Lee Krasner et son impressionnant œuvre

Certains artistes se concentrent si intensément sur un style particulier que presque tout amateur d'art peut facilement décrire des exemples typiques de leurs œuvres. D'autres, cependant, font évoluer leur style de manière délibérée et constante, refusant d'être limités par une seule approche esthétique. Lee Krasner incarnait ce dernier cas. Décrire des peintures typiques de Lee Krasner serait impossible, car son travail n'a jamais été typique. À plusieurs reprises au cours de sa carrière, Krasner a complètement réorienté son approche de la peinture. Bien qu'elle soit généralement associée aux Expressionnistes abstraits, elle a commencé sa carrière comme peintre réaliste classique. Elle a également travaillé comme peintre de fresques pour la Works Progress Administration, et a passé des années à expérimenter diverses techniques telles que le collage, l'abstraction biomorphique, l'abstraction à bords nets, des œuvres de petite taille inspirées par son héritage juif et des œuvres de grande taille influencées par sa vie personnelle. Même après avoir souffert d'un anévrisme cérébral, elle a continué à réinventer son travail pendant plus de deux décennies. Son œuvre est si diverse et ingénieuse que Lee Krasner est aujourd'hui considérée comme l'incarnation de l'esprit de l'avant-garde américaine du XXe siècle.

Née à Brooklyn

Lee Krasner est née à Brooklyn en 1908, première membre de sa famille à naître sur le sol américain. Elle savait dès son plus jeune âge qu'elle voulait être peintre. Mais dans les premières décennies des années 1900, il n'y avait pas beaucoup d'opportunités pour les jeunes femmes aspirant à devenir artistes professionnelles. Celles qui souhaitaient étudier l'art étaient encouragées à se diriger vers l'enseignement. Il n'y avait qu'un seul lycée à New York, le Washington Irving High School for Girls, qui permettait même aux filles de se spécialiser en cours d'art. Lee Krasner a postulé et a été acceptée dans cet établissement.

Après le lycée, Krasner a effectivement obtenu son certificat d'enseignement. Mais par la suite, au lieu de se lancer dans l'enseignement, elle a trouvé un emploi de serveuse et a continué à suivre des cours de peinture. Elle a maîtrisé la technique classique à la National Academy of Design et a étudié la peinture du corps humain à l'Art Students League de New York. Elle était si talentueuse qu'en 1935, elle a obtenu un poste très convoité de peintre de fresques à la Works Progress Administration, une rareté pour tout artiste, et encore plus pour une artiste femme. Son travail consistait à copier des dessins muraux figuratifs réalisés par d'autres artistes. Krasner ne considérait pas cela comme idéal, car elle aurait préféré peindre ses propres dessins, mais cela lui a permis de gagner sa vie pendant la dépression et d'élargir sa formation.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Huile sur toile. 175,3 x 318,8 cm. Collection du Musée d'Art Moderne. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Peinture sur toute la surface

En 1937, deux ans après avoir commencé son poste à la WPA, Lee Krasner initia la première grande évolution de son travail. Elle s'inscrivit à des cours avec Hans Hofmann, un peintre et éducateur allemand renommé, connu pour promouvoir le modernisme et l'abstraction. Sous la direction de Hofmann, Krasner apprit les concepts du cubisme, du néo-cubisme, du fauvisme, du collage et de nombreuses autres tendances modernistes précoces. Elle mit ces idées en pratique dans le développement de ce que l'on appelle aujourd'hui son style Peinture sur toute la surface, une approche de la peinture qui couvre toute la surface de ses œuvres avec des motifs abstraits évoquant la nature.

Krasner termina ses cours avec Hans Hofmann en 1940. Puis en 1941, elle entama une relation amoureuse avec le peintre Jackson Pollock. Lorsqu'elle découvrit pour la première fois le travail que Pollock réalisait à cette époque, guidé par l'instinct, elle réévalua immédiatement son propre processus. Bien que son travail fût devenu abstrait, elle travaillait encore à partir de la vie réelle. Inspirée par Pollock, elle poursuivit avec enthousiasme une quête pour se connecter à son moi authentique et inconscient, et pour exprimer ses émotions sur la toile.

Lee Krasner - Collage Mosaïque, 1939. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Série Petites Images

Dans sa quête de son moi subconscient, Krasner se tourna vers ses racines. Sa famille avait émigré de ce qui est aujourd'hui l'Ukraine. Leur héritage juif russe était influencé par la kabbale, une méthode ancienne et symbolique d'interprétation de la Bible. S'inspirant du concept symbolique de la kabbale, Krasner développa son propre langage visuel symbolique et intuitif ; l'incorporant dans une série de peintures qu'elle appela la série Petites Images.

Le nom de ce corpus d'œuvres provient probablement de l'idée que chaque peinture semble composée d'innombrables petites images représentant un vocabulaire abstrait sans signification définie. Ou bien ce nom pourrait aussi provenir du changement qu'elle a vécu dans son environnement à peu près au moment où cette série a commencé. Ce changement survint lorsque Krasner et Pollock quittèrent la ville pour une propriété à Long Island. Pollock occupa la grange pour ses œuvres de grande taille. Krasner adopta un atelier à l'étage de la maison, plus intime en taille, et adapta son travail en fonction de cet espace.

Lee Krasner - Midi, 1947, de la série Petites Images. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Collages déchirés

Le changement esthétique majeur suivant pour Lee Krasner survint au début des années 1950, lorsque, selon la légende, elle devint frustrée par la qualité de plusieurs de ses œuvres et commença à déchirer ses toiles. Dans ses premières années d'études avec Hans Hofmann, Krasner était devenue une grande admiratrice de Matisse et avait expérimenté le collage. Inspirée par Matisse et ses découpages, elle commença à utiliser ses peintures déchirées comme matériaux bruts pour un ensemble de collages puissants et expressifs, transformant les débris de ses échecs en une nouvelle direction radicale dans son œuvre.

À cette époque de sa vie, Krasner faisait également face à de nombreuses autres frustrations, en dehors de celles liées à son travail. Son mari, Jackson Pollock, était alcoolique et infidèle, et était rapidement devenu célèbre pour son style unique de peinture gestuelle. En 1956, alors que Krasner était en Europe pour l'été, Pollock mourut dans un accident de voiture provoqué par l'alcool, alors qu'il conduisait en état d'ivresse avec sa maîtresse et un ami.

Lee Krasner - City Verticals, 1953 (à gauche) / Lee Krasner - Bougies brûlantes, 1955 (à droite), deux collages sur toile. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Cycles de la vie

Déjà, avant la mort de Pollock, Krasner avait commencé à changer de direction dans son travail. Elle avait commencé à peindre des compositions biomorphiques luxuriantes de formes abstraites et naturelles. À son retour d'Europe, elle explora davantage ce motif, laissant ses œuvres grandir en taille, peut-être en raison de la disponibilité d'un espace plus vaste pour travailler. De grands gestes amples et des palettes de couleurs simplifiées apparurent dans ses compositions, et le chaos et la frustration de ses efforts précédents firent place à une vision plus large des processus du monde naturel.

Pendant six ans après la mort de son mari, Krasner poursuivit ce style nouveau et chargé d'émotion. Les noms qu'elle donna à ces séries d'œuvres semblaient liés aux cycles de la vie, et étaient peut-être symboliques ou guidés par son deuil et sa guérison. La première de ces séries, Terre Verte, présentait une palette naturelle de verts, rouges, blancs et beiges. La série suivante, Voyages Nocturnes, contenait des images plus sombres et plus mélancoliques. Cette phase de sa carrière prit fin brusquement en 1962 lorsque Krasner souffrit d'un anévrisme cérébral qui interrompit son travail pendant plusieurs années.

Lee Krasner - La Femme Soleil II, 1958, partie de la série Terre Verte. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Lignes nettes

Après s'être remise de son anévrisme, Krasner reprit là où elle s'était arrêtée, explorant les formes et compositions organiques. Puis, au début des années 1970, elle prit brusquement son travail dans une toute nouvelle direction. Elle commença à peindre des abstractions aplaties à bords nets qui semblaient presque géométriques dans leur langage visuel. Sa palette de couleurs devint également plus pure, donnant des peintures lumineuses, directes et optimistes.

D'autres tendances esthétiques que ses contemporains poursuivaient à l'époque ont peut-être inspiré cette nouvelle direction pour Krasner. La peinture de champs colorés avait gagné du soutien parmi de nombreux Expressionnistes abstraits, et le minimalisme dominait activement la scène artistique en réaction contre l'émotion et le drame de la génération précédente. Mais même s'il y a des éléments de ces deux styles dans les œuvres à bords nets que Krasner peignit dans les années 1970, son expression de leurs sentiments est entièrement unique.

Lee Krasner - Cadran solaire, 1972. Huile sur lin. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

L'héritage de Lee Krasner

En 1983, Lee Krasner reçut l'honneur de sa première rétrospective de carrière. Elle s'ouvrit à Houston, Texas, au Musée des Beaux-Arts. Krasner était trop malade pour assister à l'exposition, mais en tant que native de Brooklyn, elle attendait avec impatience le jour où l'exposition voyagerait dans sa ville natale. Elle mourut cependant en juin 1984, seulement six mois avant l'ouverture de sa rétrospective au MoMA de New York. Le communiqué de presse pour l'exposition du MoMA disait : « Krasner a continué à peindre jusqu'à peu avant sa mort en juin dernier, et son travail témoigne jusqu'à la fin d'une exploration incessante. »

Ce qui est vraiment extraordinaire dans la nature expérimentale de sa carrière, c'est qu'à travers tous ses changements, Lee Krasner a maintenu une voix esthétique distincte et individuelle. Des éléments du langage visuel qu'elle utilisait dans ses premières œuvres résonnent à travers toute son œuvre malgré une multitude d'évolutions en chemin. Ses dernières œuvres dialoguent de manière fluide avec ses premiers efforts. C'est un témoignage puissant de la place que Krasner occupe dans la tradition moderniste américaine. Son œuvre est le reflet d'un esprit radicalement créatif, et témoigne de la manifestation de l'avant-garde en elle.

Image en vedette : Lee Krasner - Autoportrait, 1930. Huile sur lin. 76,5 × 63,8 cm. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio