tout naturel pour elle d’étendre ses activités artistiques au monde du design puisque, selon son expérience, il n’y avait pas de séparation entre l’art et la vie. Que ses compositions résident sur le flanc d'une voiture, sur un manteau de fourrure, sur un costume de pièce de théâtre ou à la surface d'une toile, elle ne voit aucune différence. Elle croyait que « les couleurs sont des mots, leurs relations sont des rythmes » et que, quel que soit le titre qu'elle choisissait de les rassembler, elles devenaient, grâce à ses efforts, « un poème achevé. .»

Sonia Delaunay - Grande Hélice Rouge, ca. 1970. Lithographie. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 pouces)

Image de couverture : Sonia Delaunay - Rythme syncopé, dit Le Serpent Noir (détail), 1967
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio