Peinture Hard-Edge et esthétique de l’ordre abstrait

Aimeriez-vous pénétrer à l’intérieur d’une peinture à bords nets ? La prochaine fois que vous serez à Las Vegas, rendez-vous à l’hôtel et casino Cosmopolitan. Au niveau de la rue, il y a un café Starbuck’s. Entrez-y et levez les yeux vers les murs. Vous remarquerez des taches vives de couleurs primaires peintes sur diverses surfaces et installations. Sur l’un des murs, vous verrez la signature de l’homme qui a peint ces taches de couleur : l’artiste et photographe français Georges Rousse.

Si vous vous dirigez vers l’extrémité de la pièce, vous verrez un emplacement marqué au sol invitant les spectateurs à se tenir dessus. Depuis ce seul endroit, et uniquement depuis cet endroit, la vision de Rousse se réalise. Ces surfaces peintes font partie d’une illusion, une réalisation tridimensionnelle d’une peinture abstraite géométrique occupant un espace architectural.

John McLaughlin - Sans titre, 1951, Huile sur masonite, 60,3 × 70,5 cm, Avec l’aimable autorisation de Van Doren Waxter

Qu’est-ce que la peinture à bords nets ?

L’expression peinture à bords nets a été inventée à la fin des années 1950 par Jules Langsner, un critique d’art pour le journal Los Angeles Times. Le terme faisait référence à une tendance ancienne qui commençait à réapparaître dans divers styles d’art abstrait, mais qui était particulièrement répandue en Californie à cette époque. Cette tendance impliquait l’utilisation de formes géométriques peintes en couleurs franches et pleines, clairement séparées les unes des autres par des bords nets et solides. Deux des principaux peintres à bords nets auxquels Langsner faisait référence en inventant ce terme étaient John McLaughlin et Helen Lundeberg.

Ce type de peinture existait depuis des siècles et s’était manifesté dans de nombreuses cultures différentes. Même dans le domaine de l’art abstrait occidental, cette tendance à travailler avec des couleurs vives, des formes bien définies et des bords nets était déjà apparue, par exemple dans les œuvres de Kazimir Malevich et Piet Mondrian.

L’esthétique de la peinture à bords nets était tombée en désuétude dans les années 1940 et 1950, en partie à cause de la montée en popularité des œuvres expressives et gestuelles des expressionnistes abstraits. Dans son usage contemporain, le terme peinture à bords nets ne désigne pas tant un style ou un mouvement particulier, mais plutôt une tendance que les artistes modernes de styles variés ont appliquée, et continuent d’appliquer, à leur esthétique.

Helen Lundeberg - Planète bleue, 1965, Acrylique sur toile, 152 x 152 cm, Collection Marilynn et Carl Thoma. © Feitelson Arts Foundation, avec l’aimable autorisation de Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Carré rouge, 1915, Huile sur toile, 53 × 53 cm, Musée russe, Saint-Pétersbourg

La philosophie de la beauté

Pour beaucoup, l’un des aspects les plus déroutants de l’art abstrait est qu’il ne correspond à aucune définition objective de la beauté. Du moins dans le monde occidental, pendant des siècles, la beauté esthétique en peinture était définie par des sujets naturels et figuratifs, tels que les portraits et les paysages. Avant l’essor de l’abstraction, pour qu’une œuvre soit considérée esthétiquement belle, on attendait généralement qu’elle reproduise quelque chose de considéré comme beau dans le monde objectif, comme un ange, une figure historique ou un pré.

Lorsque les artistes ont commencé à disséquer les éléments de la peinture, ils ont remis en question le concept de ce qui pouvait être beau. Les qualités de la lumière seules pouvaient-elles être considérées comme belles ? Les impressionnistes le pensaient. La couleur seule pouvait-elle être considérée comme esthétiquement belle ? Les orphistes le pensaient. De nombreux artistes et mouvements artistiques ont depuis remis en question la pertinence même de la beauté esthétique. L’art doit-il avoir un lien avec la beauté ?

Piet Mondrian - Composition II en rouge, bleu et jaune, 1930, Huile sur toile, 46 x 46 cm, Le Metropolitan Museum of Art

La beauté de l’ordre

Peu importe les jeux philosophiques que se livrent artistes, critiques et universitaires, le fait est que la beauté importe aux spectateurs. Ceux-ci veulent être en présence d’objets qui les font se sentir bien. Ils veulent que l’art participe à leur quête de satisfaction, quelle qu’en soit la signification pour eux. Même si tous les critiques d’art du monde considèrent une peinture comme d’une importance historique immense, si aucun spectateur ne souhaite s’en approcher, sa valeur diminue à juste titre. La vérité fondamentale que les êtres humains aiment être entourés de choses esthétiquement plaisantes est un défi que de nombreux mouvements d’art abstrait ont affronté, et c’est quelque chose que la peinture à bords nets a aidé de nombreux spectateurs à affronter.

Il y a de la beauté dans l’ordre. Il y a de la beauté dans la raison. Il y a de la beauté dans la couleur. Il y a de la beauté dans la ligne. Il y a de la beauté dans ce qui est pur, intact, propre et sensé. Bien que beaucoup de spectateurs aient encore du mal à percevoir la beauté des œuvres cubistes ou des peintures abstraites de Wassily Kandinsky, il est indéniable qu’il y a quelque chose d’attirant, ou du moins de psychologiquement satisfaisant, dans les peintures qui répondent à notre désir de structure. L’abstraction géométrique à bords nets des peintures suprématistes de Malevich et des peintures De Stijl de Mondrian est belle parce qu’elle constitue un antidote esthétique au chaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, ou Numéro 11, 1952, Émail et peinture à l’aluminium avec verre sur toile, 212 × 489 cm, Galerie nationale d’Australie, Canberra

Une question de goût

Bien sûr, cela ne signifie pas que d’autres types d’art abstrait ne sont pas beaux. La beauté est une question de goût. Par exemple, chaque spectateur a une capacité différente à démêler les complexités. Ce qui semble chaotique à certains paraît idyllique à d’autres. Clairement, la raison pour laquelle des peintres d’action comme Jackson Pollock et Willem de Kooning ont eu autant de succès est que beaucoup de spectateurs trouvaient leur travail accessible, proche et beau. Bien que certains considèrent une peinture comme Blue Poles de Pollock comme un désordre, beaucoup plus la voient comme une expression des universalités humaines et d’une vérité personnelle primordiale.

La raison pour laquelle la peinture à bords nets est revenue à la mode dans les années 1950 est peut-être que l’expressionnisme abstrait était tellement émotionnel. Il avait émergé après tout des temps les plus violents, catastrophiques et effrayants de l’histoire de l’humanité, après la Seconde Guerre mondiale et l’avènement de la guerre atomique. Il est logique que des spectateurs confrontés jour après jour à leur propre extinction dans les informations du soir désirent finalement un retour à quelque chose de plus propice à un sentiment de calme intérieur et d’ordre.

La peinture à bords nets des années 1950 et 1960 offrait justement cela. Elle offrait un retour aux qualités formelles et classiques de l’abstraction géométrique. Plutôt que de regarder l’horreur de nos psychés et le chaos inhérent à nos émotions primaires, l’abstraction à bords nets nous offrait un refuge dans un espace contemplatif et méditatif où la forme, la couleur, la ligne et la surface étaient tout ce qui comptait. Là, nous pouvions méditer sur les éléments fondamentaux des choses et peut-être nous transformer, au moins temporairement, en autre chose.

Donald Judd - 15 œuvres sans titre en béton, 1980-1984, Marfa, TX, La Fondation Chinati, Marfa

Minimalisme et au-delà

Le retour à une esthétique formelle et à bords nets a inspiré une évolution créative majeure dans l’art abstrait au milieu du XXe siècle. Il a inspiré l’essor des peintres du champ chromatique, tels que Kenneth Noland, qui utilisaient des surfaces aplaties et de larges étendues de couleur pour créer des peintures méditatives à travers lesquelles les spectateurs pouvaient vivre des sensations transcendantes. Il a inspiré l’abstraction post-picturale, un mouvement dédié à dissimuler la main de l’artiste et à mettre en valeur des qualités formalistes telles que la couleur, la ligne, la forme et la surface. Il a également influencé la pensée d’artistes comme Donald Judd et ceux associés au minimalisme, qui ont atteint le sommet de l’expression sans émotion en adoptant le formalisme esthétique.

James Turrell - Raethro Pink (Projection d’angle), 1968, © James Turrel

Un héritage plus vaste

La peinture à bords nets a également inspiré les artistes du mouvement lumière et espace. Quiconque a déjà été à l’intérieur d’une œuvre immersive de James Turrell, ou a rencontré une de ses œuvres utilisant des « ouvertures », des trous à bords nets découpés dans des surfaces laissant passer la lumière, peut clairement voir le lien entre ce travail et la peinture à bords nets.

Même l’artiste d’installation James Irwin a été lié à l’héritage des peintres à bords nets à travers ses œuvres lumineuses. Les exemples les plus célèbres sont les installations en acrylique d’Irwin, dans lesquelles une pièce claire, courbée et circulaire d’acrylique est étendue à partir d’un mur puis éclairée, créant des lignes, des motifs géométriques et un jeu de lumière et d’ombre sur la surface environnante. Ces œuvres prolongent les principes de la peinture à bords nets dans l’espace tridimensionnel, permettant au spectateur de les habiter.

Robert Irwin - Sans titre, 1969, Peinture acrylique sur acrylique moulée, 137 cm de diamètre, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York

Une question de perspective

Que la peinture à bords nets soit plus belle que les styles plus expressifs ou inversement est purement une question d’opinion. Et les opinions changent. En revenant à ce Starbucks de Las Vegas, on peut voir que c’est là l’essence même du message que Georges Rousse cherche peut-être à transmettre avec son œuvre. Une peinture à bords nets d’une forme géométrique peut nous offrir ordre et clarté. Mais tout le monde ne trouve pas le bonheur dans l’ordre et la clarté. Certains d’entre nous aiment que les choses soient désordonnées. Certains apprécient le chaos. La véritable beauté des œuvres à bords nets de Rousse est qu’avec un simple pas dans n’importe quelle direction, les bords s’adoucissent et se déplacent. Elles prouvent que la perspective est vraiment tout.

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio