Comment les œuvres de Pat Steir se sont hissées au sommet du marché de l'art

La représentation en galerie est essentielle pour tout artiste souhaitant être présent sur le marché de l’art. Mais que fait exactement une galerie pour un artiste ? Et comment les artistes s’assurent-ils de rejoindre la galerie qui leur offrira la meilleure représentation possible ? L'histoire de Pat Steir pourrait éclairer les réponses à ces questions anciennes. Steir est une figure marquante de la scène picturale américaine depuis des décennies. Son travail est idiosyncratique, conceptuellement brillant et esthétiquement époustouflant. Mais elle a longtemps été dans le bas de l’échelle des ventes parmi d’autres artistes de sa stature. Mais elle n’est pas tardive sur le marché de l’art. Les pouvoirs en place ont instantanément reconnu ses capacités. La même année où elle a obtenu son BFA au Pratt Institute, elle a eu sa première exposition collective, non pas dans une galerie, mais au High Museum of Art d'Atlanta, sans doute le musée d'art le plus important du sud-est des États-Unis. L'année suivante, elle présente des expositions collectives au Philadelphia Museum of Art et au MoMA de New York. Depuis, il n’y a pas eu une année où Steir a faibli. Son travail a toujours stupéfié les spectateurs par sa présence, sa puissance et sa complexité. Et elle a même trouvé le temps d’enseigner dans certains des établissements d’enseignement les plus influents d’Amérique, à savoir Princeton, Parsons et Cal Arts. La question est donc la suivante : pourquoi Pat Reid n’a-t-elle pas été récompensée financièrement pour son succès d’une manière cohérente avec son importance en tant qu’artiste ? Il semble que la réponse soit liée à la représentation.

La première galerie

Pat Steir est née en 1940. En 1964, son travail avait été inclus dans trois expositions muséales et sa première exposition personnelle lui a été proposée à New York, à la galerie Terry Dintenfass. Terry Dintenfass était originaire d'Atlantic City, dans le New Jersey. C'est là qu'elle ouvre sa première galerie d'art, D Contemporary, dans le hall de ce qui était alors une station balnéaire de premier plan, l'hôtel Traymore. Mais alors qu'Atlantic City connaissait une baisse de popularité, Dintenfass a décidé de fermer D Contemporary et de déménager à Manhattan pour ouvrir une nouvelle galerie. Ce faisant, elle fait partie d’une vague croissante de galeristes féminines à New York. Elle était parmi les plus progressistes, représentant des artistes qui étaient autrement sous-représentés en raison des préjugés sociaux ou politiques omniprésents de l'époque.

Le travail présenté par Pat Steir chez Terry Dintenfass ne correspondait pas vraiment aux tendances esthétiques dominantes de l’époque. Il tend vers la figuration lorsque le travail minimal est plus à la mode. Sans surprise, l'exposition n'a pas généré suffisamment de ventes pour la libérer de son travail quotidien de directrice artistique chez la maison d'édition Harper & Row. Pendant le reste de la décennie, Steir a continué à exposer son travail à New York, mais les récompenses financières ont continué à lui échapper. Ce n’était évidemment pas son objectif. Steir recherchait quelque chose de plus important que l’argent. Elle établissait sa propre voix en tant que peintre et cherchait à réaliser quelque chose de vrai en tant qu'artiste.

Pat Steir - Blue, 2007, Oil on canvas, 36 × 36 in, 91.4 × 91.4 cm, photo credits Bentley Gallery, Phoenix

Le changement radical

Au début des années 1970, Steir a fait un voyage au Nouveau-Mexique où elle a passé du temps avec Agnes Martin. Les conversations avec Martin ont renforcé pour Steir l'importance de se connecter aux aspects spirituels de ce qu'elle essayait de faire. Elle a commencé à étudier les philosophies et les traditions artistiques de l'Asie de l'Est. Elle a relié leurs leçons à ses propres tendances esthétiques, qui étaient en accord avec l'automatisme et la perte de l'ego inhérents aux techniques de l'Expressionnisme Abstrait. Ces influences ont abouti à une sorte de nouvelle clarté pour Steir, et au début des années 1970, elle a créé ce qui est devenu sa première série emblématique d'œuvres : ses soi-disant peintures de roses, des peintures abstraites contenant des formes suggestives de roses qui étaient ensuite barrées. En décrivant ce qu'elle espérait réaliser dans ce corpus d'œuvres, Steir a expliqué « Je voulais détruire des images en tant que symboles...pas d'imagerie, mais en même temps une imagerie sans fin ».

Au cours de la décennie suivante, ce processus philosophique entamé par Steir l'a conduite à son œuvre la plus connue : ses peintures de cascades. Ces œuvres sont les parfaites démonstrations conceptuelles de l’abandon du contrôle, mais aussi l’expression parfaite de la planification et des nuances. Visuellement, ils ressemblent à de la peinture versée sur le devant d’une toile, tout comme une cascade. Pour les fabriquer, Steir accroche une toile non tendue au mur, puis grimpe sur une échelle pour verser soigneusement de la peinture sur la surface. La gravité et le temps prennent le dessus une fois qu'elle libère la peinture. Elle commande le processus. Elle choisit quand, où et quelle quantité de peinture verser. Elle choisit les couleurs. Elle choisit la viscosité et si elle doit ajouter des marques de pinceau ou des éclaboussures supplémentaires. C'est une expression simple et profonde de l'humanité collaborant avec la nature. Le processus est harmonieux, tout comme les peintures.

Pat Steir - Mountain in Rain, 2012, Color direct gravure printed on gampi paper chine colle, 31 × 39 in, 78.7 × 99.1 cm, photo credits Crown Point Press, San Francisco

Chimie et lecture

À la fin des années 1990, Steir atteint la maîtrise de la peinture et se voit proposer une représentation par une grande galerie : Cheim & Read, l'un des marchands d'art contemporain les plus influents de New York. Située dans le quartier de Chelsea, Cheim & Read est un incontournable de la scène artistique contemporaine mondiale depuis sa création en 1997. Tout artiste verrait la chance d'être représenté par une telle galerie comme une opportunité incroyable. Mais pour Pat Steir, l’opportunité ne s’est pas révélée payante comme espérée. Cela ne veut pas dire que ses œuvres ne se sont pas vendues. Ils l’ont fait, pour des dizaines de milliers de dollars. Mais nombre de ses contemporains touchaient des sommes dix fois supérieures. Encore une fois, le profit n’était pas sa motivation. Mais aux États-Unis, les chiffres de ventes affectent profondément l’acceptation d’un artiste dans le canon des artistes importants qui sont régulièrement présentés dans les musées et les biennales, et qui sont ajoutés aux programmes des cours d’histoire de l’art.

Entrez l'art dealer suisse Dominique Lévy. Lévy est née trois ans après que Pat Steir ait eu sa première exposition personnelle. Elle a obtenu son Master à l'Université de Genève dans le fascinant sujet de la Sociologie de l'Art. À la fin des années 1980 et tout au long des années 90, elle a travaillé pour la maison de vente aux enchères Christie’s, la maison de vente aux enchères Sotheby’s, puis à nouveau Christie’s. Puis en 2003, elle a ouvert son propre service de conseil en art, appelé Dominique Lévy Fine Art. Deux ans plus tard, elle a ouvert L&M Arts avec Robert Mnuchin, le père de l'actuel secrétaire au Trésor des États-Unis. Ensuite, en 2013, elle a ouvert la Dominique Lévy Gallery à Manhattan et à Londres. Là, elle a représenté la succession de , et Yves Klein des artistes comme Frank Stella et Pierre Soulages. Et en 2016, elle a signé Pat Steir.

Pat Steir - Moment, 1974, Oil on canvas, 84 × 84 in, 213.4 × 213.4 cm, photo credits Cheim & Read, New York

Qu'est-ce qu'il y a dans un nom

Juste après avoir signé Pat Steir, Dominique Lévy s'est associée au marchand d'art britannique Brett Gorvy pour former une nouvelle galerie : Lévy Gorvy, avec des bureaux à Londres, New York et Genève. Lévy Gorvy représente désormais Pat Steir. Et depuis cette fusion, en moins de deux ans, les prix des œuvres de Steir ont explosé. Au cours des six derniers mois, trois de ses œuvres aux enchères ont dépassé leurs estimations. Sotheby’s a vendu Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) pour 680 750 £ après une estimation de 200 000 £, et Misty Mountain Waterfall (1991) et Silver Moon Beam (2006) pour 299 400 £ chacun après des estimations de 113 250 £ chacune. De plus, Lévy Gorvy vend de nouvelles œuvres de Steir pour bien plus d'un demi-million chacune, un prix atteint lors de l'EXPO de Chicago où une peinture sans titre de Steir de 2004 a été vendue pour 550 000 $.

Alors que s'est-il passé ? Si Steir était capable d’atteindre ces prix, pourquoi Cheim & Read n’y est-il pas parvenu ? La réponse pourrait se résumer aux connexions. Chaque galeriste possède un réseau. Peut-être que Lévy et Gorvy connaissent simplement des personnes différentes. Ou cela pourrait être une question de timing. Peut-être que cela devait arriver, peu importe qui représentait Steir. Ou cela pourrait être une question de confiance. Peut-être que Lévy et Gorvy ont un palmarès sur lequel misent les grands acheteurs. Mais après avoir parcouru les pages de la galerie de Pat Steir sur les sites Cheim & Read et Lévy Gorvy, je pense que la différence pourrait être une question de compréhension. Les supports marketing élaborés par Lévy Gorvy sont non seulement plus modernes et plus complets. L'histoire qu'ils racontent est également plus sympathique. À mon avis, le facteur déterminant le plus déterminant pour savoir si un artiste a trouvé la bonne galerie est de savoir si les personnes qui travaillent dans cette galerie comprennent son œuvre. Il est impossible d’inciter quelqu’un à acheter de l’art. Mais si un galeriste croit vraiment en l'œuvre qu'il vend, il ne s'agit plus de ventes, mais d'une question de connecter les gens avec l'art qui compte pour eux, un exploit qui devient possible parce que l'acheteur, le galeriste, l'artiste et l'œuvre, quelle qu'en soit la raison. raison, parle le même langage du cœur.

Pat Steir - Set of Four Lines, 2015, A set of four screenprints with hand-painting, 72 × 96 in, 182.9 × 243.8 cm, Unique

Image en vedette : Pat Steir - Triptyque D, 2015, Un ensemble de trois sérigraphies peintes à la main, 72 × 108 po, 182,9 × 274,3 cm, Unique, photo crédits Pace Prints

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio