Hoe Action Painting de Kunst Veranderde

Als de term “actie schilderkunst” verwarrend klinkt, kan dat komen omdat het lijkt te bevatten een redundantie. Schilderen impliceert actie. Kunnen er inactieve schilderijen zijn? Maar noch het feit dat schilderen een actie is, noch dat schilderijen voortkomen uit actie, heeft veel te maken met de definitie van actie schilderkunst. In feite gaat actie schilderkunst helemaal niet over actie of schilderkunst. Het gaat om een gemoedstoestand. De kunstcriticus Harold Rosenberg bedacht de term actie schilderkunst in 1952, in een essay getiteld “De Amerikaanse Actie Schilders.” Het essay was een poging om uit te leggen wat Rosenberg beschouwde als een fundamentele verschuiving die plaatsvond in de mindset van een kleine groep Amerikaanse abstracte schilders. In plaats van schilderen te benaderen als het maken van beelden, gebruikten deze schilders de daad van schilderen om de resultaten vast te leggen van persoonlijke, intuïtieve, onderbewuste drama's die ze voor het doek opvoerden. Ze gebruikten het doek als een podium. Ze waren acteurs, en de verf was de methode om het bewijs van het evenement vast te leggen. In zijn essay wees Rosenberg niet alleen op de nieuwheid van deze methode, maar hij verschuift ook volledig de aandacht weg van schilderijen als objecten, en verklaarde dat alles wat telde voor actie schilders de creatieve daad was.

Het Einde van Objectheid

Voorafgaand aan Rosenberg's observatie had geen gerespecteerde kunstcriticus ooit schriftelijk gesuggereerd dat het doel van het werk van een kunstenaar niet was om iets tastbaars te creëren. Het werd als vanzelfsprekend aangenomen dat het doel van het zijn van een kunstenaar was om kunstwerken te creëren. Maar wat Rosenberg opmerkte over schilders zoals Jackson Pollock, Franz Kline en Willem de Kooning was dat zij zich niet richtten op het creëren van objecten. In plaats daarvan waren zij gefocust op hun eigen proces als schilders. Zij hechtten het grootste belang niet aan het eindproduct, maar aan de daad van verbinding met hun eigen onbewuste. Het schilderij was simpelweg een manier voor hen om de resulterende effecten van die verbinding vast te leggen.

Stel je voor dat je geblinddoekt bent en een verfkwast krijgt, en dan te horen krijgt dat je je weg door een doolhof moet vinden terwijl je de verfkwast langs het oppervlak van de muur beweegt. Het resulterende merkteken op de muur zou niet zozeer een esthetische prestatie zijn, maar eerder een registratie van je reis. Dit was de kern van Rosenberg's observatie: dat de actie schilders geen beelden maakten; ze maakten uiterlijke registraties van hun innerlijke reizen.

Jackson Pollock - Nummer 8, 1949, 1949. Olie, emaille en aluminiumverf op canvas. 34 × 71 1/2 in; 86,4 × 181,6 cm. Amerikaanse Federatie van Kunsten. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Actie Schildertechnieken

Wanneer een schilder zich voorbereidt om een schilderij van een specifiek beeld te maken, moeten de gereedschappen en technieken die betrokken zijn de schilder zoveel mogelijk controle bieden. Maar als het doel van een schilderij niet is om een specifiek, vooraf bepaald beeld te maken, maar eerder om een abstract visueel relikwie van een psycho-fysiek evenement te creëren, kan de schilder meer flexibiliteit genieten wat betreft gereedschappen en technieken. Aangezien actie schilderen draait om spontaniteit en het vermogen om elke onderbewuste intuïtie naadloos over te brengen via een fysieke gebaar, moet alles wat vrijheid en instinct belemmert, worden opgegeven.

De actie schilder Jackson Pollock verliet traditionele voorbereidingen en ondergronden en schilderde in plaats daarvan rechtstreeks op ongeprimede doeken die op de vloer lagen. Hij liet traditionele gereedschappen achterwege en koos ervoor om verf op zijn oppervlakken aan te brengen met wat hij maar had, waaronder verfkwasten voor huisdecoratie, takken of zelfs zijn blote handen. Hij gooide, goot, spatte en druppelde vaak verf rechtstreeks op zijn oppervlakken vanuit de container waarin de verf zich bevond. En hij gebruikte wat voor medium ook maar bij de hand was, inclusief allerlei soorten vloeibare verf, evenals gebroken glas, sigarettenpeuken, elastiekjes en wat zijn instinct ook maar gebood.

Jackson Pollock- Muurschildering, 1943. Olie en caseïne op canvas. 95 7/10 × 237 1/2 in; 243,2 × 603,2 cm. Guggenheim Museum Bilbao. Bilbao

Grote gebaren

Naast dat ze vrij waren met media, gereedschappen en technieken, bevrijdden de actie schilders zich ook van de beperkingen van hun eigen lichamelijkheid. Franz Kline's actie schilderijen draaien helemaal om fysieke gebaren. Elke gedurfde streek die Kline op het doek maakte, is een registratie van een moment waarop zijn lichaam volledig betrokken was bij de beweging. Terwijl een Impressionistische penseelstreek zo subtiel is als een polsbeweging, werden Kline's penseelstreken gemaakt door een duw van zijn hele arm, of zijn hele lichaam, geleid door de innerlijke diepten van zijn geest.

Pollock maakte vaak helemaal geen contact met het canvas. In plaats daarvan vertrouwde hij op momentum en het dynamisch gebruik van zijn lichaam, waardoor hij snelheid en kracht creëerde om het medium de ruimte in en op het oppervlak te projecteren. Door zijn beweging niet te belemmeren door contact met het oppervlak, werkte hij samen met de krachten van de natuur, wat resulteerde in vrij vloeiende, elegante en organisch ogende sporen. In zekere zin creëerden de gebaren van Pollock en Kline niet alleen sporen, ze maakten ook impact. Net als meteorietkraters kunnen deze impacten zowel gewaardeerd worden om hun uiterlijk als om de oervormige, oude, natuurlijke krachten die ze veroorzaakten.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Olie- en papiercollage op canvas, 80 × 100 in. (203,2 × 254 cm). Whitney Museum of American Art, New York; aankoop met fondsen van de Friends of the Whitney Museum of American Art 57.10. © 2020 The Franz Kline Estate / Artists Rights Society (ARS), New York

Het Gewetensvolle Onbewuste

De opkomst van action painting was geen mysterie. Het had logische wortels in de context van de Amerikaanse cultuur na de Tweede Wereldoorlog. De Amerikaanse samenleving in het algemeen herstelde van de oorlog en paste zich aan een vreemde nieuwe moderne realiteit aan. In hun pogingen om zichzelf en hun wereld te begrijpen, raakten mensen steeds meer geïnteresseerd in psychologie, vooral in ideeën rondom het onderbewuste en onbewuste gedachten. In de hoofden van de Amerikaanse action painters waren deze ideeën direct verbonden met het werk dat de surrealisten hadden gedaan met automatische tekeningen, waarbij het lichaam markeringen creëerde op basis van reflexieve bewegingen geïnspireerd door onbewuste impulsen.

Hun denken was ook verbonden met primitieve tradities die te vinden zijn in de totemische kunst van de inheemse culturen van Noord-Amerika. Totemische kunst is verbonden met de overtuiging dat mensen met elkaar, met de geschiedenis en met de natuurlijke en spirituele werelden zijn verbonden door bepaalde natuurlijke objecten, of door wezens die spirituele of mystieke krachten bezitten. De actie schilders hoopten dat ze door hun intuïtieve, onderbewuste schilderstijl totemische beelden konden kanaliseren waarmee kijkers zich konden verbinden in de aanwezigheid van de esthetische relikwieën van hun proces.

Jaanika Peerna - Kleine Maelstrom (Ref 855), 2009. Pigmentpotlood op mylar. 45,8 x 45,8 cm

De Erfenis van Action Painting

De waarde van de gift die action painting aan toekomstige generaties kunstenaars heeft gegeven, kan niet genoeg worden benadrukt. Harold Rosenberg’s doordachte observaties inspireerden een enorme verandering in de modernistische kunst. Hij gaf woorden aan de gedachte dat het proces belangrijker is dan het product. Hij bewees dat de reis echt belangrijker is dan de bestemming, of als dat te cliché klinkt, hij bewees dat het drama dat zich ontvouwt tijdens het creatieve proces van een schilder belangrijker is dan het relikwie dat uit dat proces voortkomt.

Rosenberg's realisatie bevrijdde de daaropvolgende generaties kunstenaars van het denken over hun werk uitsluitend in termen van "product maken." Ze konden zich bezighouden met experimentele processen en zich volledig concentreren op ideeën. Ze hadden toestemming om te beginnen zonder de eindresultaten te hoeven voorspellen. Zonder deze verschuiving in het bewustzijn van kunstenaars zouden we nooit hebben kunnen genieten van "happenings" of het werk van conceptuele kunstenaars of de Fluxus-beweging. We zouden nooit de vluchtige, voorbijgaande mysteries van land art hebben kunnen ervaren. We zouden nooit de vruchten van de alternatieve kunstruimtebeweging hebben kunnen genieten. In zoveel opzichten was actie schilderkunst dat kunstenaars in staat stelde hun focus te verleggen van waar ze precies naartoe gingen, en zichzelf eraan te herinneren dat vaak het belangrijkste in kunst en in het leven is hoe ze daar komen.

Uitgelichte afbeelding: Jackson Pollock - Grijze Regenboog, 1953. Olie op linnen. 72 × 96 1/10 in; 182,9 × 244,2 cm. Art Institute of Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio