Hoe JMW Turner Abstracte Kunst Beïnvloedde

Joseph Mallord William Turner (1775–1851) werd beschouwd als een van de beroemdste schilders van Europa toen hij stierf. In zichzelf gekeerd en experimenteel, dreef hij zichzelf ver voorbij zijn tijdgenoten. Het overdenken van zijn invloed op het modernistische abstracte kunst is daarom fascinerend terrein. Dit jaar biedt een grote Turner-tentoonstelling in het Musée Jacquemart-André in Parijs het publiek een unieke kans om diep in dit gesprek te duiken, aangezien een selectie zelden getoonde, experimentele Turner-waterverfschilderingen uit de collectie van Tate Modern zal worden tentoongesteld naast enkele van zijn bekendere, voltooide waterverfschilderingen en olieverfschilderijen. Deze experimentele werken maakten deel uit van de persoonlijke collectie die Turner in zijn huis en atelier tentoonstelde; hij stelde ze nooit publiekelijk tentoon tijdens zijn leven. Ze zijn, over het algemeen, wat we nu abstract zouden noemen, of ten minste abstracter dan zijn privéopdrachten of publiekelijk tentoongestelde werken. Het is echter betwistbaar of dat zijn bedoeling was toen hij deze werken maakte. Waren het eigenlijk onafgewerkte werken waaraan Turner ooit meer details wilde toevoegen? Waren het formele studies die hij gebruikte om zijn eigen technische ontwikkeling te sturen? Of zijn ze in feite bewijs dat Turner, lang voordat pure abstractie in de westerse kunst opkwam, formele esthetische elementen zoals kleur en licht als onderwerp op zich beschouwde? Turner wees ooit een criticus af die minachtend had gereageerd op een wazig aspect van een van zijn schilderijen met de kwinkslag: “Vaagheid is mijn kracht.” De amorfe, soms mystieke kwaliteiten van zijn experimentele, privé-waterverfschilderingen tonen zeker de waarheid van die uitspraak aan. Ze bieden ons ook de kans om Turner te bevrijden van de last om gezien te worden als een voorloper van modernistische abstractie, en hem in plaats daarvan te plaatsen waar ik geloof dat hij thuishoort: in een categorie helemaal voor zichzelf.

Suggestie versus Beschrijving

Een van de vaker gemaakte verbanden tussen Turner en de ontwikkeling van modernistische abstractie is de schijnbare gelijkenis tussen zijn werk en dat van Mark Rothko (1903 – 1970). Naar verluidt zei Rothko, na het zien van een Turner-tentoonstelling in het MoMA in 1966, “Deze man Turner, hij heeft veel van mij geleerd.” Aangezien hij een halve eeuw na Turners dood werd geboren, maakte Rothko duidelijk een grapje. Maar er zat ook een scherpe kunstwereldkritiek achter deze absurde opmerking. Rothko wilde de even dwaze suggestie voor zijn zijn die hij wist dat spoedig van critici zou komen: dat hij, Rothko, degene was die door Turner was beïnvloed. Rothko wees erop hoe handig, en toch hoe belachelijk het is om schijnbare gelijkenissen tussen het werk van twee schilders te zien en dan aan te nemen dat de een door de ander is beïnvloed.

Neem “Ehrenbreitstein met een Regenboog” (1840), een van de Turner-schilderijen die in de tentoonstelling van het Musée Jacquemart-André zijn opgenomen. Het toont een mistige indruk van een dubbele regenboog die zich uitstrekt over een vergezicht van een vesting op een berg naast de zee. De kleuren, vormen en compositie van dit schilderij lijken onmiskenbaar op het beroemde Helen Frankenthaler-schilderij, “Mountains and Sea” (1952). Betekent dat dat Frankenthaler (1928 – 2011) door Turner werd beïnvloed? Onwaarschijnlijk. Beide schilderijen waren echter geïnspireerd door vergelijkbare waarnemingen van kleuren en licht op een vergelijkbare plek. Frankenthaler heeft dit Turner-schilderij misschien nooit gezien, net zoals Rothko misschien nooit aan Turner dacht voordat hij zijn werk in het MoMA zag. Dat betekent niet dat deze drie kunstenaars niets gemeen hebben. Turner, Rothko en Frankenthaler gaven elk prioriteit aan suggestie boven beschrijving. Ze waren ook elk geïnteresseerd in de onderliggende ideeën van het transcendentalisme—de wereldlijke waardering van de geestelijke verbindingen die kunnen ontstaan tussen zelfredzame individuen en de natuur. Alle drie introspectieve, experimentele, individualistische schilders die uit hetzelfde filosofische hout gesneden zijn, is het dan een wonder dat ze tot enkele van dezelfde visuele ideeën kwamen?

Welkom in de Buurt

Kunststromingen zijn als buurten: samenstellingen van vergelijkbare dingen, gemakkelijk te beschrijven aan kopers, en aangenaam zolang je niet te diep kijkt naar wat er onder het oppervlak gebeurt. Turner in de modernistische buurt plaatsen, of in de abstracte buurt, kan ervoor zorgen dat meer kijkers zich er thuis voelen, maar is dat echt waar hij thuishoort? Of waren Turner en de ware modernistische abstracte pioniers gewoon geïnteresseerd in enkele van dezelfde dingen? Wanneer Turner een boot op het water schilderde, of mensen die met hun honden op het strand speelden, of vogels die over een regenboog vlogen, leek hij minder geïnteresseerd in de specifieke objecten die hij schilderde, en meer in de emotionele verbinding die kijkers zouden maken bij het zien van dit schilderij en het herinneren aan een moment waarop zij zulke ervaringen zelf hadden meegemaakt. Zijn wazigere werken, zoals zijn persoonlijke waterverfschilderingen, richten zich veel minder op verhaal en veel meer op visuele effecten en hun emotionele tegenhangers. Het zijn niet alleen afbeeldingen van landschappen, het zijn ook afbeeldingen van stemmingen. Maakt dat Turner een proto-impressionist, een proto-modernist, of een proto-abstracte kunstenaar?

Ik denk dat het vinden van impressionisme, modernisme of pure abstractie in Turner een beetje is als het vinden van een nieuwe toepassing voor een bestaand medicijn. Zoals, als aspirine hoofdpijn kan genezen en ook hartaanvallen kan voorkomen, waarom zou je het dan niet voor beide gebruiken? Turner dacht duidelijk over enkele van dezelfde ideeën als Monet, Kandinsky, Rothko en Frankenthaler, maar in tegenstelling tot die kunstenaars kondigde Turner niet precies aan dat hij de westerse kunst wilde revolutioneren, dus moeten we die bedoeling niet aan zijn werk toeschrijven. Maar als zijn werk ons iets kan vertellen over zijn eigen tijd terwijl het ons ook iets kan vertellen over de tijden van die andere kunstenaars, en onze eigen tijd, waarom zouden we het dan niet voor al die dingen gebruiken? De privé, experimentele schilderijen die dit jaar in het Musée Jacquemart-André worden getoond, zijn tijdloos. Ze breiden het nalatenschap uit van een kunstenaar die vooral gaf om het beheersen van zijn eigen vaardigheden zodat hij beter zichzelf kon zijn. Als hedendaagse abstracte kunstenaars inspiratie kunnen vinden in die fundamentele principes, zal het meest opwindende aan Turner niet zijn om te speculeren over welke invloed hij in het verleden op abstractie had—maar om de invloed te zien die zijn werk op de toekomst zal hebben.

Uitgelichte afbeelding: J. M. W. Turner - Venetië: San Giorgio Maggiore – Vroeg in de ochtend, 1819, aquarel op papier, 22,3 x 28,7 cm. Tate, aanvaard door de natie als onderdeel van de Turner-nalatenschap 1856, Foto © Tate
Alle afbeeldingen worden alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio