Le plein et le vide dans les sculptures d'Henry Moore

Un corps humain est plus qu'une masse unique ; c'est une accumulation de masses plus petites. Et chaque corps fait aussi partie d'une masse plus grande : celle de l'humanité. Et l'humanité fait partie d'une masse encore plus vaste : celle du monde. Le sculpteur Henry Moore l'a exprimé au mieux lorsqu'il a dit : « La nature tout entière est une démonstration sans fin de forme et de contour. » Moore a consacré sa carrière à l'exploration de la forme et du contour. Aussi académique que cela puisse paraître, les sculptures d'Henry Moore ne sont pas simplement des objets intellectuels. Elles ne sont pas non plus uniquement des objets de beauté. Elles transcendent à la fois l'intellectualisme et l'esthétique pour relier les spectateurs à quelque chose de plus profond. D'abord artiste figuratif, puis abstractionniste, Moore a créé des œuvres basées sur la relation que le corps humain entretient avec le monde naturel plus vaste. Ses sculptures expriment l'idée que l'humanité fait partie de la nature et que, par nos sens, nous pouvons nous connecter à quelque chose d'intemporel et d'universel.

Sculptures d'Henry Moore - Vérités matérielles

Quand un sculpteur parle de vérité matérielle, il fait référence à la manière dont un objet représente fidèlement les qualités de la matière dont il est fait. Le noyer a une vérité matérielle différente du marbre, qui a une vérité matérielle différente de l'albâtre, et ainsi de suite. Henry Moore croyait au pouvoir de la vérité matérielle. Il rejetait l'idée que les sculpteurs devaient réaliser leurs œuvres à partir de moules ou de moulages. Il prônait la taille directe, car elle laissait des traces révélant la nature physique de l'objet. La taille directe n'était pas largement acceptée à l'époque de Moore, même si d'autres sculpteurs influents adoptaient aussi cette idée. Mais pour Moore, ce n'était pas qu'une théorie ; c'était sa nature.

Henry Moore - Relief de la Figure allongée au bâtiment Underground à St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore était l’un des neuf enfants d’une famille ouvrière de Castleford, une ville minière du Yorkshire, en Angleterre. Ses parents ont lutté et fait des sacrifices pour envoyer leurs enfants à l’école afin qu’ils n’aient pas à travailler de leurs mains. À 11 ans, après avoir découvert l’œuvre de Michel-Ange, Henry les a déçus en décidant qu’il serait sculpteur. Ne pouvant pas se permettre d’aller directement à l’université, Henry a combattu dans un régiment des Civil Service Rifles pendant la Première Guerre mondiale et a été blessé lors d’une attaque au gaz. Lorsqu’il a pu se permettre d’aller à l’école d’art après la guerre, il était profondément marqué par ses propres vérités matérielles : il était fait pour le travail dur et le travail manuel. La taille directe révélait non seulement le caractère de ses matériaux, mais aussi son propre caractère.

Henry Moore - La Figure allongée de l’UNESCO, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Le mariage du Chac-mool et de Cézanne

À la fin de sa vingtaine, à Paris, Moore a rencontré un objet esthétique qui l’a profondément et significativement transformé. C’était un Chac-mool, une sculpture précolombienne aztèque représentant une figure humaine allongée. La posture de la sculpture évoque les figures humaines sculptées par des sculpteurs classiques tels que Michel-Ange, mais elle est apparue indépendamment de telles influences, et à des milliers de kilomètres. L’attitude et l’humanité de la figure ont inspiré Moore, qui a adopté cette forme comme quelque chose d’universel avec lequel il pouvait travailler.

Henry Moore - Composition en quatre parties : Figure allongée. © The Henry Moore Foundation.

Moore a marié l’essence du Chac-mool avec la figuration inspirée par l’un de ses tableaux préférés, Les Baigneurs de Cézanne. Le résultat fut une forme sculpturale moderniste emblématique qu’il appela « figure allongée ». Il a exploré les figures allongées tout au long de sa carrière, y revenant sans cesse comme base pour des découvertes sur le volume et l’espace. Aujourd’hui, les figures allongées de Moore se trouvent dans le monde entier, dans des parcs de sculptures, des espaces naturels et des musées sur six continents. Sa première commande publique fut une figure allongée sculptée en relief sur le bâtiment Underground à St James’s à Londres. La plus célèbre orne le siège de l’UNESCO à Paris.

Cézanne - Les Baigneurs, 1898-1905, huile sur toile, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphie, États-Unis

Réduction de la forme

La majorité des Figures allongées de Moore étaient abstraites. Il réduisait continuellement la forme de la figure humaine à ses éléments essentiels, puis les abstraisait pour ressembler à des formes trouvées dans la nature. Ses figures allongées biomorphiques et abstraites semblaient analogues au paysage naturel, inspirant beaucoup à y voir des messages humanistes. Bien qu’il préférait parler le moins possible de la signification de son œuvre, cette interprétation s’accorde bien avec la philosophie de Moore sur l’interconnexion de l’art, de l’humanité et de la nature.

Henry Moore - Figure allongée. © The Henry Moore Foundation.

En plus d’abstraire la figure allongée, Moore la disséquait aussi. Il perçait des trous dans les figures, déclarant : « Le premier trou fait dans un morceau de pierre est une révélation. » Il remettait aussi en question les perceptions du volume et de l’espace en séparant les figures en collections de formes vaguement liées qui, prises séparément, étaient abstraites, mais qui, réunies, laissaient deviner une forme humaine.

Henry Moore - Mère et enfant, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Protéger la forme intérieure

Au sommet de la productivité de Moore, la Seconde Guerre mondiale éclata et il fut enrôlé comme artiste de guerre. Il réalisa une série de dessins documentant des citoyens entassés dans le métro pendant les raids aériens. Ces dessins capturent la peur alors que les formes humaines se blottissent dans un abri, puis s’enveloppent les unes les autres en tas de corps serrés. Après la guerre, cette idée, d’une forme protégée à l’intérieur d’une autre, se manifesta partout dans ses sculptures. Il produisit plusieurs œuvres intitulées Mère et enfant, certaines évoquant un enfant dans la forme de la mère, d’autres montrant deux formes séparées mais blotties ensemble.

Henry Moore - Tête Casque n°5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Il explora aussi cette idée avec une série appelée Tête Casque, créant des formes de casque qui parfois ne contenaient rien d’autre que de l’espace vide, et d’autres fois des formes secondaires protégées à l’intérieur. Ces sculptures protectrices utilisent la masse et l’espace qui l’entoure comme sujet. Sur le plan formel, elles examinent la plénitude et le vide de l’espace. Sur le plan humaniste, elles démontrent notre réalité la plus fondamentale : le besoin de sécurité.

Henry Moore - Trois Formes Vertèbres, 1978-79, devant l’Hôtel de Ville, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Exercices de forme

En 1947, un contemporain de Moore, l’écrivain français Raymond Queneau, écrivit un livre intitulé « Exercices de style », dans lequel il racontait la même brève anecdote en 99 styles littéraires différents. On pourrait dire qu’Henry Moore adopta une approche similaire dans sa carrière. Il poursuivit quelques sujets de multiples façons, se concentrant sur un petit nombre de préoccupations, telles que la forme, le contour et leur interaction avec l’espace. Mais s’il s’était limité à cela, il n’aurait pas laissé une empreinte aussi légendaire sur l’art abstrait du XXe siècle.

La grande idée de Moore fut toujours l’humanité ; un point particulièrement évident lorsqu’on considère ses sculptures publiques, qui existent aujourd’hui dans 38 pays. Moore voulait qu’on les touche, qu’on y grimpe, qu’on les explore et qu’on les habite. Elles existent pour tous nos sens. Moore a dit un jour : « Notre connaissance de la forme et du contour reste, en général, un mélange d’expériences visuelles et tactiles... Un enfant apprend la rondeur en manipulant une balle bien plus qu’en la regardant. » Grâce à l’œuvre de Moore, nous apprenons la rondeur, la matérialité, la forme, l’espace et bien d’autres choses formelles et tactiles. Mais nous apprenons aussi quelque chose de plus important : quelque chose sur notre interdépendance avec le paysage, entre nous, avec la nature et avec nous-mêmes.

Image en vedette : Le Chac-mool, une figure sculpturale que l’on trouve dans tout le Mexique préhistorique
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio