L’art abstrait primitif comme incarnation visuelle d’une idée

L'une des ironies de l'art abstrait précoce est que tant de gens le soupçonnaient d'être aléatoire, sans ordre ou dépourvu de sens. Les spectateurs conditionnés à n'accepter que des représentations objectives du monde matériel étaient déconcertés par une nouvelle génération d'artistes qui, comme l'a dit Wassily Kandinsky, cherchaient à exprimer « des idées qui donnent libre cours aux aspirations non matérielles de l'âme. » Nous savons maintenant que depuis le début de l'art abstrait, ses praticiens étaient engagés dans tout sauf des gestes aléatoires. Ils faisaient des choix esthétiques réfléchis et conscients dans une tentative de transmettre les fondements philosophiques sur lesquels reposait la philosophie de l'abstraction. 

Les premiers arts abstraits contre le passé

Avant l'essor de l'abstraction, tout amateur d'art raisonnable s'attendait à ce qu'une bonne peinture  possède au moins un élément reconnaissable du monde réel. Les spectateurs pouvaient accepter qu'un artiste prenne des mesures pour abstraire des éléments reconnaissables. Ils pouvaient même parfois accepter une peinture presque entièrement méconnaissable, tant que son nom donnait un indice sur l'objet dont elle était abstraite. Mais la notion d'une peinture purement abstraite, sans corrélation reconnaissable avec la réalité visuelle, était considérée comme absurde, sinon hérétique.

Wassily Kandinsky était le premier artiste à embrasser pleinement l'idée de l'abstraction pure. Il croyait que les vérités fondamentales de l'humanité et les idées universelles ne pouvaient pas être découvertes par la représentation du monde matériel. Il pensait que les objets n'étaient d'aucune utilité pour les artistes essayant d'exprimer les profondeurs intérieures de l'humanité. En 1912, Kandinsky publia son livre fondamental, "Du spirituel dans l'art", qui exposait la philosophie guidant sa recherche d'un art purement abstrait. Dans celui-ci, il écrivait :

"Les émotions informes telles que la peur, la joie, le chagrin, etc. n'attireront plus beaucoup l'artiste. Il s'efforcera d'éveiller des émotions plus subtiles, encore sans nom… des émotions élevées, hors de portée des mots."

Kazimir Malevitch - Carré noir, 1915, huile sur lin, 79,5 x 79,5 cm, Galerie Tretiakov, Moscou

La recherche de l'art pur

Revenant sur l’histoire de l’art, Kandinsky pensait que les générations précédentes s’étaient principalement concentrées sur la communication avec elles-mêmes et sur l’expression de la personnalité de leur époque. Il pensait que les artistes abstraitsdevraient chercher à exprimer les similitudes essentielles que chaque être humain possède avec tous les autres êtres humains, quelle que soit l'époque à laquelle ils appartiennent. Il a appelé ces similitudes la « sympathie intérieure du sens » de l’humanité.

Kandinsky croyait que la source de cette signification était l’âme humaine, ou ce qu’il appelait le « besoin intérieur ». Il pensait que le besoin intérieur pouvait être exprimé par le biais d’un art pur, à condition qu’il soit libre de tout point de vue égoïste et matérialiste. Comme il l'a dit :

"C'est beau… qui jaillit de l'âme."

Wassily Kandinsky - Première aquarelle abstraite de Kandinsky, 1910, aquarelle, encre de Chine et crayon sur papier. 19,5 × 25,5 po (49,6 × 64,8 cm) Centre Georges Pompidou, Paris

La musique comme modèle

Kandinsky pensait que la musique était la forme d’art la plus apte à communiquer « des émotions hors de portée des mots ». Il a écrit :

"Un peintre… dans son désir d'exprimer sa vie intérieure, ne peut qu'envier la facilité avec laquelle la musique, l'art le plus immatériel d'aujourd'hui, atteint ce but."

Il a reconnu que les compositeurs avaient réussi à déconstruire la musique jusqu’à ses parties les plus simples, identifiant comment les éléments individuels d’une composition pouvaient affecter l’esprit humain. Il commence à décrypter les éléments de la peinture de la même manière, en tentant par exemple de définir l’effet individuel de chaque couleur sur le spectateur. Kandinsky a même emprunté des mots au lexique de la musique pour expliquer sa vision de l’art abstrait. Il appelait les peintures des compositions et recommandait aux artistes de construire soigneusement leurs compositions à travers des choix raisonnés. Il appelle simultanément les artistes à laisser une place à l’improvisation dans leurs compositions, qu’il appelle « l’expression spontanée du caractère intérieur ». Il croyait que grâce à une œuvre abstraite consciemment construite, les peintres pourraient devenir de « grands chefs spirituels » et réussir enfin à exprimer le plein potentiel de l’esprit humain à travers l’art.

Wassily Kandinsky - esquisse pour Composition II, 1910, 38,4 × 51,4 po (97,5 × 130,5 cm), The Solomon R. Guggenheim Museum, New York

L'art abstrait face au futur

Dans son avant-propos de « Concernant le spirituel dans l'art » de Kandinsky, l'historien britannique Michael Sadler a écrit :« Si (Kandinsky) réussit un jour à trouver un langage commun de couleurs et de lignes qui soit à lui seul le langage du son et du rythme, est seul… il sera salué par tous comme un grand innovateur, comme un champion de la liberté de l’art. En regardant en arrière sur plus d'un siècle d'art abstrait, nous constatons que Kandinsky a atteint son objectif. Heureusement, nous constatons également qu'il a jeté les bases pour que nos générations, ainsi que celles d'innombrables générations futures, s'appuient sur sa philosophie, en recherchant de nouvelles façons d'exprimer "des émotions élevées au-delà de la portée des mots."

Kazimir Malevitch - Suprématisme : réalisme pictural d'un joueur de football (messes de couleurs dans la quatrième dimension), 1915, huile sur toile, 27 x 17 1/2 po, Institut d'art de Chicago, Chicago

Image de couverture : Hilma af Klint - Le Cygne, n° 17, Groupe IX, Série SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

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