'पेरिस में रोथको पर नोट्स और विचार - Dana Gordon'

पेरिस ठंडा था। लेकिन फिर भी उसकी संतोषजनक आकर्षण, चारों ओर सुंदरता बनी हुई थी। भव्य मार्क रोथको प्रदर्शनी बर्फीले बोइस डे बूलोग्ने में एक नए संग्रहालय, फोंडेशन लुई विटॉन में है, जो फ्रैंक गेहरी द्वारा डिज़ाइन की गई चमकीली प्लास्टिक जैसी इमारत है। इसका रेस्टोरेंट फ्रैंक कहलाता है। गैलरियाँ अच्छी हैं, और चित्र सम्मानपूर्वक सीमित स्पॉटलाइटिंग के साथ अन्यथा बहुत मंद गैलरियों में प्रदर्शित किए गए हैं। एक बार आपकी आँखें समायोजित हो गईं, तो चित्र अपनी ऊर्जा में चमकने लगे।

पहला कमरा जिसमें आप आते हैं, उसमें 1950 के दशक के रोथको के प्रमुख कार्य हैं। और वे वास्तव में प्रमुख कार्य हैं। इन वर्षों में रोथको ने अपनी स्थायी शैली स्थापित की, जो आमतौर पर दो या तीन नरम आयताकार आकृतियों से बनी होती है, जो कैनवास के ऊर्ध्वाधर आयत के भीतर एक के ऊपर एक होती हैं, एक ऐसा किनारा जो लगभग अप्रासंगिक लगता है। इस कार्य में उन्होंने रंगों के पूरे स्पेक्ट्रम के संयोजन का उपयोग किया है, जो अपनी तीव्रतम अवस्था में हैं। मेरे लिए, ये कार्य उनके सर्वश्रेष्ठ हैं। इनमें रंग की सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति संभव है। मुझे इन्हें देखना आसान लगा, ये मुझे अपनी ओर खींचते थे, और ये मुझे इन्हें और अधिक समय तक देखने के लिए प्रेरित करते थे। जितना अधिक मैं देखता गया, वे उतने ही बेहतर होते गए। यह बड़ा कमरा, जिसमें इतने सारे चित्र थे, कह रहा था कि चित्रकारी, ये चित्र, इस व्यक्ति के चित्र – ये पतली परतें नाजुक सतहों पर – दुनिया जितना गहरा और शानदार अनुभव प्रदान कर सकती है, उतना प्रदान कर रही थीं। इस गैलरी से बाहर निकलते हुए, मैंने पीछे मुड़कर देखा और अपने आप से कहा, “उन्होंने कर दिखाया।”

उस कमरे के बाद, मैं नीचे गया ताकि उनके प्रारंभिक कार्य देख सकूं। पहले वहाँ 1930 के दशक से मध्य 40 के दशक तक के चित्र थे। ये सामान्यतः सघन, बिना हवा वाले, लगभग रंगहीन शहर और कुछ लोगों के चित्र थे। फिर हमें उनके अतियथार्थवादी प्रभाव वाले अमूर्त चित्रों का चयन दिखाया गया। ये थोड़े अधिक खुले हुए थे लेकिन ज्यादातर पतले, रेखीय और संकोची थे।

फिर ऐसा लगा जैसे रोथको ने 1947 में एसिड लिया हो। रंग के नरम तैरते हुए आकृतियों के मुक्त "मल्टीफॉर्म" अचानक प्रकट हुए, खुले, स्वतंत्र और चमकदार। ये स्पष्ट रूप से उन प्रतीकात्मक "मार्क रोथको" चित्रों के प्रस्तावना हैं जिन्हें हम जानते हैं, जो जल्द ही 1950 के दशक में आए। वास्तव में जो हुआ वह यह था कि उन्होंने दिसंबर 1946-जनवरी 1947 में बोनार्ड की प्रदर्शनी देखी। 1947-1951 के चमत्कारिक वर्षों के संदर्भ में, जब न्यूयॉर्क चित्रकला ने एक नई तरह की अमूर्तता, एक नई तरह की चित्रकला (जिसे जल्द ही अमूर्त अभिव्यक्तिवाद कहा गया) का आविष्कार किया, जिसमें उसके उत्कृष्ट कृतियाँ थीं, बोनार्ड के चित्रों ने रोथको को उनके अपने महान सफलता की ओर प्रेरित किया।

Mark Rothko - ब्लैक ऑन मैरून, 1958। कैनवास पर तेल। 266.7 x 365.7 सेमी। टेट, लंदन। कलाकार द्वारा अमेरिकन फाउंडेशन ऑफ आर्ट्स के माध्यम से प्रस्तुत, 1969। © 1998 केट रोथको प्रिज़ेल & क्रिस्टोफर रोथको - एडागप, पेरिस, 2023

एक और प्रेरक बात मेरे मन में आती है — शायद यह विचार थोड़ा दूर की कसरत है — कि रंग और प्रकाश के आयतों के प्रारूप, जो ऊर्ध्वाधर कैनवास में निलंबित थे, लगभग 4 से 3 के अनुपात के थे, जो 1920 से 1950 के दशक तक अधिकांश फिल्मों की छवि का आकार था। 1940 और 1950 के दशकों में, कई ऐसी फिल्मों की एक नई और प्रभावशाली विशेषता थी स्क्रीन से परावर्तित तीव्र टेक्निकलर रंग। रोथको के आयतों को देखकर मुझे उन फिल्मों में नज़दीक से देखने पर दिखाई देने वाले रंगीन दाने याद आए।

1950 के दशक के कमरे के बाद 1960 के दशक का एक कमरा है। यह अपने तरीके से चकित करने वाला है। रंग सामान्यतः गहरे हैं, लेकिन फिर भी तीव्र। रोथको के बारे में कहा जाता है कि उन्होंने कहा था कि वे चाहते थे कि उनके चित्र नाटकीय अनुभव हों, न कि अमूर्त सजावट। यह जोर यहाँ स्पष्ट हो जाता है। 1950 के दशक के कार्यों में, चमकीला रंग निश्चित रूप से नाटकीय है, लेकिन दर्शक का अनुभव अधिकतर रंग की खुशी और गहराई में डूबने का होता है। यह एक अनुभव है, निश्चित रूप से, और नाटकीय रूप से मजबूत, लेकिन नाटकीयता प्रधान नहीं। 1960 के दशक के कार्यों में, रंग की गहराई और आकृतियों की जोरदार व्यवस्था – जैसे, ऊपर बहुत चमकीला, बाकी सब कुछ अंधेरा – दृश्य माध्यमों से नाटकीयता की मंशा दिखाती है।

अगला एक कमरा है जिसमें फोर सीज़न रेस्टोरेंट के लिए बनाए गए भित्ति चित्र पैनल हैं, जो नए सीग्राम गगनचुंबी इमारत में हैं, जिसे मीज़ वैन डेर रोहे ने डिज़ाइन किया था। रोथको को यह काम फिलिप Johnson, वास्तुकार और 1960 के दशक के कला जगत के व्यक्ति द्वारा सौंपा गया था। रोथको को यह एहसास हुआ कि ये चित्र एक ऊँची कीमत वाले रेस्टोरेंट को सजाएंगे, जहाँ मुख्य रूप से बड़े कॉर्पोरेट अधिकारी आते हैं, और चित्र बनाने के बाद उन्होंने इन्हें जारी करने से इनकार कर दिया। जब आप इन्हें अब उनके लिए बनाए गए कमरे में स्थापित देखते हैं, तो आप समझ सकते हैं कि उन्होंने ऐसा क्यों किया। ये चित्र लगभग रंग से परहेज करते हैं और बड़े, अजीब, अत्यंत नाटकीय आकारों और अंधकार से बने हैं, जिनका मूड खाने के लिए उपयुक्त नहीं था।

Mark Rothko - नंबर 14, 1960। कैनवास पर तेल। 290.83 सेमी x 268.29 सेमी। सैन फ्रांसिस्को आधुनिक कला संग्रहालय - हेलेन क्रॉकर रसेल फंड द्वारा खरीदा गया। © 1998 केट रोथको प्रिज़ेल & क्रिस्टोफर रोथको - एडागप, पेरिस, 2023

अगला और लगभग अंतिम, प्रदर्शनी का चरमोत्कर्ष या निराशाजनक अंत, रोथको के 1960 के दशक के अंत के काले और ग्रे ऐक्रेलिक चित्र हैं। मेरे लिए, ये उनके सफल सफलता के गहरे भावुकता से उतरने को दर्शाते हैं, जो 1947 से लेकर 1960 के दशक के अंत तक चला, और उनके अंतिम वर्षों के अवसाद की अटल वीरानी को। चित्र लगभग आधे-आधे भाग में विभाजित हैं, ऊपर काला और नीचे हल्का ग्रे। सतहें ब्रशयुक्त हैं, लेकिन पहले जितनी सूक्ष्म नहीं। ऐक्रेलिक रंग सपाट है और केवल निष्क्रिय रूप से प्रकाश को परावर्तित करता है (या काले रंग के साथ इसे अवशोषित करता है और वापस परावर्तित नहीं करता), यह पहले की तरह तेल के रंगों की तरह प्रकाश को अवशोषित और पुनः प्रतिबिंबित नहीं करता। यह आपको अवशोषित नहीं करता। यह एक प्लास्टिक बाधा है जो आपको बाहर रखती है। इन सभी चित्रों के किनारों पर लगभग ¾ इंच चौड़ी सफेद रेखा होती है, जो स्पष्ट रूप से मास्किंग टेप की चौड़ाई की सीमा है। एक चित्र में आप किनारों को तेज रखने के लिए उपयोग किए गए टेप के अवशेष भी देख सकते हैं। ये सीमाएं चित्र के भीतर चित्र के किनारे को उजागर करती हैं और सपाट आकृतियों को अभेद्य बनाए रखने में मदद करती हैं। यह सच है कि आमतौर पर काले रंग को गहरे अंतरिक्ष के रूप में कल्पना किया जा सकता है, लेकिन यहाँ यह रंग के प्रभाव को नजरअंदाज करना होगा। कुछ लोगों ने कहा है कि ये चित्र 1960 के मध्य और अंत के मिनिमलिज़्म के प्रति रोथको की प्रतिक्रिया थे। शायद, शायद नहीं। किसी भी स्थिति में, इनका उनके पूर्व शानदार रंगीन कार्य से लगभग कोई संबंध नहीं है। उस समय यह अच्छी तरह जाना जाता था कि रोथको गंभीर अवसाद से पीड़ित थे, जो जल्द ही 1970 में उनके आत्महत्या का कारण बना।

मैंने मार्क रोथको से एक बार, 1968-69 में मुलाकात की थी। मैं उनके मित्र, मूर्तिकार टोनी स्मिथ के लिए काम कर रहा था और मुझे मार्क और उनके परिवार को उनके स्टूडियो से ईस्ट 69वीं स्ट्रीट पर उठाकर टोनी और जेन स्मिथ के न्यू जर्सी स्थित घर पर रात के खाने के लिए ले जाना था। मुझे और एक मित्र को रात के खाने के लिए आमंत्रित किया गया था और फिर रोथको परिवार को न्यूयॉर्क वापस ले जाना था। स्टामोस भी एक मेहमान थे। और टोनी की एक जैक्सन पोलक की पेंटिंग खाने की मेज के पीछे दीवार पर लगी थी। मुझे बातचीत याद नहीं है, अफसोस, सिवाय इसके कि यह कला के बारे में कोई गहरी बात नहीं थी, बस सामान्य बातचीत थी और रोथको ने कम ही योगदान दिया (मैं भी नहीं)। मुझे यह भी याद है कि रोथको मुझे एक छाया के नीचे, अवसाद के संकुचित काले छिद्र के रूप में लगे। जैसे उनके अंतिम काले और ग्रे चित्र, वे कोई ऊर्जा नहीं छोड़ रहे थे और प्रकाश को अंदर खींच रहे थे, लगभग कोई प्रतिबिंब नहीं। शायद यह उस समय एक युवा चित्रकार के लिए विशेष रूप से प्रभावशाली था, क्योंकि यह हाल के समय के उनके महान कार्यों से निकलने वाली सूक्ष्म ऊर्जा के विपरीत था। मुझे पता था कि उनके समकालीन भी इसी तरह महसूस करते थे, लेकिन वे कुछ कहने में असहाय थे।

Dana Gordon न्यूयॉर्क में आधारित एक अमेरिकी कलाकार हैं। उनकी कला पर लेखन The Wall Street Journal, New Criterion, Painters’ Table, The New York Sun, Commentary Magazine, और Jerusalem Post में प्रकाशित हो चुका है।