L’art abstrait primitif comme incarnation visuelle d’une idée

L'une des ironies de l'art abstrait naissant est que tant de personnes le soupçonnaient d'être hasardeux, aléatoire ou dénué de sens. Les spectateurs habitués à n'accepter que des représentations objectives du monde matériel étaient déconcertés par une nouvelle génération d'artistes qui, comme le disait Wassily Kandinsky, cherchaient à exprimer « des idées qui laissent libre cours aux aspirations immatérielles de l'âme. » Nous savons aujourd'hui que dès les débuts de l'art abstrait, ses praticiens n'étaient en rien engagés dans des gestes aléatoires. Ils faisaient des choix esthétiques réfléchis et conscients dans une tentative de transmettre les fondements philosophiques sur lesquels reposait la philosophie de l'abstraction.

L'art abstrait naissant face au passé

Avant l'essor de l'abstraction, tout amateur d'art raisonnable s'attendait à ce qu'une bonne peinture possède au moins un élément reconnaissable du monde réel. Les spectateurs pouvaient accepter qu'un artiste prenne des libertés pour abstraire des éléments reconnaissables. Ils pouvaient même parfois accepter une peinture presque entièrement méconnaissable, tant que son titre donnait un indice sur l'objet dont elle était abstraite. Mais l'idée d'une peinture purement abstraite, sans aucun lien reconnaissable avec la réalité visuelle, était considérée comme absurde, voire hérétique.

Wassily Kandinsky fut le premier artiste à embrasser pleinement l'idée de l'abstraction pure. Il croyait que les vérités fondamentales de l'humanité et les idées universelles ne pouvaient être découvertes par la représentation du monde matériel. Il pensait que les objets étaient inutiles aux artistes cherchant à exprimer les profondeurs intérieures de l'humanité. En 1912, Kandinsky publia son ouvrage fondamental, « Du spirituel dans l'art », qui exposait la philosophie guidant sa quête d'un art abstrait pure. Il y écrivait :

« Les émotions informes telles que la peur, la joie, le chagrin, etc., n'attireront plus beaucoup l'artiste. Il s'efforcera d'éveiller des émotions plus subtiles, encore sans nom… des émotions élevées au-delà de la portée des mots. »

Kazimir Malevitch - Carré noir, 1915, huile sur lin, 79,5 x 79,5 cm, Galerie Tretiakov, Moscou

La quête de la pureté artistique

En regardant l'histoire de l'art, Kandinsky pensait que les générations précédentes s'étaient surtout concentrées sur la communication avec elles-mêmes et l'expression de la personnalité de leur époque. Il croyait que les artistes abstraits devaient chercher à exprimer les similitudes essentielles que chaque être humain partage avec tous les autres, indépendamment de l'époque à laquelle ils appartiennent. Il appelait ces similitudes la « sympathie intérieure de sens » de l'humanité.

Kandinsky pensait que la source de ce sens était l'âme humaine, ou ce qu'il appelait le « Besoin Intérieur ». Il estimait que ce besoin intérieur pouvait s'exprimer par la pure création artistique, à condition qu'elle soit libérée de l'ego et des points de vue matérialistes. Comme il le disait :

« Ce qui est beau… est ce qui jaillit de l'âme. »

Wassily Kandinsky - Première aquarelle abstraite de Kandinsky, 1910, aquarelle, encre de Chine et crayon sur papier. 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris

La musique comme modèle

Kandinsky croyait que la musique était la forme d'art la plus apte à communiquer « des émotions au-delà de la portée des mots ». Il écrivait :

« Un peintre… dans son désir d'exprimer sa vie intérieure, ne peut qu'envier la facilité avec laquelle la musique, l'art le plus immatériel aujourd'hui, atteint ce but. »

Il reconnaissait que les compositeurs avaient réussi à décomposer la musique en ses parties les plus simples, identifiant comment les éléments individuels d'une composition pouvaient affecter l'esprit humain. Il commença à déchiffrer les éléments de la peinture de la même manière, tentant par exemple de définir l'effet individuel de chaque couleur sur les spectateurs. Kandinsky emprunta même des termes au vocabulaire musical pour expliquer sa vision de l'art abstrait. Il appelait les peintures des compositions, et recommandait aux artistes de construire soigneusement leurs compositions par des choix réfléchis. Il appelait aussi les artistes à laisser de la place dans leurs compositions à l'improvisation, qu'il qualifiait « d'expression spontanée du caractère intérieur ». Il croyait qu'à travers une œuvre abstraite consciemment construite, les peintres pouvaient devenir « de grands guides spirituels », et réussir enfin à exprimer le plein potentiel de l'esprit humain par l'art.

Wassily Kandinsky - esquisse pour Composition II, 1910, 97,5 × 130,5 cm, Musée Solomon R. Guggenheim, New York

L'art abstrait face à l'avenir

Dans sa préface à « Du spirituel dans l'art » de Kandinsky, l'historien britannique Michael Sadler écrivait :« Si (Kandinsky) parvient un jour à trouver un langage commun de couleur et de ligne qui puisse se suffire à lui-même comme le langage du son et du rythme se suffit à lui-même… il sera unanimement salué comme un grand innovateur, un défenseur de la liberté de l'art. » En regardant plus d'un siècle d'art abstrait, nous voyons que Kandinsky a atteint son but. Heureusement, nous voyons aussi qu'il a posé les bases sur lesquelles nous, et d'innombrables générations futures, pouvons bâtir sa philosophie, cherchant de nouvelles façons d'exprimer « des émotions élevées au-delà de la portée des mots. »

Kazimir Malevitch - Suprématisme : Réalisme pictural d'un joueur de football (Masses colorées dans la quatrième dimension), 1915, huile sur toile, 68,5 x 44,5 cm, Art Institute of Chicago, Chicago

Image en vedette : Hilma af Klint - Le Cygne, n° 17, Groupe IX, Série SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

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