Découvrez les mystères de l'orphisme en peinture

Dans le domaine de l'art abstrait, le mysticisme et la science deviennent parfois des compagnons involontaires. Un exemple en est L'orphisme, un mouvement artistique bref et parfois mal compris des premières années du XXe siècle. Les racines artistiques de l'orphisme se trouvent dans le cubisme, le fauvisme et le divisionnisme. Ses racines mystiques sont suggérées par son nom, dérivé du musicien et poète mythique Orphée, dont la musique aurait pu charmer le diable et faire danser même les pierres. Les références scientifiques de l'orphisme renvoient aux écrits de Michel Eugène Chevreul, dont le nom est gravé sur la tour Eiffel, et qui fut sans doute le scientifique français le moins mystique et le plus sceptique. C’est dans la confluence de toutes ces influences que l’orphisme est né, influençant les générations d’artistes abstraits à venir.

La naissance de l'orphisme

L'orphisme désigne la pratique d’un petit groupe de peintres principalement européens qui réalisaient des peintures abstraites vives et colorées dans un style quasi-cubiste entre 1912 et 1916 environ (bien que les fondateurs aient continué à travailler dans ce style pendant plusieurs décennies). Le mouvement fut nommé par Guillaume Apollinaire, le critique d’art français qui a aussi inventé les termes cubisme et surréalisme. Apollinaire remarqua qu’un petit nombre de peintres développaient une pratique unique, partiellement fondée sur les théories cubistes, mais avec un accent sur des couleurs vives et contrastées et un contenu de plus en plus abstrait.

Apollinaire appela ces peintres orphistes en référence à la réputation idéalisée d’Orphée en tant qu’artiste ultime. Ce terme était destiné à contraster avec le cubisme analytique hyper-pragmatique. Apollinaire observa comment les orphistes utilisaient la couleur, la ligne et la forme de la même manière que les musiciens utilisent les notes, pour créer des compositions abstraites capables d’inspirer des émotions.

Mais malgré la tentative d’Apollinaire de conférer une nature poétique à l’origine de l’orphisme, les trois fondateurs du mouvement étaient en réalité rigoureusement scientifiques dans leur approche de la peinture. Bien qu’influencés par les qualités abstraites de la musique, ils ne cherchaient pas à s’engager dans quoi que ce soit de spirituel ou magique. Ils exploraient des théories spécifiques concernant les effets de la couleur sur l’émotion humaine.

Sonia Delaunay - Rythme coloré, 1952. Huile sur toile. 105,9 × 194,6 cm. © Sonia Delaunay

Séparer les couleurs des objets

Les orphistes s’intéressaient aux qualités uniques des éléments de la ligne, de la couleur et de la forme en dehors des phénomènes esthétiques auxquels ils sont habituellement associés. Ils furent spécifiquement inspirés par le travail de trois théoriciens de l’art, chacun déconstruisant des éléments de la peinture afin d’analyser le pouvoir potentiel de ses éléments individuels. Le premier fut Paul Signac, un fervent adepte du pointillisme et de son inventeur Georges Seurat. Signac écrivit abondamment sur le divisionnisme, la théorie sous-jacente au pointillisme, qui révélait que les couleurs pouvaient produire un effet plus grand si elles étaient mélangées dans l’œil du spectateur plutôt que sur la toile.

La deuxième influence des orphistes fut l’académicien français Charles Henry, dont les théories sur l’association émotionnelle suggéraient que la ligne, la couleur et la forme avaient des associations abstraites autonomes dans la conscience humaine, séparables du sujet objectif. Plus significativement, les orphistes furent influencés par les théories des couleurs de Michel Eugène Chevreul, ce scientifique dont le nom figure sur la tour Eiffel, qui analysa les effets des différentes couleurs sur les observateurs humains ainsi que sur elles-mêmes, et qui inclut un effet appelé l’illusion de Chevreul, la sensation qu’une ligne lumineuse semble séparer deux couleurs intenses adjacentes.

Robert Delaunay - Rythme n°1, 1938. Huile sur toile. 529 x 592 cm. Décoration murale pour le Salon des Tuileries. Musée d'Art Moderne de la ville de Paris.

Contraste simultané

Le travail le plus influent de Chevreul fut dans le domaine de ce qu’on appelle le contraste simultané, qui étudiait les effets que différentes couleurs avaient les unes sur les autres. En travaillant pour une entreprise de teintures, Chevreul remarqua que les couleurs semblaient différentes selon les couleurs voisines. Cette comparaison relative l’incita à tester diverses combinaisons de couleurs et conduisit à de nombreuses observations sur les effets psychologiques de ces combinaisons sur les observateurs humains.

Cette théorie selon laquelle différentes combinaisons de couleurs pouvaient produire des réactions émotionnelles distinctes chez les observateurs humains eut un effet profond sur les orphistes. Ils explorèrent les effets dits « vibratoires » de diverses combinaisons de couleurs, notant que des combinaisons visuellement différentes contribuaient à une impression de mouvement, ce qui amena certains à comparer leurs œuvres à celles des futuristes, également très préoccupés par le mouvement et la vitesse. En mariant les théories néo-impressionnistes du divisionnisme avec le langage visuel géométrique réduit du cubisme, puis en ajoutant des couleurs vives et contrastées dans le but de créer une impression de mouvement et de sensation psychologique, les orphistes créèrent une combinaison esthétique unique qui évolua rapidement en l’un des premiers mouvements d’art purement abstrait.

Franz Kupka - Disques dynamiques, 1931-33. Gouache sur papier. 27,9 x 27,9 cm. Musée Solomon R. Guggenheim, New York Legs Richard S. Zeisler, 2007. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Qui étaient les orphistes ?

Les trois peintres attribués à la fondation du mouvement furent Franz Kupka, Sonia Delaunay et le mari de Sonia, Robert Delaunay. Ces trois peintres créèrent le style esthétique devenu emblématique du mouvement, et ils communiquèrent avec le plus de succès la base théorique de leur travail. Plusieurs autres artistes expérimentèrent également ce style, notamment Francis Picabia, Albert Gleizes, Fernand Léger et le peintre abstrait américain Patrick Henry Bruce. Mais la plupart de ces peintres abandonnèrent rapidement cette tendance au profit d’autres styles émergents.

Franz Kupka - Disques de Newton (Étude pour « Fugue en deux couleurs »), 1912. Huile sur toile. 100,3 x 73,7 cm. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Franz Kupka

Ce peintre né en Autriche-Hongrie commença sa carrière comme illustrateur de livres. Bien qu’il ait été associé à des groupes d’artistes tels que les futuristes, les cubistes et le groupe de Puteaux, il évita toute connexion directe avec un mouvement ou un style particulier. Sa dévotion à la compréhension des effets et des propriétés objectives de la couleur le conduisit à créer ses propres cercles chromatiques basés sur des travaux antérieurs similaires d’Isaac Newton. En 1912, Kupka peignit ce qui fut alors considéré comme une œuvre orphiste majeure, Fugue en deux couleurs. Plus tôt la même année, en préparation de cette peinture, il réalisa ce qui est devenu pour beaucoup une œuvre encore plus célèbre, Disques de Newton (Étude pour « Fugue en deux couleurs »). Bien qu’il fût dans la quarantaine avancée, Kupka s’engagea volontairement dans la Première Guerre mondiale. Après la guerre, il continua à peindre, poursuivant également l’exploration de la géométrie, de la couleur, de la forme et de la ligne et de leurs capacités abstraites à affecter l’émotion humaine.

Sonia Delaunay - Prismes électriques, 1914. Huile sur toile. 250 × 250 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Paris

Sonia Delaunay

Née Sarah Stern en Ukraine et formée aux arts en Allemagne, Sonia Delaunay s’installa à Paris pour devenir artiste en 1905. Elle épousa bientôt le marchand d’art Wilhelm Uhde et passa beaucoup de temps dans sa galerie. C’est là qu’elle rencontra le peintre bien établi et reconnu Robert Delaunay. Sonia divorça de son premier mari et épousa Robert Delaunay en 1909. Ensemble, ils développèrent les études radicales de Robert Delaunay sur la couleur, menant directement au développement du style unique devenu l’orphisme.

Sonia fut non seulement une peintre prolifique et influente ; elle travailla aussi comme créatrice dans les domaines de la mode, du théâtre et de l’industrie. Elle continua à se concentrer sur le pouvoir intrinsèque des couleurs et des formes géométriques pour affecter la perception humaine et communiquer des vérités abstraites tout au long de sa carrière. En 1964, Sonia bénéficia d’une rétrospective de son œuvre au Louvre, devenant la première artiste vivante à être ainsi honorée.

Sonia Delaunay - Illustration de mode, 1925. Aquarelle et crayon sur papier. 38 x 55,6 cm.

Robert Delaunay

Chercheur passionné, théoricien perspicace et peintre talentueux, Robert Delaunay s’intéressa à la couleur dès les premiers stades de son développement. À seulement 19 ans, Delaunay exposait déjà des œuvres mûres. Ses peintures de cette époque étaient inspirées par la théorie divisionniste et faisaient partie des œuvres raillées par le critique d’art français Louis Vauxcelles comme étant composées de « petits cubes » de couleur, un commentaire qui conduisit à la création ultérieure du terme cubisme.

Delaunay lui-même ne s’associait à aucun style particulier de peinture et refusa d’être qualifié d’orphiste tout au long de sa carrière. Néanmoins, il interagit personnellement et professionnellement avec de nombreux artistes liés au cubisme et à divers mouvements d’art abstrait simultanés. Son attention fut toujours concentrée sur la couleur. Même lorsqu’il peignait dans le style cubiste analytique, ses couleurs vibrantes contrastaient avec celles des autres peintres travaillant sur des idées similaires à l’époque.

Robert Delaunay - Paysage au disque, 1907. Huile sur toile. 55 x 46 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Paris

L’héritage de l’orphisme

Ces visionnaires croyaient au pouvoir de la couleur pour exprimer des émotions et des sensations indépendamment des associations avec des formes représentatives. Ils étaient des expérimentateurs et des croyants en l’abstraction pure comme moyen de communiquer les aspects les plus profonds de l’expérience humaine. Comme d’autres figures marquantes du début du XXe siècle, telles Picasso et Kandinsky, Kupka et les Delaunay ouvrirent de nouvelles voies en créant une pratique qui contribua efficacement à introduire l’abstraction pure dans le monde. L’orphisme fut de courte durée pour la plupart des artistes, mais ces trois fondateurs le pratiquèrent jusqu’à leur mort. Ils aidèrent à inspirer d’autres mouvements tels que l’abstraction lyrique et l’abstraction géométrique, et sont encore considérés comme des sources d’inspiration pour de nombreux artistes abstraits aujourd’hui.

Image en vedette : Robert Delaunay - La ville de Paris, 1911. Huile sur toile. 119,5 x 172,2 cm. Le Toledo Museum of Art
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio