Heb je het bericht ontvangen? Hoe abstracte kunstenaars milieudrang communiceren

Zonder figuur, zonder verhaal, zonder letterlijke voorstelling: hoe breng je een boodschap over in beeldende kunst? Dit is het dilemma van de activist in abstracte kunst en verklaart waarom echt activistische abstractie opmerkelijk zeldzaam blijft. Figuratieve kunst kan ons een smeltende ijsbeer, een overstroomde stad, het gezicht van een demonstrant tonen. Abstracte kunst biedt alleen kleur, vorm, gebaar, materiaal. Toch heeft een pioniersgroep kunstenaars bewezen dat abstractie inderdaad activistisch kan zijn, niet ondanks de weerstand tegen expliciete boodschappen, maar juist vanwege wat het uniek biedt.

De uitdaging is reëel. Conventionele klimaatcommunicatie (catastrofale beelden, overweldigende data) heeft zijn grenzen bereikt en veroorzaakt vaak wat onderzoekers "klimaatmoeheid" of emotionele verlamming noemen. Abstracte milieukunst biedt een alternatieve strategie: in plaats van rampen af te beelden, modelleert het milieuprocessen (stroom, oplossen, accumulatie) en betrekt het kijkers via directe zintuiglijke en emotionele ervaring. Het toont je de crisis niet; het laat je die voelen.

Dit artikel onderzoekt hoe abstracte kunstenaars milieudrang communiceren via zes verschillende esthetische strategieën. Aan de hand van het werk van baanbrekende kunstenaars (Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker en anderen) bekijken we hoe de schijnbare beperkingen van abstractie onverwachte krachten worden in milieubeweging.

Twee Modellen, Zes Strategieën

Abstract milieubewust activisme werkt via twee overkoepelende modellen: het Affectieve Model, dat ritueel, participatie en collectief rouwen gebruikt om kijkers milieuproblemen te laten voelen door gedeelde emotionele ervaring; en het Cognitieve Model, dat visualisatie, onderdompeling en schaal gebruikt om kijkers onzichtbare ecologische systemen en processen te laten begrijpen.

Binnen deze modellen gebruiken kunstenaars zes kernstrategieën:

1. Het Onzichtbare Zichtbaar Maken: Sommige van de meest destructieve milieukrachten blijven onzichtbaar voor het blote oog: atmosferische koolstof, temperatuurverschuivingen, microscopische ecosystemen, geologische tijd die te langzaam beweegt voor menselijke waarneming. Abstracte kunstenaars hebben manieren gevonden om deze verborgen fenomenen te vertalen in waarneembare vormen, waardoor tastbaar wordt wat we anders niet kunnen zien maar dringend moeten begrijpen.

2. Materieel Getuige: In plaats van milieuproblemen af te beelden, laten sommige kunstenaars hun materialen actieve deelnemers worden in de boodschap. Ze gebruiken ecologisch significante stoffen, of laten natuurlijke processen zoals erosie, oplossing en verval het werk zelf vormgeven. Het kunstwerk wordt een forensisch spoor, fysiek bewijs van milieugebeurtenissen in plaats van een representatie ervan.

3. Schaal en Onderdompeling: Monumentale formaten en meeslepende installaties kunnen toeschouwers overweldigen, waardoor een lichamelijke confrontatie met de uitgestrektheid van ecosystemen wordt afgedwongen. Deze strategie doorbreekt de comfortabele afstand tussen waarnemer en omgeving, en gebruikt fysieke schaal om de vervreemding te bestrijden die de ecologische crisis voedt. Wanneer je omringd of overweldigd wordt door het werk, maakt intellectueel begrip plaats voor een viscerale ervaring.

4. Kleur als Data/Getuige: Kleur in milieuabstrahering functioneert vaak minder als emotionele expressie en meer als gecodeerde informatie. Kunstenaars gebruiken specifieke paletten om data te vertalen (vervuilingsniveaus, temperatuurveranderingen, biodiversiteitsmetingen) of om als symbolische getuige te dienen van biologische vitaliteit. Een bepaalde groen is niet alleen mooi; het draagt getuigenis over een specifiek bos, een specifiek moment van ecologische observatie.

5. Herhaling en Accumulatie: De herhaalde beweging, het opgehoopte object, de geserialiseerde vorm kunnen ecologische fenomenen modelleren die zich ontvouwen door tijd en hoeveelheid: cellulaire groei, plasticfragmentatie, de cumulatieve impact van industriële productie. Wanneer individuele elementen zich vermenigvuldigen tot duizenden, maakt het werk de schaal van de milieuproblemen zichtbaar op manieren die enkele beelden niet kunnen.

6. Geïncarneerde Ervaring: Sommige werken vragen meer dan visuele aandacht. Ze vereisen fysieke deelname, betrekken meerdere zintuigen (tast, geur, temperatuur) of creëren gezamenlijke rituelen. Door toeschouwers te transformeren van passieve waarnemers tot actieve deelnemers, roepen deze werken affectieve reacties op (rouw, kalmte, angst, verbinding) die in het lichaam leven in plaats van in de geest, en creëren ze het soort diep begrip dat ethisch handelen motiveert.

Laten we eens kijken hoe deze strategieën in de praktijk werken.

Jaanika Peerna - Big melt #10 en Big Melt #16 (2016) 

Het Affectieve Model: Jaanika Peerna's Glacier Elegies

Jaanika Peerna, een in Estland geboren kunstenaar die werkt tussen New York, Berlijn en Tallinn, heeft een van de meest verfijnde benaderingen ontwikkeld van milieugewaarwording via participatieve performance en gecontroleerde ontbinding. Haar praktijk maakte rond 2017 een bewuste wending om klimaatontwrichting direct aan te pakken, waarbij ze haar eerdere studies van natuurlijke krachten (wind, water, licht) transformeerde in expliciet klimaatactivisme.

Peerna's techniek bestaat uit het vasthouden van bosjes potloden in elke hand en het uitvoeren van spontane, hele-lichaamsgebaren over grote Mylar-vellen, waarbij kinetische tekeningen worden gemaakt die natuurlijke krachten vastleggen door pure beweging. De potloden worden verlengstukken van haar lichaam, waardoor de kunstenaar verandert in wat critici een "vat dat natuurlijke processen vastlegt" noemen. Maar de activistische kracht komt naar voren in de tweede akte van de performance.

In haar lopende Glacier Elegy-project nodigt Peerna het publiek uit om samen te werken aan het creëren van deze grootschalige tekeningen. Vervolgens brengt ze blokken natuurlijk ijs aan op het oppervlak. Terwijl het ijs smelt, lost het actief de getekende lijnen en pigmenten op, waardoor de gezamenlijke creatie in realtime wordt uitgewist. Dit proces comprimeert decennia van gletsjersmelt tot een onmiddellijke, belichaamde ervaring van verlies.

Het genie zit in publieke participatie (Strategie 6: Embodied Experience). Door het publiek bij de creatie te betrekken, garandeert Peerna emotionele betrokkenheid; de daaropvolgende vernietiging wordt een gedeeld, tastbaar verlies in plaats van abstracte data. Het werk beeldt geen gletsjersmelt af; het voert het uit, waarbij toeschouwers worden getransformeerd tot getuigen en rouwenden. Haar benadering erkent dat conventionele catastrofale beelden vaak verlamming veroorzaken; haar rituele methode biedt een gestructureerde "weg door" overweldigende klimaatrouw, waarbij betrokkenheid verandert van passieve observatie in wat zij noemt "een daad van ethische verantwoordelijkheid en zorg voor de planeet."

Het smeltende ijs functioneert als Material Witness (Strategie 2). Water is niet zomaar een medium; het is een actieve kracht van transformatie en vernietiging. Zwaartekracht en stroming bepalen de uiteindelijke compositie, waardoor het kunstwerk een forensisch document wordt van het oplossingsproces zelf. Peerna heeft ook een verfijnde temporele dimensie ontwikkeld (Scale/Immersion, Strategie 3). Terwijl haar eerdere werk langzame natuurlijke processen vierde, versnelt Glacier Elegy bewust geologische trauma's, waarbij decennia van gletsjerterugtrekking worden samengeperst in de korte duur van een rituele uitvoering. Deze compressie simuleert urgentie op een manier waarop klimaatdata dat niet kan.

Peerna breidt deze praktijk uit naar haar atelierwerk, waar ze solo versies uitvoert van hetzelfde rituele proces. De resulterende werken (getiteld "Tipping Point," "Big Melt," "Meltdown," "Ablation Zone") presenteren een krachtig paradox: permanente synthetische monumenten op Mylar die momentane natuurlijke tragedies vastleggen, en zo de duurzaamheid van door de mens gemaakte materialen benadrukken tegenover de kwetsbaarheid van natuurlijke processen.

De opeenhoping van kinetische lijnen en gebaren op het Mylar (Herhaling/Opeenhoping, Strategie 5) weerspiegelt de complexiteit en intensiteit van vastgelegde natuurlijke krachten. En hoewel Peerna's esthetiek minimalistisch is (vaak zwart op wit), is haar activisme verankerd in een precieze woordenschat (Kleur als Data, Strategie 4). Haar titels verwijzen naar kritische processen uit de glaciologie en klimaatwetenschap, waarbij emotionele esthetiek wordt samengevoegd met objectieve datapunten en abstract werk wordt verankerd in wetenschappelijke realiteit.

Reiner Heidorn - Specifieke Rang #2 en Specifieke Rang #1 (2024)

Het Ontologische Model: Reiner Heidorns Bio-Divisionisme

Reiner Heidorn, een Duitse kunstenaar gevestigd in Beieren, hanteert een radicaal andere benadering. Vanuit zijn atelier omringd door de Beierse Alpen en bossen heeft Heidorn wat hij de "Dissolutio"-techniek noemt (Latijn voor oplossing) ontwikkeld, een proces dat expliciet tot doel heeft de grenzen tussen mensheid en natuurlijke wereld op te heffen.

Heidorns activisme richt zich niet op vervuiling of materiële degradatie zoals dat van Peerna, maar op het herstellen van een gezonde ontologische relatie met de natuur. Zijn schilderijen zijn wat hij "doorgangen" of "openingen" noemt naar levend materiaal, met de ambitie een "ruimte zonder grenzen" te creëren tussen waarnemer en waargenomene. Deze zoektocht om de subject/object-dichotomie af te breken, die door ecologische filosofen wordt gezien als een hoofdoorzaak van de milieuproblematiek, bepaalt de politieke effectiviteit van zijn werk.

Zijn techniek biedt een uitzonderlijk voorbeeld van Het Onzichtbare Zichtbaar Maken (Strategie 1). Heidorn transformeert microscopische cellulaire structuren en zoetwaterecosystemen in uitgestrekte, meeslepende kleurvelden. Zijn stijl, die kunsthistorici "Neo-Expressionistisch Bio-Divisionisme" noemen, gebruikt wat hij "Microscopisch Pointillisme" noemt: duizenden kleine, precieze kleurpunten organiseren zich in zachte gradaties, waarbij de visuele taal van wetenschappelijke microscopie wordt omgezet in emotionele expressie. Hij maakt de complexiteit en onderlinge verbondenheid van het leven waarneembaar die normaal aan het menselijk oog ontsnapt, en maakt zo de onzichtbare netwerken zichtbaar die ecosystemen in stand houden.

Het Dissolutio-proces zelf functioneert als Material Witness (Strategie 2), zij het impliciet. Om zijn werken in beweging te houden en vergankelijkheid als esthetische kwaliteit te integreren, overtreedt Heidorn bewust de klassieke olieverfschilderregels, mengt kleuren direct op het doek en accepteert "fouten" zoals bellen en kraters. Deze wijziging van het medium zorgt ervoor dat het werk flux en verandering belichaamt, versterkt het idee van levend, veranderlijk materiaal en geeft de controle over aan natuurlijke processen.

Het formaat van zijn werken is een kritisch pleitmechanisme (Scale/Immersion, Strategie 3). Zijn doeken zijn monumentaal en oversized, ontworpen om kijkers te "overweldigen," functionerend als "portalen" die de toeschouwer onderdompelen in levend, muterend materiaal. Deze monumentale schaal is een bewuste activistische strategie om het antropocentrisme te bestrijden. Door kijkers te dwingen tot lichamelijke confrontatie met de immensiteit van het ecosysteem, dringt het werk aan op wat Heidorn noemt de "totale onbeduidendheid van het individu." Verre van nihilistisch, moedigt deze benadering nederigheid aan en bevordert wat hij beschrijft als "psychologisch herstel." Zich onbeduidend voelen tegenover biologische vitaliteit nodigt kijkers uit hun scheiding van de natuur op te heffen, het tegengestelde van de vervreemding die de milieuproblematiek voedt.

Heidorn's werk is sterk gebaseerd op Kleur als Data/Witness (Strategie 4). Zijn visuele taal wordt gedomineerd door groen, niet als achtergrond maar als onderwerp en stem. Kunsthistorici associëren dit met een "heilig groen, de getuige van het gezegende, diepe leven van de wereld." Zijn palet, verrijkt met blauwtinten en okers, roept expliciet bossen, meren en autonome biologische werelden op. Deze kleuren zijn geen decoratieve keuzes maar getuigen van specifieke plaatsen, specifiek licht, specifieke momenten van verbinding tussen kunstenaar en omgeving.

De Repetition/Accumulation (Strategie 5) is intrinsiek aan zijn methode. Microscopic Pointillism is gebaseerd op duizenden kleine, precieze kleurpunten die zich ophopen tot complexe ecosystemen. Dit gebruik van herhaling modelleert de dichtheid en structurele complexiteit van levend materiaal op cellulair niveau, een esthetische representatie van noodzakelijke onderlinge verbondenheid en biologische rijkdom op microscopisch niveau.

Uiteindelijk is Heidorn's ultieme doel zowel moreel als psychologisch (Embodied Experience, Strategie 6). Zijn schilderijen zijn ontworpen om momenten van "psychologisch herstel en diepe rust" te bieden. Door kijkers uit te nodigen deze "passages" te doorkruisen en grenzen tussen zelf en natuur te laten vervagen, wordt de meeslepende ervaring een therapeutische handeling tegen ecologische angst en vervreemding. Critici melden een gevoel van "onverwachte tederheid" ervaren door kijkers, wat de effectiviteit van deze niet-confronterende benadering aantoont. In een tijdperk van milieu-noodsituatie wordt Heidorn's nadruk op traagheid en contemplatie een vorm van verzet tegen de versnelde vernietiging van ecosystemen.

Het vocabulaire uitbreiden: drie extra benaderingen

Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)

Conceptuele Abstractie: Olafur Eliasson

Olafur Eliasson, de Deens-IJslandse conceptuele kunstenaar, gebruikt abstracte en minimalistische vormen als zijn primaire taal voor milieukommunicatie. Hoewel hij fundamenteel een conceptueel kunstenaar is, kwalificeert zijn werk als abstract activisme door de manipulatie van natuurlijke fenomenen (licht, water, atmosfeer, perceptie) tot niet-figuratieve ervaringen.

Eliasson blinkt uit in Making the Invisible Visible (Strategie 1) en Embodied Experience (Strategie 6). Werken zoals Wavemachines of Regenfenster (Rain window) repliceren waterfenomenen en weersomstandigheden, waardoor het publiek onzichtbare of oncontroleerbare natuurlijke krachten kan ervaren in gecontroleerde museumruimtes. Moss wall (1994) betrekt de belichaamde ervaring direct door sensorische materialiteit (aroma, textuur van korstmossen) in de steriele museumomgeving te introduceren, waardoor bezoekers zich scherp bewust worden van levende biologische aanwezigheid.

Zijn werk over kleur illustreert de vierde hierboven genoemde strategie (Data/Witness). De Colour experiments (2019) ontleden historische figuratieve landschapschilderijen (zoals die van Caspar David Friedrich) en behandelen ze als kwantificeerbare databronnen. Door kleuren te analyseren, extraheren en proportioneel te verdelen over abstracte doeken, creëert Eliasson een puur chromatisch "dataset" van landschap. Hij bevestigt het idee dat natuur vertaald kan worden in gecodeerde abstracte vorm, een soort forensische kunstgeschiedenis.

Zijn project Your planetary assembly (2025) maakt gebruik van Scale/Immersion (Strategie 3) via acht abstracte veelvlakken waarvan de kleuren en opstelling geïnspireerd zijn op modellen van het zonnestelsel. Ontworpen als een openbare vergaderruimte (refererend aan de agora), dwingt de ruimtelijke opstelling van de installatie deelnemers om hun directe omgeving te beschouwen binnen een grotere kosmische context, waarbij abstracte geometrie en kosmische kaartlegging worden verbonden met het idee van lokale gemeenschap.

De praktijk van Eliasson stelt consequent de vraag: Hoe kan kunst de klimaatcrisis niet alleen intellectueel begrijpelijk maken, maar ook fysiek voelbaar? Zijn benadering bewijst dat conceptuele kunstenaars abstractie kunnen gebruiken als hun primaire middel voor milieuboodschappen, waarbij ze viscerale ervaringen creëren die intellectueel begrip omzeilen.

Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totems (2019)

Data Visualisatie: Statistieken Tastbaar Maken

Een groeiende beweging van kunstenaars gebruikt abstractie als een middel om complexe ecologische data te vertalen naar toegankelijke vormen. Deze "eco-visualisatie" praktijk, een term bedacht door kunstenaar Tiffany Holmes in 2005, herinterpreteert data (energieverbruik, vervuilingsniveaus, verlies van soorten) via technologische en artistieke middelen om gedrag te beïnvloeden. Dit maakt direct gebruik van Het Onzichtbare Zichtbaar Maken (Strategie 1) en Kleur als Data/Getuige (Strategie 4).

Alicja Biała en Iwo Borkowicz's installatie Totemy biedt een direct voorbeeld. Deze negen meter hoge zuilen gebruiken kleur, vorm en textuur om specifieke klimaatstatistieken te vertegenwoordigen: visserij-exploitatie, luchtvervuiling, houtkap. Dit is een duidelijke toepassing van Schaal/Immersie (Strategie 3) door imponerende hoogte, Kleur als Data/Getuige (Strategie 4) door gecodeerde kleuren voor statistieken, en Het Onzichtbare Zichtbaar Maken (Strategie 1) door overweldigende statistieken tastbaar te maken. Kijkers kunnen de schaal van problemen visualiseren en vervolgens QR-codes scannen voor volledige documentatie, waarmee abstracte esthetiek wordt verbonden met feitelijke informatie.

ScanLAB Projects, de in Londen gevestigde door kunstenaars geleide studio opgericht door Matt Shaw en William Trossell gebruikt 3D-scanners om abstracte digitale time-lapse werken van natuurlijke locaties te creëren, zoals een saguaro-cactus die instort in de Sonorawoestijn. Klimaatverandering manifesteert zich vaak op tijdschalen die te traag zijn voor menselijke waarneming (gletsjers die decennialang smelten, erosie over eeuwen). De abstracte time-lapse van ScanLAB lost dit op door tijd te manipuleren en te comprimeren, waardoor een proces zichtbaar wordt dat normaal onzichtbaar is op menselijke schaal. Het werk dient als een dynamisch archief en maakt het begrip van Onzichtbaar Zichtbaar (Strategie 1) concreet door de abstractie van duur.

Mandy Barker - Bird's Nest - © Mandy Barker

Forensische Accumulatie: Mandy Barker

De Britse kunstenaar Mandy Barker heeft een opvallende conceptuele en fotografische praktijk ontwikkeld die accumulatie gebruikt om de wereldwijde omvang van mariene vervuiling te materialiseren. Hoewel haar uiteindelijke medium fotografie is, worden haar abstracte composities gecreëerd door het intentioneel samenstellen en lagen van duizenden verzamelde plastic afvalstukken.

Het werk van Barker maakt direct gebruik van Herhaling/Accumulation (Strategie 5) en Materiaalgetuige (Strategie 2). De accumulatie is niet louter esthetisch; het is forensisch, gericht op het kwantificeren van de onhoudbare omvang van het probleem. Haar serie PENALTY: The World verzamelde 992 stukken voetballen en marien afval uit 41 landen om de wereldwijde omvang van het probleem te illustreren. De serie Hong Kong Soup: 1826 - Spilt documenteert enorme morsingen door plastic pellets (nurdles) in de compositie te integreren, die fungeren als visuele getuigen van vervuiling.

Elk individueel stuk puin transformeert in een eenheid van de wereldwijde micro- en macro-plasticcrisis. De keuze van materialen (afval) wordt een ethische daad, die abstract werk verandert in fysiek bewijs en het publiek uitnodigt hun benadering van materialen en consumptie te heroverwegen. Historisch gezien werden herhaling en accumulatie in kunst geassocieerd met psychologische thema's (zoals Yayoi Kusama's obsessieve accumulaties). In de milieukundige context krijgt accumulatie een kritische politieke betekenis, direct verbonden met de ophoping en fragmentatie van afval, met name plastics.

Barkers abstracte composities zijn tegelijkertijd mooi en angstaanjagend. De zorgvuldige rangschikking van puin in mandala-achtige patronen of constellatievormen creëert visuele verleiding die kijkers aantrekt, om vervolgens de klap te geven: elk element is afval, elk stuk bewijs van ecologische crisis. Deze strategie bewijst dat abstractie schoonheid en urgentie in hetzelfde kader kan houden, waarbij esthetisch genot niet als afleiding dient maar als haak die kijkers lang genoeg betrokken houdt zodat de boodschap doordringt.

Waarom Abstract Activisme Werkt: Affect en Cognitie

Vergelijkende analyse van deze praktijken onthult dat abstracte milieukunst slaagt via twee primaire modellen, elk met verschillende combinaties van de zes strategieën.

Het Affectieve Model (geïllustreerd door Peerna) toont de superioriteit van rituele praktijken aan (Strategie 6). Door een esthetische structuur voor ecologisch verdriet en collectief verlies voor te stellen, biedt Peerna een weg om verdriet te transformeren in ethische actie. Deze strategie omzeilt succesvol mediasaturatie en de emotionele verlamming veroorzaakt door catastrofale beelden. Het biedt wat conventionele klimaatcommunicatie niet kan: een manier om overweldigende feiten onder ogen te zien terwijl de ziel geneest en actie wordt gemotiveerd.

Het Cognitieve Model (geïllustreerd door Heidorn, Eliasson en eco-visualisatiekunstenaars) gebruikt abstractie om een gezonde relatie met de wereld te herstellen. Heidorn bereikt dit door de grenzen tussen waarnemer/waargenomen op te heffen en monumentale schaal (Strategie 3) te gebruiken om nederigheid te onderwijzen tegenover biologische vitaliteit. Eco-visualisatie gebruikt abstractie om onzichtbare informatie (data) zichtbaar te maken (Strategie 4), waardoor cognitief begrip van complexe of langzame processen mogelijk wordt (zoals de time-lapse van ScanLAB). Eliasson creëert gecontroleerde omgevingen waar onzichtbare atmosferische krachten tastbare ervaringen worden.

Beide modellen delen een cruciaal inzicht: abstractie omzeilt intellectueel begrip om viscerale, lichamelijke kennis te creëren. Wanneer je deelneemt aan het maken van een tekening die vervolgens voor je ogen oplost, wanneer je overweldigd staat voor een monumentaal doek van microscopisch leven, wanneer je zorgvuldig gerangschikt oceaanpuin ontmoet, is de reactie somatisch, niet cerebraal. Dit creëert wat onderzoekers "somatische empathie" noemen, een diepere vorm van begrip die in het lichaam leeft en actie motiveert op manieren die statistieken en catastrofale beelden niet kunnen.

Abstractie als Dringend Getuigenis

Kan abstractie activistisch zijn? Het werk van Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker en anderen bewijst definitief dat het kan. Maar deze praktijken onthullen ook waarom activistische abstractie zeldzaam blijft: het vereist het oplossen van het "boodschappenprobleem" dat figuratie ontwijkt. Zonder figuren of verhalen moeten abstracte kunstenaars andere strategieën vinden: onzichtbare systemen zichtbaar maken, materiële transformatie als metafoor gebruiken, overweldigen door schaal, informatie coderen in kleur, bewijs accumuleren door herhaling, ervaringen creëren die waarnemers in deelnemers veranderen.

De uitdaging blijft reëel. Abstractie zal nooit communiceren met de onmiddellijke helderheid van een foto van een gekapt bos of een schilderij van een klimaatvluchteling. Maar deze benaderingen tonen aan dat abstractie iets even waardevols biedt: het vermogen om milieuproblemen te getuigen via vorm, materiaal en proces; om schoonheid te creëren die urgentie draagt; om een universele visuele taal te spreken; om te laten voelen wat niet altijd gezien kan worden; om structuren te bieden voor verdriet, genezing en ethische actie.

Voor kijkers en verzamelaars is het omgaan met activistische abstractie zelf een daad van getuigenis. Wanneer je tijd doorbrengt met Peerna's gletsjerelegieën of Heidorn's microscopische ecosystemen, wanneer je Eliasson's atmosferische installaties of Barker's puinmandala's ontmoet, neem je deel aan een andere vorm van milieubewustzijn, een die leeft in het lichaam, in sensatie, in de ruimte waar schoonheid en urgentie samenkomen. Zoals deze kunstenaars aantonen, kan deze deelname klimaatbetrokkenheid transformeren van overweldigende wanhoop in gestructureerde rouw, van passieve observatie in collectief herstel, van vervreemding in herverbinding.

Activistische abstractie is mogelijk. Het is moeilijk, het is zeldzaam, maar wanneer het wordt bereikt, biedt het vormen van milieugewaarwording die figuratie niet kan evenaren. Terwijl de klimaatcrisis alle stemmen eist, bewijzen deze kunstenaars dat abstractie essentiële bijdragen kan leveren, niet ondanks de weerstand tegen expliciete boodschappen, maar juist vanwege wat die weerstand, eenmaal overwonnen, mogelijk maakt.

Jaanika Peerna en Reiner Heidorn worden vertegenwoordigd door IdeelArt. 

Uitgelichte afbeelding: Wetland door Reiner Heidorn (2023)

Door Francis Berthomier

Gerelateerde kunstwerken