Pourquoi l’art de Georg Baselitz est essentiellement abstrait ?

L’art de Georg Baselitz a été qualifié de choquant, controversé et grotesque. Il a aussi été décrit comme épique, et parmi les plus influents à l’échelle internationale dans l’art allemand des cinquante dernières années. Ses peintures, sculptures et gravures contiennent presque toujours des images reconnaissables du monde objectif, aussi ambiguës soient-elles. Et souvent, elles font ouvertement référence à un sujet politique, historique ou social. Néanmoins, malgré sa nature déclarative et souvent directe, nous considérons l’art de Georg Baselitz comme fondamentalement abstrait. Pour nous, il y a clairement bien plus dans son œuvre que son sujet. Même Baselitz semble ne pas savoir exactement jusqu’où vont les couches. Ses œuvres semblent déjà en train de se demander ce qu’elles sont avant même que nous ayons la chance de poser la question. Pour nous, elles sont plus que des images. Elles sont les derniers témoignages vivants d’un combat permanent entre le passé et le présent, le sens et le néant, l’artiste et l’art.

Le talent est sans importance

Georg Baselitz s’est décrit comme étant fondamentalement difficile à cerner. « Je ne facilite pas la tâche aux gens, » a-t-il dit. « L’identification est difficile. On ne reconnaît pas mon art immédiatement. » Au cours de sa carrière de cinq décennies, Baselitz a évolué à travers de nombreux styles différents et exploré diverses techniques. Il a récemment même introduit ce qu’il appelle des remixes : des mises à jour rapidement retravaillées de ses propres œuvres classiques. Mais un mot décrit bien tout son travail, quel que soit le support ou la période : brutal. Un contemporain de Baselitz, Jean-Michel Basquiat, a un jour dénoncé les critiques de son propre style brutal en disant : « Croyez-le ou non, je sais dessiner. » Dans le cas de Baselitz, la nature brutale de son travail nous fait nous demander : sait-il dessiner, lui aussi ? Et d’ailleurs, le veut-il seulement ?

Baselitz est considéré comme sexiste par beaucoup, car il affirme souvent que les femmes sont les pires peintres parce qu’elles se soucient trop de la virtuosité, et pas assez de choses comme l’ambition, la rébellion et l’agressivité. Est-il un virtuose secret qui choisit simplement de faire des images ambitieuses, rebelles et agressivement grossières parce que cela fait de lui un meilleur peintre ? Peut-être. Mais quand Baselitz était à l’école d’art, il a été renvoyé dès la première année pour être « socialement et politiquement immature ». Peut-être que son style brutal est une nécessité. Peut-être que ce n’est pas du sexisme qui le pousse à faire ces remarques sur les femmes. Peut-être est-ce simplement l’erreur que font beaucoup de personnes qui réussissent en croyant que, parce qu’elles ont du succès, elles doivent aussi être sages.

Georg Baselitz avec ses sculptures Dresdener Frauen (Femmes de Dresde), 1990. Bois sculpté à la tronçonneuse. © Georg Baselitz

L’image ne vaut rien

Mais même si son style brutal est une nécessité plutôt qu’un choix, nous pouvons toujours y voir la signature abstraite d’un artiste cherchant la véritable expression. Une des œuvres qui a d’abord fait connaître Baselitz au public est une peinture intitulée Die grosse Nacht im Eimer ou La Grande Nuit à la Cuvette. Elle représente la petite silhouette déformée, torse nu et enfantine d’un homme debout bêtement, le pantalon ouvert, brandissant son énorme phallus. Les autorités soviétiques en Allemagne de l’Est ont confisqué la peinture comme obscène lors de sa première exposition, et beaucoup ont dit qu’elle évoquait l’image d’Adolf Hitler.

Mais La Grande Nuit à la Cuvette a aussi été qualifiée d’autoportrait. Pour certains, elle ressemble même à une poupée Pinocchio dont le nez a été arraché et fourré dans son pantalon, peut-être une allusion fantaisiste au mensonge masculin classique. Quelle que soit la véritable signification, les choix de couleurs sont sombres et sauvages, ses marques sont vivantes, ses choix de composition sont ludiques, et la figure est à la fois menaçante et grotesque. Tous ces éléments évoquent des ambitions existentielles, suggérant que nous devrions être guidés davantage par ces sentiments que par le sujet en interagissant avec l’œuvre.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Huile sur toile. Musée Ludwig, Cologne, Allemagne (à gauche) et un remix de cette peinture de 2005 (à droite) © 2019 Georg Baselitz

Les héros sont des monstres

Au milieu des années 1960, Baselitz est allé à Florence et a étudié les peintures des peintres maniéristes italiens. Inspiré par leur physicalité dramatisée, il s’est lancé dans une grande série d’œuvres présentant des figures contemporaines dans des poses mythiques similaires. Ces figures ressemblaient souvent à des soldats revenant de la guerre, ou à des paysans errant dans des paysages apocalyptiques. Il appelait ces peintures Nouveaux Types, et désignait les figures comme des héros, des rebelles et des bergers. L’exemple le plus célèbre de la série s’intitule Les Grands Amis. Il montre deux de ces figures se tenant la main alors qu’elles traversent un vide cauchemardesque devant un drapeau américain tombé.

Les peintures Nouveaux Types semblent indéniablement narratives dans leur but. Mais il est difficile d’expliquer quelle est cette narration. Les expressions faciales rappellent en effet les peintures héroïques de saints du passé. Les corps massifs et mutilés évoquent une force palpable, mais ont de petites têtes. Commentent-ils l’héroïsme de la stupidité, l’ignorance de la guerre, ou la nécessité d’être physiquement fort mais mentalement petit pour survivre ? Là encore, au-delà du sujet, des sentiments abstraits d’angoisse, de vide et d’obscurité sont évoqués par les choix de couleurs, la platitude du plan pictural et l’étrangeté de la composition.

Georg Baselitz - Les Grands Amis, 1965. Huile sur toile. 250 × 300 cm. Musée Städel, Francfort © 2019 Georg Baselitz. Photo : Frank Oleski, Cologne

Le monde est à l’envers

Au milieu de la réalisation de ses Nouveaux Types, Baselitz a commencé à fracturer certaines de ses images, déplaçant des éléments de la composition de manière à rendre le sujet plus ambigu et à accorder plus d’importance à la composante esthétique. Cette fracture a révélé une attirance de Baselitz pour l’abstraction qui a trouvé sa pleine maturité en 1969, lorsqu’il a commencé à peindre ses tableaux à l’envers. Pour réaliser ses peintures à l’envers, il posait ses toiles au sol et les peignait depuis une perspective inversée, puis les accrochait à l’envers sur le mur une fois terminées.

Il est resté attaché à l’importance du sujet. Par exemple, une de ses peintures à l’envers les plus célèbres montre l’image d’un aigle, possible référence à l’histoire allemande. Il voulait l’évocation qui pouvait se produire lorsqu’un spectateur contemplait le sujet de ses œuvres, mais il voulait aussi que l’objectivité de ses peintures soit la préoccupation principale. Il voulait que la peinture retienne l’attention du spectateur, objectivant ainsi l’œuvre, tout en conservant son potentiel symbolique. Ses peintures à l’envers l’ont libéré du piège de l’interprétation littérale et l’ont aidé à créer des œuvres pouvant être considérées purement comme des objets esthétiques.

Georg Baselitz - Portrat K. L. Rinn, 1969. Huile sur toile. 161,9 × 129,9 cm (à gauche) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Huile sur toile (à droite) © 2019 Georg Baselitz

La brutalité de l’art

Souvent, le travail de Georg Baselitz a été contextualisé par des critiques, des historiens et même Baselitz lui-même en faisant référence au concept allemand de Vergangenheitsbewältigung, qui signifie essentiellement lutter avec le passé. Il désigne les manières dont les artistes allemands après la Seconde Guerre mondiale ont été contraints d’aider à expliquer les actions indéfendables de leur passé collectif. Dans une interview accordée à Spiegel Online en 2013, Baselitz a décrit ses sentiments à propos de ce concept en disant : « Tous les peintres allemands ont une névrose avec le passé de l’Allemagne : la guerre, surtout l’après-guerre, l’Allemagne de l’Est. J’ai abordé tout cela dans une profonde dépression et sous une grande pression. Mes peintures sont, si vous voulez. » Vraiment, ses peintures sont des combats. Ce sont des combats physiques, car il n’a jamais eu d’assistant malgré la difficulté épuisante de son processus. Et ce sont des combats émotionnels, car il lutte entre sa vision préexistante et l’élan vers autre chose qui prend le dessus une fois la peinture commencée.

Une des œuvres les plus célèbres de Baselitz est en fait une référence à une bataille réelle. Intitulée ’45, ses 20 panneaux font allusion au bombardement de Dresde en 1945. Dans cette œuvre, Baselitz aborde la brutalité par la brutalité de manière directe et personnelle. Il montre que ce qui est le plus important pour créer un avenir acceptable n’est pas la perfection, le talent ou la grâce. Ce qui importe le plus, c’est la reconnaissance du désir humain brut. Ce qui importe, c’est l’émotion, la passion et le cœur. Et cette œuvre en particulier démontre aussi efficacement que, pour un artiste, la brutalité est essentielle : brutalité envers le passé, envers les autres artistes, envers son propre travail, envers son sujet, envers son médium. Quel que soit son sujet, chaque œuvre de Georg Baselitz est abstraite parce qu’elle nous montre notre monde tout en le rejetant, le retournant et le refaisant. Elle exige que nous le voyions mais aussi que nous cherchions autre chose, quelque chose de différent, quelque chose encore inimaginé. Elle exprime des réalités doubles : que dans la destruction il y a création, dans l’histoire notre avenir, et dans chaque combat quelque chose qui vaut la peine d’être défendu.

Image en vedette : Georg Baselitz - Dîner à Dresde (détail), 1983. Huile sur toile. © 2019 Georg Baselitz
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio