पीट मोन्ड्रियन की कलाकृति में शैली का विकास

कई कलाकार यह व्यक्त करने की कोशिश करते हैं कि क्या सार्वभौमिक है। लेकिन इसका क्या मतलब है, सार्वभौमिक? पीट मॉन्ड्रियन के लिए इसका मतलब आध्यात्मिक था: लेकिन यह कट्टरपंथी या धार्मिक नहीं था। बल्कि, मॉन्ड्रियन ने आध्यात्मिक शब्द का उपयोग उस अंतर्निहित संतुलन को संदर्भित करने के लिए किया जो सभी प्राणियों को जोड़ता है। पीट मॉन्ड्रियन कला का प्रचुर संग्रह जिसे हम आज देख सकते हैं, एक ऐसे कलाकार की कहानी बताता है जिसने एक सौंदर्यात्मक विकास का अनुभव किया, वस्तुगत, चित्रात्मक प्रतिनिधित्व से शुद्ध अमूर्तता तक। विभिन्न चरणों के माध्यम से उस विकास को ट्रेस करके, हम मॉन्ड्रियन का अनुसरण कर सकते हैं उनके व्यक्तिगत दार्शनिक और कलात्मक यात्रा के दौरान, जिसके माध्यम से उन्होंने मानवता के सार्वभौमिक सार को समझने और इसे अमूर्त कला के माध्यम से पूरी तरह से व्यक्त करने की कोशिश की।

युवा पीट मोंड्रियन

जैसे कई अवास्तविक कलाकारों ने, पीट मॉन्ड्रियन ने अपनी कलात्मक शिक्षा की शुरुआत प्राकृतिक दुनिया की सटीक नकल करना सीखकर की। छोटी उम्र से ही उसने अपने पिता से चित्रकला सीखी, और अपने चाचा, जो एक पेशेवर कलाकार थे, से उसने पेंटिंग करना सीखा। 20 साल की उम्र में, मॉन्ड्रियन ने एम्स्टर्डम के रॉयल अकादमी ऑफ विजुअल आर्ट्स में दाखिला लिया, जहाँ उसने शास्त्रीय तकनीक में शिक्षा प्राप्त करना जारी रखा। वह मास्टरों के काम की नकल करने में निपुण हो गए। जब वह स्नातक हुए, तब वह तकनीकी चित्रण में विशेषज्ञ बन चुके थे, और उन्होंने वास्तविक जीवन से चित्रों की सटीक नकल करने के लिए आवश्यक विश्लेषणात्मक कौशल विकसित कर लिए थे।

लेकिन स्कूल से स्नातक होने के बाद, मोंड्रियन पोस्ट इम्प्रेशनिस्टों के संपर्क में आया और उसके द्वारा चित्रकला के माध्यम से प्राप्त करने की दृष्टि विकसित होने लगी। वह उन विभिन्न तरीकों से प्रेरित हुआ जिनसे इन कलाकारों ने कुछ अधिक वास्तविकता को व्यक्त करने का प्रयास किया, जैसे कि प्रकाश की गुणवत्ता या रंग के अनुभव को तीव्र करना, जो अन्यथा सीधे अनुकरण के माध्यम से व्यक्त नहीं किया जा सकता था। मोंड्रियन ने जॉर्ज स्यूराट और पॉल सेज़ान जैसे कलाकारों की तकनीकों का अन्वेषण किया और प्रतिनिधित्वात्मक चित्रकला से अलग होने की प्रक्रिया शुरू की। अमूर्तता के माध्यम से उसने प्राकृतिक दुनिया की अंतर्निहित सच्चाई को व्यक्त करने के तरीके खोजने का प्रयास किया।

पीट मॉंड्रियन - संध्या: लाल पेड़, 1908-1910. 99 x 70 सेमी. Gemeentemuseum den Haag, हेग, नीदरलैंड्स  

आवश्यकता पर विचार

शुरुआत करने के लिए, मोंड्रियन ने वास्तविक रंगों में चित्रित करने की आवश्यकता को समाप्त कर दिया, और रूप की सही नकल करने की आवश्यकता को छोड़ दिया। वह श्रृंखलाओं में काम करने के लिए प्रवृत्त थे, एक ही छवि को कई, सूक्ष्म रूप से भिन्न तरीकों से चित्रित करते थे। उदाहरण के लिए, 1905 के आसपास उन्होंने जो चित्रों की एक श्रृंखला शुरू की, उसमें उन्होंने एक ही फार्महाउस को कई अलग-अलग शैलियों में चित्रित किया, रंगों को बदलते हुए, रूप की अपनी प्रस्तुति को बदलते हुए, और रेखा के उपयोग को बदलते हुए। प्रत्येक छवि में समानताएँ हैं, जैसे कि फार्महाउस एक निकटवर्ती जलाशय में परिलक्षित होता है, और फिर भी प्रत्येक चित्र में चित्रों का मूड अलग है। हालांकि विभिन्न मूड के बावजूद, प्रत्येक में एक प्राकृतिक, सामंजस्यपूर्ण संतुलन की भावना होती है।

श्रृंखला में काम करने की प्रक्रिया के माध्यम से, मोंड्रियन विभिन्न परिणामों पर पहुँचने के लिए अपनी विश्लेषणात्मक क्षमताओं को लागू करने में सक्षम हुए। वह यह समझने में कुशल हो गए कि अमूर्तता विभिन्न तरीकों से उनकी पेंटिंग के भावनात्मक और सौंदर्यात्मक गुणों को कैसे प्रभावित कर सकती है। वह प्राकृतिक दुनिया में मौजूद अंतर्निहित, सार्वभौमिक पैटर्न के प्रति भी अधिक जागरूक हो गए और मनुष्य उन्हें सौंदर्यपूर्ण रूप से कैसे व्याख्यायित करते हैं। जैसा कि उन्होंने कहा; “यदि सार्वभौमिक आवश्यक है, तो यह सभी जीवन और कला का आधार है। इसलिए सार्वभौमिक को पहचानना और उसके साथ एकजुट होना हमें सबसे बड़ी सौंदर्यात्मक संतोष, सबसे बड़ी सुंदरता का अनुभव देता है।”

पीट मॉंड्रियन -फूलता हुआ सेब का पेड़, 1912

आत्मा और स्थान

1908 में, मोंड्रियन थियोसोफिकल सोसाइटी के सदस्य बने, एक संगठन जिसमें वासिली कंदिंस्की और थियो वान डोइसबर्ग जैसे कलाकार भी शामिल थे। थियोसोफिस्टों ने ब्रह्मांड की प्राचीन आध्यात्मिक ज्ञान से जुड़ने और उसे समझने के तरीके खोजे। मोंड्रियन का विश्वास था कि कला जीवन के उच्चतर प्रश्नों से सीधे जुड़ी हुई है और कि कला के माध्यम से अस्तित्व की सामंजस्यपूर्ण सार को संप्रेषित किया जा सकता है। थियोसोफिस्टों की सार्वभौमिक ज्ञान की आध्यात्मिक खोज से प्रभावित होकर, मोंड्रियन ने अपने दृष्टिकोण को कम करने, सरल बनने और चीजों को उनकी मूल प्रकृति पर वापस लाने का प्रयास किया। यह उनके कला में विभिन्न तरीकों से प्रकट हुआ जैसे कि अधिक संकुचित रूप और रंग का अधिक शुद्ध उपयोग, जैसे कि शाम: लाल पेड़, 1908 से।

उनकी दृश्य भाषा को कम करने की प्रक्रिया का सबसे महत्वपूर्ण मोड़ 1912 में आया, जब मोंड्रियन पेरिस चले गए। वहाँ अग्रणी विचारों पर विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म का प्रभुत्व था। क्यूबिज़्म ने सतहों और स्तरों का सामना कैसे किया और अपने रंग पैलेट को कैसे सीमित किया, इसने मोंड्रियन को अमूर्तता के प्रति पूरी तरह से प्रतिबद्ध होने के लिए प्रेरित किया। हालांकि उन्हें गति या चार-आयामीता को पकड़ने में कोई रुचि नहीं थी, उन्होंने क्यूबिस्ट स्तरों के उपयोग के साथ प्रयोग किया और उनके म्यूट और सरल रंग उपयोग को अपनाया।

पीट मॉंड्रियन - द ग्रे ट्री, 1911। कैनवास पर तेल। 78.50 सेमी × 107.5 सेमी (30.9 इंच × 42.3 इंच)। जेमेेंटेम्यूजियम डेन हाग, द हेग

वापस घर फिर से

1914 में, मोंड्रियन अपने पिता से मिलने के लिए घर पर एक संक्षिप्त यात्रा के लिए पेरिस छोड़कर गए। हालांकि, विश्व युद्ध I के प्रारंभ ने उन्हें अगले पांच वर्षों के लिए नीदरलैंड में रोक दिया। इस समय पेरिस के अग्रणी कला आंदोलन से दूर रहने के बावजूद, मोंड्रियन ने अपने अमूर्त दृश्य भाषा को इस हद तक परिष्कृत करने की खोज जारी रखी कि वह सार्वभौमिक की सामंजस्यपूर्ण सार को व्यक्त कर सके। संयोगवश, इसी समय नीदरलैंड में दो कलाकार भी थे जिनकी समान सौंदर्यात्मक खोज ने उस प्रतीकात्मक शैली को मजबूत किया जिसे मोंड्रियन अंततः विकसित करेगा। उन कलाकारों में से एक, बार्ट वैन डेर लेक, ने मोंड्रियन को यह विश्वास दिलाया कि उनका रंगों का उपयोग अभी भी प्रतिनिधित्वात्मक है, और उन्हें शुद्ध, प्राथमिक रंगों की ओर झुकना चाहिए।

दूसरे कलाकार थे थियो वान डोसबर्ग जिन्होंने मोंड्रियन को अपने चित्रों को समतल करने के लिए प्रेरित किया ताकि वह आयतन को समाप्त कर सकें, और केवल रेखा और रंग को बनाए रखें। मोंड्रियन ने इस रहस्योद्घाटन के बारे में कहा; “मैंने समतल के उपयोग द्वारा आयतन के विनाश की ओर बढ़ा। मैंने यह समतलों को काटने वाली रेखाओं के माध्यम से किया। लेकिन फिर भी, समतल बहुत सही-सलामत रहा। इसलिए मैं केवल रेखाएँ बनाने लगा और रंग को रेखाओं के भीतर लाया। अब केवल समस्या यह थी कि इन रेखाओं को भी आपसी विरोधों के माध्यम से नष्ट करना था।”

पीट मोंड्रियन - संयोजन, 1916, कैनवास पर तेल, लकड़ी के साथ, 47 1/4 x 29 3/4 इंच (120 x 75.6 सेमी), सोलोमन आर. गुगेनहाइम संग्रहालय, न्यूयॉर्क सोलोमन आर. गुगेनहाइम फाउंडिंग संग्रह, © 2007 मोंड्रियन/होल्ट्ज़मैन ट्रस्ट

सामंजस्य की ओर विकसित होना

यह थिओ वान डॉस्बर्ग और बार्ट वान डेर लेक के साथ था जब प्रथम विश्व युद्ध के दौरान मोंड्रियन ने सफलतापूर्वक उस शैली का विकास किया जिसे हम अब उनकी व्यक्तिगत शैली के रूप में सोचते हैं। उन्होंने अपनी विधि को डि स्टाइल कहा, जो डच में "शैली" के लिए है। इसने सभी चित्रात्मक संदर्भों से मुक्त, शुद्ध अमूर्तता को सफलतापूर्वक प्राप्त किया। मोंड्रियन ने संदर्भित शीर्षकों का उपयोग भी समाप्त कर दिया, अपने डि स्टाइल चित्रों को केवल उनके रंगों के विशिष्ट विवरणों के साथ संयोजन के रूप में नामित किया।

अपने प्रारंभिक De Stijl कार्यों में, मोंड्रियन ने कई रंगों के रंग क्षेत्रों का उपयोग किया, और क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर और तिरछी रेखाओं का उपयोग किया। हालांकि, जल्दी ही उसने तिरछी रेखाओं को समाप्त कर दिया, केवल क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर रेखाओं का उपयोग करना पसंद किया, जिसे उसने प्रकृति की संतुलनकारी शक्तियों का प्रतिनिधित्व करने वाला माना, जैसे क्रिया और निष्क्रियता, या गति और स्थिरता। हालांकि, वान डोज़बर्ग ने तिरछी रेखाओं का उपयोग बनाए रखा, मोंड्रियन के दृष्टिकोण को बहुत सीमित और कट्टरपंथी मानते हुए। यह मामूली अंतर दो कलाकारों के संबंध को समाप्त करने का कारण बना, और De Stijl के अंत की ओर ले गया।

पीट मॉंड्रियन - लाल, नीला, और पीला में रचना II, 1929। कैनवास पर तेल और कागज। 59.5 सेमी × 59.5 सेमी (23.4 इंच × 23.4 इंच)। राष्ट्रीय संग्रहालय, बेलग्रेड, सर्बिया

सार्वभौमिकता की अभिव्यक्ति

"वैन डोइसबर्ग और मोंड्रियन के अलग होने के बाद, उन्होंने डि स्टाइल की अपनी-अपनी व्याख्याओं का नाम बदल दिया। वैन डोइसबर्ग ने अपनी नई शैली का नाम एलीमेंटरिज़्म रखा और मोंड्रियन ने अपनी नई शैली का नाम नियो-प्लास्टिसिज़्म रखा। केवल क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर रेखाओं का उपयोग करने के अलावा, नियो-प्लास्टिसिज़्म में केवल प्राथमिक रंगों जैसे लाल, नीला और पीला, और प्राथमिक मानों जैसे काला, सफेद और ग्रे शामिल थे। नियो-प्लास्टिसिज़्म में 'प्लास्टिक' उस इतिहास से आया है जिसमें सभी कलाओं को संदर्भित किया गया था जो तीन-आयामी वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करने का प्रयास करती थीं, जिसे प्लास्टिक आर्ट्स कहा जाता था। नियो-प्लास्टिसिज़्म ने यह संप्रेषित किया कि मोंड्रियन मानते थे कि उनकी पूरी तरह से अमूर्त शैली सबसे सरल और सबसे प्रत्यक्ष तरीके से जो आवश्यक, वास्तविक और सार्वभौमिक है, को दर्शाती है।"

अवशोषण के माध्यम से अमूर्तता पर कई दृष्टिकोण हैं। कुछ का मानना है कि यह वास्तविकता को छिपाता है। अन्य मानते हैं कि यह आवश्यक को प्रकट करता है। कुछ इसे सामान्यीकरण के समान मानते हैं, और इसलिए इसे स्वाभाविक रूप से अधूरा समझते हैं। नियो-प्लास्टिसिज्म के माध्यम से, मोंड्रियन ने इस विषय पर एक आत्मविश्वासी दृष्टिकोण प्रस्तुत किया। मोंड्रियन का मानना था कि अवशोषण मानवों के लिए हमारे उच्चतम अस्तित्व की स्थिति को प्राप्त करने के लिए आवश्यक है। उन्होंने विश्वास किया कि जटिलताएँ मानव स्वभाव के सबसे नीच तत्वों के प्रकट रूप हैं, और कि तुच्छ विवरण हमें हमारे विशाल व्यक्तिगत भिन्नताओं पर ध्यान केंद्रित करने के लिए प्रेरित करते हैं, जिससे हम सार्वभौमिकता की भावना प्राप्त करने में असमर्थ होते हैं। सबसे सरल, सबसे आवश्यक और सभी के लिए सबसे संबंधित चीज़ों की खोज करके उन्होंने एक नई और पूरी तरह से अमूर्त दृश्य भाषा बनाने का प्रयास किया, जो कि हर किसी के लिए संबंधित हो सके और हमें एक गहन और सार्वभौमिक तरीके से जोड़ सके।

विशेष छवि: पीट मोंड्रियन - गीन पर ब्रोकज़िज़र मिल का संक्षिप्त दृश्य, पश्चिम की ओर मुंह किए हुए, 1902। कैनवास पर तेल, कार्डबोर्ड पर। 30.2 x 38.1 सेमी। मोमा संग्रह
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा