Robert Delaunay et son approche de la couleur

Que signifie dire qu'une peinture est « réaliste » ? La réalité est un sujet contesté. Elle est purement subjective, après tout. Ce que l'on considère comme réel est basé sur une combinaison de ce que l'on perçoit, de ce que l'on comprend et de ce que l'on peut imaginer. En 1912, le peintre Robert Delaunay a publié un essai dans la revue allemande Der Sturm intitulé : « Notes sur la construction de la réalité dans la peinture pure. » L'essai était une tentative de résumer les 60 années précédentes de recherche artistique, depuis le début de l'impressionnisme, sur le sujet de la meilleure façon de représenter la réalité dans l'art. Delaunay a décrit le travail de ses prédécesseurs comme étant scientifique et analytique, décomposant la peinture en ses composants afin d'arriver à l'essentiel de la réalité peinte. Il a écrit que les artistes ne devraient s'efforcer de créer que ce qui est beau et que la réalité est la seule chose véritablement belle. Mais la réalité, selon Delaunay, ne signifiait pas imitation. Au contraire, il a supposé que l'élément le plus basique et le plus beau de la réalité était la couleur, car la nature, par le biais de la lumière, transmettait la beauté du monde à nos yeux à travers la couleur, et que « ce sont nos yeux qui transmettent les sensations perçues dans la nature à notre âme ».

La couleur est la réalité

Une des choses que Robert Delaunay aimait dire de lui-même, c'est qu'avant lui, les peintres utilisaient simplement la couleur pour colorer. Il pensait être le premier peintre à utiliser la couleur comme sujet à part entière. Il a donné du crédit aux impressionnistes, car ce sont eux qui ont identifié l'importance de la lumière. Mais ils n’utilisaient encore les qualités de la lumière que pour copier des images du monde objectivement visible. Mais au moins, ils ont reconnu qu’une image est composée de nombreuses parties différentes et que c’est la perception de ces parties qui crée une idée de ce qu’est la réalité. La perception ne se produit pas sur la toile, mais dans le cerveau.

Le pointillisme était le premier et le plus profond des styles de peinture à vraiment examiner le fait que la perception se produit dans le cerveau. Également connu sous le nom de divisionnisme, il utilisait de petits blocs de couleur placés les uns à côté des autres sur une toile pour transmettre la sensation d'une couleur mélangée plutôt que de mélanger les couleurs ensemble au préalable. Le cerveau combinait ensuite les couleurs afin de compléter l'image. Cette réalisation, que les yeux et le cerveau pouvaient compléter une image autrement incomplète, est devenue un principe fondateur de la fin du 19ème siècle et du début du 20ème siècle avant-gardiste. Cela a inspiré la peinture futuriste, le cubisme, l'orphisme et d'innombrables autres styles et mouvements depuis.

La couleur comme sujet

Robert Delaunay était captivé par la pensée divisionniste. Cela l’a inspiré à réfléchir à la relation que les couleurs entretiennent lorsqu’elles sont placées les unes à côté des autres sur la toile, indépendamment de l’image qu’elles étaient utilisées pour créer. Il agrandit les blocs de couleur au-delà de ce que les pointillistes avaient fait, créant des effets visuels beaucoup plus prononcés et abstraits. Il a utilisé cette technique pour réaliser une série de portraits de son ami et collègue peintre abstrait Jean Metzinger.

Dans les peintures Metzinger de Delaunay, on peut voir des blocs de couleurs créant de la profondeur et une impression de mouvement en plus de simplement former une image. À travers ses peintures divisionnistes, Delaunay réalise que la couleur peut transmettre forme, profondeur, lumière et même émotion. Indépendamment des éléments figuratifs d’une image, la couleur pouvait, à elle seule, véhiculer n’importe quelle vérité ou n’importe quelle réalité qu’un peintre espérait exprimer.

Robert Delaunay Rythme n°1, décoration pour le Salon des Tuileries, 1938, oil on canvas, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Couleur et plan

Alors que Delaunay faisait ses propres découvertes sur la réalité peinte, les Cubistes, dirigés par Pablo Picasso, expérimentaient également dans un domaine similaire. Ils tentaient de transmettre une réalité à quatre dimensions et le passage du temps. Leur méthode consistait à diviser le monde en plans spatiaux, puis à utiliser ces plans pour exprimer une multitude de points de vue simultanés sur un seul sujet.

Delaunay ne s'intéresse pas à la perspective. Il croyait que seule la couleur pouvait exprimer le mouvement ou tout autre phénomène. Mais Delaunay n’en était pas moins intrigué par l’idée cubiste des plans spatiaux. Il avait remarqué que lorsque la lumière frappe les objets, les différentes teintes qui apparaissent sont déterminées par la géométrie de leurs plans spatiaux. Étant donné que les plans et la géométrie ont un effet direct sur la couleur, il a emprunté le langage esthétique du plan brisé aux cubistes et l'a appliqué à ses peintures, créant ainsi une nouvelle approche esthétique abstraite à la fois divisionniste et cubiste. Il a notamment utilisé ce style dans une série de peintures représentant ce qu'il croyait être le symbole ultime de l'ère moderne : la Tour Eiffel.

Robert Delaunay - Eiffel Tower, 1911 (dated 1910 by the artist). Oil on canvas. 79 1/2 x 54 1/2 inches (202 x 138.4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, By gift. 37.463

Couleur et contraste

L’une des découvertes suivantes de Delaunay concernait le contraste. Il s’est rendu compte que les couleurs pouvaient se compléter de manière à créer des réactions émotionnelles dans l’esprit du spectateur. Il a commencé à éliminer le sujet, la profondeur, la lumière et tous les autres facteurs, en se concentrant uniquement sur le contraste des couleurs. Il a appris que différentes couleurs contrastées créaient différents effets émotionnels. Certaines couleurs contrastaient d’une manière légère ou joyeuse. D’autres contrastaient d’une manière qui semblait lourde ou mélancolique.

Il a également découvert que certaines couleurs, placées les unes à côté des autres, créaient une impression de mouvement. Les téléspectateurs les percevaient comme tremblants, vibraient ou même changeaient de teinte au fur et à mesure qu'ils les regardaient. Delaunay a appelé cette sensation « Simultanéité ». Dans son tableau Hommage à Blériot de 1914, il a utilisé la théorie de la simultanéité afin de transmettre ce qu'il croyait être l'état essentiel de la modernité, le mouvement, représenté presque entièrement par la couleur et la forme purement abstraite.

Robert Delaunay - Hommage à Bleriot, 1914, Huile sur toile, 6 pi 4 1/2 x 4 pi 2 1/2. Kunstmuseum Basel, Bâle, Suisse

L’héritage de Robert Delaunay

L'histoire était importante pour Delaunay et, selon ceux qui le connaissaient, il était tout à fait conscient de la place qu'il y occupait. Il aimait particulièrement souligner qui, ou quoi, était le premier. Il a écrit que « Les premiers tableaux étaient simplement une ligne encerclant l'ombre d'un homme créée par le soleil à la surface de la terre. » Il a félicité le peintre Seurat, fondateur du pointillisme, pour avoir montré pour la première fois l'importance des couleurs complémentaires. Mais il a ensuite critiqué Seurat pour sa réalisation incomplète, affirmant que le pointillisme n’était « qu’une technique ». Delaunay affirmait que c'était lui-même qui, le premier, avait utilisé la théorie des couleurs complémentaires pour arriver à une pure expression de la beauté.

En effet, après avoir lu les écrits de Delaunay sur la couleur, il apparaît clairement qu’il est à l’origine de nombreuses réflexions originales sur les qualités formelles de la peinture. On attribue à lui et à sa femme Sonia l'invention de l'orphisme, l'un des styles abstraits les plus influents ayant émergé avant la Première Guerre mondiale. Mais sans rien enlever à Delaunay, avoir autant d'attention accordée à la couleur soulève une question : la couleur peut-elle vraiment être l'expression la plus pure de la réalité dans la nature ? Est-ce le seul moyen de transférer la beauté à nos âmes ? Cela doit être décourageant pour une personne aveugle ou daltonienne d’entendre de telles nouvelles. Peut-être que la réflexion de Delaunay sur la couleur n’était pas la fin de l’histoire. Ce qui est peut-être le plus important dans son travail, c’est qu’il pose les questions que de nombreux amateurs d’art abstrait se posent encore aujourd’hui : qu’est-ce que la réalité ? Qu'est-ce que la beauté ? Quelle est la meilleure façon de les communiquer pour qu’ils se connectent à l’âme humaine ?

Image en vedette : Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906, huile sur toile, 55 x 43 cm. Collection privée
Par Phillip Barcio