Drie Meesters van de Kleur Blauw in de Hedendaagse Kunst

Wanneer je de kleur blauw ziet, wat voel je dan? Zou je het beschrijven als iets anders dan wat je voelt wanneer je het woord blauw hoort, of het woord blauw op een pagina leest? Is de informatie die door een tint wordt gecommuniceerd anders dan de informatie die door de naam wordt gecommuniceerd? Wat je ook voelt, is het mogelijk dat dat gevoel universeel is? Of betekent de kleur blauw verschillende dingen voor verschillende mensen? En wat betreft dieren? Associëren zij kleur met emotie, of gebruiken ze hun kleurreceptoren alleen voor overleving? Deze vragen hebben studenten van kleur eeuwenlang gefascineerd, en op sommige manieren zijn we vandaag de dag niet dichter bij een antwoord dan honderd jaar geleden. Maar een boek dat onlangs is gepubliceerd door Phaidon Press brengt ons een beetje dichter bij een begrip van kleur, althans zoals het zich verhoudt tot kunst. Geschreven door Stella Paul, een voormalige curator van het Los Angeles County Museum of Art en voormalig programmamanager van het Metropolitan Museum of Art in New York, Chromaphilia: The Story of Color in Art belicht 240 individuele kunstwerken. Niet alleen werpt haar uitputtende verkenning van kleur nieuw licht op de ontelbare manieren waarop tien verschillende kleurcategorieën door kunstenaars door de geschiedenis heen zijn gebruikt, het verkent ook de verscheidenheid aan manieren waarop kleur samenkomt met wetenschap, emotie, esthetiek en andere gebieden van de menselijke cultuur. Vandaag willen we dieper ingaan op het werk van een paar van de kunstenaars die Paul in het boek noemt om de reikwijdte en kracht van de kleur blauw te illustreren: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso en Yves Klein.

Kleur zien

Een van de vreemde dingen aan kleur is hoe vaak twee mensen tegelijkertijd naar hetzelfde object op dezelfde plaats kunnen kijken en toch beweren dat het object dat ze bekijken een andere kleur heeft. We vragen ons af: “Hoe kan dat? Is kleur niet objectief?” Maar het korte antwoord is nee. Kleur is vaak subjectief. De reden heeft te maken met de wetenschap achter hoe mensen kleur waarnemen. Mensen (en de meeste andere dieren die kleur zien) zijn trichromaten. Dat betekent dat de receptoren in de menselijke ogen drie basisgolflengten waarnemen die overeenkomen met kleur. Je hebt misschien gehoord van het RGB-kleurmodel dat door sommige printers wordt gebruikt. De initialen RGB staan voor Rood, Groen en Blauw. Dat is het kleurmodel dat het dichtst bij het menselijk zicht komt. Het is duidelijk dat rood, groen en blauw niet de enige kleuren zijn die menselijke ogen kunnen waarnemen. In feite kunnen de meeste mensen wel zeven miljoen verschillende tinten waarnemen. Maar elke van die verschillende tinten wordt in de hersenen geïnterpreteerd nadat de ogen het eerst waarnemen als een combinatie van rood, groen en blauw.

Bovendien heeft de kleur die we waarnemen van een object niet alleen te maken met het object zelf. Ja, we zouden het materiaal waaruit een object is gemaakt kunnen analyseren en tot een bepaald begrip komen van welke kleur dat materiaal waarschijnlijk heeft op basis van de chemische samenstelling. Maar de chemische samenstelling van een stof is niet de enige factor die bepaalt welke kleur we waarnemen. De reden dat mensen überhaupt kleur kunnen waarnemen, is vanwege licht. En licht kan ook gekleurd zijn, in welk geval het de kleur kan veranderen die onze ogen zien wanneer ze naar een oppervlak kijken. Bovendien kan de ene set ogen ook gevoeliger zijn, of gewoon anders gevoelig, voor licht dan een andere set ogen, waardoor de manier waarop twee hersenen kleur interpreteren ook anders kan zijn. Kortom, hetzelfde dat ons in staat stelt om kleur te zien, kan ook onze waarneming van kleur veranderen. Daarom kan het soms inderdaad subjectief lijken om over kleur te praten, en kan het ronduit belachelijk lijken om te discussiëren over welke kleur iets is.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, acryl op canvas, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

De kleur blauw

Toch variëren de verschillen die verschillende mensen zien wanneer ze naar iets kijken dat een bepaalde kleur heeft meestal niet zo dramatisch als, bijvoorbeeld, de ene persoon die rood ziet en de andere persoon die blauw ziet. Normaal gesproken is de variatie subtieler, zoals de ene persoon die luchtblauw ziet en de andere aquamarijn. Maar wat sterk kan variëren, is het scala aan andere dingen die onze hersenen waarnemen wanneer we naar een bepaalde kleur kijken, voorbij de fysieke eigenschappen. Zoals de openingszin van het hoofdstuk over de kleur blauw in Chromaphilia: The Story of Color in Art opmerkt: “Er zijn veel soorten blauw - allemaal dezelfde tint, maar met onuitputtelijke permutaties van uiterlijk, effect, oorsprong en betekenis."

Uiterlijk hebben we al behandeld. Maar het echte plezier begint wanneer we "effect, oorsprong en betekenis." overwegen. Wat betreft effect, de ene persoon kan de kleur blauw zien en kalm worden. Een ander kan verdrietig worden bij het zien van iets blauws. Hoe we op kleur reageren, heeft veel te maken met onze eerdere ervaringen met de kleur. Oorsprong is een andere fascinerende overweging, aangezien elke variatie van de kleur blauw voortkomt uit een fundamenteel andere mix van elementen. Variaties in blauwe verf pigmenten kunnen voortkomen uit verschillende combinaties van bindmiddelen en mineralen. Variaties in blauw licht kunnen te maken hebben met verschillende deeltjes in de lucht. En wat betreft betekenis, daar wordt het echt ingewikkeld. Elke individu, elke groep en elke cultuur ontwikkelt zijn eigen idiosyncratische relatie met de kleur blauw. Daarom is er bij het gebruik van de kleur blauw in een kunstwerk letterlijk geen telling van wat voor soort betekenis zal worden waargenomen wanneer het kunstwerk uiteindelijk wordt bekeken. Om te verkennen hoe wild de variaties tussen de perceptie van blauw in kunst kunnen zijn, overweeg het werk van de drie kunstenaars die worden genoemd in Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler en Picasso.

Pablo Picasso - Moeder en kind, 1902, olie op doek

Blauw in het Werk van Yves Klein

Als het gaat om 20e-eeuwse kunst en de kleur blauw, springt geen enkele kunstenaar sneller in de meeste hoofden dan Yves Klein. De legende zegt dat Klein als jonge man op het strand hing met zijn vrienden, de kunstenaar Arman en de Franse componist Claude Pascal. De drie verdeelden de wereld onder elkaar. Arman koos de aarde. Pascal koos geschreven symbolen. En Klein koos de lucht, waarna hij onmiddellijk zijn hand omhoog stak en zijn naam in de lucht signeerde. Vanaf dat moment was kleur belangrijk voor Klein. Een van zijn vroegste tentoonstellingen toonde monochromatische doeken geschilderd in verschillende pure kleuren. Maar toen het publiek niet begreep wat hij probeerde uit te drukken, realiseerde hij zich dat hij het moest vereenvoudigen en alleen één kleur moest gebruiken om zijn punt te maken. Hij begon dus aan een proces om zijn eigen kenmerkende tint te ontwikkelen.

Zoals Stella Paul uitlegt in Chromaphiliaa: The Story of Color in Art: “[Klein] werkte samen met Edouard Adam, een Parijse kleurverkoper die samenwerkte met chemici van Rhone-Poulenc, om een synthetische binder te creëren... Het resultaat was Rhodopas M60A, dat tot verschillende niveaus van viscositeit kon worden verdund met ethanol en ethylacetaat. Deze binder behoudt de magische luminescentie van het pigment...Klein gaf opdracht voor zijn eigen op maat gemaakte synthetische verf met deze nieuwe binder, die hij patenteerde als IKB (International Klein Blue); vanaf 1957 gebruikte hij dit pigment bijna exclusief.” Klein gebruikte International Klein Blue om zijn iconische monochrome blauwe doeken en verschillende monumentale openbare installaties te maken. Hij gebruikte het ook om enkele van zijn meest invloedrijke werken te creëren: performancestukken waarin naakte modellen zich bedekten met IKB en vervolgens hun lichamen in verschillende configuraties tegen doeken drukten.

Yves Klein - Anthropométrie van de blauwe tijdperk, 1960, © Yves Klein Archieven

Blauw in het Werk van Helen Frankenthaler

De abstracte schilder Helen Frankenthaler was een andere meesterlijke voorstander van de kleur blauw in de 20e eeuw. Frankenthaler was de uitvinder van een schildertechniek genaamd soak-stain. De techniek houdt in dat verf rechtstreeks op het oppervlak van ongeprimed, ongestrekt canvas dat op de vloer is uitgespreid, wordt gegoten, waarna de verf in de vezels kan trekken en zich vanzelf over het oppervlak verspreidt. Frankenthaler voerde deze techniek aanvankelijk uit met olieverf, maar leerde al snel dat olieverf rauw canvas snel degradeert. Ze werd daardoor een vroege voorstander van acrylverf, die niet hetzelfde degraderende effect op canvas heeft. Wat acrylverf echter wel heeft, zijn levendige, lumineuze kwaliteiten als het gaat om tint. Door verschillende pure tinten rechtstreeks op haar doeken te gieten, kon Frankenthaler de stromen verf in nieuwe manieren sturen die kleurrelaties op nieuwe manieren verkenden, zonder conceptuele interferentie van elementen zoals lijn, vorm, textuur of vorm.

In Chromaphilia: The Story of Color in Art besteedt Stella Paul bijzondere aandacht aan het schilderij Mountains and Sea, dat Helen Frankenthaler in 1952 schilderde. Het wordt beschouwd als het eerste doek dat Frankenthaler creëerde met haar soak-stain techniek. Paul zegt over het werk: “Na haar terugkeer naar haar New Yorkse studio na een onderbreking in Nova Scotia, herinnerde Frankenthaler zich later dat ze het Canadese landschap had geïnternaliseerd, dat niet alleen in haar geest was verankerd, maar ook in haar schouder en haar pols. Met die achtergrond van geest en lichaam creëerde ze een lyrische, pastorale abstractie om een herinnering aan een plek op te roepen door middel van kleur.” Frankenthaler conceptualiseerde het proces van het gieten van de verf als een manier om iets dat in haar lichaam was geïnternaliseerd om te zetten in iets dat op het doek werd geexternaliseerd. Het schilderij maakt bijna volledig gebruik van tinten rood, groen en blauw, waarbij de verschillende tinten blauw het meest opvallen als een abstracte, in plaats van figuratieve, manifestatie van de zee.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blauw in het Werk van Picasso

Kleur was van groot belang voor Pablo Picasso, vooral in de vroege fasen van zijn carrière als kunstenaar. Vaak wordt zijn werk uit deze tijd geclassificeerd op basis van kleur, zoals in zijn Roze Periode en zijn Blauwe Periode. Deze classificaties hebben uiteraard iets te maken met de dominante pigmenten die hij in zijn schilderijen gebruikte, maar ze hebben ook betrekking op de omstandigheden van zijn persoonlijke leven, die naar verluidt de onderwerpen die hij koos om met deze verschillende tinten uit te drukken, beïnvloedden. Zijn Roze periode, bijvoorbeeld, duurde ruwweg van 1904 tot 1906. Het viel samen met het begin van zijn relatie met zijn geliefde Fernande Olivier, en zijn verhuizing naar het Montmartre-gebied van Parijs. Zijn werk uit de Roze periode bestond uit vrolijke beelden van dingen zoals harlekijnen en circussen. Het was aan het einde van zijn Roze Periode dat Picasso zijn baanbrekende werk, het roze getinte Les Demoiselles d’Avignon, schilderde, dat vaak wordt aangehaald als de voorganger van het Kubisme.

De Blauwe Periode van Picasso ging vooraf aan zijn Roze Periode en besloeg ruwweg de jaren 1901 tot 1904. Het was een tijd in zijn leven die werd gedomineerd door een bewustzijn van depressie en verdriet. Picasso zei ooit: “Ik begon in het blauw te schilderen toen ik hoorde van de dood van Casagemas.” Deze opmerking verwijst naar zijn beste vriend Carlos Casagemas, die zichzelf in het hoofd schoot in een café in Parijs terwijl Picasso buiten de stad was. Toen Picasso terugkeerde naar Parijs, woonde en werkte hij in de studio van Casagemas, waar hij begon met het schilderen van bijna monochromatische composities in blauw. Zoals Stella Paul opmerkt in Chromaphilia: The Story of Color in Art, “The pervasive blue of The Old Guitarist is the material expression of something sad, disenfranchised, and marginal. A twilight mood of low spirits is cast over the subject's unnatural blue-tinted flesh, his garments, and the ambient encompassing space. The angular gestures and attenuated limbs and features of this downcast, blind musician reinforce impressions established by the insistent blue color.” Maar zoals we kunnen zien aan deze drie voorbeelden, van Yves Klein, Helen Frankenthaler en Pablo Picasso, communiceert blauw niet altijd verdriet, net zoals het niet altijd verwijst naar de lucht of de zee. Het potentiële scala aan tinten waar we naar verwijzen wanneer we blauw zeggen, lijkt eindeloos. Evenzo is het potentiële scala aan emoties, gevoelens, contexten en betekenissen die we uit de kleur kunnen halen even groot.

Pablo Picasso - Ontbijt van een Blinde Man, 1903, olie op doek

Uitgelichte afbeelding: Yves Klein - Ongetitelde Blauwe Monochroom, 1960, foto © Yves Klein Archief
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio