Pourquoi les peintures en grille de Stanley Whitney sont importantes

Les récentes peintures de l'artiste abstrait américain Stanley Whitney possèdent une qualité distincte de grille. Ce sont des empilements architectoniques de couleurs, évoquant les barres de couleur de la télévision néo-plasticiste. Et ses récents dessins exposent encore plus clairement son attraction pour la grille, comprenant des compositions simples de lignes noires épaisses ressemblant à un échiquier rudimentaire ou à un filet de pêche. Mais Whitney n'a pas toujours été un peintre de grille. La grille est quelque chose vers laquelle il lui a fallu des décennies pour graviter. En fait, en examinant les cinq décennies de ses peintures, on ne peut s'empêcher d'attacher une sorte de récit progressif à son œuvre, un récit qui s'est étendu bien au-delà de ses origines, et est devenu à la fois plus simple et plus profond en cours de route. C'est ironique car Whitney a un jour déclaré dans le Modern Art News Podcast que la raison pour laquelle il a adopté un langage visuel abstrait était parce que, "Je ne voulais vraiment pas être un conteur". Mais son évolution esthétique raconte une histoire. Ce n'est pas une histoire typique, héroïque, de type début-milieu-fin. C'est plutôt comme une chronologie, ou une série de reportages d'actualité des lignes de front d'une bataille en cours. Cette bataille, que Stanley Whitney mène depuis même avant de se tourner vers l'abstraction à la fin des années 1960, est avec les médiums de la peinture et du dessin, et leur rôle dans l'expression de la couleur et de l'espace.

Une jeunesse colorée

Il n’est pas surprenant que Stanley Whitney soit devenu connu pour son examen de la couleur. Aujourd'hui âgé de 70 ans, il raconte la belle histoire d'un enfant de dix ans qui suivait son premier cours de peinture dans une école de quartier de sa ville natale de Bryn Mawr, en Pennsylvanie. L'enseignant a demandé aux enfants de la classe de peindre des autoportraits. Alors que les autres étudiants tentaient de capturer leurs différents visages réalistes, Whitney se sentait plus attirée par la couleur que par le sujet représentatif.

Au lieu d’essayer de mélanger une palette de couleurs liée à son apparence réelle, il a réalisé un autoportrait incluant toutes les couleurs qu’il pouvait imaginer. Whitney dit que le professeur a aimé le tableau, mais que ses parents ne l'ont pas compris. Ils ne l'ont jamais renvoyé en classe. Mais cela n’a pas empêché Whitney d’être attirée par les possibilités de la peinture et de la couleur. En fait, il n'est pas exagéré de dire que depuis ce jour, alors qu'il avait dix ans, dans son premier cours de peinture, Stanley Whitney est resté déterminé à rechercher la manière idéale de faire de la couleur son sujet.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

Trouver de l'espace

En plus de son attirance pour la couleur, Stanley Whitney a également été attiré dans sa jeunesse par le processus de dessin. Ses dessins en noir et blanc semblaient au premier abord sans rapport avec son amour de la couleur, mais il existait entre les deux un lien subtil qu'il lui a fallu de nombreuses années pour réaliser. La connexion a quelque chose à voir avec l'espace. En réalisant ses dessins en noir et blanc, il a découvert que la répartition de l'espace pouvait se produire d'innombrables manières, à mesure que les lignes négociaient leur relation avec l'espace blanc de la composition. Cependant, à mesure qu'il devenait plus adepte de la peinture, il ne savait plus comment parvenir à cette même négociation de l'espace avec la couleur.

Dans ses premières œuvres figuratives, les couleurs semblent claustrophobes et serrées. Dans ses premières incursions dans l'abstraction, qui étaient des variations sur la peinture de champ de couleur avec des marques gestuelles ajoutées, les couleurs semblent trop lâches. Il a dit : “Je veux beaucoup d'air dans l'œuvre. Je veux beaucoup d'espace dans l'œuvre.” Mais il semblait accablé par la manière de créer de l'aération sur l'espace de la toile. Sa révélation est venue dans les années 1970 lors d'un voyage en Méditerranée. En visitant l'Égypte et Rome, il a vu la réponse dans l'architecture et la lumière. L'architecture ancienne exprimait la structure, le contrôle et le potentiel démocratique des éléments empilés. Les ombres et la lumière méditerranéennes lui ont montré que la couleur et la lumière sont les mêmes, et que les couleurs froides et chaudes, comme la lumière froide et chaude, expriment l'espace. Cela a débloqué un mystère de la peinture qui, comme il le dit, “L'air et l'espace pouvaient être dans la couleur, pas que la couleur était sur l'espace.”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

Un processus méthodique

«C'était le début des choses qui se mettaient en place,» dit Whitney. À partir de ce moment-là, il a évolué lentement vers les peintures en grille qu'il réalise aujourd'hui. Il a exploré l'utilisation de gestes semblables à ceux du graffiti pour déterminer comment la couleur peut être exprimée par la ligne, similaire au travail de Mondrian. Il a examiné des façons d'aborder la grille, des formes empilées aux rangées de points et aux bandes de couleurs. Il savait qu'il voulait un cadre squelettique pour contenir ses couleurs de manière équitable, mais qu'il ne voulait pas non plus que la règle de la grille force ses pièces dans une direction particulière. Il voulait trouver le mélange parfait de structure et de liberté, comme le Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

Les travaux de grille matures que Stanley Whitney réalise désormais sont purs et stables. Ils semblent même au premier abord manquer du courage et de l’angoisse qui ont rendu ses efforts antérieurs si vivants. Mais en y regardant de plus près, les marques picturales de la main humaine sont évidentes et la complexité des compositions révèle la profondeur avec laquelle Whitney est toujours aux prises avec son énigme. Il a trouvé le moyen de faire de la couleur son sujet. Il a découvert le secret selon lequel la couleur et la lumière sont identiques et sont toutes deux des manifestations de l'espace. Et à travers ces découvertes, il a construit une œuvre riche et indéniablement pleine de sens. Mais malgré ses découvertes, il est resté sur le fil du rasoir, ne révélant jamais, ou peut-être ne sachant jamais ou ne se souciant jamais de savoir, quelle est précisément cette signification.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

Image à la une : Stanley Whitney - Sans titre, 2016, huile sur lin, crédits photo de la Galerie Nordenhake
Toutes les images © l'artiste et la Galerie Nordenhake ;
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio