Découvrez les mystères de l'orphisme en peinture

Dans le domaine de l’art abstrait, mysticisme et science font parfois bon ménage à leur insu. Un exemple est l'Orphisme, un mouvement artistique bref et parfois mal compris des premières années du 20e siècle. Les racines artistiques de l’orphisme se trouvent dans le cubisme, le fauvisme et le divisionnisme. Ses racines mystiques sont évoquées par son nom, dérivé du mythique musicien et poète Orphée, dont la musique aurait été capable de charmer le diable et de faire danser même les pierres. Les références scientifiques de l’orphisme rappellent les écrits de Michel Eugène Chevreul dont le nom est gravé sur la Tour Eiffel et qui fut peut-être le scientifique français le moins mystique et le plus sceptique de tous les temps. D’une manière ou d’une autre, à la confluence de toutes ces influences, l’orphisme est né et a influencé les générations d’artistes abstraits à venir.

La naissance de l'orphisme

L'Orphisme décrit la pratique d'un petit groupe de peintres pour la plupart européens qui peignaient des peintures abstraites lumineuses et colorées dans un style quasi cubiste environ entre 1912 et 1916 (bien que les fondateurs aient continué à travailler dans le style pendant encore de nombreuses décennies). Le mouvement a été nommé par Guillaume Apollinaire, le critique d'art français qui a également inventé le cubisme et le le surréalisme. Apollinaire a remarqué qu'un petit nombre de peintres développaient une pratique unique basée en partie sur les théories cubistes, mais en mettant l'accent sur des couleurs vives et contrastées et un contenu de plus en plus abstrait.

Apollinaire a appelé ces peintres Orphistes en référence à la réputation idéalisée qu'Orphée jouit en tant qu'artiste ultime. Le mot était destiné à contraster avec le Cubisme Analytique hyper-pragmatique. Apollinaire a noté comment les Orphistes utilisaient la couleur, la ligne et la forme de la même manière que les musiciens utilisent des notes, pour créer des compositions abstraites capables d'inspirer l'émotion.

Mais malgré la tentative d’Apollinaire de conférer un caractère poétique à l’origine de l’orphisme, les trois fondateurs du mouvement étaient en fait rigidement scientifiques dans leur approche de la peinture. Bien qu’ils soient effectivement influencés par les qualités abstraites de la musique, ils ne cherchaient pas à s’engager dans quoi que ce soit de spirituel ou de magique. Ils exploraient des théories spécifiques concernant les effets de la couleur sur les émotions humaines.

Sonia Delaunay -Rythme coloré, 1952. Huile sur toile. 105,9 × 194,6 cm. © Sonia Delaunay

Séparer les couleurs des objets

Les Orphistes s'intéressaient aux qualités uniques possédées par les éléments de ligne, de couleur et de forme en dehors des phénomènes esthétiques avec lesquels ils sont couramment associés. Ils étaient spécifiquement inspirés par le travail de trois théoriciens de l'art, chacun d'eux déconstruisant les éléments de la peinture afin d'analyser le pouvoir potentiel de ses éléments individuels. Le premier était Paul Signac, un fervent adepte du Pointillisme et de son inventeur Georges Seurat. Signac a écrit abondamment sur le Divisionnisme, la théorie derrière le Pointillisme, qui révélait que les couleurs pouvaient atteindre un effet plus grand si elles étaient mélangées dans les yeux du spectateur plutôt que sur la toile.

La deuxième influence des orphistes fut l’universitaire français Charles Henry, dont les théories sur les associations émotionnelles suggéraient que la ligne, la couleur et la forme avaient des associations abstraites autonomes au sein de la conscience humaine qui pouvaient être séparées du sujet objectif. De manière plus significative, les orphistes ont été influencés par les théories des couleurs de Michel Eugène Chevreul, ce scientifique dont le nom est sur la Tour Eiffel, qui analysait les effets des différentes couleurs sur les observateurs humains ainsi que les unes sur les autres, et incluait un effet appelé Illusion de Chevreul. , la sensation qu'il semble y avoir une ligne brillante séparant deux couleurs intenses et adjacentes.

Robert Delaunay - Rythme n°1, 1938. Huile sur toile. 529 x 592 cm. Décoration murale pour le Salon des Tuileries. Musée d'Art Moderne de la ville de Paris.

Contraste simultané

L’œuvre la plus influente de Chevreul concernait quelque chose appelé Simultaneous Contrast, qui examinait les effets que différentes couleurs avaient les unes sur les autres. Alors qu'il travaillait pour une entreprise de teinture, Chevreul a remarqué que les couleurs étaient différentes selon les autres couleurs auxquelles elles se trouvaient à côté. Cette comparaison relative l'a inspiré à tester diverses combinaisons de couleurs et a conduit à de nombreuses observations sur les effets psychologiques des combinaisons de couleurs sur les observateurs humains.

Cette théorie selon laquelle différentes combinaisons de couleurs pouvaient produire des réactions émotionnelles distinctes chez les observateurs humains a eu un effet profond sur les orphistes. Ils ont exploré les effets dits « vibratoires » de diverses combinaisons de couleurs, notant que des combinaisons de couleurs visuellement différentes contribuaient à une sensation de mouvement, ce qui a conduit certains à comparer leurs œuvres à celles des futuristes, également profondément préoccupés par le mouvement et la vitesse. En mariant les théories néo-impressionnistes du divisionnisme avec le langage visuel géométrique réduit du cubisme, puis en ajoutant des couleurs vives et contrastées dans le but de créer une impression de mouvement et une sensation psychologique, les orphistes ont créé une combinaison esthétique unique qui a rapidement évolué vers l'une des les premiers mouvements artistiques purement abstraits.

Franz Kupka - Disques dynamiques, 1931-33. Gouache sur papier. 27,9 x 27,9 cm. Musée Solomon R. Guggenheim, legs New York, Richard S. Zeisler, 2007. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Qui étaient les orphistes ?

Les trois peintres attribués à la fondation du mouvement étaient Franz Kupka, Sonia Delaunay et le mari de Sonia Robert Delaunay. Ces trois peintres ont créé le style esthétique qui est devenu emblématique du mouvement, et ils ont le plus réussi à communiquer la base théorique de leur travail. Plusieurs autres artistes ont également expérimenté le style, y compris Francis Picabia, Albert Gleizes, Fernand Léger et le peintre abstrait américain Patrick Henry Bruce. Mais la plupart de ces peintres ont rapidement abandonné la tendance pour d'autres styles émergents.

Franz Kupka - Disques de Newton (Étude pour "Fugue en deux couleurs"), 1912. Huile sur toile. 100,3 x 73,7 cm. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Franz Kupka

Ce peintre né en Autriche-Hongrie a commencé sa carrière en tant qu'illustrateur de livres. Bien qu'il ait été associé à des groupes d'artistes, y compris les Futuristes, les Cubistes et le Groupe de Puteaux, il a évité toute connexion directe à un mouvement ou un style. Son dévouement à comprendre les effets et les propriétés objectives de la couleur l'a amené à créer ses propres roues de couleur basées sur des travaux antérieurs similaires d'Isaac Newton. En 1912, Kupka a peint ce qui était alors considéré comme une œuvre orphiste séminale, Fugue en Deux Couleurs. Plus tôt cette même année, en préparation de cette peinture, il a peint ce qui, pour beaucoup de gens, est depuis devenu une peinture encore plus célèbre, Disques de Newton (Étude pour “Fugue en Deux Couleurs”). Bien qu'il ait eu la quarantaine, Kupka s'est porté volontaire pour combattre pendant la Première Guerre mondiale. Après la guerre, il a continué à peindre, poursuivant également son exploration de la géométrie, de la couleur, de la forme et de la ligne et de leurs capacités abstraites à affecter l'émotion humaine.

Sonia Delaunay -Prismes électriques, 1914. Huile sur toile. 250×250 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Paris

Sonia Delaunay

Née Sarah Stern en Ukraine et formée en art en Allemagne, Sonia Delaunay s'est installée à Paris pour devenir artiste en 1905. Elle épousa bientôt le marchand d'art Wilhelm Uhde et passa beaucoup de temps dans sa galerie. C'est là qu'elle rencontra le peintre bien établi et à succès Robert Delaunay. Sonia divorça de son premier mari et épousa Robert Delaunay en 1909. Ensemble, ils s'appuyèrent sur les études radicales de la couleur de Robert Delaunay, menant directement au développement du style unique qui est devenu l'Orphisme.

Sonia n'était pas seulement une peintre prolifique et influente ; elle a également travaillé comme designer dans les mondes de la mode, du théâtre et de l'industrie. Elle a continué à se concentrer sur le pouvoir intrinsèque des couleurs et des formes géométriques pour affecter la perception humaine et communiquer des vérités abstraites tout au long de sa carrière. En 1964, Sonia bénéficie d'une rétrospective de son œuvre au Louvre, devenant ainsi la première artiste féminine vivante à être ainsi honorée.

Sonia Delaunay - Illustration de mode, 1925. Aquarelle et crayon sur papier. 38 x 55,6 cm.

Robert Delaunay

Chercheur passionné, théoricien perspicace et peintre talentueux, Robert Delaunay s'est intéressé à la couleur dès les premières étapes de son développement. À seulement 19 ans, Delaunay expose déjà des œuvres de maturité. Ses peintures de l'époque s'inspiraient de la théorie divisionniste et figuraient parmi les œuvres ridiculisées par le critique d'art français Louis Vauxcelles comme étant composées de « petits cubes » de couleur, un commentaire qui a conduit à la création ultérieure du terme cubisme.

Delaunay lui-même ne s’associe à aucun style de peinture particulier et il a résisté à sa description d’orphiste tout au long de sa carrière. Néanmoins, il a interagi personnellement et professionnellement avec de nombreux artistes associés au cubisme et à divers mouvements d'art abstrait simultanés. Il s'est toujours concentré sur la couleur. Même s'il peignait des œuvres dans le style cubiste analytique, ses couleurs vibrantes étaient en contradiction avec celles des autres peintres travaillant avec des idées similaires à l'époque.

Robert Delaunay - Paysage au disque, 1907. Oil on canvas. 55 x 46 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Paris

L'héritage de l'orphisme

Ces visionnaires croyaient au pouvoir de la couleur pour exprimer des émotions et des sensations indépendamment des associations avec des formes représentatives. Ils étaient des expérimentateurs et des croyants en l'abstraction pure comme moyen de communiquer les aspects les plus profonds de l'expérience humaine. Comme d'autres luminaires du début du 20ème siècle, tels que Picasso et Kandinsky, Kupka et les Delaunay ont ouvert de nouvelles voies en créant une pratique qui a efficacement contribué à introduire l'abstraction pure dans le monde. L'orphisme a été de courte durée pour la plupart des artistes, mais ces trois fondateurs du mouvement l'ont pratiqué jusqu'à leur mort. Ils ont aidé à inspirer d'autres mouvements tels que Lyrical et l'Abstraction Géométrique, et sont encore considérés comme des inspirations pour de nombreux artistes abstraits aujourd'hui.

Image à la une : Robert Delaunay - La ville de Paris, 1911. Huile sur toile. 47,05 x 67,8 po. Le Musée d'Art de Toledo
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio