सबसे प्रसिद्ध पाब्लो पिकासो चित्रकृतियाँ (और कुछ अमूर्त उत्तराधिकारी)

सबसे प्रसिद्ध पाब्लो पिकासो की पेंटिंग्स की संख्या निर्धारित करना कोई सरल कार्य नहीं है। पाब्लो पिकासो (जो अपने पूर्ण बपतिस्मा-नाम, पाब्लो डिएगो जोसे फ्रांसिस्को दे पाउला हुआन नेपोमुसिनो दे लॉस रेमेडियोस क्रिस्पिनो सिप्रियानो दे ला सांतिसिमा त्रिनिदाद रुइज़ वाई पिकासो, से भी जाने जाते हैं!) का नाम गिनीज़ बुक ऑफ़ वर्ल्ड रिकॉर्ड्स में इतिहास के सबसे अधिक उत्पादक पेशेवर चित्रकार के रूप में दर्ज है। उन्होंने 7 वर्ष की आयु में अपनी पहली कला कक्षाओं के समय से लेकर 91 वर्ष की आयु में अपनी मृत्यु तक 1,300 से 1,900 के बीच पेंटिंग्स बनाईं। हालांकि, सबसे उल्लेखनीय बात पिकासो की पेंटिंग्स की संख्या नहीं, बल्कि उनमें से उत्कृष्ट कृतियाँ मानी जाने वाली कृतियों की संख्या है। यह समझते हुए कि पिकासो की कोई भी शीर्ष सूची निर्विवाद नहीं हो सकती, हमारे इस विनम्र प्रयास में उनके अनेक चरणों की प्रसिद्ध कृतियाँ शामिल हैं, जो उनके प्रभावशाली करियर की संपूर्णता पर प्रकाश डालती हैं।

और हमने इस कार्य में थोड़ी जटिलता जोड़ने का निर्णय लिया: पिकासो अधिकांशतः एक figurative painter थे। उन्होंने लोगों, सांडों, गिटारों और युद्धों को चित्रित किया। फिर भी, उनके क्रांतिकारी नवाचारों ने आगे विकसित होने वाली अमूर्त कला की सीधी नींव रखी। इस लेख में, हम उनकी इस परंपरा का अध्ययन उनके प्रत्येक प्रतिष्ठित उत्कृष्ट作品 को एक "समकालीन प्रतिध्वनि" के साथ जोड़कर करना चाहते हैं - IdeelArt के कलाकारों की सूची में शामिल ऐसे अमूर्त कलाकार के साथ, जिनकी कृतियाँ पिकासो की मूल कृति की विशिष्ट भावना, तकनीक, संरचना या भावनात्मक भार से सामंजस्य रखती हैं। 1905 के एक किशोर के चित्र को 2026 की अमूर्त पेंटिंग से जोड़ना प्रत्यक्ष उत्तराधिकार के बजाय व्याख्या का अभ्यास है, फिर भी हमारा मानना है कि ये जोड़ आधुनिक कला के इतिहास और उसके जीवंत, सांस लेते भविष्य के बीच एक आकर्षक संवाद प्रकट करते हैं।

नीला दौर (1901 - 1904) 

इस युग का नाम पिकासो की उस समय की अनेक पेंटिंग्स में दिखाई देने वाले नीले रंगों के कारण पड़ा। पिकासो ने स्वयं केवल नीले रंगों में चित्र बनाने के अपने निर्णय का कारण अपने मित्र कार्लोस कासाजेमास की मृत्यु के बाद महसूस हुए अवसाद को बताया था, जिसने पेरिस के एक कैफ़े में अपने सिर में गोली मारकर आत्महत्या कर ली थी। इस दौर की सबसे प्रिय कृतियों में से एक द ओल्ड गिटारिस्ट (1903) है। इसमें फटे-पुराने कपड़े पहने एक वृद्ध, कृशकाय व्यक्ति को बार्सिलोना की सड़कों पर अपने गिटार पर झुके हुए दिखाया गया है।

Pablo Picasso - पुराना गिटारवादक, 1903। The Art Institute of Chicago। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

यह पेंटिंग गरीबी का केवल एक चित्र नहीं है; यह कला से मिलने वाली सांत्वना पर एक गहन चिंतन है। आकृति के लंबे अंग और कोणीय मुद्रा पिकासो के स्पेनी गुरु El Greco के गहन अध्ययन को प्रकट करते हैं, जो आधुनिक पीड़ा को कला के ऐतिहासिक परंपरा से जोड़ते हैं। गिटार, पेंटिंग का एकमात्र ऐसा तत्व है जो सर्वव्यापी नीले रंग से थोड़ा हटता है, और कला को जीवनरेखा, ठंडी दुनिया में गर्माहट और जीवित रहने के स्रोत के रूप में दर्शाता है।

पिकासो अमूर्त कलाकार नहीं थे, फिर भी उनका नीला दौर उस सिद्धांत पर आधारित है जो अमूर्त कला को परिभाषित करता है: रंग स्वयं एक भावना है। उन्होंने मौन और आत्मचिंतन का वातावरण बनाने के लिए नीले रंग का उपयोग किया।

आज, स्कॉटिश कलाकार Eric Cruikshank इस विचार को उसकी चरम परिणति तक ले जाते हैं। जहाँ पिकासो उदासी व्यक्त करने के लिए भिखारी की आकृति पर निर्भर थे, वहीं Cruikshank पूछते हैं कि क्या केवल रंग ही भावना का पूरा भार वहन कर सकता है। अपनी तूलिका के निशानों को हटाने की कठोर, घटाव-आधारित प्रक्रिया का उपयोग करके, Cruikshank वातावरणीय रंगों के "परदों" का निर्माण करते हैं, जो पिकासो के नीले रंग की तरह, दुनिया के शाब्दिक चित्र के बजाय किसी भावना की मायावी स्मृति को संजोते हैं। वे सिद्ध करते हैं कि किसी गीत को चित्रित करने के लिए गिटार की आवश्यकता नहीं होती।

Eric Cruikshank - P076, 2024

गुलाबी (पिंक) दौर (1904 – 1906) 

1904 में पिकासो को Fernande Olivier से प्रेम हो गया और उन्होंने अपनी शैली की दिशा को दो गहन तरीकों से बदल दिया। पहला, शोक से प्रेम की ओर बढ़ते हुए, उन्होंने नीले रंगों में चित्र बनाना बंद कर दिया और गुलाबी, नारंगी तथा मिट्टी के रंगों की ओर मुड़ गए। दूसरा, वे मानव शरीर के सूक्ष्म चित्रण से हटकर मानव आकृतियों के अधिक शैलीबद्ध चित्रण की ओर बढ़े। इस दौर का सबसे प्रसिद्ध उदाहरण पाइप वाला लड़का है।

Pablo Picasso - पाइप वाला लड़का (Garçon à la Pipe), 1905। Helen Birch Bartlett Memorial Collection। 1926.253। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

विषय "P’tit Louis" है, जो मॉनमार्त्र में पिकासो के स्टूडियो में अक्सर आने वाला स्थानीय किशोर आवारा था। हालाँकि पेंटिंग में उदासी का भाव बना रहता है, गुलाबों की माला और पुष्पीय पृष्ठभूमि ब्लू पीरियड की निराशा से अलगाव का संकेत देती है। लड़के की दृष्टि उदासीन, लगभग रहस्यवादी है और उसके हाथ में अजीब ढंग से पकड़ी गई पाइप बोहेमियन जीवन और आत्मचिंतन के प्रतीक के रूप में काम करती है। यह कृति उस महत्वपूर्ण क्षण को चिह्नित करती है जब पिकासो कठोर यथार्थवाद से अधिक मनोदशा और गीतात्मकता को प्राथमिकता देने लगते हैं और किशोरावस्था की ऐसी नाज़ुक छवि रचते हैं जो कालातीत भी है और सम्मोहक रूप से उदास भी।

अपने रोज़ काल में पिकासो ने साधारण चित्रण से आगे बढ़कर एक मनोदशा - नाज़ुकता और काव्य की उस अनुभूति - को अभिव्यक्त किया, जो विषय और दर्शक के बीच मौजूद थी।

आज, पेरिस में रहने वाली कलाकार Macha Poynder अमूर्तन के माध्यम से इसी तरह की काव्यात्मक आकांक्षा को आगे बढ़ाती हैं। "रंग ध्वनियाँ हैं" इस दर्शन से प्रभावित होकर वे ऐसी रचनाएँ बनाती हैं जो दृश्य कॉर्ड्स की तरह काम करती हैं। जैसे पिकासो ने अपनी कृति की भावनात्मक कुंजी को निराशा से नाज़ुक ऊष्मा की ओर बदलने के लिए गुलाबी रंग का इस्तेमाल किया, वैसे ही Poynder रंग की परतदार धुलाई और लयात्मक, सुलेखीय रेखाओं का उपयोग करके "ऐसी खिड़कियाँ बनाती हैं जहाँ दृश्य और अदृश्य एक-दूसरे को स्पर्श करते हैं।" उनका काम सिद्ध करता है कि कला में "काव्यात्मक" होने का संबंध विषय-वस्तु से नहीं, बल्कि स्वयं सतह की गूँज से है।

Macha Poynder  - हम सभी फ़ीनिक्स हैं, भले ही हमें इसका पता न हो - 2020

अफ़्रीकी काल (1907 – 1909) 

आइबेरियाई मूर्तियों और अफ़्रीकी मुखौटों से प्रभावित होकर पिकासो ने पारंपरिक परिप्रेक्ष्य से पूरी तरह स्वयं को मुक्त कर लिया। इसी दौरान, 1906 में दिवंगत हुए पॉल सेज़ान की बाद की कृतियों की सपाटता से भी वे प्रेरित हुए। तेज़ प्रयोगों के इस दौर में पिकासो ने अपनी पेंटिंग्स की दृश्य भाषा को काफ़ी हद तक सरल कर दिया और धीरे-धीरे अमूर्तन की ओर बढ़ते गए। इस दौर की सबसे महत्वपूर्ण पेंटिंग Les Demoiselles d'Avignon है, जिसे आद्य-क्यूबिस्ट माना जाता है, क्योंकि इसमें वे सभी मूलभूत तत्व मौजूद हैं जो आगे चलकर इस शैली की पहचान बने।

इस पेंटिंग में वेश्यालय की पाँच नग्न महिलाओं को दर्शाया गया है। उनके शरीर तीखे, खुरदरे तल में खंडित हैं, जो उस स्थान को चीरते हुए प्रतीत होते हैं जिसमें वे मौजूद हैं। 

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

यह केवल एक नई शैली नहीं थी; यह अतीत की "शिष्ट" कला के विरुद्ध आक्रामकता का कृत्य था। दाईं ओर की दो आकृतियों के चेहरे मुखौटों जैसे हैं, जो पश्चिमी सौंदर्य-मानदंडों के लिए भयावह रूप से अपरिचित हैं। आकृति को पृष्ठभूमि के साथ मिलाकर और एक साथ कई दृष्टिकोण दिखाकर, पिकासो ने केवल एक दृश्य चित्रित नहीं किया, बल्कि हमारे वास्तविकता को देखने के तरीके को ही ध्वस्त कर दिया। इस क्रांतिकारी विखंडन ने क्यूबिज़्म की सीधी नींव रखी।

अमेरिकी चित्रकार Susan Cantrick इस बौद्धिक परंपरा की समकालीन उत्तराधिकारी हैं। उनके काम में वह चीज़ें उपयोग होती हैं जिन्हें आलोचकों ने "ऐसे क्यूबिस्ट के साधन कहा है जो स्थान को विघटित करके फिर से रचता है।" पिकासो की तरह, वह स्पष्ट किनारों वाली स्थापत्य संरचनाओं को प्रवाही, हाव-भावपूर्ण रेखांकन के साथ मिलाकर एक "संकर" दृश्य भाषा रचती हैं। लेकिन जहाँ पिकासो ने मानव शरीर को खंडित किया, Cantrick स्वयं बोध की प्रक्रिया को खंडित करती हैं और आधुनिक दुनिया में हमारे द्वारा सूचना को संसाधित करने के जटिल, खंडित तरीके को उजागर करने के लिए कैनवास को "डिजिटल और एनालॉग" परतों में विभाजित करती हैं।

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©the artist

क्यूबिज़्म और कोलाज (1908 – 1912) 

आविष्कार करने के अलावा क्यूबिज़्म, जिसने एक-बिंदु परिप्रेक्ष्य की पुनर्जागरण परंपरा को चकनाचूर कर दिया, पिकासो और उनके समकालीन Georges Braque ने भी उसी समय अपने कैनवस में "वास्तविक दुनिया" का मलबा शामिल करने के प्रयोग शुरू किए। इस कदम ने पेंटिंग की परिभाषा को ही चुनौती दी। इस दौर की सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक है कुर्सी की बुनाई वाला स्थिर जीवन (1912)। 

Pablo Picasso - कुर्सी की बुनाई वाला स्थिर जीवन, 1912। Musée Picasso। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

यह छोटा, अंडाकार आकार का काम व्यापक रूप से पहली ललित-कला कोलाज माना जाता है। पिकासो ने कुर्सी की बुनाई के पैटर्न से छपे ऑयलक्लॉथ के एक टुकड़े को सीधे कैनवास पर चिपकाया और उसे रस्सी के एक टुकड़े से फ्रेम किया। बड़े पैमाने पर उत्पादित, औद्योगिक सामग्रियों को "उच्च कला" की रचना में शामिल करके, पिकासो ने कला और वस्तु, वास्तविकता और भ्रम के बीच की रेखा धुंधली कर दी। यह एक वैचारिक छलांग थी जिसने दादावाद से लेकर पॉप आर्ट तक हर चीज़ के लिए द्वार खोल दिया और साबित किया कि सड़क की सामग्रियों का स्थान संग्रहालय में है।

पिकासो द्वारा रस्सी और ऑयलक्लॉथ का प्रयोग यह सिद्ध करता है कि पेंटिंग का सपाट होना आवश्यक नहीं था। वह स्वयं दुनिया से निर्मित एक भौतिक संरचना हो सकती थी।

ब्रिटिश कलाकार Anthony Frost इस विरासत को तीव्र ऊर्जा के साथ आगे बढ़ाते हैं। बनावट का भ्रम पैदा करने के बजाय, वे अपने तटीय परिवेश की कच्ची सामग्रियों—पाल का कपड़ा, फलों की जाली, टाट और झांवा पत्थर—का उपयोग करके अपनी सतहें बनाते हैं। जिस तरह पिकासो ने अपनी रचना को फ़्रेम करने के लिए रस्सी का इस्तेमाल किया, उसी तरह Frost कैनवास से बाहर उभरी उभार-जैसी परतें बनाने के लिए औद्योगिक जाली और रबर का उपयोग करते हैं। उनका काम कोलाज क्रांति का सीधा वंशज है: यह याद दिलाता है कि कला केवल देखने के लिए बनाई गई छवि नहीं, बल्कि अनुभव की जाने वाली एक भौतिक वस्तु है।

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©the artist

नव-शास्त्रीयतावाद (1918 - 1928) 

1918 में, प्रथम विश्व युद्ध की समाप्ति से कुछ समय पहले, पिकासो ने बैले रूसेस की बैलेरिना ओल्गा खोखलोवा से विवाह किया, जो उनकी पहली पत्नी थीं। युद्धोत्तर युग में यूरोप की कलाओं में "रिटर्न टू ऑर्डर" का दौर आया और पिकासो ने भी इसका अनुसरण करते हुए कुछ समय के लिए क्यूबिज़्म के विखंडन से हटकर फ़्रांसीसी उस्ताद इंग्र की कला से प्रेरित भव्य, मूर्तिकला-सदृश शैली अपनाई।

इसका एक उत्कृष्ट उदाहरण आर्मचेयर में ओल्गा का चित्र (1918) है।

Pablo Picasso - आर्मचेयर में ओल्गा का चित्र (Portrait of Olga in an Armchair), 1918। पिकासो संग्रहालय पेरिस, पेरिस, फ़्रांस। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

यह पेंटिंग तनाव की एक उत्कृष्ट मिसाल है। पिकासो ने ओल्गा के चेहरे को फ़ोटोग्राफ़िक, चीनी-मिट्टी जैसी सटीकता के साथ उकेरा है और कठोर शास्त्रीय नियमों का पालन किया है। हालांकि, उन्होंने कैनवास के बाकी हिस्से को जानबूझकर "नॉन-फिनितो" (अधूरा) अवस्था में छोड़ दिया है। आर्मचेयर एक सपाट ग्राफ़िक पैटर्न है, और खाली पृष्ठभूमि के सामने पोशाक एक कच्चे, रेखीय स्केच में विलीन हो जाती है। अत्यधिक यथार्थवाद को खुले कैनवास के साथ juxtapose करके, पिकासो यह स्थापित करते हैं कि पेंटिंग वास्तविकता की खिड़की नहीं, बल्कि एक निर्मित सतह है, जहाँ पूर्ण और अपूर्ण साथ-साथ रह सकते हैं।

इस चित्र में पिकासो ने दिखाया कि खाली स्थान "कुछ नहीं" नहीं है: यह एक सक्रिय डिज़ाइन तत्व है। उन्होंने पोशाक का आयतन निर्धारित करने के लिए कच्ची रेखा का इस्तेमाल किया, बिना उसे भरने के।

फ़्रांसीसी कलाकार मैरी द लिग्नेरोल अपनी कला-साधना इसी सिद्धांत के इर्द-गिर्द विकसित करती हैं। उनका काम "प्रतिरूप" और "रिक्तता" की अवधारणाओं का अन्वेषण करता है और खाली स्थान को "अनुपस्थिति के भीतर उपस्थिति" के रूप में देखता है। ओल्गा की पोशाक के साथ पिकासो के व्यवहार की तरह, द लिग्नेरोल रेखा को एक प्राथमिक संरचनात्मक साधन के रूप में इस्तेमाल करती हैं, जिससे कागज़ का सफ़ेद भाग रंग जितना ही महत्व धारण करता है। वे सिद्ध करती हैं कि कला में जिसे आप छोड़ देते हैं, वह अक्सर उतना ही महत्वपूर्ण होता है जितना आप उसमें शामिल करते हैं।

मैरी द लिग्नेरोल - मेडितेरेनी - 2024 - ©the artist

अतियथार्थवाद (1928 - 1948) 

1920 के दशक के उत्तरार्ध और 1930 के दशक के आरंभ में, अतियथार्थवादी आंदोलन और मैरी-थेरेज़ वाल्टर के साथ अपने भावुक प्रेम-संबंध से प्रभावित होकर, पिकासो ने मानव आकृति को बिल्कुल नए, क्रांतिकारी तरीकों से विकृत करना शुरू किया। इस दौर में उनकी कुछ सबसे कामुक और मनोवैज्ञानिक रूप से गहन कृतियाँ बनीं।

इस काल के दो प्रमुख उदाहरण हैं समुद्र-तट पर आकृतियाँ (1931) और द ड्रीम (1932) (शीर्षक छवि देखें)।

पाब्लो पिकासो - समुद्र-तट पर आकृतियाँ, 1931। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

समुद्र-तट पर आकृतियाँ में, चुंबन में बंधी दो आकृतियों को चिकने, जैव-आकृतिक रूपों में बदल दिया गया है, जो मानव शरीर-विज्ञान की अपेक्षा मौसम से घिसे पत्थरों या हड्डियों जैसी अधिक लगती हैं। यह इच्छा का विकृत किंतु कोमल चित्रण है, जो मनोवैज्ञानिक सत्य उजागर करने के लिए शाब्दिकता को हटा देता है। इसी तरह, द ड्रीम में मैरी-थेरेज़ को कामुक तंद्रा की अवस्था में दिखाया गया है; उनका चेहरा एक लैंगिक प्रोफ़ाइल से विभाजित है और शरीर को कोमल, घुमावदार रेखाओं में प्रस्तुत किया गया है, जो अवचेतन मन की तरलता को प्रतिध्वनित करती हैं। साथ मिलकर, ये कृतियाँ जैव-आकृतिवाद पर पिकासो के प्रभुत्व को दर्शाती हैं, जहाँ शरीर को विचित्र, कोमल आकृतियों वाले परिदृश्य में बदलकर सपनों और इच्छा की छिपी दुनिया को व्यक्त किया गया है।

पिकासो ने इन अतियथार्थवादी, जैविक आकारों का उपयोग यह दिखाने के लिए किया कि अवचेतन मन वास्तविकता को कैसे विकृत करता है और मानव आकृति को किसी तरल, कोशिकीय रूप में बदल देता है।

समकालीन कलाकार Daniela Marin इसी "आंतरिक परिदृश्य" का अन्वेषण करती हैं। उनकी पेंटिंग्स "जीवंत, प्रोटोज़ोआ जैसे आकारों" और घुमावदार रूपों से सजीव हैं, जो पिकासो की अतियथार्थवादी आकृतियों के जैविक, जैविकीय वक्रों का प्रतिबिंब हैं। तनाव को प्राकृतिक सामंजस्य के साथ संतुलित करते हुए, Marin ऐसी दुनिया का संकेत देती हैं जहाँ सूक्ष्मजीवी जीवन और मानवीय भावनाएँ एक-दूसरे में गुंथी हुई हैं और भीतर की ओर देखकर प्रकृति के आकार खोजने की अतियथार्थवादी परंपरा को आगे बढ़ाती हैं। 

Daniela Marin - बैरियो त्रॉपिको XI - 2023 - ©the artist

गुएर्निका (1937) 

1936 से 1939 तक स्पेन राष्ट्रवादी और गणतंत्रवादी शक्तियों के बीच गृहयुद्ध की स्थिति में था। राष्ट्रवादी जर्मनी और इटली की फ़ासिस्ट शक्तियों के साथ जुड़े हुए थे। 1937 के वसंत में, स्पेनिश राष्ट्रवादियों के अनुरोध पर जर्मन और इतालवी विमानों ने बास्क गाँव गुएर्निका पर बमबारी की। यह पहली बार था जब किसी आधुनिक वायुसेना ने निहत्थी नागरिक आबादी पर हमला किया। उसी वर्ष की शुरुआत में, स्पेनिश गणतंत्रवादियों ने पेरिस में 1937 के विश्व मेले के लिए एक भित्तिचित्र बनाने का काम पिकासो को सौंपा था। मेले के लिए पिकासो ने जो कृति बनाई, वह बमबारी की प्रतिक्रिया थी: वह गुएर्निका थी।

Pablo Picasso - गुएर्निका, 1937। म्यूज़ियो नासियोनाल सेंट्रो दे आर्ते रीना सोफ़िया। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

व्यापक रूप से पिकासो की उत्कृष्ट कृति मानी जाने वाली गुएर्निका में शहरी खंडहरों के बीच मुड़े-तुड़े शरीरों और चीखते हुए जानवरों का एक दुःस्वप्न जैसा दृश्य चित्रित है। सौंदर्य की दृष्टि से, इसमें क्यूबिज़्म के विखंडन और अतियथार्थवाद के दुःस्वप्न-तर्क का मिश्रण है। अपनी रंग-सारणी को तीखे काले, सफेद और धूसर रंगों तक सीमित करके पिकासो ने अख़बारों की तस्वीरों की खुरदरी तात्कालिकता जगाई और ललित कला तथा पत्रकारिता के बीच की रेखा धुंधली कर दी। यह अब भी युद्ध-विरोधी अंतिम वक्तव्य है, इस बात का प्रमाण कि कला क्रूरता के विरुद्ध एक हथियार हो सकती है।

पिकासो ने गुएर्निका यह सुनिश्चित करने के लिए चित्रित की कि दुनिया किसी नरसंहार से मुँह न मोड़ सके। उन्होंने सिद्ध किया कि कलाकार का नैतिक दायित्व विनाश का साक्षी बनना है।

जर्मन कलाकार Reiner Heidorn "दृश्य साक्ष्य" की इस परंपरा को 21वीं सदी में आगे बढ़ाते हैं, लेकिन उनका ध्यान युद्ध के विनाश से हटकर ग्रह के विनाश पर केंद्रित हो जाता है। अपनी विशिष्ट "Dissolutio" तकनीक का उपयोग करते हुए, Heidorn विशाल, डुबो देने वाले तैलचित्र बनाते हैं जो जलवायु परिवर्तन और मानवता तथा प्रकृति के बीच संबंध के विलुप्त होते जाने को संबोधित करते हैं। जिस तरह पिकासो ने अपने समय की हिंसा का सामना दर्शक से कराने के लिए भित्तिचित्र का प्रारूप इस्तेमाल किया, उसी तरह Heidorn हमारे समय की "पारिस्थितिक हिंसा" का सामना कराने के लिए पैमाने और तीव्र, विलीन होती बनावटों का उपयोग करते हैं और हमसे आग्रह करते हैं कि हम प्राकृतिक संसार के विलुप्त होने से अपनी नज़र न फेरें।

Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©the artist

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद

1973 में अपनी मृत्यु तक पिकासो कला बनाते रहे और अक्सर उन विधियों तथा शैलियों की ओर लौटते रहे जिन्हें उन्होंने अपने जीवन के पहले के दौर में खोजा था। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, पिकासो दक्षिणी फ़्रांस चले गए और अपने अंतिम, अत्यंत उत्पादक चरण में प्रवेश किया। वे दुनिया के सबसे प्रसिद्ध जीवित कलाकार बन चुके थे और उन्हें बड़े पैमाने की सार्वजनिक कृतियों से लेकर आम घरेलू उपयोग की वस्तुओं तक, हर चीज़ बनाने के लिए काम सौंपा जाता था। 1953 में उनकी मुलाक़ात उस महिला से हुई जो उनकी दूसरी पत्नी बनने वाली थीं, जैकलीन रोक। उस समय पिकासो 72 वर्ष के थे; जैकलीन 27 वर्ष की थीं। उन्होंने अपने जीवन की किसी भी अन्य महिला से अधिक बार उनका चित्र बनाया: केवल 20 वर्षों में 400 से अधिक बार। इस जुनून का एक प्रभावशाली उदाहरण है फूलों के साथ जैकलीन (1954)।

Pablo Picasso - फूलों के साथ जैकलीन, 1954। पिकासो संग्रहालय, पेरिस, फ़्रांस। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

इस चित्र में पिकासो अपनी पिछली प्रेमिकाओं की कोमल वक्राकार आकृतियों को छोड़कर कठोर, पदानुक्रमित शैली अपनाते हैं। जैकलीन को लंबी गर्दन और बड़ी, स्थिर दृष्टि वाली आँखों के साथ चित्रित किया गया है (जो उनकी पहचान की विशेषता थीं), जिससे वह एक आधुनिक स्फिंक्स जैसी लगती हैं। रंगों का प्रयोग नई तत्परता और गति के साथ किया गया है, जो उनके अंतिम वर्षों की कच्ची, "अविकसित" शैली का पूर्वाभास देता है। उस समय आलोचकों ने इन अंतिम कृतियों को एक वृद्ध, विक्षिप्त व्यक्ति की खुरचनों के रूप में खारिज कर दिया था; आज इन्हें नव-अभिव्यंजनावाद का अग्रदूत माना जाता है और इनकी उग्रता तथा स्वतंत्रता के लिए सराहा जाता है।

जैकलीन के चित्रों में पिकासो ने "परिपूर्ण" बनने की कोशिश छोड़ दी। उन्होंने कच्ची, ग्राफ़िक गति से चित्र बनाए और परिष्कृत तकनीक की बजाय छवि के तत्काल प्रभाव को प्राथमिकता दी।

समकालीन कलाकार Tommaso Fattovich इसी उन्मत्त ऊर्जा को अपने काम में प्रवाहित करते हैं। पूरी तरह अमूर्त होते हुए भी, उनकी "अमूर्त पंक" रचनाएँ पिकासो के उत्तरकालीन चित्रों की संरचनात्मक घनत्व और ग्राफ़िक शक्ति साझा करती हैं। Fattovich अपनी छवियाँ तेज़ी से, परत दर परत बनाते हैं और कैनवास पर एक ऐसी केंद्रीय "उपस्थिति" रचते हैं, जिसका भार लगभग आकृतिमय महसूस होता है। जैकलीन के चेहरे की पिकासो जैसी जुनूनी पुनरावृत्ति के समान, Fattovich का काम कैनवास पर निशान अंकित करने की बाध्यकारी आवश्यकता से प्रेरित है, जिसके परिणामस्वरूप ऐसी कला सामने आती है जो किसी चित्र से कम और अचानक घटित होने वाली, निर्विवाद घटना से अधिक लगती है۔

Tommaso Fattovich - वाइल्ड स्ट्रॉबेरी - 2025 - ©the artist

एक अनंत विरासत

पिकासो ने एक बार कहा था, "कला सुंदरता के किसी सिद्धांत का अनुप्रयोग नहीं है, बल्कि वह है जिसकी कल्पना सहज प्रवृत्ति और मस्तिष्क किसी भी सिद्धांत से परे कर सकते हैं।" आगे बढ़ते रहने, आकृति को खंडित करने, परिप्रेक्ष्य को विघटित करने और अचेतन को चित्रित करने की यह अथक प्रेरणा ही उनकी सच्ची विरासत है। यह 1973 में उनकी मृत्यु के साथ समाप्त नहीं हुई। यह फैलती गई और नए रूपों तथा नए प्रश्नों में विकसित होती गई।

इन उत्कृष्ट कृतियों के साथ प्रस्तुत समकालीन कलाकार, Eric Cruikshank के वातावरणमय एकरंगी चित्रों से लेकर Tommaso Fattovich की पंक ऊर्जा तक, इस जीवंत परंपरा के प्रमाण हैं। वे हमें याद दिलाते हैं कि कला का इतिहास बंद अध्यायों की श्रृंखला नहीं, बल्कि एक निरंतर, खुली बातचीत है। चाहे वह एकल रंग की शांति के माध्यम से व्यक्त हो या नष्ट की गई सतह की अराजकता के माध्यम से, पिकासो की सदी को परिभाषित करने वाली सृजनशीलता की भावना हमारी सदी में भी पूरी तरह जीवित है।

Phillip Barcio द्वारा (2016)। Francis Berthomier द्वारा संपादित (2026)।

विशेष छवि: Pablo Picasso - ले रेव (द ड्रीम), 1932। कैनवास पर तेलरंग। 130 सेमी × 97 सेमी। निजी संग्रह। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. सभी छवियों का उपयोग केवल उदाहरण के लिए किया गया है

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