Bridget Riley et la philosophie des rayures

Nos expériences sensorielles nous connectent à un monde d'émotions. Lorsque nous voyons quelque chose, ce sentiment est en soi une sorte de sentiment. Mais nous ressentons aussi des choses en fonction de ce que nous voyons. C'est ces sentiments que l'artiste britannique Bridget Riley a passé les six dernières décennies à examiner. Dans les années 1960, Riley est devenue célèbre pour sa contribution à un mouvement artistique connu sous le nom d’Op Art, ainsi nommé en raison des illusions d’optique que les spectateurs perçoivent souvent dans ses œuvres. L'Op Art a acquis une notoriété mondiale après le succès d'une exposition intitulée The Responsive Eye au Museum of Modern Art de New York en 1965. Plusieurs peintures de Bridget Riley ont été incluses dans cette exposition. Ils présentaient une palette noir et blanc clairsemée et des motifs répétitifs qui créaient un sentiment de dynamisme qui rendait les spectateurs instables ou déséquilibrés. Les motifs de ses peintures semblaient bouger. Mais le travail de Bridget Riley va bien au-delà de la simple tromperie de l’œil avec une illusion d’optique. C'est une question de perception. Il s'agit de savoir avec quelle attention nous regardons, à quel point nous pensons que notre don de vision est précieux et comment nos émotions peuvent être affectées par la façon dont nous voyons notre monde.

La jeune Bridget Riley

En tant que jeune artiste, Bridget Riley était souvent frustrée. Elle avait adoré pouvoir explorer librement l'environnement autour de ses différentes maisons d'enfance à Londres, dans le Lincolnshire et en Cornouailles. Elle avait une curiosité innée et une envie d’expérimenter. Mais dans la vingtaine, alors qu’elle étudiait à la Royal Academy of Art, elle a trouvé sa curiosité et son esprit expérimental découragés par ses professeurs. Elle a obtenu son diplôme sans être sûre d'elle. Et son manque de direction a été rapidement exacerbé lorsque son père a été hospitalisé peu après après un accident de voiture et qu'elle est devenue responsable de ses soins. Les stress combinés l’ont amenée à souffrir d’une dépression complète.

Le tournant vers la guérison pour Riley est survenu lorsqu'elle a visité une exposition des Expressionnistes Abstraits au Tate à Londres en 1956. Leur travail a validé son désir d'expérimenter et d'explorer sa véritable vision, et elle a rapidement recommencé à peindre. Elle a trouvé un emploi d'enseignante en art pour de jeunes filles et a pris un poste d'illustratrice commerciale. Puis, elle s'est inscrite à un cours d'été avec Harry Thubron, qui était connu pour prôner le pouvoir d'éléments tels que les relations spatiales, les formes et les motifs.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera sur isorel. 123,2 x 121,2 cm. Collection du Conseil des arts, Southbank Centre, Londres. © 2019 Bridget Riley (à gauche) / Bridget Riley - Intake, 1964. Acrylique sur toile. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (à droite)

Réalités optiques

Dans son étude avec Harry Thubron des éléments formels de l'esthétique, en particulier sur la façon dont l'œil percevait les formes dans l'espace, Riley s'est redédiée à la recherche de sa voix authentique. Elle a déménagé en Italie en 1960 et a étudié les œuvres des Futuristes. Inspirée par leur exploration du mouvement, elle a ensuite étudié les idées des Divisionnistes, en particulier celles de Georges Seurat. La somme de ces études l'a amenée à développer une approche singulière de la peinture : une approche dans laquelle elle a exploré des moyens de transformer une surface bidimensionnelle afin d'affecter la perception visuelle.

Elle savait que pour remettre en question la façon dont les spectateurs regardaient une peinture, elle devrait éliminer tout contenu représentatif. Les images représentatives ne feraient que distraire de ses idées principales. Elle a donc simplifié son langage visuel pour n'utiliser que le noir et le blanc ainsi que les éléments de ligne, de forme et de volume. Dans le catalogue de The Responsive Eye, le conservateur William C. Seitz a qualifié le travail que Riley réalisait de « l'art perceptuel nouveau ». Seitz a élevé les attentes quant à ce que cet art pouvait accomplir bien au-delà du domaine de quelque chose de purement esthétique. Il a demandé : « De telles œuvres, qui ne font référence à rien d'autre qu'à elles-mêmes, peuvent-elles remplacer avec une efficacité psychique le contenu qui a été abandonné ? Une compréhension avancée et une application d'images fonctionnelles peuvent-elles ouvrir un nouveau chemin de l'excitation rétinienne aux émotions et aux idées ? » Ce sont exactement les types de questions que Riley se posait.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Émulsion sur toile, 70 x 68 1/4 in. © 2019 Bridget Riley (Gauche) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acrylique sur lin. Non encadré : 6 pieds 4 3/4 pouces x 6 pieds 3 pouces (194,95 x 190,5 cm). Encadré : 6 pieds 7 3/8 pouces x 6 pieds 5 3/4 pouces x 2 3/4 pouces (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). La collection du Musée d'art Nelson Atkins. Acquis grâce à la générosité de la Fondation William T. Kemper - Commerce Bank, administrateur. © Brigitte Riley. Tous droits réservés, avec l'aimable autorisation de Karsten Schubert, Londres (à droite)

Le public réactif

La réaction du public à The Responsive Eye a été enthousiaste. Les effets fascinants et illusoires des images de la série ont rendu les téléspectateurs fous. Les créateurs se sont rapidement approprié les motifs en noir et blanc et les ont utilisés sur tous les produits imaginables, des robes aux lunettes en passant par les boîtes à lunch et les voitures. Mais ce facteur époustouflant n’attirait guère Riley, qui était plus intéressée par les significations profondes de son travail. Oui, ça avait l'air cool. Mais elle voulait découvrir les processus mentaux à l’œuvre sous les apparences superficielles.

En 1966, juste au moment où son style en noir et blanc avait acquis un attrait international, Riley s'est lancée dans un effort pour approfondir sa vision en ajoutant de la couleur à son travail. Elle a passé deux ans à étudier et à copier à plusieurs reprises le tableau Bridge of Courbevoie de Georges Seurat, un pointilliste. Dans ce tableau, elle a vu une maîtrise des structures linéaires et des motifs. Elle a également vu une maîtrise des combinaisons de couleurs, une démonstration de la façon dont différentes couleurs placées côte à côte de manière réfléchie créent un sens du mouvement lorsqu'elles sont perçues par l'œil humain.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acrylique sur toile. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Des rayures pour toujours

Tout en compliquant la palette de couleurs qu'elle utilisait, Riley simplifiait simultanément son langage des formes. Elle a pratiquement éliminé les carrés, les triangles et les cercles et s'est largement concentrée sur les rayures tout au long des années 1970 et 1980. Les rayures se prêtent facilement à une étude de la répétition, que Riley considère comme essentielle pour amener les gens à réellement regarder une image avec intention. La forme d’une bande est également fondamentalement stable. Cette stabilité, a-t-elle découvert, est vitale pour l’étude de la couleur, car la couleur est fondamentalement instable, puisque sa perception dépend d’autres facteurs comme la lumière et les couleurs environnantes.

Riley a utilisé une combinaison de rayures horizontales et verticales droites et ondulées. Elle a commencé chaque pièce sur de petites bandes de papier, testant des combinaisons de couleurs et des motifs. Une fois arrivée à une combinaison de couleurs et à un motif à rayures qui semblait bouger, elle les a transférés sur une grande toile qu'elle a ensuite peinte à la main. Chaque bande de ses peintures à rayures colorées incorpore une évolution de différentes couleurs se fondant les unes dans les autres de manière précise, de sorte que l'œil, lorsqu'il regarde chaque bande, perçoit un soupçon de la couleur suivante. Cette évolution crée une sensation de mouvement lorsque l’œil se déplace sur la surface.

La vue de la musique

Bien que la stabilité des rayures ait été vitale pour sa découverte de la couleur, c'est finalement la couleur qui l'a aidée à réaliser sa vision esthétique. Elle a dit : « La musique de la couleur, c'est ce que je veux. » Comme tant d'autres artistes, de Seurat à Giacomo Balla en passant par Sonia Delaunay et Josef Albers, avaient réalisé que chaque couleur est capable d'évoquer une réponse émotionnelle. Et lorsqu'elles sont utilisées ensemble, diverses couleurs semblent vibrer, créant des réponses émotionnelles imprévisibles chez les spectateurs. Cette imprévisibilité a aidé Riley à atteindre son objectif idéal pour une peinture, qu'elle a dit devoir « offrir une expérience ; offrir une possibilité. »

Les découvertes esthétiques que Riley a faites à travers ses peintures colorées et rayées sont nées du fait qu'elle est une expérimentatrice précise. Elle note rigoureusement chaque combinaison de couleurs et chaque motif qu'elle essaie, afin de pouvoir les répéter si nécessaire. Mais si ses expériences avec les couleurs et les rayures semblent scientifiques, elles ne le sont pas, du moins pas dans le sens où elles essayaient de prouver une hypothèse. Ils sont plutôt artistiques, dans le sens où ils cherchent à découvrir un inconnu et à le manifester.

Bridget Riley - Carnival, 2000. Sérigraphie en couleurs, sur papier vélin, à pleines marges. 28 3/5 × 35 9/10 po. 72,7 × 91,1 cm. Édition 55/75 + 10AP. © 2019 Brigitte Riley

Objectifs principaux

Aujourd'hui, au milieu des années 80, Riley continue de peindre. Elle explore désormais un mélange de formes géométriques, de formes ondulées et de diagonales. Les motifs de ses peintures les plus récentes sont beaucoup plus larges, créant une impression très différente et évoquant des sentiments très différents. Ses peintures rayées des décennies passées sont de puissantes manifestations de son inquisition de toute une vie sur la perception. Ils vont bien au-delà de la simple tromperie de l’œil dans un domaine de perception profonde et subjective.

Ce qui est important dans ces œuvres, c’est qu’elles remettent en question non seulement notre façon de les voir, mais aussi notre façon de voir les choses. Les rayures utilisées par Riley sont peut-être aussi simples que les formes peuvent l'être. Pourtant les métamorphoses qui se manifestent en les examinant semblent illimitées. Riley a dit un jour : "La répétition agit comme une sorte d'amplificateur d'événements visuels qui, vus isolément, seraient à peine visibles." Ses rayures démontrent cette philosophie : que la complexité se cache sous l'apparente simplicité de notre monde visuel, si seulement on prenait le temps de vraiment s'en rendre compte. Ils nous implorent de regarder attentivement et attentivement et d’apprécier pleinement le précieux don de voir.

Image en vedette : Bridget Riley - Conversation (détail), 1992. Huile sur lin. 92x126cm. Collection d'art de la salle de l'abbé. Acheté en 1996. © Bridget Riley
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio