Dix exemples inoubliables de dessin abstrait

Le dessin est l’une des manières les plus simples et accessibles de créer de l’art. Presque tout le monde peut le faire. Il suffit d’un outil d’écriture et d’une surface plane. Pourtant, aussi simple que puisse être ce médium, certaines des œuvres abstraites les plus inoubliables sont des dessins abstraits. Parfois, l’art abstrait peut diviser. Il est intrinsèquement ambigu et invite à une certaine part de conjecture. Pour beaucoup, cette ambiguïté est charmante, car elle permet la participation libre de toute personne prête à s’ouvrir à une œuvre d’art. Mais pour d’autres, la pression de devoir « comprendre » ou « déchiffrer » une œuvre abstraite est rebutante. Les dessins abstraits atténuent en quelque sorte cette pression. Ils sont accessibles et directs. Ils utilisent une gamme limitée de matériaux, et leur tendance est d’être de petite taille. De plus, s’asseoir avec un crayon et du papier est la chose la plus naturelle au monde. Il n’y a aucune attente. Très peu d’argent est dépensé pour les matériaux. Un artiste peut réaliser des dizaines de dessins et les jeter sans presque aucune perte de ressources. Ce fait pourrait expliquer en partie pourquoi tant de dessins abstraits emblématiques sont réalisés par des artistes qui travaillent habituellement dans d’autres médiums ; car dans leurs moments les moins protégés, ils ont dessiné quelque chose qui exprimait la nature la plus vraie de leurs idées profondes.

Définir les dessins abstraits

Le mot dessin a pris une définition assez lâche au cours du dernier siècle environ. Il fut un temps où un dessin était défini comme une image réalisée sur une surface bidimensionnelle avec un stylo, un crayon ou un crayon de couleur. Mais au cours du siècle passé, plusieurs artistes novateurs ont réussi à élargir cette définition. Alexander Calder appelait ses sculptures en fil de fer des dessins dans l’espace. Sol LeWitt réalisait des dessins en créant des déchirures dans une feuille de papier ; ces déchirures représentaient des lignes dessinées. L’artiste britannique d’origine palestinienne Mona Hatoum réalise des dessins en fixant des cheveux humains en motifs abstraits sur du papier fait main. Et de nombreux artistes comme Paul Klee combinent l’acte de dessiner avec d’autres médiums comme la peinture et le collage.

Même si la définition du dessin s’est largement étendue au-delà de sa définition initiale, pour notre liste de dessins abstraits inoubliables, nous avons tenté de limiter nos choix à des œuvres représentatives de l’approche la plus simple possible de l’acte de dessiner. La plupart de nos choix sont sur papier et réalisés au graphite ou à l’encre, et ont été faits intentionnellement comme œuvres achevées. Mais certains représentent des esquisses préliminaires pour d’autres œuvres, certaines achevées, d’autres non, ou ont été réalisés pour élaborer les détails d’une idée. Beaucoup d’artistes se tournent vers le dessin pour exprimer un concept essentiel avec lequel ils luttent, et soudain une forme, un geste ou une composition émerge qui exprime parfaitement l’essence de leur quête. Quelques exemples de ce type figurent sur notre liste. Sans plus tarder, voici notre liste de dix dessins abstraits que nous trouvons inoubliables.

Ulrike Müller - Curiosity 1

Née en Autriche, Ulrike Müller est une voix influente de l’art abstrait contemporain. Elle s’engage dans une diversité de tendances dans sa pratique en atelier, dont le dessin. Son œuvre aborde les relations, y compris celles entre individus et groupes, ainsi que celles entre formes et symboles. Le dessin que nous avons choisi de Müller fait partie d’une série plus large explorant de multiples formes et variations compositionnelles liées au genre et à la sexualité. Ce dessin nous semble emblématique du lexique global de la série, tout en se tenant seul comme une image abstraite transcendante. Il offre une gamme d’interprétations possibles et embrasse les qualités spécifiques de son médium.

Ulrike Muller - Curiosity 1, 2005-2006. Crayon et peinture en spray sur 51 feuilles de papier. Chaque : 27,9 × 21,6 cm (11 × 8 1/2"). Acquis grâce à la générosité du Conseil des Arts Contemporains du Museum of Modern Art. Collection MoMA

Richard Tuttle - Blue/Red, Phase : Dessins #4

L’artiste post-minimaliste Richard Tuttle est réputé pour créer des œuvres simples et élégantes qui expriment des universalités de la manière la plus directe possible. L’influence de sa personnalité et de sa main est évidente dans ses œuvres. Son œuvre s’étend de la peinture à la sculpture, en passant par les installations et les dessins. Certaines de ses œuvres les plus emblématiques impliquent les matériaux les plus simples et les gestes les plus délicats, par exemple façonner un fin fil de fer et le suspendre sur un mur sous une lumière directe, jouant simplement avec sa forme et son ombre. Ce dessin simple que nous avons choisi de Tuttle exprime magnifiquement et puissamment à la fois la simplicité et la personnalité singulière communiquée par son œuvre.

Richard Tuttle - Blue-Red, Phase, Dessins #4, gouache, feutre et crayon sur papier dans un cadre d’artiste. 38,1 x 31,1 x 3,8 cm (15 x 12 1/4 x 1 1/2"). Don de la Collection Judith Rothschild Contemporary Drawings. Collection MoMA. © 2019 Richard Tuttle

Donald Judd - Sans titre (Dessin au crayon sur papier jaune)

Donald Judd est peut-être surtout connu pour son essai réfléchi et intelligent intitulé Specific Objects, qui abordait de nombreuses préoccupations philosophiques chères aux artistes associés au minimalisme. Nous avons choisi ce dessin de Judd pour une raison peut-être assez subversive. Son œuvre était strictement dénuée d’émotion. Elle utilisait des matériaux et procédés industriels et évitait toute référence à la personnalité ou à la physicalité de l’artiste. Ce dessin, soigneusement réalisé à la main avec un médium simple et ancien sur papier, et plein de légères imperfections, trahit plusieurs des idéaux que Judd chérissait le plus. Néanmoins, d’une certaine manière, la couleur intense de ce fabriqué dialogue avec ses œuvres les plus mémorables.

Donald Judd - Sans titre (Crayon sur papier coloré). 1976. 36,8 x 43,5 cm (14 1/2 x 17 1/8"). Don de Sarah-Ann et Werner H. Kramarsky. Collection MoMA. © 2019 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Dorothea Rockburne - Dessin qui se fait lui-même

Dorothea Rockburne a qualifié le dessin de « l’ossature de la pensée ». Dans les années 1970, elle a proposé une esthétique unique à travers son expérimentation avec des matériaux peu coûteux, des processus personnels et intimes et les gestes les plus simples. Ses œuvres sur papier plié, sur lesquelles elle retraçait les plis, sont à la fois subtiles et profondes. Nous avons choisi ce dessin pour la manière dont il présente des motifs géométriques expressifs avec les méthodes les plus simples, par la pression exercée sur du papier carbone. Il offre un aperçu emblématique de son esprit magnifique.

Dorothea Rockburne - Dessin qui se fait lui-même, carbone, transfert au carbone et crayon sur papier, 57 x 76 cm, 1972. © 2019 Dorothea Rockburne / Artists Rights Society (ARS), New York

Robert Smithson - Sans titre (Trois dessins Spiral Jetty)

Plus tôt cette année, nous avons eu la chance de nous rendre en personne pour voir Spiral Jetty, l’œuvre fondatrice de land art créée par Robert Smithson dans le lit du Grand Lac Salé en Utah. Le voyage jusqu’au site peut être rude, une lente route de gravier cabossée de 16 kilomètres. Et l’œuvre elle-même est difficile à appréhender, car elle rivalise avec la grandeur naturelle de son environnement. Ce dessin, créé de manière ludique sur du papier millimétré, exprime l’innocence et l’universalité de Spiral Jetty, et reste mémorable par la façon dont il nous aide à contextualiser l’expérience globale de l’œuvre.

Robert Smithson - Sans titre (Trois dessins Spiral Jetty), vers 1970. Crayon sur trois feuilles de papier millimétré. 27,9 x 21,6 cm (11 x 8 1/2") (chacune). Don fractionné et promis de Tony Ganz en mémoire de Victor et Sally Ganz. Collection MoMA

Georgia O'Keeffe - Dessin X

Georgia O’Keeffe a commencé sa carrière en envoyant une série de dessins au fusain à une amie pour avoir son avis. Cette amie a présenté les dessins à la galerie d’Alfred Stieglitz à New York. Stieglitz fut une influence majeure sur la scène artistique moderniste, et il qualifia ces dessins de « choses les plus pures, fines et sincères » qu’il ait vues depuis longtemps. O’Keeffe a réalisé ce dessin quatre décennies plus tard. Comme beaucoup de ses œuvres, il peut être lu comme évocateur d’une forme naturelle, comme la courbe d’une branche d’arbre, ou comme totalement abstrait. Nous l’adorons pour la maîtrise du médium qu’il montre, et pour sa simplicité sans effort.

Georgia O'Keeffe - Dessin X, 1979. Fusain sur papier. 63,2 x 47,3 cm (24 7/8 x 18 5/8"). © 2019 The Georgia O'Keeffe Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Rachel Whiteread - 24 interrupteurs allumés et éteints

L’artiste contemporaine Rachel Whiteread a connu un début de carrière remarquable. Elle fut considérée comme l’une des Young British Artists, et devint la première femme à remporter le Turner Prize en 1993. Whiteread est principalement connue pour son œuvre sculpturale, qui consiste en moulages d’objets et de structures de différentes tailles. Elle est également connue pour créer des installations monumentales in situ. Le dessin ne constitue pas une part majeure de sa pratique. Elle utilise les dessins, dit-elle, comme un moyen de « chorégraphier un espace ». Nous avons choisi ce dessin pour ses qualités en tant qu’œuvre d’art à part entière. En un sens, il pourrait potentiellement aider à recontextualiser une œuvre tridimensionnelle, mais nous l’avons choisi pour la pureté et l’élégance qu’il dégage en tant qu’expression esthétique abstraite unique.

Rachel Whiteread - 24 interrupteurs allumés et éteints, 1998. Feuille d’argent et encre jaune sur papier. 66,7 x 49,5 cm (26 1/4 x 19 ½"). Fonds du Comité des Dessins. Collection MoMA. © 2019 Rachel Whiteread

Elaine de Kooning - Dessin préparatoire inutilisé de In Memory of My Feelings

Frank O'Hara était un poète renommé et ancien conservateur adjoint de peinture et sculpture au MoMA de New York. Il est décédé en 1966. L’année suivante, le musée publia un livre et organisa une exposition en son honneur. Le livre contenait soixante dessins de 30 artistes américains, dont les plus grands noms de l’abstraction du milieu du siècle. Nous avons choisi cette soumission inutilisée d’Elaine de Kooning. Bien que d’autres dessins de de Kooning aient été utilisés dans le livre, nous trouvons une qualité éphémère inimitable dans ce dessin qui manque aux autres pièces acceptées. Sa grâce, l’immédiateté de ses gestes et la simplicité de sa forme évoquent une ancienne écriture inconnue pleine d’émotion et de profondeur.

Elaine de Kooning - Dessin préparatoire inutilisé de In Memory of My Feelings, 1967. Encre sur acétate. Feuille : 35,3 x 27,9 cm (13 7/8 x 11"). Don de l’artiste. Collection MoMA

Kazimir Malevich - Dessin suprématiste

En 1915, Kazimir Malevich révolutionna l’abstraction avec la création de son style artistique emblématique connu sous le nom de suprématisme. Personnifié par son tableau iconique Carré noir, ce nouveau langage visuel audacieux fut, et reste pour beaucoup, l’expression ultime de pureté et d’universalité. Malevich réalisait souvent des croquis de ses idées pour ses peintures. Nous avons choisi ce dessin particulier pour sa fantaisie et le mouvement qu’il semble capturer, ainsi que pour l’imperfection ludique et décontractée qu’il projette.

Kazimir Malevich - Dessin suprématiste, 1916-1917

Ellsworth Kelly - Un trait

Les œuvres abstraites biomorphiques d’Ellsworth Kelly sont souvent inspirées par des formes naturelles telles que des feuilles ou des fruits. Il commençait souvent le processus d’une œuvre plus grande en esquissant et dessinant les formes qu’il voyait dans un jardin ou un parc. Ce dessin pourrait être lu comme une feuille, et il dialogue certainement avec une multitude d’autres dessins contenant des formes similaires. Mais il se distingue de ses autres œuvres. Son titre évoque la singularité de la ligne ininterrompue. La composition offre plusieurs lectures et organise l’espace en une configuration contemplative, mais ludique.

Ellsworth Kelly - Un trait, 1962. Graphite sur papier. 72,4 x 57,2 cm (28 1/2 x 22 1/2 pouces). Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Acheté avec des fonds offerts par Beatrice et Silas H. Rhodes, 1969. © Ellsworth Kelly

Image en vedette : Georgia O Keeffe - Dessin X (détail), 1979. Fusain sur papier. 63,2 x 47,3 cm. © 2019 The Georgia O'Keeffe Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio