'पेरिस में रोथको पर नोट्स और विचार - Dana Gordon'
पेरिस ठंडा था। लेकिन फिर भी इसमें संतोषजनक आकर्षण था, चारों ओर सुंदरता थी। भव्य मार्क रोथको प्रदर्शनी बर्फीले बोइस डे बौलोग्ने में एक नए संग्रहालय, फोंडेशन लुई वुइटन में है, जो फ्रैंक गेहरी द्वारा डिज़ाइन किया गया एक चमकीला प्लास्टिक जैसा भवन है। इसका रेस्तरां फ्रैंक कहलाता है। गैलरी अच्छी हैं, और पेंटिंग्स को बहुत कम रोशनी में संयमित स्पॉटलाइटिंग द्वारा सम्मानपूर्वक प्रदर्शित किया गया है। एक बार जब आपकी आँखें समायोजित हो गईं, तो काम अपनी ऊर्जा में चमकने लगा।
आप जिस पहले कमरे में आते हैं, उसमें 1950 के दशक के रोथको के मास्टरपीस हैं। और ये सच में मास्टरपीस हैं। इन वर्षों में रोथको ने अपना स्थायी प्रारूप स्थापित किया, जो आमतौर पर दो या तीन नरम आयताकार आकारों को एक के ऊपर एक रखता है, जो कैनवास के किनारे के ऊर्ध्वाधर आयत के भीतर होते हैं, एक किनारा जो लगभग अप्रासंगिक लगता है। इस काम में उन्होंने रंगों के पूरे स्पेक्ट्रम के संयोजनों का उपयोग किया, जो अपने सबसे तीव्र रूप में थे। मेरे लिए, ये काम उनके सबसे अच्छे हैं। इनमें रंग की सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति है। मुझे इन्हें देखना आसान लगा, ये मुझे अपनी ओर खींचते थे, और उन्होंने मुझे इन्हें और अधिक समय तक देखने की इच्छा दी। जितना अधिक मैंने देखा, उतना ही बेहतर होते गए। इस बड़े कमरे में इतने सारे कामों ने कहा कि चित्रकला, ये चित्र, इस आदमी के चित्र - ये पतली परतें कमजोर सतहों पर - एक गहरी और शानदार अनुभव प्रदान कर रही थीं, जितना कि दुनिया प्रदान कर सकती है। इस गैलरी को छोड़ने के बाद, मैंने पीछे मुड़कर देखा और मुझे यह एहसास हुआ, मैंने अपने आप से कहा, "उसने कर दिखाया।"
उस कमरे के बाद, मैं नीचे गया ताकि उसके पहले के काम को देख सकूं। पहले 1930 के दशक से लेकर 40 के मध्य तक की पेंटिंग थीं। ये आमतौर पर कसकर, बिना हवा के, लगभग रंगहीन छवियाँ थीं शहर और कुछ लोगों की। फिर हमें उसके अतियथार्थवादी प्रभाव वाले अमूर्त चित्रों का एक चयन दिया गया। इनमें थोड़ी अधिक खुलापन दिखा, लेकिन ये ज्यादातर धागे जैसे, रेखीय, और रोकने वाले थे।
फिर ऐसा था जैसे रोथको ने 1947 में एसिड लिया। रंगों के नरम तैरते आकारों के मुक्त "मल्टीफॉर्म" अचानक प्रकट होते हैं, खुले और स्वतंत्र और चमकते हुए। ये उन प्रतीकात्मक "मार्क रोथको" पेंटिंग्स की स्पष्ट प्रस्तावना हैं, जिन्हें हम जानते हैं, जो जल्द ही 1950 के दशक में आएंगी। वास्तव में जो हुआ वह यह था कि उसने दिसंबर 1946-जनवरी '47 की बॉनार्ड प्रदर्शनी देखी। 1947-1951 के चमत्कारी वर्षों के संदर्भ में, जिसमें न्यूयॉर्क की पेंटिंग ने अमूर्तता का एक नया प्रकार, पेंटिंग का एक नया प्रकार (जिसे जल्द ही अमूर्त अभिव्यक्तिवाद कहा जाएगा) अपने उत्कृष्ट कृतियों के साथ आविष्कार किया, बॉनार्ड की पेंटिंग्स ने रोथको को अपनी महान सफलता की ओर प्रेरित किया।
मार्क रोथको - काला और मैरून, 1958। कैनवास पर तेल। 266.7 x 365.7 सेमी। टेट, लंदन। कलाकार द्वारा अमेरिकी कला फाउंडेशन के माध्यम से प्रस्तुत। 1969। © 1998 केट रोथको प्रिज़ेल और क्रिस्टोफर रोथको - अदागप, पेरिस, 2023
एक और उत्प्रेरक मेरे मन में आता है -- शायद एक विचार-सेतु बहुत दूर -- कि रंग और प्रकाश के आयतों के प्रारूप जो ऊर्ध्वाधर कैनवस में निलंबित हैं, लगभग 4-से-3 के अनुपात में थे, जो 1920 के दशक से 1950 के दशक तक अधिकांश फिल्म छवियों का आकार था। 1940 और 1950 के दशक में, ऐसी कई फिल्मों की एक नई और आकर्षक विशेषता थी जो स्क्रीन पर परावर्तित तीव्र टेक्नीकलर रंग था। रोथको के आयतों को देखते हुए, मेरे मन में उन फिल्मों को करीब से देखने पर जो रंगों के घूमते अनाज दिखाई देते हैं, की याद आ गई।
1950 के दशक के कमरे के बाद एक 1960 के दशक का कमरा है। यह अपने तरीके से आश्चर्यजनक है। रंग सामान्यतः गहरे हैं, लेकिन फिर भी तीव्र हैं। रोथको के बारे में कहा जाता है कि वह चाहते थे कि उनकी पेंटिंग्स नाटकीय अनुभव हों, न कि अमूर्त सजावट। यह जोर यहाँ स्पष्ट होता है। 1950 के दशक के कामों में, उज्ज्वल रंग निश्चित रूप से नाटकीय है, लेकिन दर्शक का अनुभव रंग की खुशी और गहराई में डूबने का अधिक होता है। यह निश्चित रूप से एक अनुभव है, और नाटकीय रूप से मजबूत है, लेकिन नाटकीयता प्रमुख नहीं है। 1960 के दशक के काम में, रंग की गहराई और आकृतियों की जोरदार स्थिति - जैसे, ऊपर बहुत उज्ज्वल, बाकी सब कुछ गहरा - दृश्य माध्यमों के माध्यम से नाटकीयता के इरादे को दर्शाता है।
अगला एक कमरा है जिसमें चार सीज़न रेस्तरां के लिए बनाए गए भित्ति चित्र पैनल हैं, जो नए सीग्राम गगनचुंबी इमारत में हैं जिसे मीज़ वान डेर रोहे ने डिज़ाइन किया है। रॉथको को इसके लिए फिलिप Johnson, आर्किटेक्ट और 1960 के दशक में कला की दुनिया के व्यक्ति द्वारा कमीशन किया गया था। रॉथको को यह एहसास हुआ कि ये पेंटिंग्स एक शोरगुल वाले महंगे रेस्तरां को सजाएंगी, जो मुख्य रूप से कॉर्पोरेट बड़े लोगों द्वारा patronized किया जाता है, और पेंटिंग्स बनाने के बाद, उन्होंने उन्हें रिलीज़ करने से मना कर दिया। जब आप उन्हें अब उनके लिए बनाए गए कमरे में स्थापित देखते हैं, तो आप समझ सकते हैं कि उन्होंने ऐसा क्यों किया। ये पेंटिंग्स लगभग रंग से परहेज करती हैं और बड़े, अजीब, अत्यधिक नाटकीय आकारों और अंधकार से बनी होती हैं, जिनका मूड डिनर करने के लिए कुछ भी नहीं है।
मार्क रोथको - संख्या 14, 1960। कैनवास पर तेल। 290.83 सेमी x 268.29 सेमी। सैन फ्रांसिस्को आधुनिक कला संग्रहालय - हेलेन क्रॉकर रसेल फंड खरीद। © 1998 केट रोथको प्रिज़ेल और क्रिस्टोफर रोथको - अदागप, पेरिस, 2023
अगला और लगभग अंतिम, शो का चरमोत्कर्ष, या एंटी-क्लाइमेक्स, 1960 के दशक के अंत के रोथको के काले और ग्रे ऐक्रेलिक चित्र हैं। ये, मेरे लिए, 1947 से लेकर 1960 के दशक के अंत तक चले उसके सफल ब्रेकथ्रू की गहरी पीड़ा से एक अविचल निराशा की ओर एक अवरोह को समाहित करते हैं, जो उसके अंतिम वर्षों की अवसाद का परिणाम है। चित्र लगभग आधे में विभाजित हैं, ऊपर काला और नीचे हल्का ग्रे। सतहें ब्रश के निशान वाली हैं, लेकिन पहले की तरह बारीक नहीं हैं। ऐक्रेलिक पेंट सपाट है और केवल निष्क्रिय रूप से प्रकाश को परावर्तित करता है (या काले के साथ इसे अवशोषित करता है और इसे वापस परावर्तित नहीं करता), यह आपको पहले उसके तेल के रंगों की तरह वापस अवशोषित और अपवर्तित नहीं करता। यह आपको अवशोषित नहीं करता। यह एक प्लास्टिक की बाधा है जो आपको बाहर रखती है। इन सभी चित्रों को छोड़कर एक के, कैनवास के किनारे के साथ लगभग ¾ इंच चौड़ी एक सफेद रेखा द्वारा सीमित किया गया है, जो स्पष्ट रूप से मास्किंग टेप की चौड़ाई है। एक ऐसा भी है जहाँ आप किनारों को तेज रखने के लिए उपयोग की गई टेप के अवशेष देख सकते हैं। ये सीमाएँ चित्र के भीतर चित्र के किनारे को उजागर करती हैं और सपाट आकृतियों को अभेद्य बनाए रखने में मदद करती हैं। यह सच है, कोई आमतौर पर कल्पना कर सकता है कि काला गहरा स्थान है, लेकिन यहाँ यह पेंट के प्रभाव की अनदेखी होगी। कुछ ने कहा है कि ये चित्र 1960 के दशक के मध्य और अंत के मिनिमलिज्म का रोथको की प्रतिक्रिया थे। शायद, शायद नहीं। किसी भी मामले में, इनमें से लगभग कुछ भी समान नहीं है, उसके पिछले शानदार रंग कार्य से कुछ भी नहीं बचा है। उस समय यह अच्छी तरह से ज्ञात था कि रोथको गंभीर अवसाद से ग्रस्त थे, जो जैसा कि हम जानते हैं, जल्द ही 1970 में उनकी आत्महत्या का कारण बना।
मैंने मार्क रोथको से एक बार, 1968-69 में, मुलाकात की थी। मैं उनके दोस्त, मूर्तिकार टोनी स्मिथ के लिए काम कर रहा था और मुझे मार्क और उनके परिवार को उनके स्टूडियो से पूर्व 69वीं स्ट्रीट पर उठाकर न्यू जर्सी में टोनी और जेन स्मिथ के यहाँ रात के खाने के लिए ले जाने का काम सौंपा गया था। मुझे और एक दोस्त को रात के खाने के लिए रुकने के लिए आमंत्रित किया गया और फिर रोथको परिवार को न्यूयॉर्क वापस ले जाने के लिए कहा गया। स्टैमो भी एक मेहमान थे। और टोनी के जैक्सन पोलॉक की एक पेंटिंग रात के खाने की मेज के पीछे दीवार पर थी। मुझे बातचीत याद नहीं है, अफसोस, सिवाय इसके कि यह कला के बारे में कुछ गहरा नहीं था, बस सामान्य बातचीत थी और रोथको ने बहुत कम योगदान दिया (न ही मैंने)। मुझे यह भी याद है कि रोथको मुझ पर एक धुंधलके में, अवसाद के सिकुड़े हुए काले छिद्र के रूप में छाप छोड़ते थे। जैसे कि हाल की काली और ग्रे पेंटिंग्स, उन्होंने कोई ऊर्जा नहीं उत्सर्जित की और ऐसा लगा कि वे प्रकाश को अंदर खींच रहे हैं, लगभग कोई भी परावर्तित नहीं कर रहे हैं। शायद यह उस समय एक युवा चित्रकार के लिए विशेष रूप से चौंकाने वाला था, क्योंकि यह रोथको के हाल के महान कार्यों से निकलने वाली प्रकाश की बारीक-ग्रेन वाली घूमती ऊर्जा के साथ इतना विपरीत था। मुझे पता था कि उनके समकालीन भी इसी तरह महसूस करते थे, बेबस होकर इसके बारे में बहुत कम कहते थे।
Dana Gordon एक अमेरिकी कलाकार हैं जो न्यूयॉर्क में आधारित हैं। कला पर उनका लेखन द वॉल स्ट्रीट जर्नल, द न्यू क्राइटेरियन, पेंटर्स’ टेबल, द न्यू यॉर्क सन, कमेंटरी मैगज़ीन, और द जेरूसलम पोस्ट में प्रकाशित हुआ है।
