Comment les œuvres de Pat Steir se sont hissées au sommet du marché de l'art

La représentation par une galerie est essentielle pour tout artiste souhaitant avoir une présence sur le marché de l'art. Mais que fait exactement une galerie pour un artiste ? Et comment les artistes s'assurent-ils de rejoindre la galerie qui leur offrira la meilleure représentation possible ? L'histoire de Pat Steir peut éclairer les réponses à ces questions anciennes. Steir est une figure marquante de la scène picturale américaine depuis des décennies. Son œuvre est singulière, conceptuellement brillante et esthétiquement saisissante. Pourtant, elle a longtemps été en bas des chiffres de ventes parmi d'autres artistes de sa stature. Mais elle n'était pas une nouvelle venue sur le marché de l'art. Les autorités compétentes ont immédiatement reconnu ses talents. L'année même où elle a obtenu son BFA à l'Institut Pratt, elle a participé à sa première exposition collective — non pas dans une galerie, mais au High Museum of Art d'Atlanta, sans doute le musée d'art le plus important du Sud-Est des États-Unis. L'année suivante, elle a participé à des expositions collectives au Philadelphia Museum of Art et au MoMA de New York. Depuis lors, il n'y a pas eu une année où Steir ait faibli. Son travail a constamment impressionné les spectateurs par sa présence, sa puissance et sa complexité. Elle a même trouvé le temps d'enseigner dans certaines des institutions éducatives les plus influentes d'Amérique, notamment Princeton, Parsons et Cal Arts. Alors la question est : pourquoi Pat Reid n'a-t-elle pas été récompensée financièrement pour son succès d'une manière cohérente avec son importance en tant qu'artiste ? La réponse semble résider dans la représentation.

La Première Galerie

Pat Steir est née en 1940. En 1964, son travail avait été inclus dans trois expositions muséales, et elle a reçu sa première exposition personnelle à New York, à la galerie Terry Dintenfass. Terry Dintenfass était originaire d'Atlantic City, New Jersey. C'est là qu'elle a ouvert sa première galerie d'art, D Contemporary, dans le hall de ce qui était alors une station balnéaire de premier plan, l'hôtel Traymore. Mais alors qu'Atlantic City connaissait un déclin de popularité, Dintenfass décida de fermer D Contemporary et de déménager à Manhattan pour ouvrir une nouvelle galerie. Ce faisant, elle fit partie d'une vague croissante de femmes galeristes à New York. Elle était parmi les plus progressistes, représentant des artistes autrement sous-représentés en raison des préjugés sociaux ou politiques omniprésents de l'époque.

Le travail que Pat Steir montrait chez Terry Dintenfass n'était pas vraiment en accord avec les tendances esthétiques dominantes de l'époque. Il tendait vers la figuration alors que le travail minimaliste était plus en vogue. Sans surprise, l'exposition ne généra pas assez de ventes pour la libérer de son emploi de jour en tant que directrice artistique chez l'éditeur Harper & Row. Pendant le reste de la décennie, Steir continua d'exposer son travail à New York, mais les récompenses financières continuaient de lui échapper. Ce n'était pas son objectif, bien sûr. Steir poursuivait quelque chose de plus important que l'argent. Elle établissait sa propre voix en tant que peintre et cherchait à atteindre quelque chose de vrai en tant qu'artiste.

Pat Steir - Bleu, 2007, Huile sur toile, 91,4 × 91,4 cm, crédits photo Bentley Gallery, Phoenix

Le Changement Radical

Au début des années 1970, Steir fit un voyage au Nouveau-Mexique où elle passa du temps avec Agnes Martin. Les conversations avec Martin renforcèrent chez Steir l'importance de se connecter aux aspects spirituels de ce qu'elle cherchait à faire. Elle commença à étudier les philosophies et traditions artistiques de l'Asie de l'Est. Elle relia leurs enseignements à ses propres tendances esthétiques, qui étaient en accord avec l'automatisme et la perte de l'ego inhérents aux techniques de l'expressionnisme abstrait. Ces influences aboutirent à une sorte de nouvelle clarté pour Steir, et au début des années 1970, elle créa ce qui devint sa première série emblématique : ses soi-disant peintures de roses, des peintures abstraites contenant des formes suggérant des roses qui étaient ensuite barrées. En décrivant ce qu'elle espérait atteindre avec ce corpus, Steir expliqua « Je voulais détruire les images en tant que symboles...pas d'images, mais en même temps des images sans fin ».

Au cours de la décennie suivante, ce processus philosophique qu'avait commencé Steir la mena à son corpus le plus connu : ses peintures de cascades. Ces œuvres sont la parfaite démonstration conceptuelle de l'abandon du contrôle, tout en étant aussi des expressions parfaites de planification et de nuance. Visuellement, elles ressemblent à de la peinture versée sur le devant d'une toile, comme une cascade. Pour les réaliser, Steir suspend une toile non tendue au mur puis monte sur une échelle pour verser soigneusement la peinture sur la surface. La gravité et le temps prennent le relais une fois qu'elle lâche la peinture. Elle commande le processus. Elle choisit quand, où et combien de peinture verser. Elle choisit les couleurs. Elle choisit la viscosité et si elle ajoute des coups de pinceau ou des éclaboussures supplémentaires. C'est une expression simple et profonde de l'humanité collaborant avec la nature. Le processus est harmonieux, tout comme les peintures.

Pat Steir - Montagne sous la pluie, 2012, Gravure directe en couleur imprimée sur papier gampi chiné collé, 78,7 × 99,1 cm, crédits photo Crown Point Press, San Francisco

Cheim & Read

À la fin des années 1990, Steir atteignit la maîtrise en tant que peintre et se vit offrir une représentation par une grande galerie : Cheim & Read, l'un des marchands d'art contemporain les plus influents de New York. Située dans le quartier de Chelsea, Cheim & Read est une institution de la scène mondiale de l'art contemporain depuis sa fondation en 1997. Tout artiste considérerait la chance d'être représenté par une telle galerie comme une opportunité incroyable. Mais pour Pat Steir, cette opportunité ne s'est pas avérée aussi fructueuse qu'espéré. Cela ne veut pas dire que ses œuvres ne se vendaient pas. Elles se vendaient, pour des dizaines de milliers de dollars. Mais beaucoup de ses contemporains atteignaient des sommes dix fois supérieures. Encore une fois, le profit n'était pas sa motivation. Mais en Amérique, les chiffres de vente influencent profondément si un artiste est accepté dans le canon des artistes importants régulièrement exposés dans les musées et biennales, et intégrés aux programmes des cours d'histoire de l'art.

Entrée en scène de la marchande d'art d'origine suisse Dominique Lévy. Lévy est née trois ans après la première exposition personnelle de Pat Steir. Elle a obtenu sa maîtrise à l'Université de Genève dans le domaine fascinant de la sociologie de l'art. À la fin des années 1980 et tout au long des années 90, elle a travaillé pour les maisons de vente aux enchères Christie’s, Sotheby’s, puis de nouveau Christie’s. En 2003, elle ouvrit son propre service de conseil en art, appelé Dominique Lévy Fine Art. Deux ans plus tard, elle ouvrit L&M Arts avec Robert Mnuchin, le père du secrétaire au Trésor actuel des États-Unis. Puis en 2013, elle ouvrit la galerie Dominique Lévy à Manhattan et Londres. Là, elle représenta la succession de , ainsi que des artistes d’Yves Klein comme Frank Stella et Pierre Soulages. Et en 2016, elle signa Pat Steir.

Pat Steir - Moment, 1974, Huile sur toile, 213,4 × 213,4 cm, crédits photo Cheim & Read, New York

Ce Que Cache un Nom

Juste après avoir signé Pat Steir, Dominique Lévy s'associa avec le marchand d'art britannique Brett Gorvy pour former une nouvelle galerie : Lévy Gorvy, avec des bureaux à Londres, New York et Genève. Lévy Gorvy est désormais la galerie qui représente Pat Steir. Et depuis cette fusion, en moins de deux ans, les prix des œuvres de Steir ont explosé. Rien que ces six derniers mois, trois de ses œuvres aux enchères ont dépassé leurs estimations. Sotheby’s a vendu Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) pour 680 750 £ après une estimation de 200 000 £, ainsi que Misty Mountain Waterfall (1991) et Silver Moon Beam (2006) pour 299 400 £ chacun après des estimations de 113 250 £ chacune. De plus, Lévy Gorvy vend de nouvelles œuvres de Steir à plus d’un demi-million chacune, un prix atteint à Chicago EXPO où une peinture sans titre de Steir de 2004 s’est vendue 550 000 $.

Alors que s’est-il passé ? Si Steir était capable d’atteindre ces prix, pourquoi Cheim & Read n’y est-elle pas parvenue ? La réponse pourrait tenir aux relations. Chaque galeriste a un réseau. Peut-être que Lévy et Gorvy connaissent simplement d’autres personnes. Ou cela pourrait être une question de moment. Peut-être que cela devait arriver indépendamment de qui représentait Steir. Ou cela pourrait être une question de confiance. Peut-être que Lévy et Gorvy ont un parcours sur lequel les grands acheteurs misent. Mais après avoir examiné les pages des galeries pour Pat Steir sur les sites de Cheim & Read et Lévy Gorvy, je pense que la différence tient à la compréhension. Les documents de promotion que Lévy Gorvy a élaborés sont non seulement plus modernes et plus complets. L’histoire qu’ils racontent est aussi plus empathique. À mon avis, le facteur déterminant numéro un pour savoir si un artiste a trouvé la bonne galerie est de savoir si les personnes qui y travaillent comprennent l’œuvre. Il est impossible de tromper quelqu’un pour lui faire acheter de l’art. Mais si un galeriste croit vraiment en l’œuvre qu’il vend, il ne s’agit plus de ventes, mais de connecter les gens à un art qui compte pour eux, un exploit rendu possible parce que l’acheteur, le galeriste, l’artiste et l’œuvre, pour une raison ou une autre, parlent le même langage du cœur.

Pat Steir - Ensemble de Quatre Lignes, 2015, Ensemble de quatre sérigraphies avec peinture à la main, 182,9 × 243,8 cm, Unique

Image en vedette : Pat Steir - Triptyque D, 2015, Ensemble de trois sérigraphies avec peinture à la main, 182,9 × 274,3 cm, Unique, crédits photo Pace Prints

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio