Drie Meesters van de Kleur Blauw in de Hedendaagse Kunst

Wanneer je de kleur blauw ziet, wat voel je dan? Zou je het anders omschrijven dan wat je voelt als je het woord blauw hoort of het woord blauw op een pagina leest? Is de informatie die een tint overbrengt anders dan de informatie die de naam ervan overbrengt? Wat je ook voelt, is het mogelijk dat dat gevoel universeel is? Of betekent de kleur blauw voor verschillende mensen iets anders? En wat dieren? Koppelen zij kleur aan emotie, of gebruiken zij hun kleurreceptoren alleen voor overleving? Deze vragen hebben studenten van kleur eeuwenlang geboeid, en op sommige manieren zijn we vandaag de dag niet dichter bij een antwoord dan honderd jaar geleden. Maar een recent door Phaidon Press uitgegeven boek brengt ons iets dichter bij een begrip van kleur, althans wat betreft kunst. Geschreven door Stella Paul, voormalig conservator van het Los Angeles County Museum of Art en voormalig programmaleider van het Metropolitan Museum of Art in New York, belicht Chromaphilia: The Story of Color in Art 240 afzonderlijke kunstwerken. Haar grondige verkenning van kleur werpt niet alleen nieuw licht op de ontelbare manieren waarop tien verschillende kleurcategorieën door kunstenaars door de geschiedenis heen zijn gebruikt, maar onderzoekt ook de vele manieren waarop kleur samenhangt met wetenschap, emotie, esthetiek en andere gebieden van de menselijke cultuur. Vandaag willen we dieper ingaan op het werk van een paar kunstenaars die Paul in het boek noemt om de reikwijdte en kracht van de kleur blauw te illustreren: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso en Yves Klein.

Kleur zien

Een van de vreemde dingen aan kleur is hoe vaak twee mensen tegelijkertijd op dezelfde plaats naar hetzelfde voorwerp kunnen kijken en toch beweren dat het voorwerp een andere kleur heeft. We vragen ons af: “Hoe kan dat? Is kleur dan niet objectief?” Maar het korte antwoord is nee. Kleur is vaak subjectief. De reden heeft te maken met de wetenschap achter hoe mensen kleur zien. Mensen (en de meeste andere dieren die kleur zien) zijn trichromaten. Dat betekent dat de receptoren in menselijke ogen drie basisgolflengten waarnemen die overeenkomen met kleur. Misschien heb je gehoord van het RGB-kleurmodel dat door sommige printers wordt gebruikt. De letters RGB staan voor Rood, Groen en Blauw. Dat is het kleurmodel dat het meest overeenkomt met het menselijk zicht. Uiteraard zijn rood, groen en blauw niet de enige kleuren die menselijke ogen kunnen waarnemen. In feite kunnen de meeste mensen tot wel zeven miljoen verschillende tinten onderscheiden. Maar elk van die verschillende tinten wordt in de hersenen geïnterpreteerd nadat de ogen het eerst als een combinatie van rood, groen en blauw hebben waargenomen.

Bovendien heeft de kleur die wij waarnemen van een voorwerp niet alleen te maken met het voorwerp zelf. Ja, we zouden het materiaal van een voorwerp kunnen analyseren en tot een begrip kunnen komen van welke kleur dat materiaal waarschijnlijk heeft op basis van zijn chemische samenstelling. Maar de chemische samenstelling van een stof is niet de enige factor die bepaalt welke kleur wij waarnemen. De reden dat mensen kleur kunnen waarnemen is licht. En licht kan ook gekleurd zijn, waardoor het de kleur die onze ogen zien bij het bekijken van een oppervlak kan veranderen. Verder kan het zo zijn dat het ene paar ogen gevoeliger is, of gewoon anders gevoelig, voor licht dan het andere paar ogen, waardoor de manier waarop twee hersenen kleur interpreteren ook kan verschillen. Kortom, hetzelfde wat ons in staat stelt kleur te zien, kan ook onze waarneming van kleur veranderen. Daarom kan praten over kleur soms inderdaad subjectief lijken, en kan discussiëren over welke kleur iets is, ronduit dwaas lijken.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, acryl op doek, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

De kleur blauw

Desalniettemin variëren de verschillen die mensen zien als ze naar iets van een bepaalde kleur kijken meestal niet zo dramatisch als bijvoorbeeld de ene persoon rood ziet en de andere blauw. Normaal gesproken is het verschil subtieler, zoals de ene persoon hemelsblauw ziet en de andere aquamarijn. Maar wat sterk kan variëren is het scala aan andere dingen die onze hersenen waarnemen als we naar een bepaalde kleur kijken, naast de fysieke eigenschappen ervan. Zoals de openingszin van het hoofdstuk over de kleur blauw in Chromaphilia: The Story of Color in Art opmerkt: “Er zijn veel soorten blauw—allemaal dezelfde tint, maar met onuitputtelijke variaties in uiterlijk, effect, oorsprong en betekenis.”

Uiterlijk hebben we al behandeld. Maar het echte plezier begint als we “effect, oorsprong en betekenis” beschouwen. Wat effect betreft, kan de ene persoon de kleur blauw zien en kalm worden. Een ander kan verdrietig worden bij het zien van iets blauws. Veel van hoe we op kleur reageren heeft te maken met onze eerdere ervaringen met die kleur. Oorsprong is een andere fascinerende overweging, omdat elke variant van de kleur blauw voortkomt uit een fundamenteel andere mix van elementen. Variaties in blauwe verfpigmenten kunnen voortkomen uit verschillende combinaties van bindmiddelen en mineralen. Variaties in blauw licht kunnen te maken hebben met verschillende deeltjes in de lucht. En wat betekenis betreft, daar wordt het echt ingewikkeld. Elk individu, elke groep en elke cultuur ontwikkelt zijn eigen eigenaardige relatie met de kleur blauw. Daarom is het bij het gebruik van de kleur blauw in een kunstwerk letterlijk niet te voorspellen welke betekenis zal worden waargenomen wanneer het kunstwerk uiteindelijk wordt bekeken. Om te verkennen hoe wild de variaties in de waarneming van blauw in de kunst kunnen zijn, overweeg het werk van de drie kunstenaars die in Chromaphilia: The Story of Color in Art worden genoemd: Yves Klein, Helen Frankenthaler en Picasso.

Pablo Picasso - Moeder en kind, 1902, olieverf op doek

Blauw in het werk van Yves Klein

Als het gaat om kunst uit de 20e eeuw en de kleur blauw, springt geen kunstenaar sneller in gedachten dan Yves Klein. Volgens de legende hing Klein als jonge man op het strand rond met zijn vrienden, de kunstenaar Arman en de Franse componist Claude Pascal. De drie verdeelden de wereld onder elkaar. Arman koos de aarde. Pascal koos geschreven symbolen. En Klein koos de lucht, waarbij hij meteen zijn hand ophief en zijn naam in de lucht tekende. Vanaf dat moment werd kleur belangrijk voor Klein. Een van zijn vroegste tentoonstellingen bestond uit monochrome doeken geschilderd in verschillende pure kleuren. Maar toen het publiek niet begreep wat hij wilde uitdrukken, realiseerde hij zich dat hij het moest vereenvoudigen en slechts één kleur moest gebruiken om zijn punt te maken. Zo begon hij aan het proces om zijn eigen kenmerkende tint te ontwikkelen.

Zoals Stella Paul uitlegt in Chromaphilia: The Story of Color in Art: “[Klein] werkte samen met Edouard Adam, een Parijse kleurleverancier die overlegde met chemici bij Rhone-Poulenc, om een synthetisch bindmiddel te creëren... Het resultaat was Rhodopas M60A, dat met ethanol en ethylacetaat tot verschillende viscositeitsniveaus kon worden verdund. Dit bindmiddel behoudt de magische lichtkracht van het pigment...Klein gaf opdracht tot zijn eigen aangepaste synthetische verf met dit nieuwe bindmiddel, dat hij patenteerde als IKB (International Klein Blue); vanaf 1957 gebruikte hij dit pigment bijna exclusief.” Klein gebruikte International Klein Blue om zijn iconische monochrome blauwe doeken en verschillende monumentale openbare installaties te maken. Hij gebruikte het ook om enkele van zijn meest invloedrijke werken te creëren: performance-stukken waarin naakte modellen zichzelf met IKB bedekten en hun lichamen in verschillende configuraties tegen doeken drukten.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Blauw in het werk van Helen Frankenthaler

De abstracte schilder Helen Frankenthaler was een andere meesterlijke voorvechter van de kleur blauw in de 20e eeuw. Frankenthaler was de uitvinder van een schildertechniek genaamd soak-stain. De techniek houdt in dat verf direct op het oppervlak van ongeprepareerd, niet opgespannen doek wordt gegoten dat op de vloer ligt, waarna de verf in de vezels trekt en zich uitspreidt over het oppervlak uit zichzelf. Frankenthaler voerde deze techniek aanvankelijk uit met olieverf, maar ontdekte al snel dat olieverf het ruwe doek snel aantast. Ze werd daarom een vroege voorstander van acrylverf, die dat schadelijke effect op doek niet heeft. Wat acrylverf wel heeft, zijn levendige, lichtgevende eigenschappen wat betreft tint. Door verschillende pure tinten direct op haar doeken te gieten, kon Frankenthaler de verfstromen sturen op manieren die kleurrelaties op nieuwe manieren onderzochten, zonder conceptuele verstoring door elementen zoals lijn, vorm, textuur of figuur.

In Chromaphilia: The Story of Color in Art besteedt Stella Paul bijzondere aandacht aan het schilderij Mountains and Sea, dat Helen Frankenthaler in 1952 maakte. Het wordt beschouwd als het eerste doek dat Frankenthaler maakte met haar soak-stain techniek. Paul zegt over het werk: “Na terugkeer in haar studio in New York na een tussenstop in Nova Scotia, herinnerde Frankenthaler zich later dat ze het Canadese landschap had geïnternaliseerd, dat niet alleen in haar geest maar ook in haar schouder en pols was ingebed. Met die achtergrond van geest en lichaam creëerde ze een lyrische, pastorale abstractie om een herinnering aan een plek op te roepen door middel van kleur.” Frankenthaler zag het proces van het gieten van verf als een manier om iets wat in haar lichaam was geïnternaliseerd te vertalen naar iets wat op het doek werd geuit. Het schilderij gebruikt bijna uitsluitend tinten rood, groen en blauw, waarbij de verschillende blauwtinten het meest opvallen als een abstracte, in plaats van figuratieve, uitbeelding van de zee.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blauw in het werk van Picasso

Kleur was van het grootste belang voor Pablo Picasso, vooral in de vroege fasen van zijn kunstenaarschap. Vaak wordt zijn werk uit die tijd ingedeeld op kleur, zoals in zijn Roze Periode en zijn Blauwe Periode. Deze indelingen hebben uiteraard te maken met de overheersende pigmenten die hij in zijn schilderijen gebruikte, maar ze houden ook verband met de omstandigheden in zijn persoonlijke leven, die naar verluidt de onderwerpen beïnvloedden die hij koos om met deze verschillende tinten uit te beelden. Zijn Roze Periode besloeg ongeveer de jaren 1904 tot 1906. Het viel samen met het begin van zijn relatie met zijn geliefde Fernande Olivier en zijn verhuizing naar de Montmartre-wijk in Parijs. Zijn werk uit de Roze Periode bestond uit vrolijke beelden van zaken als harlekijnen en circussen. Aan het einde van zijn Roze Periode schilderde Picasso zijn baanbrekende werk, het roze getinte Les Demoiselles d’Avignon, dat vaak wordt genoemd als de voorloper van het kubisme.

De Blauwe Periode van Picasso ging vooraf aan zijn Roze Periode en besloeg ongeveer de jaren 1901 tot 1904. Het was een tijd in zijn leven die werd gedomineerd door een bewustzijn van neerslachtigheid en verdriet. Picasso zei ooit: “Ik begon in blauw te schilderen toen ik hoorde van de dood van Casagemas.” Deze opmerking verwijst naar zijn dierbare vriend Carlos Casagemas, die zichzelf in het hoofd schoot in een café in Parijs terwijl Picasso niet in de stad was. Toen Picasso terugkeerde naar Parijs, woonde en werkte hij in het atelier van Casagemas, waar hij bijna monochrome composities in blauw begon te schilderen. Zoals Stella Paul opmerkt in Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Het alomtegenwoordige blauw van The Old Guitarist is de materiële uitdrukking van iets droevigs, uitgesloten en marginaals. Een schemerstemming van neerslachtigheid wordt over het onnatuurlijke blauwgetinte vlees van het onderwerp, zijn kleding en de omringende ruimte gelegd. De hoekige gebaren en uitgerekte ledematen en gelaatstrekken van deze terneergeslagen, blinde muzikant versterken de indrukken die door de indringende blauwe kleur worden gewekt.” Maar zoals we kunnen zien aan deze drie voorbeelden van Yves Klein, Helen Frankenthaler en Pablo Picasso, communiceert blauw niet altijd verdriet, net zo min als het altijd verwijst naar de lucht of de zee. Het potentiële scala aan tinten waar we naar verwijzen als we blauw zeggen, lijkt eindeloos. Evenzo is het potentiële scala aan emoties, gevoelens, contexten en betekenissen die we uit de kleur kunnen halen even groot.

Pablo Picasso - Ontbijt van een blinde man, 1903, olieverf op doek

Afbeelding bovenaan: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960, foto © Yves Klein Archive
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio