Moments déterminants de l’histoire de l’art abstrait

Les mots peuvent être si controversés. Nous voulons juste discuter de l'histoire de l'art abstrait. Mais cette phrase est pleine de périls conceptuels. (De quelle histoire ? Qu'est-ce que l'art ? Que signifie être abstrait ?) Pour être précis, peut-être devrions-nous titrer cet article quelque chose comme : « Moments déterminants dans la chaîne d'événements comprenant la chronologie généralement acceptée de la civilisation occidentale relative aux objets et aux objets ». Phénomènes créés par des artistes autoproclamés qui n’ont pas l’intention de représenter la réalité visuelle objective. Mais ce n’est pas exactement un titre cliquable. (Ou l'est-ce ?) Par souci de bon sens, pour cet article, mettons la sémantique de côté et commençons par le début.

La préhistoire de l'art abstrait

Parmi les premières marques des habitants préhistoriques des grottes, on trouvait des lignes, des rayures et des empreintes de mains. Notre meilleure interprétation est qu'elles étaient symboliques. Cela en fait-il les premiers exemples de l'art abstrait ? Peut-être. Mais même les images représentatives laissées par nos ancêtres anciens ne sont pas exactement photo-réalistes. Ce qui manque dans nos analyses, c'est une compréhension de l'intention de nos premiers artistes. Lorsque nous parlons d'art abstrait, nous entendons un art qui était spécifiquement destiné à être abstrait. Puisque nous ne pouvons pas savoir ce que les artistes préhistoriques avaient l'intention de communiquer à travers leurs images, nous ne pouvons pas juger si c'était abstrait, ou même si c'est de l'art. Cela aurait pu avoir des fins utilitaires pour tout ce que nous savons. Donc, nous allons sauter en avant, très en avant, vers une époque mieux documentée, lorsque les intentions des artistes étaient plus claires.

Henri Matisse - Femme au chapeau, 1905, huile sur toile, 31 3/4 × 23 1/2 po, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Avant le début des années 1800, il est sûr de dire que la grande majorité des artistes, la grande majorité du temps, n'avaient pas le luxe de décider ce qu'ils allaient créer. La plupart des artistes de l'ère pré-romantique dépendaient du soutien des institutions religieuses ou d'un autre pouvoir autoritaire pour survivre. Les rois et les hommes saints déterminaient donc le sujet de la plupart des œuvres de ces artistes. À mesure que ce système de patronage déclinait, d'autres modes de survie se présentaient aux artistes. Un système de galeries a émergé ; des marchands d'art indépendants ont commencé à représenter le travail des artistes ; des individus riches et des institutions privées ont commencé à soutenir les artistes et à collectionner leurs œuvres. Pour la première fois, les artistes ont eu la chance de répondre eux-mêmes à la question : « Que veux-je créer ? » Immédiatement est venue la question inévitable suivante : « Pourquoi veux-je le créer ? » La réponse à cette question est une cause principale de l'émergence éventuelle de l'art abstrait, et est peut-être le concept le plus durable à émerger de l'ère romantique ; un concept exprimé par de nombreux penseurs de l'époque, et résumé par les Français comme, « L'art pour l'art. » L'art pour l'art. Ou comme l'a dit l'écrivain Edgar Allan Poe en 1850 : « …si nous nous permettions de regarder dans nos propres âmes, nous découvririons immédiatement qu'il n'existe ni ne peut exister sous le soleil d'œuvre plus dignifiée, plus suprêmement noble, que ce poème même… écrit uniquement pour le sake du poème. »

André Derain - Les voiles qui sèchent, 1905, huile sur toile, 82 x 101 cm, © Musée Pouchkine, Moscou

Premières impressions

Une fois que les artistes ont été libérés des contraintes de sujets prédéterminés, ils ont commencé à se libérer d'autres contraintes également. D'environ les années 1850 aux années 1870, le Mouvement Esthétique a permis aux artistes de créer de l'art uniquement à des fins esthétiques, plutôt que de se concentrer sur des sujets liés à la culture, à la société et à la politique. Puis sont venus les Impressionnistes, des artistes basés à Paris qui ont réalisé des œuvres mettant fortement l'accent sur la représentation des qualités de la lumière, amorçant une distillation des éléments esthétiques individuels d'une œuvre d'art. Dans les années 1880, le peintre Georges Seurat a développé une technique de construction d'une image entièrement à partir de petits points. Cette technique, connue sous le nom de Pointillisme, a créé des images déformées, mais représentatives. Pointillisme a contribué à l'émergence de coups de pinceau expérimentaux et de techniques de composition qui suggéraient une tendance vers l'abstraction. Cette tendance a été développée tout au long de la période Post-Impressionniste alors que les artistes ont commencé à expérimenter avec le symbolisme et l'utilisation arbitraire de la couleur, de la forme et ligne.

Tout est subjectif

Dans les années 1900, les expressionnistes ont contribué à la tendance vers l’abstraction pure en mettant l’accent sur la subjectivité. En déformant dramatiquement leurs images, ils ont cherché à présenter un point de vue profondément personnel, représentatif davantage de l'émotion que de la réalité physique. Au cours de cette période vint également la montée des fauves, des peintres se concentrant presque exclusivement sur les couleurs vives et la création de marques picturales. Pour les fauvistes, le sujet était secondaire par rapport aux composantes esthétiques de l’œuvre. À cette époque, l’émergence de l’abstraction pure était inévitable. Partout, les artistes travaillaient avec des représentations symboliques de la réalité, s'efforçant de communiquer des idées et des sentiments sans rapport avec le sujet. Ils étaient par définition abstraits. Mais qui a été le premier à réussir à réaliser un tableau purement abstrait ?

Hans Hofmann - Lune montante, 1965, huile sur toile, Collection privée, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Le véritable premier abstracteur va-t-il se lever ?

Presque tous les historiens s'accordent à dire que la première peinture abstraite était Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Vassily Kandinsky, peinte en 1910. Composée de taches, de cercles, de lignes, de gribouillis et de champs de couleurs aux couleurs vives assemblés de manière apparemment aléatoire. , l’œuvre ne fait aucune référence à des éléments visuels préexistants du monde physique. De manière complotiste, on pourrait, juste pour s’amuser, postuler que Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Kandinsky n’était pas la première peinture purement abstraite. Un an plus tôt, en 1909, le peintre d'avant-garde français Francis Picabia avait peint Caoutchouc, une œuvre proto-cubiste présentant des formes géométriques méconnaissables enveloppées dans des champs de couleurs apparemment sans rapport. Cette œuvre ne semble en aucun cas représenter une réalité visuelle objective. Cependant, le mot Caoutchouc  signifie vaguement sève de caoutchouc naturel, une référence à la matière première utilisée pour fabriquer le caoutchouc vulcanisé. N’ayant jamais analysé les éléments visuels du caoutchouc non vulcanisé, nous ne pouvons pas le dire, mais peut-être que cette peinture est figurative. Qui sait ? Ce que nous savons, c’est que Kandinsky était un théoricien de l’art passionné et un écrivain d’art prolifique. Il a écrit avec enthousiasme sur sa volonté de créer la première œuvre d’art purement abstraite au monde. Il a parlé ouvertement de son intention de devenir le fondateur de l'art abstrait et de son succès dans cette réalisation. Personne ne peut nier qu’il avait l’intention d’être le premier, même si quelqu’un avant lui l’avait accidentellement frappé.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Huile sur toile, 85 1/4 x 73 1/2 in (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Ce que Kandinsky a vraiment fait

En annonçant ouvertement son intention de créer de l’art abstrait pur, Kandinsky libère les artistes de leur dépendance aux références au monde observable. Il a séparé l’art de sa logique ancienne. Il a ouvert le champ à une expérimentation profonde et rapide. Il a porté à maturité la promesse des romantiques selon laquelle, comme le disait Caspar David Friedrich, l'artiste romantique allemand, "Le sentiment de l'artiste est sa loi."

Wassilly Kandinsky - Composition IV, 1911, huile sur toile, 250,5 x 159,5 cm, Collection d'art de Rhénanie du Nord-Westphalie, Düsseldorf, Allemagne

Le monde en guerre

Au cours des décennies suivantes, les artistes ont expérimenté de manière sauvage avec l'abstraction. De nombreux nouveaux styles ont vu le jour, influencés par l'appel à la liberté de l'abstraction, ainsi que par les horreurs de la Première Guerre mondiale et l'essor de l'ère mécanique. Le cubisme a influencé les artistes à réduire leur langage visuel à ses éléments de base les plus simples. Le futurisme a démontré la vitalité et la puissance de la ligne. Le dadaïsme a remis en question le sens de l'art, réaffirmant la liberté de l'art et son rejet de la bourgeoisie. Dans les années 1920, le surréalisme a ouvert l'esprit des artistes à la puissance de l'inconscient. Avec son accent sur des images oniriques et son rejet de la logique consciente, il a profondément influencé les artistes abstraits à expérimenter davantage avec des techniques, des médiums et des méthodes qui pourraient les relier plus directement à leur moi inconscient.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913, Huile sur toile, 76 2/5 × 115 7/10 in, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Ressource, New York

Faites-le nouveau !

Dans les années 1930, on attribue au peintre américain d’origine allemande Hans Hofmann la diffusion en Amérique des philosophies essentielles de ce qui est devenu le modernisme, la dernière itération du rejet des modes et méthodes du passé. Lui-même peintre abstrait, Hofmann a encouragé ses étudiants de Californie à New York à adopter de nouvelles méthodes de création d'images, à la recherche de moyens de confronter et d'exprimer les angoisses et les merveilles d'une société en rapide industrialisation. En 1934, le poète Ezra Pound résumait l’attitude des modernistes, avec son désormais célèbre appel aux artistes : « Make it new ! » Pound était une figure controversée, qui a finalement déménagé en Italie, où il a soutenu les principales personnalités fascistes de la Seconde Guerre mondiale. Néanmoins, son rejet enthousiaste de l’ancien s’est enraciné dans l’esprit des artistes abstraits, conduisant à de puissants changements à l’horizon proche.

Wasilly Kandinsky - Black Spot I (détail), 1912, huile sur toile. 39,4 × 51,2 pouces (100,0 × 130,0 cm), Musée russe, Saint-Pétersbourg, Russie

Une nouvelle pureté

Après deux guerres mondiales, une dépression mondiale, des famines, des atrocités et deux attaques nucléaires sur des villes peuplées, l'ampleur de l'anxiété ressentie par l'être humain moyen au milieu des années 1940 ne peut être sous-estimée. Cette anxiété a donné naissance à un nouvel intérêt généralisé pour le domaine relativement jeune de la psychanalyse. Parmi les millions de personnes qui se sont tournées vers la psychanalyse à cette époque se trouvait Jackson Pollock , l'un des membres éminents d'un groupe d'artistes connu sous le nom de Expressionnistes abstraits. Pollock a été exposé à la psychanalyse pendant sa réhabilitation. Cela a ouvert son esprit au monde des connaissances primordiales enfermées dans son subconscient. Beaucoup de ses contemporains cherchaient de nouvelles façons de se connecter à l'essence cachée de leur humanité, travaillant à exprimer des émotions brutes et primales à travers leurs peintures. Pollock recherchait des images cachées, espérant pouvoir se connecter à quelque chose de profond en lui-même, quelque chose de plus pur que ce qui avait encore été exprimé par l'art abstrait. Vers 1947, Pollock a été le pionnier de sa technique de goutte emblématique. Cette technique impliquait l'application de peinture sur une surface en utilisant des forces telles que la gravité et l'élan, plutôt que par contact direct avec des outils sur une toile. En adoptant ce nouveau niveau de physicalité et en rejetant totalement tout sens de forme reconnaissable, Pollock est entré dans un nouveau royaume de pure abstraction basé entièrement sur l'intention subconsciente, la couleur, le mouvement, la puissance et la force.

Vassily Kandinsky - Première aquarelle abstraite de Kandinsky, 1910, Aquarelle et encre de Chine et crayon sur papier, 19,5 × 25,5 pouces, (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

La fin du commencement

Le travail de Pollock a, à bien des égards, réalisé la promesse de l'abstraction : la libération totale de l'artiste des contraintes des attentes esthétiques. Peut-être aussi, ses efforts ont conduit à la fin logique de l'abstraction. Pollock a mis en lumière l'importance de la texture, de la matérialité, du processus et de l'idée de voir une œuvre d'art non pas comme une surface sur laquelle transmettre de l'art, mais comme une forme unifiée en soi. Bien que reflétés dans un sens primal dans le travail de Pollock, ces concepts sont intégrés au travail des Minimalistes , qui remplaceraient les expressionnistes abstraits en tant qu'artistes les plus influents des années 1960. Tout comme Kandinsky, le membre éminent du mouvement Minimaliste, Donald Clarence Judd, était un théoricien de l'art et écrivain passionné. Bien qu'il ait rejeté l'étiquette Minimaliste, Judd est devenu représentatif de ses idées de réduction du langage visuel et de purification des concepts de forme et d'espace. Plutôt que de rejeter les références visuelles reconnaissables et la réalité objective, des artistes minimalistes comme Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt et Frank Stella se concentraient sur la forme, l'utilisation de couleurs vives et pures, des lignes nettes, une texture minimale et une matérialité moderne. Plutôt que d'abstraire la réalité, les Minimalistes ont manifesté les formes, les couleurs, les formes et les lignes souvent explorées dans l'art abstrait, les habitant dans l'espace physique de manière représentative.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Le Nouveau Nouveau

L’histoire de l’art abstrait est l’histoire de la quête de liberté des artistes. Cela signifie aujourd’hui que les artistes sont libres de s’exprimer de la manière qu’ils choisissent, en explorant la méthode qui les contraint. La beauté du style ouvert d’aujourd’hui réside dans le fait qu’un artiste peut utiliser le style, le médium ou la méthode qui lui convient le mieux pour concrétiser une idée. Même si le minimalisme a mis l’art abstrait à l’écart dans les années 1970, l’abstraction est revenue au premier plan des pratiques de nombreux artistes. Les peintres abstraits contemporains bénéficient de la mentalité ouverte d’esprit de leurs prédécesseurs. L'abstraction continue de nous connecter à quelque chose que la réalité objective ne peut pas expliquer ; quelque chose de profond en nous qui s'étend au-delà de la réalité visible.

Image en vedette : Wassily Kandinsky – Première aquarelle abstraite de Kandinsky, 1910, photo via Wikipédia

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Par Phillip Barcio