Louise Bourgeois Kunst en de Reductie van Vorm

Voor degenen die abstracte kunst zien als een weg naar een meer introspectief en vervullend leven, was Louis Bourgeois de belichaming van een ideaal. Maar niet vanwege haar onderscheidingen of prijzen, of de roem die ze bereikte: juist het tegenovergestelde. Het is omdat Louis Bourgeois kunst spreekt tot wat relevant is in ons dagelijks leven. Om Gichin Funakoshi, de grondlegger van het moderne karate, te parafraseren: wanneer we beseffen hoe iets verband houdt met ons dagelijks leven, ontdekken we de essentie ervan. De kunstwereld wordt te vaak bepaald door manifesten en verdeeld in stromingen, tijdperken en stijlen. Kunstenaars worden te vaak ingedeeld op geslacht, ras, nationaliteit en opleidingsachtergrond. We vergeten gemakkelijk dat de ware waarde van kunst buiten zulke kleingeestige overwegingen bestaat. Het werk van Louise Bourgeois stijgt zelfverzekerd boven classificaties uit. Haar esthetische bijdrage bewoont oprecht een ruimte die zowel figuratief als symbolisch is. Het is grotesk en toch verheven. Ze verkende elke denkbare discipline, zonder zich aan een bepaalde trend te binden, en toch bedacht ze onderweg enkele trends. In de loop van een carrière van zeven decennia bereikte ze wat weinig andere abstracte kunstenaars hebben bereikt: ze maakte persoonlijk werk dat universeel was.

Tegenstrijdige Krachten

Louise Bourgeois werd geboren in een familie vol tegenstrijdigheden. Haar vader was een succesvolle kostwinner, maar hij was ook de grootste bedreiging voor Louise’s veiligheid. Haar ouders waren partners in zaken en in het leven, maar haar vader had onbeschaamd seksuele affaires die de stabiliteit van beiden bedreigden. Louise’s inwonende kindermeisje en tutor, die verondersteld werd haar beschermer en gids te zijn, was in feite de minnares van haar vader. Louise’s moeder, een weefster voor het familiebedrijf in textiel, was een liefdevolle, beschermende kracht en haar felste voorvechtster, maar was ook lichamelijk zwak en stierf uiteindelijk jong.

Gedurende haar jeugd was Louise getuige van de dagelijkse wreedheid van een huis dat tegelijk werd gekenmerkt door en bedreigd werd door genegenheid. Ze ervoer de rauwe waarheid over de kwetsbaarheid van het menselijk karakter. Ze voelde jaloezie, woede, angst, eenzaamheid en verwarring. Toch had ze nooit gebrek aan onderdak, voedsel, kleding of onderwijs. Ze werd geliefd en gekoesterd, althans door één ouder. Toen haar moeder stierf, was Louise 21 en studeerde ze wiskunde aan de universiteit. In plaats van die weg te vervolgen, wat haar vader voor haar wenste, werd Louise door het overlijden van haar moeder geïnspireerd haar leven drastisch te veranderen. Ze koos een pad dat haar in staat stelde haar gevoelens te confronteren en te uiten. Ze liet wiskunde achter zich en wijdde zich aan het leven van een kunstenaar.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Brons, zilvernitraatpatina. 33 × 41,9 × 19,7 cm; 13 × 16 1/2 × 7 3/4 inch. © 2018 The Easton Foundation

Symboliek en Psychotherapie

Zes jaar na het overlijden van haar moeder studeerde Louise kunst en kreeg ze praktijkonderwijs door ateliers van succesvolle kunstenaars te bezoeken en te assisteren bij hun tentoonstellingen. Op 27-jarige leeftijd opende ze kort een winkeltje in een hoek van de textielwinkel van haar vader, waar ze kunstafdrukken verkocht. Hij stond haar toe de ruimte te gebruiken omdat het een zakelijke onderneming was. Op een dag raakte ze in de winkel in gesprek met een verzamelaar. Toen, zoals ze het zelf zei, “tussen gesprekken over surrealisme en de laatste trends,” trouwden ze.

Die verzamelaar was Robert Goldwater, een gerespecteerd kunsthistoricus uit Amerika. Robert en Louise verhuisden naar New York, waar Louise haar kunststudie voortzette en het bereik van haar esthetische productie uitbreidde. Geïnspireerd door het surrealisme en het concept van psychotherapie wendde Louise zich tot haar traumatische jeugd als onderwerp voor haar kunst. Ze ontwikkelde een symbolische taal van vormen gebaseerd op een combinatie van haar herinneringen en haar dromen.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Giet- en gepolijst bronzen beeld. 11,4 × 22,9 × 15,2 cm; 4 1/2 × 9 × 6 inch. Editie 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

De Symboliek van Louise Bourgeois

Louise’s symbolische beeldtaal bestond uit persoonlijke beelden die voor haar duidelijke betekenis hadden. Maar voor toeschouwers leek haar kunst woest, gedurfd, abstract en zelfs schokkend. Een van Louise’s meest voorkomende symbolische vormen was de spin. Al vanaf de jaren 1940 verwerkte Louise spinnen en spinnenwebben in tekeningen en afdrukken, en maakte ze zelfs een serie abstracte, door webben geïnspireerde haakwerken. Ze legde uit dat spinnen een symbolische verwijzing waren naar haar moeder. Haar moeder was een weefster, en net als haar moeder zijn spinnen beschermers omdat ze muggen eten, die ziektes verspreiden.

Uiteindelijk kregen haar spinvormen een monumentale omvang, met als hoogtepunt een 9 meter hoog beeld getiteld Maman. Naast spinnen omvatte Bourgeois’ symbolische beeldtaal kooien, huizen, mannelijke en vrouwelijke geslachtsdelen, huishoudelijke voorwerpen zoals stoelen en kleding, en portretteerde ze vaak biomorfe vormen die op lichaamsdelen lijken. Een van haar beroemdste werken heet The Destruction of the Father en toont een selectie van objecten die lijken op organen en vlees, uitgespreid op een tafel, omringd door bollen die een gigantische open mond vol tanden oproepen.

Louise Bourgeois - Spin, 1997. Staal, wandtapijt, hout, glas, stof, rubber, zilver, goud en bot. 449,6 × 665,5 × 518,2 cm; 177 × 262 × 204 inch. © 2018 The Easton Foundation

Samen Geïsoleerd

De rode draad in al Bourgeois’ werk is dat al haar beelden betrekking hebben op haar privé, persoonlijke ervaringen. Een van de krachtigste gevoelens die ze met haar kijkers wilde delen, was die van het samenspel tussen verbondenheid en afzondering. In de jaren 1940 maakte ze een serie sculpturale vormen die verwezen naar verschillende mensen die ze kende. Ze stelde de vormen tentoon op manieren die willekeurig leken. Maar geleidelijk, bij het bekijken van de opstellingen, beginnen de afzonderlijke vormen hun kenmerken uit te drukken en krijgt elk een eigen persoonlijkheid totdat er een gevoel van interactie tussen hen ontstaat.

Gevoelens van verbondenheid en afzondering zijn ook wezenlijk voor een serie sculpturale objecten die Bourgeois in de jaren 1950 maakte, een tijd waarin ze zich richtte op de zachtere kant van het leven, geïnspireerd door haar man en kinderen. Objecten zoals Night Garden, Cumul I en Clamart Other tonen elk een verzameling vormen. De verzamelingen lijken organisch, maar lijken ook entiteiten te tonen die zich hebben samengepakt voor bescherming of troost.

Louise Bourgeois - Mes Koppel, 1949 (gegoten 1991). Brons en roestvrij staal. 171,5 × 30,5 × 30,5 cm; 67 1/2 × 12 × 12 inch. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Voorbij Labels

Hoewel veel van Bourgeois’ werken figuratief lijken, is de kern van haar werk dat het symbolisch en persoonlijk is. Ze portretteerde vaak naaktheid en richtte zich op het vrouwelijk lichaam, maar ze wees krachtig elke sociale of politieke boodschap in haar werk af. Ze was vrouwelijk, en seksualiteit was een krachtige kracht in haar opvoeding; er was weinig tot geen sociale of politieke bedoeling in zulke beelden. Niettemin is ze vanwege de krachtige beelden in veel van haar werk vaak geassocieerd met feministische en LGBTQ-kunst. Hoewel ze zich daar vandaag de dag misschien niet tegen zou verzetten, stelde ze ook duidelijk dat haar doel niet was om deze kwesties in haar werk aan te kaarten. Ze zei ooit: “Mijn werk gaat over problemen die vóór geslacht zijn. Bijvoorbeeld, jaloezie is niet mannelijk of vrouwelijk.”

Het is logisch om Bourgeois’ werk op een persoonlijk niveau te bekijken. Haar symboliek is immers gerelateerd aan haar eigen ervaringen. Toch kan ieder van ons er iets in vinden waarmee we ons kunnen verbinden. Als we openstaan, kunnen we het accepteren vanuit het perspectief van een grotere wijsheid. Wanneer we een lichaam kunnen zien zonder te denken in termen van mannelijk of vrouwelijk, worden we minder geïsoleerd en meer universeel menselijk. Wanneer we onszelf toestaan te leren van zowel het lijden als de liefde van onze medemens, is het eindresultaat een meerwaarde voor zowel hun ervaring als de onze.

Afbeelding in de kijker: Louise Bourgeois - Boog van Hysterie, 1993. Brons, gepolijste patina. 83,8 × 101,6 × 58,4 cm; 33 × 40 × 23 inch. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio