Pourquoi les peintures en grille de Stanley Whitney sont importantes

Les peintures récentes du peintre abstrait américain Stanley Whitney possèdent une qualité distincte rappelant une grille. Ce sont des empilements architecturaux de couleurs, évoquant les barres de couleur télévisuelles du Néo-Plasticisme. Et ses dessins récents dévoilent encore plus son attirance pour la grille, comprenant des compositions simples de lignes noires épaisses ressemblant à un damier rudimentaire ou un filet. Mais Whitney n’a pas toujours été un peintre de la grille. La grille est quelque chose vers quoi il lui a fallu des décennies pour se diriger. En fait, en regardant les cinq dernières décennies de ses peintures, on ne peut s’empêcher d’attacher une sorte de récit progressif à son œuvre, un récit qui s’est étendu bien au-delà de ses origines, devenant à la fois plus simple et plus profond au fil du temps. C’est ironique car Whitney a un jour déclaré dans le podcast Modern Art News que la raison pour laquelle il avait adopté un langage visuel abstrait était parce que, « je ne voulais pas vraiment être un conteur ». Mais son évolution esthétique raconte une histoire. Ce n’est pas une histoire typique, héroïque, avec un début, un milieu et une fin. C’est plutôt une chronologie, ou une série de reportages depuis les lignes de front d’une bataille en cours. Cette bataille, que Stanley Whitney mène depuis avant même de se tourner vers l’abstraction à la fin des années 1960, est avec les médiums de la peinture et du dessin, et leur rôle dans l’expression de la couleur et de l’espace.

Une jeunesse colorée

Il n’est pas surprenant que Stanley Whitney soit devenu connu pour son examen de la couleur. Aujourd’hui dans la soixantaine, il raconte une belle histoire d’enfant de dix ans assistant à son premier cours de peinture dans une école de quartier de sa ville natale de Bryn Mawr, en Pennsylvanie. L’enseignant avait demandé aux enfants de la classe de peindre des autoportraits. Alors que les autres élèves tentaient de saisir leurs visages réalistes, Whitney se sentait plus attiré par la couleur que par le sujet figuratif.

Au lieu d’essayer de mélanger une palette de couleurs correspondant à son apparence réelle, il a réalisé un autoportrait incluant toutes les couleurs qu’il pouvait imaginer. Whitney dit que le professeur a aimé la peinture, mais ses parents ne l’ont pas comprise. Ils ne l’ont jamais renvoyé en cours. Mais cela n’a pas empêché Whitney d’être attiré par les possibilités de la peinture et de la couleur. En fait, on peut dire sans exagérer que depuis ce jour, à dix ans, dans son premier cours de peinture, Stanley Whitney est resté engagé dans la recherche de la manière idéale de faire de la couleur son sujet.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, crédits photo Galerie Nordenhake

Trouver l’espace

En plus de son attirance pour la couleur, Stanley Whitney était aussi attiré dans sa jeunesse par le processus du dessin. Ses dessins en noir et blanc semblaient au premier abord sans lien avec son amour de la couleur, mais il y avait une connexion subtile entre les deux qu’il lui a fallu de nombreuses années pour comprendre. Cette connexion a à voir avec l’espace. En réalisant ses dessins en noir et blanc, il a découvert que la répartition de l’espace pouvait se faire de mille manières différentes, les lignes négociant leur relation avec l’espace blanc de la composition. Mais en devenant plus habile en peinture, il était perplexe quant à la manière d’obtenir cette même négociation de l’espace avec la couleur.

Dans ses premières œuvres figuratives, les couleurs paraissent étouffantes et serrées. Dans ses premières incursions dans l’abstraction, qui étaient des variations sur la peinture de champs colorés avec des marques gestuelles ajoutées, les couleurs paraissent trop lâches. Il disait : « Je veux beaucoup d’air dans l’œuvre. Je veux beaucoup d’espace dans l’œuvre. » Mais il semblait embourbé dans la manière exacte de créer de la légèreté au-dessus de l’espace de la toile. Sa révélation est venue dans les années 1970 lors d’un voyage en Méditerranée. En visitant l’Égypte et Rome, il a vu la réponse dans l’architecture et la lumière. L’architecture antique exprimait la structure, le contrôle et le potentiel démocratique des éléments empilés. Les ombres et la lumière méditerranéennes lui ont montré que la couleur et la lumière sont une seule et même chose, et que les couleurs froides et chaudes, comme la lumière froide et chaude, expriment l’espace. Cela a déverrouillé un mystère de la peinture qui, comme il le dit, « L’air et l’espace pouvaient être dans la couleur, pas que la couleur était sur l’espace. »

Stanley Whitney - Sans titre, 2013, graphite sur papier, crédits photo Galerie Nordenhake

Un processus méthodique

« Ce fut le début de la mise en place des choses, » dit Whitney. Depuis ce moment, il a évolué lentement vers les peintures en grille qu’il réalise aujourd’hui. Il a exploré l’utilisation de gestes proches du graffiti pour déterminer comment la couleur peut s’exprimer par la ligne, à l’image du travail de Mondrian. Il a examiné différentes approches de la grille, des formes empilées aux rangées de points et aux bandes de couleurs. Il savait qu’il voulait un cadre squelettique pour contenir ses couleurs de manière équitable, mais qu’il ne voulait pas non plus que la règle de la grille contraigne ses œuvres dans une direction particulière. Il voulait trouver le mélange parfait entre structure et liberté, comme le jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, huile sur lin, crédits photo Galerie Nordenhake

Les œuvres matures en grille que Stanley Whitney réalise aujourd’hui sont pures et stables. Elles semblent même au premier abord manquer de la rugosité et de l’angoisse qui rendaient ses premières œuvres si vivantes. Mais à un examen plus attentif, les marques picturales de la main humaine sont évidentes, et la complexité des compositions révèle la profondeur avec laquelle Whitney lutte encore avec son énigme. Il a trouvé un moyen de faire de la couleur son sujet. Il a découvert le secret que la couleur et la lumière sont une seule et même chose, et sont toutes deux des manifestations de l’espace. Et à travers ces découvertes, il a créé un corpus d’œuvres riche et indéniablement plein de sens. Mais malgré ses découvertes, il est resté sur le fil du rasoir, ne révélant jamais, ou peut-être ne sachant ou ne voulant pas savoir, précisément ce que ce sens est.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, huile sur toile, crédits photo Galerie Nordenhake

Image en vedette : Stanley Whitney - Sans titre, 2016, huile sur lin, crédits photo Galerie Nordenhake
Toutes les images © l’artiste et Galerie Nordenhake ;
Toutes les images utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio