Willem de Kooning - De Man van Veel Tegenstrijdigheden

Willem de Kooning is gemakkelijk lief te hebben en gemakkelijk te haten. De Kooning is een epische figuur in het verhaal van de abstracte kunst van de 20e eeuw, deels vanwege zijn werk en deels vanwege zijn persoonlijkheid. Geboren in 1904 en overleden in 1997, omsloot zijn leven de eeuw. Hoewel hij het grootste deel van zijn leven geen Amerikaans staatsburger was, belichaamde hij toch de Amerikaanse mythe. Hij was gedurfd en robuust, maar ook gevoelig. Hij werkte hard en speelde hard. Hij was een briljante en nieuwsgierige intellectueel, en ook een vruchtbare minnaar. Hij trok mensen naar zich toe en beloonde hen gul met zijn eerlijkheid en openheid. Hij was een beïnvloeder die anderen toestond hem te beïnvloeden. In de 70 jaar dat hij professioneel schilderde, creëerde De Kooning een van de meest diverse en intens opwindende oeuvre’s van zijn generatie. Maar tegenstanders van De Kooning beweren dat hij een bedrieger, een schurk en een dronkaard was. En dan is er nog het feit dat hij schilderde wat een van de duurste kunstwerken is geworden die tot nu toe verkocht zijn, een abstract landschap genaamd Interchange. Dat schilderij verwart sommige kijkers die het belang ervan niet begrijpen, en irriteert anderen die het afschilderen als afgeleid werk van een van zijn minnaressen, Mary Abbott. Maar voorbij de haat, jaloezie, kritiek, achterdocht en liefde ligt gewoon een kunstenaar: iemand die zijn kunstleven serieus begon op twaalfjarige leeftijd en nooit stopte met creëren, zelfs niet toen hij in de tachtig was en door Alzheimer werd geteisterd.

Wat is een Kunstenaar?

Op 18 februari 1949, op 44-jarige leeftijd, werd Willem de Kooning uitgenodigd door Barnett Newman (of Barney, zoals hij hem noemde) om zijn eerste openbare lezing te geven. Het onderwerp was wanhoop. De Kooning opende met de zin: “Mijn interesse in wanhoop ligt alleen in het feit dat ik mezelf soms wanhopig vind zijn. Zeer zelden begin ik zo.” De Kooning beschreef het creatieve proces als van nature wanhopig, omdat al het denken en handelen het tegenovergestelde is van harmonie en tevredenheid. Hij omschreef kunstenaars als onderdrukt door ideeën, erdoor overspoeld, voor altijd denkend, voor altijd handelend, en daarom voor altijd wanhopig.

Veel van zijn eigen wanhoop kwam voort uit het feit dat hij werd achtervolgd door de noodzaak om origineel te zijn en geplaagd werd door de angst om stil te vallen. Aan het einde van de lezing definieerde De Kooning wat een kunstenaar is. Hij zei: “Een kunstenaar is iemand die ook kunst maakt. Hij heeft het niet uitgevonden.” Maar hoe kan een kunstenaar origineel zijn als kunst slechts een eindeloos proces van nabootsing is, een kleine variatie op wat in het verleden is gedaan? Het antwoord, volgens De Kooning, is oprechtheid en nederigheid. Een kunstenaar vernieuwt door eerlijke zelfexpressie en erkent dat kunstenaars altijd deel uitmaken van iets groters: een gemeenschap, een geschiedenis, een beweging. Met andere woorden, niets wat een kunstenaar doet, gebeurt alleen.

Willem de Kooning - Fire Island, ca. 1946, Olie op papier, 48,3 x 67,3 cm, Margulies Family Collection © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Amerikaan Worden

Willem de Kooning wijdde zich op jonge leeftijd aan de kunst. Geboren in Rotterdam, Nederland, stopte hij op twaalfjarige leeftijd met school en begon een leerperiode bij een ontwerpbureau genaamd Gidding & Zonen. Het jaar daarop begon hij een routine van werken bij het ontwerpbureau overdag en avondlessen volgen aan de Rotterdamse Academie voor Beeldende Kunsten en Technieken. Op zijn 16e had De Kooning een betaalde baan als kunstenaar voor een warenhuis. En op zijn 20e verhuisde hij naar Brussel om te werken bij een decoratiebedrijf.

Maar ondanks dit vroege succes beschouwde De Kooning zichzelf nog niet als kunstenaar. Hij was er niet eens zeker van dat hij überhaupt beeldende kunst wilde maken. Hij had de ambitie om gewoon een goed bestaan op te bouwen en een spannend leven te leiden. Met die ideeën stevig in zijn hoofd, verstopte hij zich op 22-jarige leeftijd op een Brits vrachtschip dat koers zette naar de oostkust van Amerika. Toen het schip aanmeerde, kwam hij illegaal het land binnen en ging naar Hoboken, New Jersey. Daar nam het Seamen’s Church Institute, een organisatie die zich inzet voor Nederlanders, hem op. Ze gaven hem onderdak en hielpen hem werk te vinden als huisschilder.

Willem de Kooning - Untitled (Vrouw in het Bos), ca. 1963, Olie op papier, gemonteerd op Masoniet, © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Een Leven Verdienen

Na slechts een jaar in Amerika vond De Kooning werk bij een ontwerpbureau in New York City en kon hij naar Manhattan verhuizen. Hij had de enorme prestatie geleverd om naar Amerika te komen en zich te vestigen in een van de meest competitieve steden ter wereld. Maar eenmaal in de stad begon hij vrienden te maken met echte kunstenaars, zoals Stuart Davis, John Graham en Arshile Gorky. Het werk dat deze kunstenaars maakten, leek van levensbelang en betekenisvol voor De Kooning, die geleidelijk in de daaropvolgende jaren overtuigd raakte dat hoewel hij goed verdiende, hij nog niet het juiste leven voor zichzelf had gemaakt.

In 1935, op 31-jarige leeftijd, stopte De Kooning met zijn professionele ontwerpcarrière en meldde zich aan als kunstenaar bij de Works Progress Administration. Hij nam een baan aan als muurschilder bij deze groep. Daar ontmoette hij de kunstenaar Fernand Léger en begon hij zich te vestigen als kunstenaar met een uniek moderne stijl. Die keuze om zich volledig aan de kunst te wijden veranderde alles voor De Kooning. In de volgende vijf jaar ontmoette hij de jonge schilderes Elaine Fried, die uiteindelijk zijn eerste vrouw zou worden, en de schilder Franz Kline, die zijn dierbaarste vriend zou worden.

Willem de Kooning - Untitled, 1972, Uit de serie 15-75, Zeefdruk in kleur op Arches geweven papier, 61,3 × 91,8 cm, fotocredits Galerie d'Orsay, Boston

Volwassen De Kooning

Hoewel hij zich snel vestigde als intellectueel binnen de gemeenschap van serieuze kunstenaars die in het naoorlogse New York werkten, was het pas toen hij in de veertig was dat Willem de Kooning een stijl bereikte die als een volwassen abstracte schilderstijl kan worden beschouwd. Hij toonde die stijl voor het eerst in 1948, tijdens zijn eerste solotentoonstelling in de Charles Egan Gallery. In de tentoonstelling waren zijn beroemde zwarte schilderijen te zien, die volgens de overlevering ontstonden omdat hij te arm was om andere pigmenten te betalen. De tentoonstelling kreeg positieve persaandacht en het New Yorkse MoMA kocht een van die zwarte schilderijen.

Maar helaas was 1948 ook het jaar waarin Arshile Gorky zelfmoord pleegde. Gorky was een belangrijke mentor en dierbare vriend van De Kooning geworden. De twee deelden een gemeenschappelijke angst voor het schilderen — die wanhoop die zo aangrijpend werd uitgedrukt in die eerste openbare lezing die De Kooning gaf. Desondanks bloeide De Kooning in de daaropvolgende jaren op, ondanks zijn angst en het verlies van zijn vriend. Hij was medeoprichter van The Club, ook wel bekend als de 8th Street Artists Club, een legendarische ontmoetingsplaats voor de scherpste denkers in de New Yorkse kunstwereld. En in 1950 voltooide hij zijn monumentale doek Excavation, waarmee hij de Logan Medal en de Purchase Prize won, toegekend door het Art Institute of Chicago, waarmee hij zijn reputatie als sleutelfiguur van de New York School bevestigde en nationale erkenning kreeg.

Willem de Kooning - Schilderij, 1948, email en olie op doek, 108,3 x 142,6 cm, Digitale afbeelding © The Museum of Modern Art, New York

De Vrouwen van De Kooning

In de late jaren veertig, net toen hij succes boekte als abstract schilder, werd De Kooning ook weer teruggetrokken naar zijn figuratieve wortels. En in 1950 schokte hij veel van zijn bewonderaars en vrienden door een serie quasi-figuratieve werken te tonen die nu bekendstaan als zijn Woman-schilderijen. De Woman-schilderijen combineerden de gebaren en stilistische elementen van zijn eerdere werk, maar voegden oeroude figuratieve voorstellingen toe van wat De Kooning beschouwde als iconische vrouwelijke beelden.

De energie en het geweld van zijn markeringen, gecombineerd met de groteske beelden, deden veel kijkers aannemen dat de Woman-schilderijen woede en geweld jegens vrouwen uitdrukten. Maar De Kooning zag zichzelf als een voorvechter van vrouwen. Hij had veel minnaressen en vond niet dat zijn gedrag of zijn schilderijen vrouwonvriendelijk waren. Hij beschouwde zijn Woman-schilderijen als mythologisch en gevuld met eerbied en speelsheid. Tegenwoordig zijn deze schilderijen misschien wel zijn bekendste werken. Maar destijds werd het door veel kunstenaars en critici als ketters beschouwd dat een avant-gardelid van de abstracte New York School terugkeerde naar figuratieve kunst.

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2 (links) en Willem Woman, 1949 (rechts), © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

De Enige Constante

Ongeveer vijf jaar na zijn Woman-serie veranderde De Kooning opnieuw van stijl, ditmaal weer richting abstractie. Misschien geïnspireerd door ideeën die hij had uitgewisseld met de schilder Mary Abbott, begon hij wat hij abstracte landschappen noemde te schilderen. Deze landschappen ontstonden in drie verschillende periodes, respectievelijk genoemd Urban, Parkway en Pastoral. Maar er was weinig tot niets figuratiefs in deze schilderijen dat suggereerde dat De Kooning letterlijk probeerde landschappen te schilderen.

In plaats daarvan geven zijn landschappen een abstract gevoel weer van zijn eigen interactie met natuurlijke en gebouwde omgevingen. Ze drukken een zekere afstandelijkheid uit, en misschien kalmte. De Kooning was rond 1952 begonnen met zomeren in de Hamptons en zou uiteindelijk in de jaren zestig permanent verhuizen naar een afgelegen deel van Long Island. Deze landschapschilderijen ontstonden midden in die overgang en lijken een aantrekkingskracht uit te drukken naar iets buiten de hectiek van New York City. En ze belichamen het meest geciteerde gezegde waarvoor De Kooning wordt herinnerd: “Je moet veranderen om hetzelfde te blijven.”

Willem de Kooning - Japanese Village, 1971, Litho, 71,8 × 101,6 cm, fotocredits Sragow Gallery, New York

De Kooning versus de Ziekte van Alzheimer

Gedurende de jaren zestig en zeventig ontwikkelde De Kooning zijn artistieke activiteiten voortdurend verder. Hij experimenteerde met lithografie en beeldhouwkunst en maakte een groot aantal werken op papier. Hij bewoog zich vrij tussen abstractie en figuratie, en onderzocht welke aanpak en onderwerpen zijn passie ook maar vroegen. Hij bleef trouw aan het idee dat hij alleen kon bepalen wat voor soort kunst hij maakte, en zei: “Het is eigenlijk absurd om vandaag een beeld te maken, zoals een menselijk beeld, met verf, als je erover nadenkt... Maar toen was het ineens nog absurder om het niet te doen. Dus ik vrees dat ik mijn verlangens moet volgen.”

De Kooning bleef zijn verlangens volgen tot het einde. Begin jaren tachtig stopte hij met alcohol en antidepressiva en veranderde zijn schilderstijl vervolgens, die spaarzamer en sneller werd. Degenen die dicht bij hem stonden, dachten dat hij tekenen van dementie vertoonde, maar hij negeerde de kritiek en schilderde ijverig levendige, kleurrijke werken die, in de geest van meesters als Matisse, de meest vereenvoudigde en uitgeklede waren die hij ooit had gemaakt. Zelfs nadat hij tekenen van de ziekte van Alzheimer vertoonde, bleef hij nog twee jaar schilderen.

Een van de laatste schilderijen van Willem de Kooning, een ongetiteld werk uit 1989, olie op doek, 72,4 x 55,9 cm, afbeelding met dank aan Keno Auctions

De Legende van De Kooning

Op het eerste gezicht had Willem de Kooning een buitengewoon leven: als verstekeling naar Amerika komen, decennialang als illegale immigrant leven, en dan opgaan in een groep kunstenaars die de wereld zouden veranderen. Toch was hij maar een mens. Hij kende hoogte- en dieptepunten, nam risico’s en volgde zijn hart. Hij worstelde met verslaving, brak de harten van minnaressen en voldeed niet aan zijn eigen verwachtingen. Hij was oprecht, eerlijk en voor altijd geplaagd door zelftwijfel. Hij was zowel buitengewoon als volkomen gewoon.

Wat hem misschien onderscheidt, is zijn doorzettingsvermogen. Hij stopte nooit met zichzelf te pushen. De geest van die 12-jarige jongen die school verliet om een creatieve loopbaan na te streven, bleef zijn hele leven bij De Kooning, en hij diende die geest goed. Het is passend dat de Rotterdamse Academie voor Beeldende Kunsten en Technieken, waar De Kooning als tiener avondlessen volgde, na zijn dood haar naam veranderde in de Willem de Kooning Academie. Wat een mooier bewijs van een kunstenaar die altijd trouw bleef aan zijn kunst, zijn verstand, zijn passie en aan de onverschrokken geest van de jeugd.

Afbeelding in de spotlight: Willem de Kooning - Excavation, 1950, olie en email op doek, 206 x 254,6 cm, The Art Institute of Chicago, © The Art Institute of Chicago
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio