Le plein et le vide dans les sculptures d'Henry Moore

Un corps humain est plus qu’une simple masse ; c'est une accumulation de masses plus petites. Et chaque corps fait aussi partie d’une masse plus vaste : celle de l’humanité. Et l’humanité fait partie d’une masse encore plus vaste : celle du monde. Le sculpteur Henry Moore l'a mieux exprimé lorsqu'il a déclaré : « La nature entière est une démonstration sans fin de forme ». Moore a consacré sa carrière à l'exploration de la forme et de la forme. Même si cela semble académique, les sculptures d'Henry Moore ne sont pas de simples objets intellectuels. Ils ne sont pas non plus uniquement des objets de beauté. Ils transcendent à la fois l’intellectualisme et l’esthétique pour connecter les spectateurs à quelque chose de plus profond. En tant qu'artiste figuratif d'abord, puis abstractionniste, Moore a créé des œuvres basées sur la relation que le corps humain partage avec le monde naturel dans son ensemble. Ses sculptures expriment l'idée que l'humanité fait partie de la nature et que, grâce à nos sens, nous pouvons nous connecter à quelque chose d'intemporel et d'universel.

Sculptures Henry Moore - Vérités matérielles

Lorsqu’un sculpteur parle de vérité matérielle, il fait référence à la façon dont un objet représente les qualités de la ressource à partir de laquelle il est fabriqué. Le noyer a une vérité matérielle différente de celle du marbre, qui a une vérité matérielle différente de celle de l'albâtre, et ainsi de suite. Henry Moore croyait au pouvoir de la vérité matérielle. Il rejette l’idée selon laquelle les sculpteurs devraient réaliser leurs œuvres à partir de moules ou de moulages. Il prône la taille directe, car elle laisse des marques révélant la nature physique de l’objet. La taille directe n’était pas largement acceptée à l’époque de Moore, même si d’autres sculpteurs influents ont également adopté l’idée. Mais pour Moore, ce n’était pas seulement une théorie ; c'était sa nature.

Henry Moore - Relief de la figure allongée dans le bâtiment souterrain de St James's, 1928. © Fondation Henry Moore.

Moore était l'un des neuf enfants nés dans une famille ouvrière de Castleford, une ville minière du Yorkshire, en Angleterre. Ses parents ont lutté et se sont sacrifiés pour envoyer leurs enfants à l’école afin qu’ils n’aient pas à travailler de leurs mains. À 11 ans, après avoir découvert l'œuvre de Michel-Ange, Henry les a déçus en décidant qu'il serait sculpteur. Incapable d'aller directement à l'université, Henry a combattu dans un régiment de fusiliers de la fonction publique pendant la Première Guerre mondiale et a été blessé lors d'une attaque au gaz. Au moment où il a pu se permettre une école d'art après la guerre, il était profondément façonné par ses propres vérités matérielles : il était né pour travailler dur et faire les choses à la main. La taille directe ne faisait pas seulement ressortir le caractère de ses matériaux, elle faisait également ressortir son caractère.

Henry Moore - La figure allongée de l'UNESCO, 1958. © La Fondation Henry Moore.

Le Mariage de Chac-mool et Cézanne

À la fin de la vingtaine, à Paris, Moore a rencontré un objet esthétique qui l'a changé de manière profonde et significative. Il s'agissait d'un Chac-mool, une sculpture aztèque précolombienne représentant une figure humaine allongée. La posture de la sculpture évoque des figures humaines sculptées par des sculpteurs classiques tels que Michel-Ange, mais elle s'est produite indépendamment de ces influences et dans un monde à part. Le comportement et l’humanité du personnage ont inspiré Moore, et il a adopté la forme comme quelque chose d’universel avec lequel il pouvait travailler.

Henry Moore -  Composition en quatre pièces : personnage inclinable. © La Fondation Henry Moore.

Moore a marié l'essence du Chac-mool avec une figuration inspirée de l'un de ses tableaux les plus appréciés, Les Baigneurs de Cézanne. Le résultat fut une forme sculpturale moderniste emblématique qu’il appela « figure allongée ». Il a exploré les figures allongées tout au long de sa carrière, y revenant à maintes reprises comme base de découvertes sur le volume et l'espace. Aujourd’hui, les figures allongées de Moore peuvent être trouvées partout dans le monde, dans des parcs de sculptures, des espaces naturels et des musées sur six continents. Sa première commande publique fut une figure allongée sculptée en relief sur le bâtiment souterrain de St James à Londres. Ses œuvres les plus célèbres ornent le siège de l'UNESCO à Paris.

Cézanne - Les Baigneurs, 1898-1905, Huile sur toile, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphie, États-Unis

Réduction de forme

La majorité des Figures allongées de Moore étaient abstraites. Il a continuellement réduit la forme de la figure humaine à ses éléments essentiels puis les a abstraites pour ressembler à des formes trouvées dans la nature. Ses biomorphiques, figures allongées abstraites semblaient analogiques avec le paysage naturel, inspirant beaucoup à y trouver des messages humanistes. Bien qu'il préférait parler le moins possible de la signification de son travail, cette interprétation s'inscrit bien dans la philosophie de Moore sur l'interconnexion de l'art, de l'humanité et de la nature.

Henry Moore - Personnage inclinable. © La Fondation Henry Moore.

En plus d’abstraire la figure allongée, Moore l’a également disséquée. Il a percé des trous dans les personnages, en remarquant : « Le premier trou fait dans un morceau de pierre est une révélation. » Il a également remis en question les perceptions du volume et de l'espace en séparant les figures en ensembles de formes vaguement affiliées qui, séparément, étaient abstraites, mais qui, placées ensemble, faisaient allusion à une forme humaine.

Henry Moore - Mère et enfant, 1959. © La Fondation Henry Moore.

Protégez la forme intérieure

Au plus fort de sa productivité, la Seconde Guerre mondiale éclata et il fut enrôlé comme artiste de guerre. Il a créé une série de dessins documentant les citoyens regroupés en masse dans la clandestinité lors des bombardements. Les dessins capturent la peur alors que des formes humaines s'enveloppent dans un abri, puis s'enveloppent les unes les autres dans des tas de corps blottis. Après la guerre, cette idée d'une forme protégée dans une autre se manifeste partout dans ses sculptures. Il a produit plusieurs œuvres intitulées Mère et enfant, certaines évoquant un enfant sous la forme de la mère, et d'autres montrant deux formes séparées, mais serrées l'une contre l'autre.

Henry Moore - Tête de casque n°5, 1966. © La Fondation Henry Moore.

Il a également exploré cette idée avec une série intitulée Helmet Head, créant des formes de casque qui ne contenaient parfois rien d'autre qu'un espace vide, et d'autres fois contenaient des formes secondaires protégées à l'intérieur. Ces sculptures protectrices utilisent la masse et l’espace qui l’entoure comme sujet. D'un point de vue formel, ils examinent le plein et le vide de l'espace. Dans un sens humaniste, ils démontrent notre réalité la plus fondamentale : le besoin de sécurité.

Henry Moore - Trois formes de vertèbres, 1978-79, devant l'hôtel de ville, Dallas, Texas. © La Fondation Henry Moore.

Exercices de forme

En 1947, un contemporain de Moore, l'auteur français Raymond Queneau, écrivit un livre intitulé « Exercices de style », dans lequel il racontait la même brève anecdote dans 99 styles différents. styles littéraires. On pourrait dire qu’Henry Moore a adopté une approche similaire dans sa carrière. Il a abordé quelques sujets d'une multitude de manières différentes, en se concentrant sur un petit éventail de préoccupations, telles que la forme et la façon dont ils interagissent avec l'espace. Mais s’il n’avait fait que cela, il n’aurait pas laissé une marque aussi légendaire sur l’art abstrait du XXe siècle.

La grande idée de Moore a toujours été l’humanité ; un point particulièrement évident lorsqu'on considère ses sculptures publiques, qui existent aujourd'hui dans 38 pays. Moore voulait qu'ils soient touchés, grimpés, explorés et habités. Ils existent pour tous nos sens. Moore a dit un jour : « Notre connaissance de la forme reste, en général, un mélange d'expériences visuelles et tactiles... Un enfant apprend la rondeur en manipulant une balle bien plus qu'en la regardant. » Grâce au travail de Moore, nous apprenons la rondeur, la matérialité, la forme, l'espace et bien d'autres choses formelles et tactiles. Mais nous apprenons aussi quelque chose de plus important : quelque chose sur notre interconnexion avec le paysage, entre nous, avec la nature et avec nous-mêmes.

Image en vedette : Le Chac-mool, une figure sculpturale trouvée dans tout le Mexique préhistorique
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio