Louise Bourgeois Kunst en de Reductie van Vorm

Voor degenen die abstracte kunst zien als een weg naar een meer introspectief en vervuld leven, was Louise Bourgeois de belichaming van een ideaal. Maar niet vanwege haar onderscheidingen of prijzen, of de bekendheid die ze verwierf: integendeel. Dat komt doordat kunst van Louise Bourgeois spreekt over wat relevant is voor ons dagelijks leven. Om Gichin Funakoshi, de vader van het moderne karate, te parafraseren: wanneer we beseffen hoe iets verband houdt met ons dagelijks leven, ontdekken we de essentie ervan. De kunstwereld wordt maar al te vaak bepaald door manifesten en opgedeeld in stromingen, tijdperken en stijlen. Kunstenaars worden maar al te vaak gecategoriseerd op basis van geslacht, ras, nationaliteit en opleidingsachtergrond. We vergeten gemakkelijk dat de ware waarde van kunst verder reikt dan zulke kleingeestige overwegingen. Het oeuvre van Louise Bourgeois stijgt zelfverzekerd boven classificaties uit. Haar esthetische bijdrage neemt op oprechte wijze een ruimte in die zowel figuratief als symbolisch is. Ze is grotesk en toch subliem. Ze verkende elke denkbare discipline, zonder zich ooit aan een bepaalde trend te binden, en vond onderweg toch enkele trends uit. In de loop van een carrière van zeven decennia bereikte ze wat maar weinig andere abstracte kunstenaars hebben bereikt: ze maakte persoonlijke kunst die universeel was.

Tegenstrijdige krachten

Louise Bourgeois werd geboren in een gezin vol tegenstrijdigheden. Haar vader was een succesvolle kostwinner, maar hij vormde ook de grootste bedreiging voor Louises veiligheid. Haar ouders waren partners in zaken en in het leven, maar haar vader onderhield zonder enige terughoudendheid seksuele relaties die de stabiliteit van beiden bedreigden. Louises inwonende kindermeisje en tutor, die haar zogenaamd beschermde en begeleidde, was in werkelijkheid de minnares van haar vader. Louises moeder, een weefster in het familiebedrijf in textiel, was een liefdevolle, beschermende kracht en haar felste voorvechter, maar was ook lichamelijk zwak en stierf uiteindelijk jong.

Gedurende haar hele jeugd zag Louise de dagelijkse wreedheid van een huis dat tegelijkertijd door genegenheid werd bepaald en bedreigd. Ze ervoer de rauwe waarheid over de kwetsbaarheid van het menselijk karakter. Ze voelde jaloezie, woede, angst, eenzaamheid en verwarring. Toch ontbrak het haar nooit aan onderdak, voedsel, kleding of scholing. Ze werd geliefd en gekoesterd, althans door een van haar ouders. Toen haar moeder stierf, was Louise 21 en studeerde ze wiskunde aan de universiteit. In plaats van dat pad te vervolgen, wat haar vaders wens voor haar was, werd Louise door het overlijden van haar moeder geïnspireerd om haar leven ingrijpend te veranderen. Ze sloeg een weg in die haar in staat zou stellen haar gevoelens onder ogen te zien en uit te drukken. Ze liet de wiskunde achter zich en wijdde zich voortaan aan het leven van een kunstenaar.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Brons, patina van zilvernitraat. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symboliek en psychotherapie

Zes jaar na de dood van haar moeder bestudeerde Louise kunst en deed ze praktische ervaring op door de ateliers van succesvolle kunstenaars te bezoeken en hen te helpen bij hun tentoonstellingen. Op 27-jarige leeftijd opende ze korte tijd een winkel in een hoek van de textielzaak van haar vader, waar ze kunstdrukken verkocht. Hij stond haar toe de ruimte te gebruiken omdat het een zakelijk initiatief was. Op een dag raakte ze in de winkel aan de praat met een verzamelaar. Vervolgens trouwden ze, zoals ze het zelf verwoordde, “tussen gesprekken over het surrealisme en de nieuwste trends door”.

Die verzamelaar bleek Robert Goldwater te zijn, een gerespecteerd Amerikaanse kunsthistoricus. Robert en Louise verhuisden naar New York, waar Louise kunst bleef studeren en het bereik van haar artistieke productie uitbreidde. Beïnvloed door het surrealisme en het concept van psychotherapie richtte Louise zich voor haar kunst op haar traumatische jeugd. Ze ontwikkelde een symbolische beeldtaal op basis van een combinatie van haar herinneringen en dromen.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Gegoten en gepolijst bronzen beeldhouwwerk. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Editie 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

De symboliek van Louise Bourgeois

Louises symbolische beeldtaal bestond uit persoonlijke beelden die voor haar een duidelijke betekenis hadden. Voor kijkers leek haar kunst echter wild, gedurfd, abstract en zelfs schokkend. Een van Louises meest voorkomende symbolische vormen was de spin. Al vanaf de jaren 1940 verwerkte Louise spinnen en webben in tekeningen en prenten, en maakte ze zelfs een reeks abstracte, door webben geïnspireerde haakwerken. Ze legde uit dat spinnen een symbolische verwijzing naar haar moeder waren. Haar moeder was weefster, en net als haar moeder spinnen beschermers, omdat ze muggen eten, die ziekten verspreiden. 

Uiteindelijk kregen haar spinvormen een monumentale schaal, met als hoogtepunt een 9 meter hoge sculptuur met de titel Maman. Naast spinnen omvatte de symbolische beeldtaal van Bourgeois kooien, huizen, mannelijke en vrouwelijke geslachtsdelen, huiselijke voorwerpen zoals stoelen en kleding, en beeldde ze ook vaak biomorfe vormen af die op lichaamsdelen lijken. Een van haar beroemdste werken heet The Destruction of the Father en toont een selectie voorwerpen die op organen en vlees lijken, verspreid over een tafel en omringd door bollen die een enorme open mond vol tanden oproepen.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Staal, wandtapijt, hout, glas, stof, rubber, zilver, goud en bot. 177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Samen geïsoleerd

De rode draad door al het werk van Bourgeois is dat al haar beelden verband houden met haar privéleven en persoonlijke ervaringen. Een van de krachtigste gevoelens die ze met haar kijkers wilde delen, was de wisselwerking tussen verbondenheid en isolement. In de jaren 1940 maakte ze een reeks sculpturale vormen die verwezen naar verschillende mensen die ze kende. Ze stelde de vormen tentoon op manieren die willekeurig leken. Maar geleidelijk, wanneer je naar de opstellingen kijkt, beginnen de afzonderlijke vormen hun kenmerken uit te drukken en krijgt elke vorm een eigen persoonlijkheid, totdat er een gevoel van interactie tussen hen ontstaat.

Gevoelens van verbondenheid en isolement zijn ook onlosmakelijk verbonden met een reeks sculpturale objecten die Bourgeois in de jaren 1950 maakte, een periode waarin ze zich richtte op de zachtere kant van het leven, geïnspireerd door haar man en kinderen. Objecten zoals Night Garden, Cumul I en Clamart Other beelden elk een verzameling vormen uit. De verzamelingen lijken organisch, maar lijken ook entiteiten te tonen die dicht tegen elkaar aan zijn gekropen voor bescherming of troost.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (gegoten in 1991). Brons en roestvrij staal. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Voorbij labels

Hoewel veel werken van Bourgeois figuratief lijken, is de essentie van haar werk dat het symbolisch en persoonlijk is. Ze beeldde vaak naaktheid af en richtte zich op het vrouwelijke lichaam, maar ze ontkende nadrukkelijk dat haar werk sociale of politieke uitspraken bevatte. Ze was een vrouw en seksualiteit was een krachtige factor in haar opvoeding; dergelijke beelden waren niet bedoeld als onderdeel van een sociale of politieke agenda. Toch is ze vanwege de krachtige beelden in een groot deel van haar werk vaak in verband gebracht met feministische en LGBTQ-kunst. Hoewel ze zich vandaag de dag misschien niet tegen die representatie zou verzetten als ze nog leefde, stelde ze ook duidelijk dat het niet haar doel was om deze kwesties in haar werk aan de orde te stellen. Ze zei ooit: “Mijn werk gaat over problemen die voorafgaan aan gender. Jaloezie is bijvoorbeeld niet mannelijk of vrouwelijk.”

Het is logisch om het werk van Bourgeois op persoonlijk niveau te beschouwen. Haar symboliek houdt immers verband met haar eigen ervaringen. Toch kan ieder van ons er iets in vinden waarmee we ons kunnen identificeren. Als we ervoor openstaan, kunnen we het benaderen vanuit het perspectief van een groter inzicht. Wanneer we een lichaam kunnen zien zonder in termen van mannelijk of vrouwelijk te denken, raken we minder geïsoleerd en worden we universeel menselijker. Wanneer we onszelf toestaan iets te leren van zowel het lijden als de liefde van onze medemens, is het eindresultaat dat zowel hun ervaring als de onze aan waarde wint.

Uitgelichte afbeelding: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Brons, gepolijste patina. 33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle afbeeldingen worden uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio 2016
Bewerkt door IdeelArt (2026)