Willem de Kooning - De Man van Veel Tegenstrijdigheden

Willem de Kooning is gemakkelijk te liefhebben en gemakkelijk te haten. De Kooning is een epische figuur in het verhaal van de abstracte kunst van de 20e eeuw, deels vanwege zijn werk en deels vanwege zijn persoonlijkheid. Geboren in 1904 en overleden in 1997, boek-einde hij de eeuw. Hoewel hij het grootste deel van zijn leven geen Amerikaans staatsburger was, belichaamde hij toch de Amerikaanse mythe. Hij was charmant en robuust, maar ook gevoelig. Hij werkte hard en speelde hard. Hij was een briljante en nieuwsgierige intellectueel, en ook een productieve minnaar. Hij trok mensen naar zich toe en beloonde hen genereus met zijn eerlijkheid en openheid. Hij was een influencer die anderen toestond hem te beïnvloeden. In de 70 jaar dat hij professioneel schilderde, creëerde De Kooning een van de meest diverse en viscerale opwindende oeuvre van zijn generatie. Maar De Kooning-haters beweren dat hij een bedrieger, een schoft en een dronkaard was. En dan is er het feit dat hij schilderde wat tot nu toe een van de duurste kunstwerken is die ooit is verkocht, een abstract landschap genaamd Interchange. Dat schilderij verwart sommige kijkers die het belang ervan niet begrijpen, en irriteert anderen die het afgeleiden van het werk van een van zijn minnaressen, Mary Abbott, beschouwen. Maar voorbij de haat, jaloezie, kritiek, achterdocht en liefde ligt gewoon een kunstenaar: iemand die zijn kunstleven oprecht begon op twaalfjarige leeftijd en nooit stopte met creëren, zelfs niet toen hij in zijn 80s door Alzheimer werd verwoest.

Wat is een kunstenaar?

Op 18 februari 1949, op 44-jarige leeftijd, werd Willem de Kooning uitgenodigd door Barnett Newman (of Barney zoals hij hem noemde) om zijn eerste openbare lezing te geven. Het onderwerp was wanhoop. De Kooning opende met de zin: “Mijn interesse in wanhoop ligt alleen in het feit dat ik soms ontdek dat ik wanhopig ben geworden. Heel zelden begin ik op die manier.” De Kooning beschreef het creatieve proces als inherent wanhopig, aangezien al het denken en handelen de antithese zijn van harmonie en tevredenheid. Hij beschreef kunstenaars als onderdrukt door ideeën, door hen overspoeld, voor altijd denkend, voor altijd handelend, en daarom voor altijd wanhopig.

Veel van zijn eigen wanhoop kwam voort uit het feit dat hij werd achtervolgd door de behoefte om origineel te zijn en werd gekweld door de angst om stil te staan. Aan het einde van de lezing definieerde De Kooning wat een kunstenaar is. Hij zei: “Een kunstenaar is iemand die ook kunst maakt. Hij heeft het niet uitgevonden.” Maar hoe kan een kunstenaar origineel zijn als kunst gewoon een eindeloos proces van nabootsing is, een lichte variatie op wat in het verleden is gedaan? Het antwoord, volgens De Kooning, is oprechtheid en nederigheid. Een kunstenaar innoveert door eerlijke zelfexpressie en erkent dat kunstenaars altijd deel uitmaken van iets groters: een gemeenschap, een geschiedenis, een beweging. Met andere woorden, niets wat een kunstenaar doet, gebeurt alleen.

Willem de Kooning - Fire Island, c. 1946, Oil on paper, 48.3 x 67.3 cm, Margulies Family Collection © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Amerikaan worden

Willem de Kooning wijdde zich op jonge leeftijd aan de kunst. Geboren in Rotterdam, Nederland, verliet hij op twaalfjarige leeftijd de school en begon hij een stage bij een ontwerpbureau genaamd Gidding & Zonen. Het jaar daarop begon hij met een routine van werken bij het ontwerpbureau overdag en het volgen van avondcursussen aan de Rotterdamse Academie voor Beeldende Kunsten en Technieken. Op 16-jarige leeftijd had De Kooning een betaalde baan als kunstenaar voor een warenhuis. En op 20-jarige leeftijd verhuisde hij naar Brussel om te werken voor een decoratiebedrijf.

Maar ondanks zo'n vroege succes beschouwde De Kooning zichzelf nog niet als een kunstenaar. Hij was er niet eens zeker van dat hij wel beeldende kunst wilde maken. Hij had ambities om gewoon goed te verdienen en een spannend leven te hebben. En met die ideeën stevig in zijn hoofd, verstopte hij zich op 22-jarige leeftijd op een Britse vrachtschip dat op weg was naar een tussenstop aan de oostkust van Amerika. Toen het schip aanmeerde, kwam hij illegaal het land binnen en ging naar Hoboken, New Jersey. Daar nam het Seamen’s Church Institute, een organisatie die zich inzet voor het helpen van Nederlanders, hem op. Ze gaven hem een plek om te wonen en hielpen hem werk te vinden als huisschilder.

Willem de Kooning - Untitled (Woman in Forest), ca 1963, Oil on paper, mounted on Masonite, © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Een leven verdienen

Na slechts één jaar in Amerika vond De Kooning werk bij een ontwerpbureau in New York City en kon hij naar Manhattan verhuizen. Hij had met succes de enorme prestatie geleverd om naar Amerika te komen en zich te vestigen in een van de meest competitieve steden ter wereld. Maar eenmaal in de stad begon hij vriendschappen te sluiten met echte kunstenaars, zoals Stuart Davis, John Graham en Arshile Gorky. Het werk dat deze kunstenaars deden leek van vitaal belang en betekenisvol voor De Kooning, die geleidelijk over de volgende jaren overtuigd raakte dat, hoewel hij goed verdiende, hij nog niet het juiste leven voor zichzelf had opgebouwd.

In 1935, op 31-jarige leeftijd, verliet De Kooning zijn professionele ontwerp carrière en schreef zich in als kunstenaar bij de Works Progress Administration. Hij nam een baan als muurschilder bij de groep. Daar ontmoette hij de kunstenaar Fernand Léger en begon hij zich te vestigen als een kunstenaar met een uniek moderne stijl. Die keuze om zich uitsluitend aan kunst te wijden veranderde alles voor De Kooning. In de volgende vijf jaar ontmoette hij de jonge schilderes Elaine Fried, die uiteindelijk zijn eerste vrouw zou worden, en de schilder Franz Kline, die zijn dierbaarste vriend zou worden.

Willem de Kooning - Untitled, 1972, From the series 15-75, Screenprint in color on Arches wove paper, 24 1/8 × 36 1/8 in, photo credits of Galerie d'Orsay, Boston

Mature De Kooning

Hoewel hij zich snel vestigde als een intellectueel binnen de gemeenschap van serieuze kunstenaars die werkten in het naoorlogse New York, was het pas toen hij in zijn 40s was dat Willem de Kooning aankwam bij wat als een volwassen abstracte schilderstijl kan worden beschouwd. Hij onthulde die stijl voor het eerst in 1948, tijdens zijn eerste solo-tentoonstelling in de Charles Egan Gallery. In de tentoonstelling waren zijn beroemde zwarte schilderijen, die volgens de legende zijn geschilderd omdat hij te arm was om andere pigmenten te betalen. De tentoonstelling kreeg positieve aandacht in de pers, en het New York MoMA kocht een van die zwarte schilderijen.

Maar helaas was 1948 ook het jaar waarin Arshile Gorky zelfmoord pleegde. Gorky was een belangrijke mentor en dierbare vriend van De Kooning geworden. De twee deelden een gemeenschappelijke angst voor schilderkunst - die wanhoop zo aangrijpend verwoord in die eerste openbare lezing die De Kooning gaf. Desondanks, ondanks zijn angst en het verlies van zijn vriend, bloeide De Kooning de komende jaren op. Hij was medeoprichter van The Club, ook wel bekend als de 8th Street Artists Club, een legendarische ontmoetingsplaats voor de slimste denkers in de New Yorkse kunstscene. En in 1950 voltooide hij zijn monumentale doek Excavation, waarmee hij de Logan Medal en Purchase Prize won, uitgereikt door het Art Institute of Chicago, wat zijn reputatie als een sleutelfiguur van de New York School bevestigde en hem nationale erkenning bracht.

Willem de Kooning - Painting, 1948, enamel and oil on canvas, 42 5/8 x 56 1/8 in., Digital Image © The Museum of Modern Art, New York

De Vrouwen van De Kooning

In de late jaren veertig, net toen hij succes begon te behalen als abstract schilder, werd De Kooning ook weer teruggetrokken naar zijn figuratieve wortels. En in 1950 schokte hij veel van zijn bewonderaars en vrienden door een serie quasi-figuratieve werken tentoon te stellen die nu worden aangeduid als zijn Woman schilderijen. De Woman schilderijen combineerden de gebaren en stijlkenmerken van zijn eerdere werk, maar ze voegden primaire figuratieve representaties toe van wat De Kooning beschouwde als iconische vrouwelijke beelden.

De energie en geweld van zijn markeringen, gecombineerd met de grotesk uitziende beelden, zorgden ervoor dat veel kijkers aannamen dat de Vrouw schilderijen woede en geweld jegens vrouwen uitdrukten. Maar De Kooning beschouwde zichzelf als een kampioen van vrouwen. Hij had veel minnaressen en voelde niet dat zijn gedrag of zijn schilderijen misogynistisch waren. Hij beschouwde zijn Vrouw schilderijen als mythologisch en gevuld met eerbied en speelsheid. Tegenwoordig zijn deze schilderijen misschien wel zijn bekendste werken. Maar in die tijd werd het door veel kunstenaars en critici als ketters beschouwd voor een avant-garde lid van de abstracte New York School om van koers te veranderen en terug te keren naar figuratieve kunst.

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2 (Left) and Willem Woman, 1949 (Right), © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

De enige constante

Ongeveer vijf jaar in zijn Woman serie, veranderde De Kooning opnieuw zijn stijl, dit keer terug naar abstractie. Misschien geïnspireerd door ideeën die hij had uitgewisseld met de schilderes Mary Abbott, begon hij te schilderen wat hij abstracte landschappen noemde. Deze landschappen manifesteerden zich over drie verschillende periodes, respectievelijk genaamd Urban, Parkway en Pastoral. Maar er was weinig tot niets figuratiefs in deze schilderijen dat zou suggereren dat De Kooning letterlijk probeerde landschappen te schilderen.

Integendeel, zijn landschappen geven een abstracte indruk van zijn eigen interactie met natuurlijke en gebouwde omgevingen. Ze drukken een zekere afstandelijkheid uit, en misschien kalmte. De Kooning was rond 1952 begonnen met zomeren in de Hamptons en zou uiteindelijk in de jaren '60 permanent verhuizen naar een afgelegen gedeelte van Long Island. Deze landschapsschilderijen zijn begonnen te midden van die overgang en lijken een aantrekkingskracht uit te drukken voor iets buiten de manic rat race van New York City. En ze belichamen het meest geciteerde sentiment waarvoor De Kooning wordt herinnerd: “Je moet veranderen om hetzelfde te blijven.”

Willem de Kooning - Japanese Village, 1971, Lithograph, 28 1/4 × 40 in, photo credits of Sragow Gallery, New York

De Kooning vs. de ziekte van Alzheimer

Gedurende de jaren 60 en 70 evolueerde De Kooning voortdurend in zijn artistieke activiteiten. Hij experimenteerde met lithografie en sculptuur, en maakte een groot aantal werken op papier. Hij bewoog zich vrij tussen abstractie en figuratie, en verkende welke benadering en onderwerp zijn passies vroegen. Hij bleef toegewijd aan het idee dat hij alleen kon bepalen welk type kunst hij maakte, en zei: “Het is echt absurd om een afbeelding, zoals een menselijke afbeelding, met verf te maken vandaag de dag, als je erover nadenkt... Maar toen was het ineens nog absurder om het niet te doen. Dus vrees ik dat ik mijn verlangens moet volgen.”

De Kooning bleef zijn verlangens tot het einde volgen. In de vroege jaren '80 stopte hij met alcohol en antidepressiva en zijn schilderstijl veranderde vervolgens, werd spaarzamer en sneller. Degenen die dicht bij hem stonden, geloofden dat hij tekenen van dementie vertoonde, maar hij negeerde de kritiek en schilderde gretig levendige, kleurrijke werken die, in de geest van meesters zoals Matisse, de meest vereenvoudigde en teruggebrachte waren die hij ooit had gemaakt. Zelfs nadat hij tekenen van de ziekte van Alzheimer vertoonde, bleef hij nog twee jaar schilderen.

One of the last paintings by Willem de Kooning, an untitled work from 1989, oil on canvas, 28 ½ x 22 in., image courtesy of Keno Auctions

De De Kooning Legende

Op het eerste gezicht had Willem de Kooning een buitengewoon leven: als verstekeling naar Amerika komen, decennia lang als illegale immigrant leven, en vervolgens opgaan in een groep kunstenaars die de wereld zouden veranderen. Toch was hij maar een mens. Hij kende hoogte- en dieptepunten, nam risico's en volgde zijn hart. Hij worstelde met verslaving, brak de harten van geliefden en voldeed niet aan zijn eigen verwachtingen. Hij was oprecht, oprecht, en voor altijd gekweld door zelftwijfel. Hij was zowel buitengewoon als volkomen gewoon.

Wat hem misschien onderscheidt, is zijn vastberadenheid. Hij heeft nooit opgehouden zichzelf te pushen. De geest van die 12-jarige jongen die de school verliet om een creatieve carrière na te streven, bleef zijn hele leven bij De Kooning, en hij heeft die geest goed gediend. Het is passend dat de Rotterdamse Academie voor Beeldende Kunsten en Technieken, waar De Kooning als tiener avondschool volgde, na zijn dood de naam veranderde in de Willem de Kooning Academie. Wat een betere getuigenis voor een kunstenaar die altijd trouw is gebleven aan zijn kunst, zijn intellect, zijn passie en aan de onverschrokken geest van de jeugd.

Uitgelichte afbeelding: Willem de Kooning - Opgraving, 1950, olie en email op doek, 81 x 100 1/4 in., The Art Institute of Chicago, © The Art Institute of Chicago
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio