Couleur, mise au point et champ dans les peintures de Kenneth Noland

Un observateur occasionnel pourrait confondre Kenneth Noland avec un peintre de dessins. En effet, les peintures les plus mémorables de Kenneth Noland expriment une gamme limitée de formes et de motifs : cercles, chevrons, losanges, rayures et carreaux. Mais contrairement à cette perspective, Noland n’était pas du tout intéressé par des choses comme la forme et le design. La raison pour laquelle il revenait sans cesse aux mêmes images était qu'il pensait que la répétition inviterait les spectateurs à ignorer les formes et les dessins et à se concentrer plutôt sur son véritable domaine d'intérêt : le potentiel infini de la couleur et du champ.

Un voyage vers le style

En plus d'être un excellent artiste, Kenneth Noland est également un excellent exemple de la valeur du G.I. Facture; un programme du gouvernement américain qui permet aux soldats libérés de fréquenter l'université sans frais de scolarité. En 1942, Noland rejoint l'US Air Force à l'âge de 18 ans. Après son retour en Caroline du Nord à la fin de la Seconde Guerre mondiale, il utilise son G.I. Bill a le privilège de s'inscrire dans son école d'art locale. Cette école se trouvait être le célèbre Black Mountain College, où de nombreux enseignants influents du Bauhaus avaient déménagé lorsque leur académie a fermé ses portes en réponse à l'ingérence nazie.

Alors qu'il était au Black Mountain College, Noland a étudié sous Ilya Bolotowsky, qui avait été un protégé de Piet Mondrian, le fondateur du Néoplasticisme. Dans la tradition des Néoplasticistes, Bolotowsky a défendu des motifs géométriques simples et des couleurs pures. Noland a également étudié sous Josef Albers, un théoricien et peintre moderniste de premier plan, et un étudiant passionné des relations de couleur. Noland a absorbé le mentorat de ses enseignants et a construit sur leurs idées, développant un intérêt pour la vie dans les capacités expressives de compositions simples faites de couleurs vives.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acrylique sur toile. 60 x 60 po. Collection de Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

L'abstraction post-picturale

Avec Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko et Jules Olitski, Kenneth Noland est rapidement devenu associé au mouvement Color Field, l'une des tendances artistiques associées à ce que l'on appelle l'Abstraction Post-Peintre. Coincé en 1964 par Clement Greenberg pour une exposition qu'il a organisée au Los Angeles County Museum of Art, le terme Abstraction Post-Peintre fait référence à une tendance dans la peinture s'éloignant des œuvres picturales et en impasto, et vers des surfaces planes et un manque de coups de pinceau visibles.

Bien que le terme Color Field Painting souffre d’une définition quelque peu floue, Kenneth Noland était le représentant par excellence de l’abstraction post-picturale. Ses peintures rejetaient le drame personnel de l'expressionnisme abstrait. Ils ont simplifié les moyens de peindre, rejetant le collage, l’assemblage, les objets trouvés et autres complexités, s’appuyant plutôt sur les ingrédients les plus simples : la peinture et la toile. Ses couleurs étaient vives et pures, ses compositions étaient directes et simples, et ses images ne faisaient qu'un avec leurs supports.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acrylique sur toile. 75 x 141 po. © Kenneth Noland

Fusion de la couleur avec le champ

Noland a créé ses premières peintures dites Color Field autour de 1956. Elles consistaient en des anneaux concentriques de cercles colorés. Il est tentant de supposer que ces peintures étaient liées d’une manière ou d’une autre à son expérience de la guerre, puisqu’elles ressemblaient à des cibles. Mais dans diverses interviews, Noland a déclaré avoir choisi le motif du cercle parce qu'il s'agissait d'une non-image qui pouvait permettre à l'œil d'être entraîné dans une expérience de couleur. Mais la couleur n’était pas le seul sujet de ses peintures. Il s’agissait aussi de confronter la séparation entre un tableau et sa surface.

Pendant la majeure partie de l’histoire de l’art, les peintures ont été considérées comme des images peintes sur des surfaces préparées. Le champ sur lequel le tableau existe, c'est-à-dire la toile, a été pré-dimensionné, pré-étiré et apprêté. Il attendait le tableau, le soutenait et se séparait de l'image. Dans l’esprit de peintres comme Noland, cette séparation était préjudiciable. Plutôt que de pouvoir s'exprimer librement et sans entrave, l'artiste a été restreint ou dirigé par un support prédéterminé, même si l'image qui en a résulté était peut-être encore inimaginable. Noland souhaitait fusionner l'image avec le support en combinant la couleur et le champ dans une déclaration esthétique unifiée.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acrylique sur toile. 103,7 x 142,5 pouces © Kenneth Noland

L'objet expressif unifié

Noland reçut sa révélation en 1953, sous la forme d'une visite d'atelier avec la peintre Helen Frankenthaler. Dans son studio new-yorkais, Frankenthaler a été la pionnière de ce qu'elle appelle la technique du trempage. Plutôt que d'apprêter une toile pré-dimensionnée en vue d'une image peinte, elle a étalé des bandes de toile brutes sur le sol, puis a versé de la peinture directement sur la surface non apprêtée. La peinture a fusionné avec la surface, s'étalant de manière organique sur la surface en fusionnant avec le tissu. La peinture et le support sont devenus une seule entité.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Résine acrylique sur toile. 98 x 208 po. © Kenneth Noland

Noland a immédiatement adopté la technique de trempage de Frankenthaler. Cela lui a donné la possibilité de créer un objet unifié, dans lequel la couleur était incrustée. Cela lui permet également d’éliminer l’apparence des coups de pinceau, perçus comme la marque de la personnalité de l’artiste. Ensemble, ces deux avancées lui ont permis de commencer à réaliser des peintures qui ne se concentraient pas sur la représentation de quelque chose de spécifique, mais sur les éléments essentiels qui le préoccupaient, tels que la couleur, la surface, la texture, la symétrie et l'échelle.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acrylique sur toile. © Kenneth Noland

Recadrage

Il a été bien documenté que Noland, ainsi que son contemporain Morris Louis, a adopté la technique du soak-stain de Helen Frankenthaler. Mais il existe une autre technique que Kenneth Noland a adoptée plus tard dans sa carrière et qui a également pu être inspirée par Frankenthaler. Il s'agit de la pratique du recadrage. En photographie, recadrer une image signifie sélectionner uniquement la partie d'une exposition que vous souhaitez imprimer, révélant seulement ce que vous aimez. De nombreuses photos de Frankenthaler dans son studio la montrent travaillant sur de grandes toiles non tendues. Elle recadrait et encadrait ses toiles après les avoir peintes, ce qui lui permettait de développer l'image avec le moins de contraintes possible, puis de sélectionner la zone qu'elle estimait donner l'objet le plus expressif. C'était une pratique que Kenneth Noland utilisait largement, surtout lorsqu'il a commencé à créer des toiles en forme. Il travaillait sur une toile massive au sol et créait des compositions de couleurs sans limitations spatiales. Cela lui permettait d'explorer librement les relations de couleurs sans se soucier du résultat final. Une fois le processus de création et de découverte terminé, il pouvait alors "tamponner" l'image finale, sélectionnant la zone qu'il souhaitait encadrer parmi d'innombrables options dans ce qui était essentiellement un processus d'édition. Noland a fait référence à la beauté de ce processus dans une interview de 1977 avec Diane Waldman pour Art in America, en disant, "Une couleur pouvait être sur un bord d'une image ou à l'intérieur de l'espace d'une image : la question du haut, du bas, de la gauche, de la droite devenait totalement flexible tout comme la question du parallèle, du vertical ou de l'horizontal."

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acrylique sur toile. © Kenneth Noland

Les profondeurs de la simplicité

Kenneth Noland regardait périodiquement les sculpteurs dans un effort pour explorer la nature abstraite de la couleur. Le sculpteur David Smith l'a particulièrement inspiré, et Noland a même collaboré occasionnellement avec le sculpteur Tony Caro, peignant ses sculptures après qu'elles aient été construites. Il a fait cela purement par curiosité, et dans un esprit d'expérimentation. Il ne pouvait pas exprimer exactement ce qu'il espérait trouver, ou ce que de telles expériences étaient censées signifier. Il a dit : “Nous avons tendance à sous-estimer beaucoup de significations qui se produisent dans la vie qui ne sont pas verbales. La couleur peut transmettre une gamme totale d'humeur et d'expression, des expériences de la vie, sans avoir à lui donner des qualités descriptives ou littéraires."

Kenneth Noland - Radiance au cadmium. © Kenneth Noland

Les personnes ayant un penchant pour le élaboré pourraient facilement rejeter une carrière entièrement basée sur la simplicité et la curiosité. Les peintures de Kenneth Noland ne semblent en effet contenir aucun drame. Et pourtant, ils sont expressifs. Ils sont comme le gémissement d’un enfant, le son d’une cloche ou le cri d’une sirène. On les reconnaît immédiatement pour ce qu'ils sont. Nous savons qu’ils nous demandent de réagir, même si nous ne comprenons peut-être pas leur objectif exact ni quelle est précisément notre réaction. Mais peut-être, comme pour les cloches, les cris et les sirènes, une réaction de tous n’est-elle pas nécessaire.

Image en vedette : Kenneth Noland - Avril (détail), 1960. Acrylique sur toile. 16 x 16 po. © Kenneth Noland
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio