Peinture Hard-Edge et esthétique de l’ordre abstrait

Aimeriez-vous grimper à l'intérieur d'une peinture hard-edge ? La prochaine fois que vous serez à Las Vegas, rendez-vous au Cosmopolitan Hotel and Casino. Au niveau de la rue, il y a un café Starbuck. Entrez à l’intérieur et regardez les murs. Vous remarquerez des taches lumineuses de couleur primaire peintes sur diverses surfaces et luminaires. Sur l’un des murs, vous verrez la signature de l’homme qui a peint ces taches de couleur : l’artiste et photographe français Georges Rousse.

Si vous marchez jusqu’au fond de la pièce, vous verrez un endroit marqué au sol invitant les spectateurs à se tenir dessus. C’est à partir de cet endroit, et seulement à partir de cet endroit, que la vision de Rousse se réalise. Ces surfaces peintes font partie d'une illusion, une réalisation tridimensionnelle d'une peinture abstraite géométrique occupant un espace architectural.

John McLaughlin - Sans titre, 1951, huile sur masonite, 23 ¾ × 27 ¾ po, Avec l'aimable autorisation de Van Doren Waxter

Qu'est-ce que la peinture Hard Edge ?

L’expression hard-edge painting a été inventée à la fin des années 1950 par Jules Langsner, écrivain d’art pour le journal Los Angeles Times. Le terme faisait référence à une tendance ancienne qui commençait à réapparaître dans une variété de styles d’art abstrait, mais qui était particulièrement répandue en Californie à l’époque. La tendance impliquait l’utilisation de formes géométriques peintes dans des couleurs vives et pleines, clairement séparées les unes des autres par des bords durs et solides. Deux des principaux peintres hard-edge auxquels Langsner faisait référence lorsqu'il a inventé le terme étaient John McLaughlin et Helen Lundeberg.

Ce type de peinture avait été réalisé auparavant pendant des siècles et avait fait connaître sa présence dans de nombreuses cultures différentes. Même dans le domaine de l'art abstrait occidental, cette tendance à travailler avec des couleurs vives, des formes bien définies et des contours nets était déjà apparue, par exemple dans les œuvres de Kazimir Malevich et Piet Mondrian.

L’esthétique de la peinture hard-edge était passée de mode dans les années 40 et 50, en partie grâce à la popularité croissante du travail émotif et gestuel réalisé par les expressionnistes abstraits. Tel qu'il est devenu utilisé dans le sens contemporain, le terme peinture hard-edge ne fait pas tant référence à un style ou à un mouvement particulier de la peinture, mais plutôt à une tendance que les artistes modernes de nombreux styles différents ont appliquée et continuent d'appliquer. , à leur esthétique.

Helen Lundeberg - Blue Planet, 1965, Acrylique sur toile, 60 x 60 pouces, Collection Marilynn et Carl Thoma. © Feitelson Arts Foundation, avec l'aimable autorisation de Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevitch - Place Rouge, 1915, Huile sur toile, 21 × 21 po, Musée russe, Saint-Pétersbourg

La philosophie de la beauté

Pour beaucoup de gens, l'un des éléments les plus déroutants de l'art abstrait est qu'il ne fait appel à aucune définition objective de la beauté. Du moins dans le monde occidental, pendant des siècles, la beauté esthétique dans la peinture était définie par des sujets naturels et figuratifs, tels que les portraits et les paysages. Avant l'émergence de l'abstraction, pour qu'une œuvre d'art soit considérée comme esthétiquement belle, il était normalement attendu qu'elle reproduise quelque chose considéré comme beau dans le monde objectif, comme un ange, ou une figure historique, ou un pré.

Lorsque les artistes ont commencé à disséquer les éléments de ce qu’était la peinture, ils ont remis en question le concept de ce qui pouvait être beau. Les qualités de la lumière, à elles seules, pourraient-elles être considérées comme belles ? C'est ce que pensaient les impressionnistes. La couleur à elle seule peut-elle être considérée comme esthétiquement belle ? Les Orphistes le pensaient. Depuis, de nombreux artistes et mouvements artistiques ont même remis en question la notion de pertinence de la beauté esthétique. L’art devrait-il avoir quelque chose à voir avec la beauté ?

Piet Mondrian - Composition II en rouge, bleu et jaune, 1930, Huile sur toile, 46 x 46 cm, Le Metropolitan Museum of Art

La beauté de l'ordre

Indépendamment des jeux philosophiques que jouent les artistes, les critiques et les académiciens, le fait est que la beauté compte pour les spectateurs. Les spectateurs d’art veulent être en présence d’objets qui les aident à se sentir bien. Ils veulent que l’art participe avec eux à leur quête de satisfaction, quoi que cela signifie pour eux. Même si tous les critiques d’art du monde considèrent qu’un tableau particulier revêt une immense importance historique, si aucun spectateur ne veut l’approcher, sa valeur diminue à juste titre. La vérité fondamentale selon laquelle les êtres humains aiment côtoyer des choses esthétiquement agréables est une chose avec laquelle de nombreux mouvements d’art abstrait se sont battus, et c’est une chose à laquelle la peinture dure a aidé de nombreux spectateurs à se confronter.

Il y a de la beauté dans l'ordre. Il y a de la beauté dans la rationalité. Il y a de la beauté dans la couleur. Il y a de la beauté dans la ligne. Il y a de la beauté dans quelque chose de pur, de non altéré, de propre et de sensé. Bien que de nombreux spectateurs aient encore aujourd'hui du mal à voir au premier abord la beauté des œuvres cubistes, ou des peintures abstraites de Wassily Kandinsky, il est indéniable qu'il y a quelque chose d'attrayant, ou du moins psychologiquement satisfaisant, dans des peintures qui font appel à notre désir de structure. L'abstraction géométrique à bords nets des peintures suprématistes de Malevitch et des peintures De Stijl de Mondrian est belle parce qu'elle constitue un antidote esthétique au chaos.

Jackson Pollock - Pôles bleus, ou numéro 11, 1952, peinture émail et aluminium avec verre sur toile, 83,5 po × 192,5 po, Galerie nationale d'Australie, Canberra

Une question de goût

Bien sûr, cela ne veut pas dire que d'autres types d'art abstrait ne sont pas beaux. La beauté est une question de goût. Par exemple, différents spectateurs ont une capacité différente à déchiffrer les complexités. Ce qui semble être le chaos pour un ensemble d'yeux semble idyllique pour un autre. Clairement, la raison pour laquelle les peintres d'action comme Jackson Pollock et Willem de Kooning ont eu autant de succès est que tant de spectateurs ont trouvé leur travail accessible, pertinent et beau. Bien que certains spectateurs considèrent une peinture comme Blue Poles de Pollock comme un désordre, beaucoup plus de spectateurs la considèrent comme une expression des universalités humaines et d'une vérité personnelle primitive.

La raison pour laquelle la peinture à contours durs est revenue à la mode dans les années 1950 est peut-être parce que l'Expressionnisme Abstrait était tout simplement si émotionnel. Il avait émergé après tout des temps les plus violents, catastrophiques et effrayants de l'histoire de l'humanité, après la Seconde Guerre mondiale et l'essor de la guerre atomique. Il est logique que les spectateurs qui confrontaient leur propre extinction jour après jour dans les nouvelles de la nuit désirent finalement un retour à quelque chose de plus propice à un sentiment de calme intérieur et à un certain sens de l'ordre.

C’est exactement ce que proposait la peinture hard-edge des années 1950 et 1960. Il propose un retour aux qualités formelles et classiques de l’abstraction géométrique. Plutôt que de regarder l’horreur de notre psychisme et le chaos inhérent à nos émotions primaires, l’abstraction dure nous a offert un refuge dans un espace contemplatif et méditatif où la forme, la couleur, la ligne et la surface comptaient tout. Là, nous pourrions méditer sur les éléments de base des choses et peut-être nous transformer, au moins temporairement, en autre chose.

Donald Judd - 15 œuvres sans titre en béton, 1980-1984, Marfa, Texas,  Fondation Chinati, Marfa

Minimalisme et plus encore

Le retour à une esthétique formelle et rigoureuse a contribué à inspirer une massive évolution créative dans l'art abstrait au milieu du 20ème siècle. Cela a inspiré l'émergence des peintres de Color Field, tels que Kenneth Noland, qui utilisaient des surfaces aplaties et de larges bandes de couleur pour créer des peintures méditatives à travers lesquelles les spectateurs pouvaient vivre des sensations transcendantes. Cela a inspiré l'abstraction post-peintre, un mouvement consacré à déguiser la main de l'artiste et à mettre en avant des qualités formalistes telles que la couleur, la ligne, la forme et la surface. Cela a également contribué à inspirer la réflexion d'artistes comme Donald Judd et ceux associés au Minimalisme, qui ont atteint le summum de l'expression non émotionnelle en adoptant le formalisme esthétique.

James Turrell - Raethro Pink (Corner Projection), 1968, © James Turrel

Un héritage plus vaste

La peinture hard-edge a également inspiré les artistes du mouvement lumière et espace. Quiconque a déjà pénétré dans une œuvre immersive de James Turrell, ou rencontré une de ses œuvres utilisant des « ouvertures », des trous aux bords durs découpés dans les surfaces qui permettent à la lumière de passer, peut clairement voir le lien entre cette œuvre et peinture à bords durs.

Même l'artiste d'installation James Irwin a été lié à l'héritage des peintres hard-edge à travers ses œuvres lumineuses. Les exemples les plus célèbres sont les installations acryliques d'Irwin, dans lesquelles une pièce d'acrylique claire, incurvée et circulaire est étendue vers l'extérieur d'un mur puis frappée par la lumière, créant des lignes, des motifs géométriques et un jeu de lumière et d'ombre sur la surface environnante. Ces œuvres étendent les principes de la peinture hard-edge dans un espace tridimensionnel, permettant au spectateur de les habiter.

Robert Irwin - Sans titre, 1969m Peinture acrylique sur acrylique coulé, 137 cm. de diamètre, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York  

Une question de perspective

Que la peinture hard-edge soit plus belle que les styles de peinture plus émotifs ou vice versa est purement une question d’opinion. Et les avis changent. En revenant à ce Starbucks de Las Vegas, nous pouvons voir que c’est là la véritable essence du message que Georges Rousse essaie peut-être de transmettre avec son travail. Une peinture hard-edge d’une forme géométrique peut nous donner de l’ordre et de la clarté. Mais tout le monde ne trouve pas le bonheur dans l’ordre et la clarté. Certains d’entre nous aiment que les choses se déroulent au hasard. Certains d’entre nous apprécient le chaos. La vraie beauté des œuvres hard-edge de Rousse est qu’avec un simple pas dans n’importe quelle direction, les bords s’adoucissent et se déplacent. Ils prouvent que la perspective est vraiment tout.

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio