Bridget Riley et la philosophie des rayures

Nos expériences sensorielles nous relient à un monde d’émotions. Lorsque nous voyons quelque chose, ce sens, en lui-même, est une sorte de sensation. Mais ensuite, nous ressentons aussi des choses en fonction de ce que nous voyons. Ces sentiments sont ce que l’artiste britannique Bridget Riley a passé les six dernières décennies à étudier. Dans les années 1960, Riley est devenue célèbre pour ses contributions à un mouvement artistique connu sous le nom d’Art Optique, ainsi nommé pour les illusions d’optique que les spectateurs perçoivent souvent dans les œuvres. L’Art Optique a gagné une renommée mondiale après le succès d’une exposition intitulée The Responsive Eye au Museum of Modern Art de New York en 1965. Plusieurs peintures de Bridget Riley figuraient dans cette exposition. Elles présentaient une palette sobre en noir et blanc et des motifs répétitifs qui créaient un sentiment de dynamisme faisant que les spectateurs se sentaient instables, ou déséquilibrés. Les motifs de ses peintures semblaient bouger. Mais l’œuvre de Bridget Riley va bien au-delà du simple trompe-l’œil. Il s’agit de perception. Il s’agit de la manière dont nous regardons attentivement, de la valeur que nous accordons à notre don de la vue, et de la façon dont nos émotions peuvent être affectées par la manière dont nous voyons notre monde.

La Jeune Bridget Riley

Jeune artiste, Bridget Riley était souvent frustrée. Elle avait chéri la liberté d’explorer librement l’environnement autour de ses différentes maisons d’enfance à Londres, dans le Lincolnshire et en Cornouailles. Elle avait une curiosité innée et un désir d’expérimenter. Mais dans la vingtaine, alors qu’elle étudiait à la Royal Academy of Art, elle a vu sa curiosité et son esprit d’expérimentation découragés par ses professeurs. Elle a obtenu son diplôme sans assurance. Et son manque de direction s’est rapidement aggravé lorsque son père a été hospitalisé après un accident de voiture, et qu’elle est devenue responsable de ses soins. Le stress combiné l’a conduite à une dépression complète.

Le tournant vers la guérison est survenu pour Riley lorsqu’elle a visité une exposition des Expressionnistes Abstraits à la Tate de Londres en 1956. Leur travail a validé son désir d’expérimenter et d’explorer sa véritable vision, et elle a rapidement recommencé à peindre. Elle a trouvé un emploi en enseignant l’art à de jeunes filles et a travaillé comme illustratrice commerciale. Puis elle s’est inscrite à un cours d’été avec Harry Thubron, connu pour défendre la puissance d’éléments tels que les relations spatiales, les formes et les motifs.

Bridget Riley - Mouvement dans les Carrés, 1961. Tempera sur panneau dur. 123,2 x 121,2 cm. Collection Arts Council, Southbank Centre, Londres. © 2019 Bridget Riley (Gauche) / Bridget Riley - Intake, 1964. Acrylique sur toile. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Droite)

Réalités Optiques

Lors de son étude avec Harry Thubron des éléments formels de l’esthétique, en particulier de la manière dont l’œil perçoit les formes dans l’espace, Riley s’est réengagée à trouver sa voix authentique. Elle a déménagé en Italie en 1960 et a étudié les œuvres des Futuristes. Inspirée par leur exploration du mouvement, elle a ensuite étudié les idées des Divisionnistes, en particulier Georges Seurat. La somme de ces études l’a conduite à développer une approche singulière de la peinture : une approche dans laquelle elle explorait des moyens de transformer une surface bidimensionnelle afin d’affecter la perception visuelle.

Elle savait que pour défier la manière dont les spectateurs regardaient une peinture, elle devrait éliminer tout contenu représentatif. Les images figuratives ne feraient que distraire de ses idées principales. Elle a donc simplifié son langage visuel en n’utilisant que le noir et blanc ainsi que les éléments de ligne, forme et contour. Dans le catalogue de The Responsive Eye, le conservateur William C. Seitz qualifiait ce type d’œuvre que Riley créait de « nouvel art perceptif ». Seitz élevait le niveau d’attente quant à ce que cet art pouvait accomplir bien au-delà du domaine purement esthétique. Il demandait : « Ces œuvres, qui ne renvoient à rien en dehors d’elles-mêmes, peuvent-elles remplacer avec efficacité psychique le contenu abandonné ? Une compréhension avancée et une application des images fonctionnelles peuvent-elles ouvrir un nouveau chemin de l’excitation rétinienne aux émotions et aux idées ? » Ce sont précisément les questions que Riley se posait.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Émulsion sur toile, 70 x 68 1/4 pouces. © 2019 Bridget Riley (Gauche) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acrylique sur lin. Non encadré : 6 pieds 4 3/4 pouces x 6 pieds 3 pouces (194,95 x 190,5 cm). Encadré : 6 pieds 7 3/8 pouces x 6 pieds 5 3/4 pouces x 2 3/4 pouces (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Collection du Nelson Atkins Museum of Art. Acquis grâce à la générosité de la William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, Trustee. © Bridget Riley. Tous droits réservés, avec l’aimable autorisation de Karsten Schubert, Londres (Droite)

Le Public Réceptif

La réaction du public à The Responsive Eye fut enthousiaste. Les effets hypnotiques et illusoires des images de l’exposition ont rendu les spectateurs fous. Les créateurs ont rapidement adopté les motifs en noir et blanc et les ont utilisés sur tous les produits imaginables, des robes aux lunettes en passant par les boîtes à lunch et les voitures. Mais ce facteur « wahou » avait peu d’attrait pour Riley, qui s’intéressait davantage aux significations profondes de son travail. Oui, c’était visuellement impressionnant. Mais elle voulait découvrir les processus mentaux à l’œuvre sous les apparences superficielles.

En 1966, alors que son style en noir et blanc avait gagné une renommée internationale, Riley s’est lancée dans un effort pour approfondir sa vision en ajoutant de la couleur à son travail. Elle a passé deux ans à étudier et à copier à plusieurs reprises la peinture pointilliste de Georges Seurat Le Pont de Courbevoie. Elle y a vu une maîtrise des structures linéaires et des motifs. Elle y a aussi vu une maîtrise des combinaisons de couleurs, une démonstration de la façon dont différentes couleurs placées côte à côte de manière réfléchie créent un sentiment de mouvement perçu par l’œil humain.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acrylique sur toile. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Les Rayures pour Toujours

Tout en complexifiant la palette de couleurs qu’elle utilisait, Riley a simultanément simplifié son langage des formes. Elle a presque éliminé les carrés, triangles et cercles, et s’est largement concentrée sur les rayures tout au long des années 1970 et 1980. Les rayures se prêtent facilement à une étude de la répétition, que Riley percevait comme essentielle pour amener les gens à vraiment regarder une image avec intention. La forme d’une rayure est aussi fondamentalement stable. Cette stabilité, elle l’a découverte, est vitale pour l’étude de la couleur car la couleur est fondamentalement instable, puisque sa perception dépend d’autres facteurs comme la lumière et les couleurs environnantes.

Riley utilisait une combinaison de rayures droites et ondulées, horizontales et verticales. Elle commençait chaque œuvre sur de petites bandes de papier, testant les combinaisons de couleurs et les motifs. Une fois qu’elle trouvait une combinaison de couleurs et un motif de rayures qui semblaient bouger, elle les transposait sur une grande toile qu’elle peignait ensuite à la main. Chaque rayure dans ses peintures rayées colorées intègre en son sein une évolution de différentes couleurs se fondant les unes dans les autres de manière précise, de sorte que l’œil, en regardant chaque rayure, perçoit un indice de la couleur suivante. Cette évolution crée la sensation de mouvement lorsque l’œil parcourt la surface.

La Vue de la Musique

Alors que la stabilité des rayures était essentielle pour sa découverte de la couleur, c’est finalement la couleur qui l’a aidée à atteindre sa vision esthétique. Elle disait : « La musique de la couleur, c’est ce que je veux. » Comme tant d’autres artistes, de Seurat à Giacomo Balla, de Sonia Delaunay à Josef Albers, avaient compris, chaque couleur est capable d’évoquer une réponse émotionnelle. Et lorsqu’elles sont utilisées ensemble, diverses couleurs semblent vibrer, créant des réactions émotionnelles imprévisibles chez les spectateurs. Cette imprévisibilité a aidé Riley à atteindre son but idéal pour une peinture, qui, selon elle, doit « offrir une expérience ; offrir une possibilité. »

Les découvertes esthétiques que Riley a faites à travers ses peintures rayées en couleur sont le fruit de son esprit d’expérimentation précis. Elle tient des notes rigoureuses de chaque combinaison de couleurs et motif qu’elle essaie, afin de pouvoir les reproduire si nécessaire. Mais bien que ses expériences avec les couleurs et les rayures semblent scientifiques, elles ne le sont pas, du moins pas dans le sens où elles chercheraient à prouver une hypothèse. Elles sont plutôt artistiques, dans le sens où elles cherchent à découvrir un inconnu et à le manifester.

Bridget Riley - Carnaval, 2000. Sérigraphie en couleurs, sur papier vélin, avec marges complètes. 28 3/5 × 35 9/10 pouces. 72,7 × 91,1 cm. Édition 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Objectifs Principaux

Aujourd’hui, dans sa quatre-vingt-cinquième année, Riley continue de peindre. Elle explore désormais un mélange de formes géométriques, de formes ondulées et de diagonales. Les motifs de ses nouvelles peintures sont beaucoup plus larges, créant une impression très différente et évoquant des sentiments bien différents. Ses peintures rayées des décennies passées restent de puissantes manifestations de sa quête de toute une vie sur la perception. Elles vont bien au-delà du simple trompe-l’œil pour atteindre un domaine de perception profonde et subjective.

Ce qui importe dans ces œuvres, c’est qu’elles défient non seulement notre manière de les voir, mais aussi notre manière de tout voir. Les rayures que Riley utilise sont aussi simples, peut-être, que les formes peuvent l’être. Pourtant, les métamorphoses qui deviennent apparentes en les examinant semblent sans limites. Riley a dit un jour : « La répétition agit comme une sorte d’amplificateur d’événements visuels qui, vus isolément, seraient à peine visibles. » Ses rayures illustrent cette philosophie : la complexité se cache sous la simplicité apparente de notre monde visuel, si seulement nous prenons le temps de vraiment observer. Elles nous exhortent à regarder attentivement et de près, et à apprécier pleinement le précieux don de la vue.

Image en vedette : Bridget Riley - Conversation (détail), 1992. Huile sur lin. 92 x 126 cm. Collection Abbot Hall Art. Acheté en 1996. © Bridget Riley
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio