सबसे प्रसिद्ध पाब्लो पिकासो चित्रकृतियाँ (और कुछ अमूर्त उत्तराधिकारी)

सबसे प्रसिद्ध पाब्लो पिकासो पेंटिंग्स को मापना कोई सरल कार्य नहीं है। पाब्लो पिकासो (जिन्हें उनके पूरे बपतिस्मा नाम, पाब्लो डिएगो जोस फ्रांसिस्को दे पाउला जुआन नेपोमुसेनो दे लॉस रेमेडियोस क्रिस्पिन सिप्रियानो दे ला सैंटिसिमा ट्रिनिडाड रुइज़ वाई पिकासो के नाम से भी जाना जाता है!) को गिनीज़ वर्ल्ड रिकॉर्ड्स में इतिहास के सबसे अधिक उत्पादक पेशेवर चित्रकार के रूप में सूचीबद्ध किया गया है। उन्होंने अपनी पहली कला कक्षाओं के समय 7 वर्ष की उम्र से लेकर 91 वर्ष की मृत्यु तक 1,300 से 1,900 के बीच पेंटिंग्स बनाई। हालांकि सबसे उल्लेखनीय बात पिकासो की पेंटिंग्स की संख्या नहीं है, बल्कि यह है कि कितनी पेंटिंग्स को मास्टरपीस माना जाता है। यह समझते हुए कि कोई भी पिकासो शीर्ष सूची विवादास्पद नहीं हो सकती, हमारा विनम्र प्रयास उनके कई चरणों के प्रसिद्ध कार्यों को शामिल करता है, जो उनके प्रभावशाली करियर की संपूर्णता पर प्रकाश डालता है।

और हमने इस कार्य में थोड़ी जटिलता जोड़ने का निर्णय लिया: पिकासो, अधिकांशतः, एक आकृतिपूर्ण चित्रकार थे। उन्होंने लोगों, बैलों, गिटारों और युद्धों को चित्रित किया। फिर भी, उनके क्रांतिकारी नवाचारों ने बाद में आए सार कला के लिए सीधे आधारशिला रखी। इस लेख में, हम इस विरासत का अन्वेषण करने का प्रयास करते हैं, उनके प्रत्येक प्रतिष्ठित मास्टरपीस को IdeelArt की सूची के एक सार कलाकार के "आधुनिक प्रतिध्वनि" के साथ जोड़कर, जिनका काम पिकासो के मूल की विशिष्ट भावना, तकनीक, संरचना या भावनात्मक भार के साथ मेल खाता है। जबकि 1905 के एक किशोर के चित्र को 2026 की एक सार पेंटिंग से जोड़ना प्रत्यक्ष उत्तराधिकार की तुलना में व्याख्या का अभ्यास है, हमें विश्वास है कि ये जोड़े आधुनिक कला के इतिहास और इसके जीवंत, सांस लेने वाले भविष्य के बीच एक रोचक संवाद प्रकट करते हैं।

द ब्लू पीरियड (1901 - 1904) 

इस युग का नाम पिकासो की उस समय की कई पेंटिंग्स में प्रचलित नीले रंग के लिए रखा गया है। पिकासो ने खुद अपने केवल नीले रंग में चित्र बनाने के चयन को अपने मित्र कार्लोस कासागेमास की मृत्यु के बाद महसूस हुई अवसाद से जोड़ा, जिसने पेरिस के एक कैफे में अपने सिर में गोली मार ली थी। इस अवधि के सबसे प्रिय कार्यों में से एक है द ओल्ड गिटारिस्ट (1903)। यह बार्सिलोना की सड़कों पर अपने गिटार के ऊपर झुके हुए, एक वृद्ध, कुपोषित व्यक्ति को फटे हुए कपड़ों में दर्शाता है।

Pablo Picasso - The Old Guitarist, 1903। द आर्ट इंस्टिट्यूट ऑफ़ शिकागो। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), न्यूयॉर्क

यह पेंटिंग गरीबी का केवल एक चित्र नहीं है; यह कला के सांत्वना पर एक गहरा ध्यान है। आकृति की लंबी अंगुलियां और कोणीय मुद्रा पिकासो के स्पेनिश मास्टर एल ग्रेको के गहरे अध्ययन को दर्शाती है, जो आधुनिक पीड़ा को कला के ऐतिहासिक परंपरा से जोड़ती है। गिटार, जो पेंटिंग में एकमात्र तत्व है जो व्यापक नीले रंग से थोड़ा हटकर है, कला को जीवनरेखा, ठंडे संसार में गर्माहट और जीवित रहने का स्रोत प्रतीक करता है।

पिकासो एक अमूर्त कलाकार नहीं थे, फिर भी उनका ब्लू पीरियड उस सिद्धांत पर आधारित है जो अमूर्तता को परिभाषित करता है: कि रंग स्वयं एक भावना है। उन्होंने शांति और आत्मनिरीक्षण का माहौल बनाने के लिए नीले रंग का उपयोग किया।

आज, स्कॉटिश कलाकार Eric Cruikshank उस तर्क को अंतिम निष्कर्ष तक ले जाते हैं। जहां पिकासो ने दुख व्यक्त करने के लिए भिखारी की आकृति पर निर्भर किया, वहां Cruikshank पूछते हैं कि क्या केवल रंग ही भावना के भार को वहन करने के लिए पर्याप्त है। अपने स्वयं के ब्रशस्ट्रोक्स को हटाने के लिए एक कठोर, अपवर्तक प्रक्रिया का उपयोग करते हुए, Cruikshank "परतों" का निर्माण करते हैं जो, पिकासो के नीले की तरह, भावना की मायावी स्मृति को पकड़ते हैं न कि दुनिया की एक सटीक तस्वीर। वह साबित करते हैं कि एक गीत पेंट करने के लिए गिटार की जरूरत नहीं होती।

Eric Cruikshank - P076, 2024

द रोज़ (गुलाबी) अवधि (1904 – 1906) 

1904 में, पिकासो फर्नांडे ओलिवियर से प्यार में पड़ गए, और अपने शैली की दिशा को दो गहरे तरीकों से बदल दिया। पहला, दुःख से रोमांस की ओर संक्रमण में, उन्होंने नीले रंगों में पेंटिंग करना बंद कर दिया और गुलाबी, नारंगी और पृथ्वी के रंगों की ओर बढ़ गए। दूसरा, उन्होंने मानव आकृति की सूक्ष्म चित्रण से अधिक स्टाइलिश मानव चित्रण की ओर संक्रमण किया। इस अवधि का सबसे प्रसिद्ध उदाहरण है पाइप वाला लड़का।

Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (पाइप वाला लड़का), 1905। हेलेन बर्च बार्टलेट मेमोरियल कलेक्शन। 1926.253। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), न्यूयॉर्क

विषय "प’टिट लुई" है, एक स्थानीय किशोर आवारा जो पिकासो के मोंटमार्ट्रे स्टूडियो में अक्सर आता था। जबकि चित्र में उदासी की भावना बनी रहती है, गुलाबों की माला और पुष्प पृष्ठभूमि ब्लू पीरियड की निराशा से एक प्रस्थान का संकेत देते हैं। लड़के की दृष्टि अलग-थलग, लगभग रहस्यमय है, और वह पाइप जो वह पकड़ता है, जो उसके हाथ में अजीब तरह से स्थित है, बोहेमियन जीवन और आत्मनिरीक्षण का प्रतीक है। यह काम एक महत्वपूर्ण क्षण को दर्शाता है जहाँ पिकासो सख्त यथार्थवाद के बजाय मूड और गीतात्मकता को प्राथमिकता देने लगते हैं, एक किशोर नाजुकता की छवि बनाते हैं जो कालातीत और भूतिया दोनों है।

अपने रोज़ पीरियड में, पिकासो ने सरल प्रतिनिधित्व से आगे बढ़कर एक मूड को कैद किया—एक नाजुकता और काव्यात्मकता की भावना जो विषय और दर्शक के बीच मौजूद थी।

आज, पेरिस स्थित कलाकार Macha Poynder अमूर्तता के माध्यम से समान काव्यात्मक महत्वाकांक्षा का पीछा करते हैं। "रंग ध्वनियाँ हैं" इस दर्शन से प्रभावित होकर, वह ऐसे संयोजन बनाते हैं जो दृश्य तारों की तरह काम करते हैं। जैसे पिकासो ने अपने काम की भावनात्मक कुंजी को निराशा से नाजुक गर्माहट में बदलने के लिए गुलाबी रंग का उपयोग किया, वैसे ही Poynder रंग की परतदार धुलाई और काव्यात्मक, सुलेखात्मक रेखाओं का उपयोग करके "खिड़कियाँ बनाते हैं जहाँ दृश्य और अदृश्य छूते हैं।" उनका काम साबित करता है कि कला में "काव्यात्मक" विषय वस्तु के बारे में नहीं है, बल्कि सतह की गूंज के बारे में है।

Macha Poynder  - हम सभी फीनिक्स हैं, भले ही हमें इसका पता न हो - 2020

अफ्रीकी काल (1907 – 1909) 

इबेरियन मूर्तियों और अफ्रीकी मुखौटों से प्रभावित होकर, पिकासो ने पारंपरिक दृष्टिकोण से पूरी तरह मुक्त हो गए। साथ ही, उन्हें पॉल सेज़ान के बाद के कार्यों की सपाटता से प्रेरणा मिली, जो 1906 में निधन हो गए थे। इस तीव्र प्रयोग के समय के दौरान, पिकासो ने अपनी चित्रकला की दृश्य भाषा को काफी हद तक कम कर दिया, और अमूर्तता की ओर अधिक झुकाव दिखाया। इस अवधि की सबसे महत्वपूर्ण चित्रकला लेस डेमोइसल्स ड'एविग्नॉन है, जिसे प्रोटो-क्यूबिस्ट माना जाता है, क्योंकि इसमें वे सभी आवश्यक तत्व शामिल हैं जो अंततः उस शैली को परिभाषित करेंगे।

यह चित्र एक वेश्यालय में पांच नग्न महिलाओं को दर्शाता है, जिनके शरीर तेज, खुरदरे तलुओं में टूटे हुए हैं जो उस स्थान को चीरते हुए प्रतीत होते हैं जहाँ वे रहती हैं। 

Pablo Picasso - लेस डेमोइसल्स ड'एविग्नॉन, 1907। म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट, न्यूयॉर्क। © 2019 एस्टेट ऑफ पाब्लो पिकासो / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

यह केवल एक नई शैली नहीं थी; यह अतीत की "शिष्ट" कला के खिलाफ एक आक्रामक कार्य था। दाईं ओर के दो आंकड़े मुखौटा जैसे चेहरे पहनते हैं जो पश्चिमी सौंदर्य मानक के लिए भयानक रूप से विदेशी हैं। आकृति को पृष्ठभूमि के साथ मिलाकर और एक साथ कई दृष्टिकोण दिखाकर, Picasso ने केवल एक दृश्य नहीं चित्रित किया, उन्होंने वास्तविकता को देखने के तरीके को विघटित किया। इस क्रांतिकारी विघटन ने सीधे क्यूबिज्म के लिए आधार तैयार किया।

अमेरिकी चित्रकार Susan Cantrick इस बौद्धिक विरासत की समकालीन उत्तराधिकारी हैं। उनके कार्य में वह तकनीक उपयोग की जाती है जिसे आलोचकों ने "एक क्यूबिस्ट के साधन जो स्थान को विघटित और पुनः निर्मित करता है" कहा है। Picasso की तरह, वह कठोर-किनारे वाली वास्तुशिल्प संरचनाओं को तरल, भावात्मक चिन्हों के साथ मिलाती हैं, एक "हाइब्रिड" दृश्य भाषा बनाते हुए। लेकिन जहां Picasso ने मानव शरीर को तोड़ा, Cantrick ने धारणा की क्रिया को ही तोड़ा, कैनवास को "डिजिटल और एनालॉग" परतों में विभाजित करके आधुनिक दुनिया में हम जानकारी को जटिल, खंडित तरीके से कैसे संसाधित करते हैं, यह प्रकट किया।

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©the artist

क्यूबिज्म & कोलाज (1908 – 1912) 

के अलावा आविष्कार क्यूबिज्म, जिसने पुनर्जागरण की एक-बिंदु परिप्रेक्ष्य की परंपरा को तोड़ दिया, Picasso और उनके समकालीन Georges Braque ने एक साथ अपने कैनवास पर "वास्तविक दुनिया" के मलबे जोड़ने का प्रयोग शुरू किया। इस कदम ने यह चुनौती दी कि एक चित्र क्या हो सकता है। इस युग के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक है कुर्सी कैनिंग के साथ स्थिर जीवन (1912)। 

Pablo Picasso - कुर्सी कैनिंग के साथ स्थिर जीवन, 1912। Musée Picasso। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

यह छोटा, अंडाकार आकार का कार्य व्यापक रूप से पहले फाइन-आर्ट कोलाज के रूप में माना जाता है। Picasso ने एक कुर्सी की कैनिंग पैटर्न वाली प्रिंटेड ऑयलक्लॉथ की एक टुकड़ा सीधे कैनवास पर चिपकाई और इसे रस्सी के एक टुकड़े से फ्रेम किया। औद्योगिक, बड़े पैमाने पर उत्पादित सामग्रियों को "उच्च कला" रचना में शामिल करके, Picasso ने कला और वस्तु, वास्तविकता और भ्रम के बीच की रेखा को धुंधला कर दिया। यह एक वैचारिक छलांग थी जिसने डाडावाद से लेकर पॉप आर्ट तक सब कुछ के लिए दरवाजा खोल दिया, यह साबित करते हुए कि सड़क की सामग्री संग्रहालय में होनी चाहिए।

पिकासो द्वारा रस्सी और ऑयलक्लॉथ का परिचय यह साबित करता है कि चित्रकारी को सपाट होना जरूरी नहीं था। यह स्वयं दुनिया से बनी एक भौतिक संरचना हो सकती है।

ब्रिटिश कलाकार Anthony Frost इस विरासत को जीवंत ऊर्जा के साथ आगे बढ़ाते हैं। बनावट के भ्रम बनाने के बजाय, वे अपने तटीय पर्यावरण की कच्ची सामग्री—सेलक्लॉथ, फल जाल, बर्लैप, और प्यूमिस—का उपयोग करके अपनी सतहें बनाते हैं। जैसे पिकासो ने अपने चित्र को फ्रेम करने के लिए रस्सी का उपयोग किया, Frost औद्योगिक जाल और रबर का उपयोग करके कैनवास से बाहर निकलने वाली राहत जैसी परतें बनाते हैं। उनका काम कोलाज क्रांति का सीधा वंशज है: यह याद दिलाता है कि कला केवल देखने के लिए एक छवि नहीं है, बल्कि अनुभव करने के लिए एक भौतिक वस्तु है।

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©कलाकार

नियो-क्लासिसिज्म (1918 - 1928) 

1918 में, विश्व युद्ध I के अंत से ठीक पहले, पिकासो ने अपनी पहली पत्नी, Olga Khokhlova, जो Ballets Russes की बैलेरिना थीं, से शादी की। युद्धोत्तर युग ने यूरोप में कला में "Return to Order" लाया, और पिकासो ने भी इसका पालन किया, अस्थायी रूप से क्यूबिज्म के विखंडन से हटकर फ्रांसीसी मास्टर Ingres से प्रेरित एक भव्य, मूर्तिकला शैली की ओर बढ़े।

एक आदर्श उदाहरण है Portrait of Olga in an Armchair (1918)।

Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Portrait of Olga in an Armchair), 1918। Musée Picasso Paris, पेरिस, फ्रांस। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), न्यूयॉर्क

यह चित्र तनाव में एक मास्टरक्लास है। पिकासो ओल्गा के चेहरे को फोटोग्राफिक, चीनी मिट्टी जैसी सटीकता के साथ प्रस्तुत करते हैं, जो सख्त शास्त्रीय नियमों का पालन करता है। हालांकि, वे कैनवास के बाकी हिस्से को जानबूझकर "नॉन-फिनिटो" (अधूरा) स्थिति में छोड़ देते हैं। आर्मचेयर एक सपाट ग्राफिक पैटर्न है, और ड्रेस खाली पृष्ठभूमि के खिलाफ एक कच्चे, रेखीय स्केच में घुल जाती है। चरम यथार्थवाद को खाली कैनवास के साथ juxtapose करके, पिकासो यह साबित करते हैं कि एक चित्र वास्तविकता की खिड़की नहीं है, बल्कि एक निर्मित सतह है जहाँ पूरा और अधूरा सह-अस्तित्व में हो सकते हैं।

इस चित्र में, Picasso ने दिखाया कि खाली जगह "कुछ नहीं" नहीं है: यह एक सक्रिय डिज़ाइन तत्व है। उन्होंने कच्ची रेखा का उपयोग कपड़े की मात्रा को परिभाषित करने के लिए किया बिना उसे भरने के।

फ्रांसीसी कलाकार Marie de Lignerolles अपनी कला को इसी सिद्धांत के इर्द-गिर्द बनाती हैं। उनका काम "काउंटर-फॉर्म" और "शून्यता" की अवधारणाओं की खोज करता है, खाली जगह को "अनुपस्थिति के भीतर उपस्थिति" के रूप में देखता है। Picasso के Olga के कपड़े के उपचार की तरह, de Lignerolles रेखा को एक प्राथमिक संरचनात्मक उपकरण के रूप में उपयोग करती हैं, जिससे कागज की सफेदी रंग के समान महत्व रखती है। वह साबित करती हैं कि कला में, जो आप छोड़ते हैं वह अक्सर उतना ही महत्वपूर्ण होता है जितना कि जो आप डालते हैं।

Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©कलाकार

सुररियलिज्म (1928 - 1948) 

1920 के दशक के अंत और 30 के दशक की शुरुआत में, सुररियलिस्ट आंदोलन और Marie-Thérèse Walter के साथ उनके जुनूनी संबंध से प्रभावित होकर, Picasso ने मानव आकृति को नए, क्रांतिकारी तरीकों से विकृत करना शुरू किया। इस युग ने उनके कुछ सबसे कामुक और मनोवैज्ञानिक रूप से प्रेरित कार्यों को जन्म दिया।

इस अवधि के दो प्रमुख उदाहरण हैं Figures at the Seaside (1931) और The Dream (1932) (देखें शीर्षक छवि)।

Pablo Picasso - Figures at the Seaside, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Figures at the Seaside में, दो आकृतियाँ जो एक चुंबन में बंद हैं, चिकने, जैवमॉर्फिक आकारों में घटित हो गई हैं जो मानव शरीर विज्ञान की तुलना में अधिक मौसम से घिसे हुए पत्थरों या हड्डियों जैसे दिखते हैं। यह इच्छा का एक भद्दा फिर भी कोमल चित्रण है, जो शाब्दिकता को हटाकर एक मनोवैज्ञानिक सत्य को प्रकट करता है। इसी तरह, The Dream में मैरी-थेरेस को कामुक स्वप्नावस्था में दर्शाया गया है, उसका चेहरा एक लिंगात्मक प्रोफ़ाइल द्वारा विभाजित है, उसका शरीर नरम, घुमावदार रेखाओं में प्रस्तुत किया गया है जो अवचेतन मन की तरलता की गूंज करता है। ये दोनों कृतियाँ मिलकर Picasso की जैवमॉर्फिज्म की महारत को प्रदर्शित करती हैं, शरीर को अजीब, नरम आकारों के परिदृश्य में बदलकर सपनों और इच्छा की छिपी हुई दुनिया को व्यक्त करती हैं।

पिकासो ने इन सुररियल, जैविक आकारों का उपयोग यह दिखाने के लिए किया कि कैसे अवचेतन मन वास्तविकता को विकृत करता है, मानव रूप को कुछ तरल और कोशिकीय में बदल देता है।

आधुनिक कलाकार Daniela Marin इसी "आंतरिक परिदृश्य" का अन्वेषण करती हैं। उनकी पेंटिंग्स "जीवंत, प्रोटोज़ोन आकारों" और लूपिंग रूपों से भरी हैं जो पिकासो के सुररियलिस्ट आकृतियों की जैविक, जैविक वक्रताओं को प्रतिबिंबित करती हैं। तनाव और प्राकृतिक सामंजस्य के बीच संतुलन बनाते हुए, Marin एक ऐसी दुनिया का सुझाव देती हैं जहाँ सूक्ष्म जीवन और मानवीय भावना आपस में जुड़ी होती हैं, सुररियलिस्ट परंपरा को आगे बढ़ाते हुए जो अंदर की ओर देखकर प्रकृति के आकार खोजती है। 

Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©कलाकार

Guernica (1937) 

1936 से 1939 तक, स्पेन राष्ट्रीयतावादी और गणतांत्रिक सेनाओं के बीच गृहयुद्ध की स्थिति में था। राष्ट्रीयतावादी जर्मनी और इटली के फासीवादी शक्तियों के साथ जुड़े थे। 1937 के वसंत में, जर्मन और इटालियन विमानों ने स्पेनिश राष्ट्रीयतावादियों के अनुरोध पर बास्क गांव Guernica को बमबारी की। यह पहली बार था जब एक आधुनिक वायु सेना ने एक निरस्त्रीकृत नागरिक आबादी पर हमला किया। उसी वर्ष की शुरुआत में, स्पेनिश गणतांत्रिकों ने पिकासो को 1937 के पेरिस विश्व मेले के लिए एक भित्ति चित्र बनाने का आदेश दिया था। पिकासो ने जो काम मेले के लिए बनाया वह बमबारी का जवाब था: वह था Guernica.

Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

पिकासो की उत्कृष्ट कृति मानी जाने वाली Guernica एक भयानक दृश्य प्रस्तुत करती है जिसमें मुड़े हुए शरीर और चिल्लाते हुए जानवर शहरी खंडहरों के बीच हैं। सौंदर्यशास्त्र की दृष्टि से, यह क्यूबिज्म के विखंडन को सुररियलिज्म की दुःस्वप्न जैसी तर्कशक्ति के साथ मिलाती है। अपनी रंग सीमा को काले, सफेद और ग्रे तक सीमित करके, पिकासो ने अखबार की फोटोग्राफी की सजीवता को जगाया, जिससे फाइन आर्ट और पत्रकारिता की सीमा धुंधली हो गई। यह युद्ध-विरोधी अंतिम बयान बना हुआ है, यह प्रमाण कि कला क्रूरता के खिलाफ हथियार हो सकती है।

पिकासो ने Guernica इसलिए चित्रित किया ताकि दुनिया एक नरसंहार से नजरें नहीं हटा सके। उन्होंने साबित किया कि कलाकार का नैतिक कर्तव्य होता है कि वह विनाश का साक्षी बने।

जर्मन कलाकार Reiner Heidorn "दृश्य साक्षी" की इस भूमिका को 21वीं सदी में ले जाते हैं, लेकिन उनका ध्यान युद्ध के विनाश से ग्रह के विनाश की ओर स्थानांतरित हो गया है। अपनी विशिष्ट "Dissolutio" तकनीक का उपयोग करते हुए, Heidorn विशाल, immersive ऑयल पेंटिंग बनाते हैं जो जलवायु परिवर्तन और मानवता और प्रकृति के बीच घुलते संबंध को संबोधित करती हैं। जैसे पिकासो ने अपने समय की हिंसा का सामना करने के लिए भित्ति चित्र प्रारूप का उपयोग किया, वैसे ही Heidorn पैमाने और तीव्र, घुलती बनावटों का उपयोग करते हैं ताकि हमें हमारे "पारिस्थितिक हिंसा" का सामना करना पड़े, और हम प्राकृतिक दुनिया के गायब होने से नजरें न हटाएं।

Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©कलाकार

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद

1973 में उनकी मृत्यु तक पिकासो कला बनाते रहे, अक्सर उन विधियों और शैलियों पर लौटते रहे जिन्हें उन्होंने अपने जीवन के पहले हिस्से में खोजा था। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, पिकासो फ्रांस के दक्षिण में चले गए और अपने अंतिम, उत्पादक चरण में प्रवेश किया। वे दुनिया के सबसे प्रसिद्ध जीवित कलाकार बन चुके थे और बड़े पैमाने पर सार्वजनिक कार्यों से लेकर सामान्य घरेलू सामान तक सब कुछ बनाने के लिए कमीशन प्राप्त कर रहे थे। 1953 में, उन्होंने उस महिला से मुलाकात की जो उनकी दूसरी पत्नी बनीं, जैकलीन रोक। उस समय पिकासो 72 वर्ष के थे; जैकलीन 27 वर्ष की थीं। उन्होंने अपने जीवन की किसी भी अन्य महिला की तुलना में उन्हें अधिक चित्रित किया: केवल 20 वर्षों में 400 से अधिक बार। इस जुनून का एक प्रभावशाली उदाहरण है Jacqueline with Flowers (1954)।

Pablo Picasso - Jacqueline with Flowers, 1954. Musée Picasso, Paris, France. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

इस चित्र में, पिकासो अपनी पूर्व प्रेमिकाओं की नरम वक्रताओं को छोड़कर एक कठोर, हिएराटिक शैली अपनाते हैं। जैकलीन को लंबी गर्दन और चौड़ी, घूरती हुई आंखों (उनकी पहचान चिन्ह) के साथ चित्रित किया गया है, जो एक आधुनिक स्फिंक्स की तरह दिखती हैं। पेंटिंग में एक नई तात्कालिकता और गति की भावना है, जो उनके अंतिम वर्षों की कच्ची, "अविकसित" शैली की पूर्वसूचना देती है। उस समय, आलोचकों ने इन अंतिम कार्यों को एक बुजुर्ग व्यक्ति की फुसफुसाहट समझा; आज, इन्हें नियो-एक्सप्रेशनिज्म के अग्रदूत के रूप में मान्यता दी जाती है, जो अपनी क्रूरता और स्वतंत्रता के लिए प्रशंसित हैं।

अपने जैकलीन के चित्रों में, पिकासो "परफेक्ट" बनने की कोशिश करना बंद कर दिया। उन्होंने एक कच्ची, ग्राफिक गति के साथ चित्रित किया, परिष्कृत तकनीक की तुलना में छवि के तत्काल प्रभाव को प्राथमिकता दी।

समकालीन कलाकार Tommaso Fattovich इसी उग्र ऊर्जा को व्यक्त करते हैं। जबकि पूरी तरह से अमूर्त, उनके "Abstract Punk" रचनाएँ पिकासो के अंतिम चित्रों की संरचनात्मक घनत्व और ग्राफिक शक्ति साझा करती हैं। Fattovich अपनी छवियों को तेजी से बनाते हैं, परत दर परत, कैनवास पर एक केंद्रीय "उपस्थिति" बनाते हैं जो अपने वजन में लगभग आकृतिपूर्ण महसूस होती है। पिकासो के Jacqueline के चेहरे की जुनूनी पुनरावृत्ति की तरह, Fattovich का काम कैनवास को चिह्नित करने की एक अनिवार्य आवश्यकता से प्रेरित है, जिसके परिणामस्वरूप कला एक चित्र की तुलना में एक अचानक, अटल घटना की तरह महसूस होती है।

Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - ©कलाकार

एक अंतहीन विरासत

पिकासो ने एक बार कहा था, "कला सुंदरता के किसी नियम का अनुप्रयोग नहीं है बल्कि वह है जो सहज ज्ञान और मस्तिष्क किसी भी नियम से परे सोच सकते हैं।" इस निरंतर प्रयास का उद्देश्य परे जाना, आकृति को तोड़ना, परिप्रेक्ष्य को विघटित करना, अवचेतन को चित्रित करना, उसकी सच्ची विरासत है। यह 1973 में उनकी मृत्यु के साथ समाप्त नहीं हुआ। यह फैल गया, नए रूपों और नए सवालों में विकसित हुआ।

इन उत्कृष्ट कृतियों के साथ प्रदर्शित समकालीन कलाकार, Eric Cruikshank’s के वातावरणीय मोनोक्रोम से लेकर Tommaso Fattovich’s पंक ऊर्जा तक, इस जीवित विरासत का प्रमाण हैं। वे हमें याद दिलाते हैं कि कला का इतिहास बंद अध्यायों की श्रृंखला नहीं है, बल्कि एक निरंतर, खुला संवाद है। चाहे एक रंग की शांति के माध्यम से हो या नष्ट सतह के अराजकता के माध्यम से, आविष्कार की भावना जिसने पिकासो के युग को परिभाषित किया, वह हमारे युग में जीवित और स्वस्थ है।

द्वारा Phillip Barcio (2016) संपादित Francis Berthomier (2026)।

प्रमुख छवि: Pablo Picasso - Le Rêve (The Dream), 1932। कैनवास पर तेल। 130 सेमी × 97 सेमी। निजी संग्रह। © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York। सभी चित्र केवल उदाहरण के उद्देश्य से उपयोग किए गए हैं

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