Autumn fire 2 - Reiner Heidorn - Abstract Painting - Ideelart

Reiner Heidorn

Autumn fire 2

Name: Autumn fire 2
Brand: Reiner Heidorn
Price: 2000.0 GBP
Availability: InStock

絵画

Year: 2025

Edition: Unique

Technique: oil on canvas

Size: 90.0 X 70.0 X 3.0 cm 35.4 X 27.6 X 1.2 inch

Framed: No

£2,000.00

「Dissolutio」技法（「消失」を意味する）を用いて制作されたこの作品は、人間性と自然の境界を溶かします。何千もの小さな点描が、微細な細胞構造や生態系を没入感のある色彩のフィールドへと変貌させます。この作品は気候変動と自然からの人間の疎外をテーマにしつつ、鑑賞者に心理的回復と深い静けさの瞬間を提供します。

ライナー・ハイドルンは1966年にバイエルンで生まれたドイツの現代画家で、現在もミュンヘン近郊のヴァイルハイムで生活し制作を続けています。正式には独学ですが、若い頃にデッサンや水彩画から始め、約25年前から油彩画に専念しています。彼の壮大なキャンバスは「Dissolutio」（ラテン語で「消失」）と呼ぶ独自の技法によって特徴づけられ、人間と自然の境界を溶かし出します。空の工場ホールで制作するハイドルンは、微細な細胞構造や淡水生態系を広大で没入感のある色彩のフィールドへと変換する大規模な油彩画を生み出します。彼の作品は気候変動や人間の自然からの疎外をテーマにしつつ、鑑賞者に心理的回復と深い静けさの瞬間を提供します。

学歴

ライナー・ハイドルンは正式には独学ですが、この表現は誤解を招くことがあります。若い頃、彼はプロのアーティストと協働する貴重な機会を得て、従来の教育よりも「より深いレベル」で学んだと述べています。デッサンや水彩画から始め、約25年前に油彩画に専念し、絶え間ない練習を通じて彼のサインとなる厳しい技法を発展させました。独学の道は彼に学問的な慣習に縛られない自由なアプローチをもたらしました。

インスピレーションとスタイル

ライナー・ハイドルンの芸術的ビジョンは、深い生態学的意識と彼の幼少期のバイエルンの風景との個人的な関係に根ざしています。彼の絵画は、彼が「精神的な融合」と表現する、湖や森、自然環境の記憶から生まれ、直接的な模写ではなく有機的な記憶がすべてのキャンバスに染み込んでいます。

生態学的哲学
ハイドルンの作品は、規制されない経済成長と人間の自然環境からの疎外に対する直接的な対立軸として位置づけられます。彼の芸術は気候変動、環境破壊、人間と生物界のつながりの喪失を、教訓的なイメージではなく没入的で瞑想的な体験を通じて表現します。彼の目標は心理的かつ道徳的であり、「個人の完全な無意味さ」を強調しながら、静けさと心理的回復を伝えることです。彼の絵画は「枝が枯れても根は常に緑である」という詩的な知恵を反響させます。

ネオ・エクスプレッショニスト・バイオ・ディビジョニズム
ハイドルンのスタイルはドイツのネオ・エクスプレッショニズムと、光学的な光理論ではなく生物学的構造に応用された現代的なディビジョニズム技法であるバイオ・ディビジョニズムを橋渡しします。彼の作品は表現主義の感情的強度と大規模さと科学的観察の精密さとの間に生産的な緊張を生み出します。視覚言語は背景ではなく主題かつ声としての緑色が支配的です。美術史家でキュレーターのソニア・レヒナー博士は、彼の緑の使用をヘルダーリンの「神聖な緑、祝福された深遠な世界の生命の証人」という言及に結びつけ、色に形而上学的な次元を与え、終わりのない宇宙を創造していると述べています。青や黄土色が補完し、彼のパレットは森、湖、細胞構造、自律的な生きた世界を想起させます。微細な点描要素—数千の小さな色点—は柔らかな移行とグラデーションを形成します。鑑賞者がこれらの細部に没入すると、表象を超えて森林、湖、植物、完全な自律世界という生態系全体を知覚します。この技法は執拗な細部の親密さと圧倒的な規模の広大さを同時に生み出し、批評家はこれを「形態の活力の中の予期せぬ優しさ」と表現しています。

芸術的影響
ハイドルンはアジアの風景画やヨーロッパの表現主義者からインスピレーションを得ており、異なる時代のドイツ人アーティスト、ディーター・ロス、ハンス・ハルトゥング、マルティン・キッペンベルガーを挙げています。これらの影響は彼を強いジェスチャーの伝統と芸術制作自体への概念的かつ物質的批評の両方に位置づけています。

表象ではなく通過
ハイドルンの作品の中心には、彼の絵画は表象ではなく「通過」であり、生きた物質への開口部であるという主張があります。彼の巨大なキャンバスはポータルとして機能し、鑑賞者に自己と自然、観察者と被観察者の境界を溶かすことを促します。作品は「境界のない空間」を創造し、アーティスト、ひいては鑑賞者が「自己とすべての否定的な環境を溶かす」個人的な宇宙を目指しています。

技法

ハイドルンの技法はDissolutioに中心を置いており、これは自然界と融合し溶け込むという彼の願望を体現する哲学的かつ技術的枠組みです。共感を得られなかった物語的な絵画の年月を経て、彼は「消失」という概念そのものを伝える作品を創りたいと気づきました。

そのために、彼は油彩画のあらゆる古典的なルールを体系的に破りました。パレットではなくキャンバス上で直接色を混ぜ、油を自由に注ぎ、顔料の適切な準備を拒否し、伝統的な画家が避ける「失敗」—気泡、クレーター、湿った部分、予測不能な化学反応—をすべて受け入れます。これらの欠陥は彼の技法の不可欠な要素として確立され、各作品が動的な状態を保ち、儚さを美的特質として取り込むことを保証します。

結果として生まれるのは「バイオ・ディビジョニズム」または「微細点描主義」と呼ばれるもので、ハイドルンは植物、細胞、淡水生物の顕微鏡画像で観察される点描パターンを表現主義的枠組みに移植しています。彼のキャンバスは数千の小さく正確な色点で構成され、柔らかな移行を形成し、無限の緑と青のニュアンスを生み出します。この技法は科学的顕微鏡の視覚言語を感情的表現に転換し、分析的なものと崇高なものを橋渡しします。

顔料、テレピン油、油絵具を用い、巨大なキャンバスに記憶だけで制作し、神経細胞、有糸分裂、ヒドラなど科学的に正確な対象であってもモデルや参考画像は一切使いません。これにより科学が主観化され、批評家が「宇宙の生物学的記憶」と呼ぶ内面化された観察に変換されます。

制作方法は迅速かつ連続的で、同じ作品を4〜5点同時に描くことが多く、展示に最適なものだけを残し、他は再作業または破棄します。巨大なスケールは根本的で、キャンバスは鑑賞者を圧倒し、生きて変化する物質に没入させるポータルとして機能します。

展覧会

ハイドルンはヨーロッパ、北米、アジアで展示を行い、ミュンヘン植物園、ニューヨークの日本クラブでの個展や、ヴェネツィア建築ビエンナーレのジュデッカ・アート地区への参加などがあります。ドイツ、オーストリア、イタリア、フランス、アメリカ、ブラジル、台湾、UAEの会場で作品が展示されており、生態学的テーマに焦点を当てた現代抽象画への国際的な関与を示しています。