Le cubisme de Sonia Delaunay et l'exploration de la couleur

Beaucoup a été, et pourrait être écrit sur les réalisations professionnelles de Sonia Delaunay. Elle fut l’une des artistes les plus influentes du XXe siècle. Dans sa vingtaine, son approche visionnaire de l’abstraction l’a conduite à devenir l’une des premières artistes modernistes. Dans sa trentaine, elle transforma sa pratique en atelier en la manifestation d’un Gesamtkunstwerk, ou œuvre d’art totale, illustrant l’idéal du Bauhaus deux ans avant même la création du Bauhaus. Elle créa un corpus unique et influent de peintures tout au long de sa vie, travaillant sans relâche jusqu’à peu avant sa mort à 94 ans. En plus de la peinture, elle œuvra également dans la mode, le théâtre, le cinéma, l’édition et s’engagea dans toutes sortes d’activités de création. À 79 ans, elle devint seulement la deuxième artiste vivante à avoir une exposition rétrospective au Louvre, et la première femme artiste à atteindre ce jalon. On pourrait même aisément soutenir que Sonia Delaunay fut la première artiste à transformer efficacement sa personne en une marque, dans le sens contemporain du terme. Pourtant, se concentrer uniquement sur ces accomplissements extérieurs impliquerait que c’était son but depuis le début. Mais en réalité, Delaunay ne poursuivait rien de tel. Ses seuls objectifs étaient sincères : explorer la couleur, la forme et la composition, et révéler au reste du monde, à travers son art, l’essence inconnue de ce qu’elle cherchait en elle-même.

Devenir Sonia Delaunay

L’histoire de la jeunesse de Sonia Delaunay pourrait toucher n’importe quel parent. Combien il est facile de créer, ou de manquer une occasion, et comment le moindre changement de circonstances peut profondément influencer les chances de réussite d’un enfant. Sonia Delaunay est née Sarah Ilinitchna Stern dans une famille ouvrière dans ce qui est aujourd’hui l’Ukraine. Ses opportunités dans sa ville natale étaient très limitées, mais elle avait un oncle et une tante fortunés à Saint-Pétersbourg, nommés Henri et Anna Terk. Les Terk ne pouvaient pas avoir d’enfants, et ils demandèrent à adopter Sarah auprès de ses parents en difficulté. Sa mère résista d’abord. Mais lorsque Sarah eut cinq ans, sa mère céda enfin et lui permit de partir pour Saint-Pétersbourg pour vivre définitivement avec son oncle et sa tante.

Une fois arrivée à Saint-Pétersbourg, Sarah changea son nom en Sonia Terk. Avec ce nouveau nom vinrent de nouvelles expériences et des possibilités bien plus diverses. La vie avec son oncle et sa tante comprenait des voyages à travers le monde, la meilleure éducation, et des visites régulières aux musées et bibliothèques. Elle pouvait feuilleter des livres d’art chez elle et participer à des discussions intellectuelles sur divers sujets. À 16 ans, elle s’intéressa à devenir artiste. Les Terk encouragèrent son intérêt et, à 18 ans, l’envoyèrent étudier l’art en Allemagne. Deux ans plus tard, en 1905, elle déménagea à nouveau, cette fois à Paris, épicentre de l’art d’avant-garde en Europe.

Un livre du poète moderniste Blaise Cendrars, relié et illustré par Sonia Delaunay en 1913

La découverte de la couleur

À Paris, Sonia Delaunay poursuivit ses études artistiques, mais l’expérience avec ses professeurs lui parut trop académique et formelle pour sa nature. Elle trouva beaucoup plus d’inspiration dans les galeries, qui présentaient les œuvres d’artistes européens expérimentaux tels que les post-impressionnistes. Elle était arrivée à Paris au moment parfait. Elle se retrouva au cœur de la communauté d’avant-garde à l’aube du cubisme, lorsque les plans géométriques furent adoptés pour la première fois afin de transmettre la réalité en quatre dimensions. Elle était aussi présente lors de la première publication du manifeste futuriste dans la presse française, qui plaça l’idée du mouvement au centre du débat artistique. Les fauves, à l’apogée de leur influence à son arrivée, l’inspirèrent profondément. Elle fut bouleversée par la manière dont ses yeux percevaient, et ses émotions ressentaient, les relations entre leurs couleurs brillantes et lumineuses.

Les premières peintures que Sonia Delaunay réalisa après son arrivée à Paris exploraient de nombreuses idées de ces autres mouvements de façon figurative. Mais elle cherchait autre chose. Plus précisément, elle voulait une manière d’explorer la couleur pour elle-même. Mais elle voulait aussi être intuitive et libre. Elle s’intéressait peu aux théories académiques échangées par ses contemporains, qu’elle jugeait, « Trop sophistiquées. Je suis plus proche de la nature et de la vie », expliqua-t-elle un jour, vers la fin de sa vie. « Je cherchais quelque chose en moi et peu à peu cela devint la peinture abstraite ».

Sonia Delaunay - Nu jaune, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

La découverte de l’abstraction

La percée qui conduisit enfin Sonia Delaunay à embrasser pleinement la peinture non-figurative survint de manière tout à fait inattendue. Comme son départ de sa ville natale pour Saint-Pétersbourg, elle résulta d’un choix audacieux qu’elle fit pour créer son propre destin. Lorsqu’elle arriva à Paris, elle s’était liée d’amitié avec un galeriste et écrivain nommé Wilhelm Uhde, qui exposait les principaux artistes d’avant-garde. Elle et lui étaient des âmes sœurs, comme elle disait, « tous deux à la recherche de quelque chose d’abstrait. » Ils se marièrent, non par attirance romantique, mais parce que cet arrangement leur apportait des avantages pratiques. Pour Sonia, cela la libérait de la pression que sa mère biologique exerçait pour qu’elle abandonne sa carrière d’artiste.

Puis, une nuit dans la galerie, moins d’un an plus tard, Sonia rencontra un jeune artiste passionné et opiniâtre nommé Robert Delaunay. Ils eurent une connexion immédiate et tombèrent amoureux. Sonia demanda le divorce à Uhde, qui l’accorda à l’amiable, et l’année suivante elle épousa Robert. Lorsque leur premier enfant naquit, Sonia confectionna à la main une couverture pour bébé en utilisant des techniques inspirées des traditions populaires russes de sa région natale. Une fois la couverture terminée, elle y vit l’inspiration qu’elle cherchait. Les formes lui rappelaient les plans cubistes, mais les relations de couleurs entre les formes donnaient vie à toute la composition. Cette couverture que Sonia Delaunay fit par instinct pour son enfant devint la base de toute son œuvre abstraite future.

La couverture que Sonia Delaunay fit pour son bébé en 1911, aujourd’hui dans la collection du Musée national d’art moderne à Paris, France

Le cubisme orphique

Le soir à Paris, Sonia Delaunay et son mari Robert Delaunay se promenaient ensemble dans la ville et parlaient d’art. Lors de leurs balades, ils s’émerveillaient des lumières électriques qui commençaient tout juste à être installées. Ils discutaient des façons dont les couleurs de la ville étaient affectées par cette lumière artificielle, et se réjouissaient des formes et motifs que la lumière créait. De retour chez eux, chacun s’efforçait de capturer sur toile leur expérience, en utilisant le langage de la couleur et de la forme abstraites inspiré par la couverture que Sonia avait confectionnée.

Ils appelèrent leur approche visuelle unique simultanéisme. Ce terme faisait référence à la relation entre couleurs et formes, et à l’existence simultanée de multiples réalités dans leurs compositions. Lorsque Sonia et Robert exposèrent ces peintures, leur ami, le critique d’art Guillaume Apollinaire, baptisa leur nouveau style cubisme orphique, ou orphisme. Bien que la référence ne fût jamais parfaitement expliquée, le terme renvoie au musicien et poète grec mythique Orphée, dont la musique légendaire était censée avoir le pouvoir de charmer toutes les créatures et choses.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Huile sur toile. 182 x 149 cm. Musée national d’art moderne, Paris, France

La poésie des couleurs

Bien que la référence à Orphée semble appropriée pour l’œuvre de Sonia Delaunay, la comparaison avec le cubisme est erronée. Le cubisme était aussi académique qu’esthétique. Tandis que Robert Delaunay était un théoricien et analyste passionné, Sonia préférait travailler de manière intuitive et mettre l’accent sur l’exploration et l’expérimentation. À propos de cette dichotomie, elle déclara un jour, « Il parlait, mais moi je réalisais ». Même si Sonia utilisait un langage de formes proche de celui des cubistes, elle n’avait aucun but intellectuel commun avec eux. Ses formes n’étaient que des réceptacles pour la couleur. « S’il y a des formes géométriques », expliqua-t-elle un jour lors d’une conférence à la Sorbonne, « c’est parce que ces éléments simples et maniables se sont avérés adaptés à la répartition des couleurs dont les relations constituent le véritable objet de notre recherche. »

Sonia comparait souvent la peinture à la poésie. Elle se voyait comme cherchant des combinaisons de couleurs capables d’évoquer une multitude d’interprétations possibles et de créer des significations simultanées. Il lui parut donc naturel d’étendre ses activités artistiques au domaine de la création, car, selon son expérience, il n’y avait pas de séparation entre l’art et la vie. Que ses compositions se trouvent sur le flanc d’une voiture, sur un manteau de fourrure, sur un costume de théâtre ou sur la surface d’une toile, elle ne voyait aucune différence. Elle croyait que « les couleurs sont des mots, leurs relations des rythmes », et que, quelle que soit la manière dont elle choisissait de les assembler, elles devenaient, par son effort, « un poème achevé ».

Sonia Delaunay - Grande Hélice Rouge, vers 1970. Lithographie. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 pouces)

Image en vedette : Sonia Delaunay - Rythme syncopé, dit Le Serpent Noir (détail), 1967
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio