Louise Bourgeois Kunst en de Reductie van Vorm

Voor degenen die abstracte kunst zien als een pad naar een introspectiever en vervullender leven, was Louis Bourgeois de belichaming van een ideaal. Maar niet vanwege haar onderscheidingen of prijzen, of de beroemdheid die ze bereikte: het tegendeel is waar. Het is omdat Louis Bourgeois kunst spreekt tot wat relevant is voor ons dagelijks leven. Om Gichin Funakoshi, de vader van de moderne karate, te parafraseren: wanneer we ons realiseren hoe iets zich verhoudt tot ons dagelijks leven, dat is wanneer we de essentie ervan ontdekken. De kunstwereld wordt te vaak gedefinieerd door manifesten en verdeeld in bewegingen, tijdperken en stijlen. Kunstenaars worden te vaak gecategoriseerd op basis van geslacht, ras, nationaliteit en opleidingsachtergrond. We vergeten gemakkelijk dat de ware waarde van kunst bestaat buiten zulke triviale overwegingen. Het werk van Louise Bourgeois stijgt vol vertrouwen boven classificaties uit. Haar esthetische bijdrage bewoont oprecht een ruimte die zowel figuratief als symbolisch is. Het is grotesk en toch subliem. Ze verkende elke denkbare discipline, zonder zich aan een bepaalde trend te hechten, en toch heeft ze onderweg een paar trends uitgevonden. Gedurende een carrière van zeven decennia bereikte ze wat weinige andere abstracte kunstenaars hebben bereikt: ze maakte persoonlijke kunst die universeel was.

Tegenstrijdige Krachten

Louise Bourgeois werd geboren in een familie van tegenstellingen. Haar vader was een succesvolle kostwinner, maar hij was ook de grootste bedreiging voor Louise's veiligheid. Haar ouders waren partners in zaken en in het leven, maar haar vader engageerde zich zonder enige schaamte in seksuele affaires die de stabiliteit van beiden bedreigden. Louise's inwonende nanny en tutor, verondersteld als een beschermer en gids, was in feite de minnares van haar vader. Louise's moeder, een wever voor het familiebedrijf in textiel, was een liefdevolle, beschermende kracht en haar felste pleitbezorger, maar was ook fysiek zwak en stierf uiteindelijk jong.

Gedurende haar hele jeugd was Louise getuige van de dagelijkse brutaliteit van een huis dat tegelijkertijd werd gedefinieerd door en bedreigd werd door genegenheid. Ze ervoer de rauwe waarheid over de kwetsbaarheid van het menselijke karakter. Ze voelde jaloezie, woede, angst, eenzaamheid en verwarring. Toch had ze nooit gebrek aan onderdak, voedsel, kleding of onderwijs. Ze werd geliefd en gekoesterd, althans door één ouder. Toen haar moeder stierf, was Louise 21 en studeerde ze wiskunde aan de universiteit. In plaats van die weg te vervolgen, wat de wens van haar vader voor haar was, werd Louise geïnspireerd door het overlijden van haar moeder om haar leven drastisch te veranderen. Ze baande een pad dat haar in staat stelde haar gevoelens onder ogen te zien en te uiten. Ze verliet de wiskunde en wijdde zich in plaats daarvan aan het leven als kunstenaar.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Brons, zilvernitraat patina. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symboliek en Psychotherapie

Zes jaar nadat haar moeder was overleden, studeerde Louise kunst en verwierf ze een praktische opleiding door de studio's van succesvolle kunstenaars te bezoeken en hen te helpen met hun tentoonstellingen. Op 27-jarige leeftijd opende ze kort een winkel in een hoek van de textielwinkel van haar vader, waar ze kunstafdrukken verkocht. Hij stond haar toe de ruimte te gebruiken, aangezien het een zakelijke onderneming was. Op een dag in de winkel begon ze een gesprek met een verzamelaar. Toen, zoals ze het zelf verwoordde, "tussen gesprekken over surrealisme en de laatste trends," trouwden ze.

Die verzamelaar was toevallig Robert Goldwater, een gerespecteerde kunsthistoricus uit Amerika. Robert en Louise verhuisden naar New York, waar Louise haar studie kunst voortzette en het bereik van haar esthetische productie uitbreidde. Beïnvloed door het surrealisme en het concept van psychotherapie, wendde Louise zich tot haar traumatische kindertijd voor onderwerp voor haar kunst. Ze ontwikkelde een symbolische taal van vormen gebaseerd op een combinatie van haar herinneringen en haar dromen.

Louise Bourgeois - Geef of Neem (Hoe Voel Je Je Vanmorgen), 1990. Gegoten en gepolijst bronzen sculptuur. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11,4 × 22,9 × 15,2 cm. Editie 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

De Symboliek van Louise Bourgeois

Louise's symbolische visuele taal bestond uit persoonlijke beelden die voor haar duidelijke betekenis hadden. Maar voor kijkers leek haar kunst wild, gedurfd, abstract en zelfs schokkend. Een van Louise's meest voorkomende symbolische vormen was de spin. Al vanaf de jaren veertig verwerkte Louise spinnen en webben in tekeningen en prenten, en produceerde zelfs een serie abstracte, web-geïnspireerde haakwerken. Ze legde uit dat spinnen een symbolische verwijzing naar haar moeder waren. Haar moeder was een wever, en net als haar moeder zijn spinnen beschermers, omdat ze muggen eten, die ziekten verspreiden. 

Uiteindelijk namen haar spinvormen een monumentale schaal aan, met een hoogtepunt in een 9 meter hoge sculptuur getiteld Maman. Naast spinnen omvatte Bourgeois' symbolische visuele taal kooien, huizen, mannelijke en vrouwelijke genitaliën, huishoudelijke artikelen zoals stoelen en kleding, en ze stelde ook vaak biomorfe vormen voor die op lichaamsdelen leken. Een van haar meest beroemde werken is getiteld The Destruction of the Father, en toont een selectie van objecten die op organen en vlees lijken, verspreid over een tafel, omringd door bollen die een enorme open mond vol tanden oproepen.

Louise Bourgeois - Spin, 1997. Staal, wandtapijt, hout, glas, stof, rubber, zilver, goud en bot. 177 × 262 × 204 in; 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Samen geïsoleerd

De rode draad die door al het werk van Bourgeois loopt, is dat al haar beelden verband houden met haar privé, persoonlijke ervaringen. Een van de krachtigste gevoelens die ze wilde delen met haar kijkers, was die van de wisselwerking tussen samen zijn en isolatie. In de jaren veertig creëerde ze een serie sculpturale vormen die verwezen naar verschillende mensen die ze kende. Ze exposeerde de vormen op manieren die willekeurig leken. Maar geleidelijk, wanneer je naar de arrangementen kijkt, beginnen de individuele vormen hun kenmerken uit te drukken en krijgt elke vorm een individuele persoonlijkheid totdat er een gevoel van interactie tussen hen ontstaat.

Gevoelens van saamhorigheid en isolatie zijn ook integraal voor een serie sculpturale objecten die Bourgeois in de jaren vijftig maakte, een tijd waarin ze zich richtte op de zachtere kant van het leven, geïnspireerd door haar man en kinderen. Objecten zoals Nacht Tuin, Cumul I en Clamart Other tonen elk een verzameling van vormen. De verzamelingen lijken organisch, maar ze lijken ook entiteiten weer te geven die samen zijn gekropen voor bescherming of comfort.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (gietsel 1991). Brons en roestvrij staal. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Verder dan etiketten

Hoewel veel van Bourgeois' werken figuurlijk lijken, is de essentie van haar werk dat het symbolisch en persoonlijk is. Ze portretteerde vaak naaktheid en richtte zich op de vrouwelijke vorm, maar ze was stellig in het ontkennen van enige sociale of politieke uitspraken in haar werk. Ze was vrouwelijk, en seksualiteit was een krachtige kracht in haar opvoeding; er was weinig of geen sociale of politieke agenda bedoeld in dergelijke beelden. Desondanks is ze vanwege de krachtige beelden in zoveel van haar werk vaak geïdentificeerd met feministische en LGBTQ-kunst. Hoewel ze dergelijke representatie misschien niet zou tegenstaan als ze vandaag de dag leefde, heeft ze ook duidelijk gesteld dat haar doel niet was om een van deze kwesties in haar werk aan te pakken. Ze zei ooit: "Mijn werk gaat over problemen die pre-gender zijn. Bijvoorbeeld, jaloezie is niet mannelijk of vrouwelijk."

Het is logisch om Bourgeois' werk op een persoonlijk niveau te beschouwen. Immers, haar symboliek is relatief aan haar eigen ervaringen. Desondanks kan ieder van ons er iets in vinden om zich mee te identificeren. Als we openstaan, kunnen we het vanuit het perspectief van een grotere wijsheid accepteren. Wanneer we een lichaam kunnen zien en niet in termen van man of vrouw denken, worden we minder geïsoleerd en meer universeel menselijk. Wanneer we onszelf toestaan om te profiteren van zowel het lijden als de liefde van onze medemens, is het eindresultaat waarde toegevoegd aan zowel hun ervaring als de onze.

Uitgelichte afbeelding: Louise Bourgeois - Boog van Hysterie, 1993. Brons, gepolijste patina. 33 × 40 × 23 in; 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. Het Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio