Beroemde abstracte schilderijen die de manier waarop we kunst waarnemen hebben veranderd
“Welke beelden we kunnen hebben, zou je kunnen zeggen, hangt af van degene die zich het beeld inbeeldt.” - John Hospers, uit Een inleiding tot filosofische analyse
We zijn afhankelijk van visionairs om verborgen deuren te openen, zodat we misschien delen van de wereld en van onszelf kunnen zien die anders verborgen zouden blijven. Visie is de specialiteit van abstracte kunstenaars en in de afgelopen 100+ jaar zijn veel beroemde abstracte schilderijen erin geslaagd de blik van de mensheid te verruimen. De visionairs die deze beelden creëerden, schonken ons, de kijkers, niet alleen het geschenk van nieuwe dingen om te zien; ze boden ons volledig nieuwe manieren van kijken.
Deze doorbraken beperken zich niet tot de kunstgeschiedenis. Naast iedere historische kunstenaar die hieronder wordt besproken, bekijken we een werk dat via IdeelArt verkrijgbaar is en verwante vragen over lijn, geometrie, materiaal of kleur benadert. Deze combinaties zijn uitnodigingen om te kijken, geen beweringen over directe invloed: iedere kunstenaar geeft aan deze gedeelde vragen een eigen taal.
Beroemde abstracte schilderijen: 1910-1920
Toegegeven: sommige van onze keuzes in dit artikel kunnen controversieel blijken, aangezien iedere liefhebber van abstracte kunst andere smaken heeft. Maar de meesten zullen het waarschijnlijk eens zijn met onze eerste selectie van abstracte schilderijen die de manier waarop we kunst waarnemen hebben veranderd. Wassily Kandinsky's Zonder titel (eerste abstracte aquarel) werd in 1910 geschilderd en wordt door kunsthistorici beschouwd als het eerste puur abstracte schilderij. De krachtige voorstelling van levendig gekleurde vlekken, vegen en lijnen verwijst niet langer naar de zichtbare werkelijkheid. Dit schilderij bevrijdde kunstenaars van de gebondenheid aan het onderwerp en nodigde kijkers uit om zich op een geheel nieuwe manier bezig te houden met het concept van wat een beeld kan zijn.
Wassily Kandinsky - Zonder titel (eerste abstracte aquarel) - 1910
Centre Georges Pompidou, Parijs
Wat gebeurt er wanneer lijn en kleur niet langer een object hoeven te beschrijven? In Het oog biedt Macha Poynder een eigentijds antwoord: lussen, plotselinge flitsen van geel en roze en gelaagde passages van blauw creëren een rusteloos visueel ritme. Haar werk combineert automatisch tekenen, performatieve gebaren en intuïtieve kleurkeuzes. Geplaatst naast Kandinsky's aquarel suggereert het schilderij hoe abstractie van kijken een actieve ervaring kan maken, waarbij het oog relaties volgt in plaats van een onderwerp te identificeren.
Elf jaar later, in 1921, schilderde Piet Mondrian zijn iconische Tableau I. Na een periode waarin hij experimenteerde met zijn zich ontwikkelende nieuwe stem, legde Tableau I de stijl vast die Mondriaans kenmerk zou worden. De harde zwarte lijnen en van elkaar gescheiden kleurvlakken boden kijkers een glimp van gezuiverde geometrie en wiskundige precisie. De strakke lijnen en precisie van het werk verwezen nergens naar behalve vorm, kleur en lijn. Het werk luidde een stijl in die generaties schilders, beeldhouwers, architecten en ontwerpers zou beïnvloeden en die creatieve denkers vandaag nog altijd richting geeft.
Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Keulen, Duitsland
Mondriaans geometrie roept ook een vraag op die vandaag nog altijd openstaat: hoe weinig heeft een beeld nodig om de manier waarop we kijken te veranderen? Daniel Göttin’s Untitled 1, 2016 bewandelt dat terrein langs een andere route. Zwarte en grijze verticale velden, gescheiden door witte lijnen, vormen een regelmatig patroon waarvan de contrasten over het oppervlak verschuiven. In plaats van Mondriaans kenmerkende kleurenpalet te herhalen, onderzoekt Göttin verhoudingen, herhaling, symmetrie en asymmetrie. De samenhang ligt in de ervaring van de kijker met relaties: een lijn is niet slechts een grens, maar iets dat de ruimte eromheen verandert.
In 1925 loste Joan Miró de grenzen tussen abstractie en surrealisme op met zijn schilderij La mancha roja (De rode vlek). Miró beschouwde zichzelf niet als abstract kunstenaar. Hij zei dat hij thuiskwam in zijn piepkleine woning, hongerig en uitgeput, en de beelden schilderde die hij in zijn hoofd zag. La mancha roja (De rode vlek) balanceert op de dunne grens tussen antropomorfe figuratie, droomachtige totems en pure abstractie. Iets kinderlijks, maar ook afschrikwekkends, schuilt in het beeld. Met deze werken gooide Miró de deur open naar de verborgen beeldtaal van onze nachtmerries en dromen.
Joan Miro - La mancha roja (De rode vlek) - 1925
Collectie van het Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
© Joan Miro Foundation, Barcelona
Miró’s vormen zweven tussen tekens, ingebeelde wezens en zelfstandige vormen. Een vergelijkbare ambiguïteit bezielt Daniela Marin’s Medusae I, waarin gestreepte, gevlekte en vertakkende vormen een wit veld delen met open geometrische structuren. Ze suggereren levende wezens zonder uit te monden in één herkenbare scène. Marin’s vormentaal brengt organische vormen in dialoog met stedelijke geometrie en put uit haar eigen ervaringen en reizen. Haar heldere, ruimtelijke compositie verschilt van de verontrustende sfeer die in Miró’s schilderij wordt beschreven, maar beide nodigen de kijker uit te bewegen tussen herkenning en verbeelding: een vorm kan levend lijken zonder een illustratie te worden.
Beroemde abstracte schilderijen: jaren 30 – jaren 40
Toen de westerse wereld voor de tweede keer in de 20e eeuw afdaalde in een periode van depressie, hongersnood en oorlog, was de abstractie stevig gevestigd als een belangrijke kracht in de kunstwereld. Kunstenaars die in deze stijl werkten, gebruikten een fantastisch scala aan methoden; ieder droeg bij aan de groeiende pogingen om iets puurs, iets waars en iets vrijs in de menselijke geest te vinden. In Groot-Brittannië breidde de schilder Ben Nicholson zijn abstracte werk uit tot een reeks werken die hij witte reliëfschilderijen noemde. Tot deze werken behoort White Relief, Quai d’Auteuil (1935), een voorbeeld van de aanpak die Nicholson vestigde als een van de belangrijkste stemmen binnen de Engelse abstractie. Nicholson was bevriend met en werd beïnvloed door de schilder Piet Mondrian. De witte reliëfwerken bouwden voort op Mondriaans gebruik van scherp begrensde lijnen en geometrische ruimte, en introduceerden dimensionale gelaagdheid en een monochroom palet. Nicholsons eerste witte reliëfschilderijen werden in 1933 gemaakt, en in 1935 had hij een stijl ontwikkeld waarin elementen van abstractie en constructivisme werden gecombineerd, evenals concrete art, en die de vroege kiemen suggereert van het minimalisme en de post-painterly abstraction.
Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
The Hepworth Wakefield Museum
De reliëfs van Nicholson maken de ruimte zelf tot een actief onderdeel van de abstractie, door de relaties tussen vlakken, randen en diepte. De Britse schilder Jeremy Annear gaat in Construct (Red Disc and Triangle) een boeiende dialoog aan met die thematiek. Gelaagde witte, grijze en aardkleurige vormen draaien rond gebogen contouren, terwijl een rode schijf en driehoek de compositie accentueren. Annear bouwt zijn olieverfschilderijen op uit gelaagde vormen en textuurrijke oppervlakken; hier suggereren de overlappingen een ruimte die geconstrueerd in plaats van beschreven is. In tegenstelling tot de witte reliëfs van Nicholson is dit een schilderij in kleur, maar de gedeelde vraag is hoe een beperkt vocabulaire van vormen balans, spanning en een gevoel van diepte kan creëren.
Aan de andere kant van het spectrum bevonden zich in de jaren 1930 en 1940 de abstract-expressionisten, ook wel de New York School genoemd. Door de rationele geografie en ruimtelijke reductie van kunstenaars als Mondriaan en Nicholson grondig af te wijzen, zochten de Ab Ex'ers in hun werk verbinding met primaire emoties. Geen enkele abstract-expressionistische kunstenaar was zo invloedrijk en succesvol in het belichamen van de stijl als Jackson Pollock.
Pollock, een beruchte alcoholist en neuroticus, liet zich door de psychoanalyse inspireren om diep in zijn onderbewustzijn te graven naar inspiratie. Zijn werk putte uit lichamelijkheid en onbewuste totembeelden om krachtige verbeeldingen van moderne, naoorlogse angst te creëren. Een van Pollocks eerste druipschilderijen, Full Fathom Five, geschilderd in 1947, veranderde de abstracte kunst voorgoed. Dit werk is een mengeling van zijn eerdere penseelstijl en zijn visionaire druiptechniek. Het bevat munten, sigarettenpeuken en andere willekeurige voorwerpen uit zijn atelier, die een niveau van textuur en diepte toevoegen dat volledig nieuw was binnen de abstractie. Full Fathom Five luidde een keerpunt in Pollocks carrière in en veranderde voorgoed onze verhouding tot het doek.
Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
© 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society
De voorwerpen die in Full Fathom Five zijn verwerkt, herinneren ons eraan dat een schilderij meer kan zijn dan een afbeelding: het kan een fysieke opeenstapeling van handelingen en materialen zijn. Anthony Frost onderzoekt die mogelijkheid via een instinctief proces waarin schilderkunst en collage worden gecombineerd. In Surface Pressure worden ruw getextureerde blauwe en oranje vlakken doorkruist door een uitstekende rode strook, waardoor het oppervlak zelf onderdeel wordt van de ontmoeting. Het gebruik van gevonden materialen en de gelaagde opbouw van Frost verschillen sterk van Pollocks verwarde druipers, maar beide werken nodigen ons uit om schilderkunst te zien als iets dat ontstaat door fysieke betrokkenheid, niet slechts als een vooraf geplande afbeelding.
Beroemde abstracte schilderijen: jaren 1950
In de jaren vijftig hadden de abstract expressionisten de verbeelding van de kunstwereld stevig in hun greep. Overal probeerden kunstenaars contact te maken met het oergevoel, het onbewuste en de verborgen beelden van het onderbewuste. Te midden van deze vurigheid ontstond een tendens naar kalmte, deels voortgekomen uit de groeiende belangstelling van veel kunstenaars voor oosterse filosofieën zoals het taoïsme en het zenboeddhisme. Een van de meest invloedrijke stromingen die in deze periode ontstonden, was een abstracte schilderstijl die bekendstaat als Color Field Painting.
Het doel van Color Field Painting, zoals het algemeen is gaan worden begrepen, was om kleur onafhankelijk van onderwerp, vorm, lijn en de andere beperkingen van beeldvorming te onderzoeken. De schilders streefden naar een meditatieve kwaliteit, die bij succes vervolgens van het werk op de toeschouwers werd overgedragen.
De abstracte schilder Helen Frankenthaler was een van de meest invloedrijke stemmen binnen de Color Field-beweging. Met haar schilderij Mountains and Sea,, geschilderd in 1952, introduceerde Frankenthaler een nieuwe schildertechniek die ze had uitgevonden: het “soak-stain-proces”. Bij dit proces gebruikte Frankenthaler terpentijn om de verf te verdunnen. Ze goot de verdunde verf zorgvuldig op een ongeprepareerd doek dat op de vloer lag, zodat de verf volledig door het doek kon trekken en het werk een geheel nieuwe textuur en uitstraling kreeg. Het soak-stain-proces creëerde sublieme kleurvelden die organische, veranderlijke configuraties aannamen en een serene sfeer opriepen. Frankenthalers Mountains and Sea wordt beschouwd als een van de eerste geslaagde werken van de Color Field-beweging en geldt vandaag de dag nog altijd als een van haar meest geliefde beelden.
Helen Frankenthaler - Mountains and Sea - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
Het schilderij van Frankenthaler opent een ruimte tussen het herinnerde landschap en zelfstandige kleurvlakken. Greet Helsen benadert die ruimte vanuit haar eigen ervaringen met de natuur en werkt met indrukken van licht, vorm en kleur in plaats van met precieze beschrijvingen. In Dynamisch (Dynamic) bewegen doorschijnende roze, blauwe en lila tinten over een luchtig oppervlak, onderbroken door fijne donkere lijnen en diepere kleurvlakken. Helsen verdunt haar acrylverf zorgvuldig, zodat opeenvolgende lagen zichtbaar blijven. Dit is niet hetzelfde proces als Frankenthalers soak-staining, maar de combinatie laat zien hoe transparantie en vloeiende kleur een landschap kunnen suggereren zonder het af te beelden.
Misschien is de beroemdste kunstenaar die met de Color Field-kunstenaars wordt geassocieerd Mark Rothko, een kunstenaar die zich ook fel verzette tegen dat en de meeste andere etiketten. Rothko werkte uitsluitend met kleur en streefde ernaar een spiritueel vlak te openen waarop hij en de kijkers de diepte van menselijke emoties konden ervaren. Hoewel Rothko zich volledig op kleur richtte, wees hij die af als slechts een middel waarmee deze spirituele verbinding tot stand kon worden gebracht. Een van Rothko’s bepalende vroege werken was No. 2, Green, Red and Blue, geschilderd in 1953. Dit werk is kenmerkend voor Rothko’s latere oeuvre en vestigt zijn stem als een uniek innemende bewoner van zowel de wereld van de abstracte kunst als die van de transcendente spiritualiteit.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
Kan kleur een gevoel overbrengen zonder de oorzaak ervan te beschrijven? Die vraag verbindt het werk van Rothko met Emotional Color Field 6 van Kyong Lee, hoewel hun beeldtalen verschillend blijven. Lee rangschikt horizontale banen die van diepblauw en violet via roze en lichte tinten naar oranje en rood verlopen. In haar werkwijze gebruikt ze zorgvuldig afgemeten kleurvelden en geleidelijke kleurovergangen om veranderingen in de gemoedstoestand te onderzoeken. Waar de vormen met zachte randen van Rothko lijken te zweven, zijn de scheidingen bij Lee helder en geordend. De dialoog draait minder om gelijkenis dan om de manier waarop de ene kleur onze ervaring van de volgende verandert, en hoe die relaties een emotionele taal kunnen worden.
Beroemde abstracte schilderijen: jaren zestig en zeventig
Toen het abstractionisme de jaren zestig en zeventig binnenging, wezen veel schilders de fundamentele ideeën ervan al af. Ze keerden terug naar figuratie en verkenden het domein van de conceptuele kunst. Toch bleven de kracht van de helderheid en de vrijheid van het abstractionisme veelbelovend. Een van de meest sublieme stemmen uit deze periode was de Amerikaanse abstracte schilderes Agnes Martin. Martin, bekend om haar schilderijen met lijnrasters, blijft een iconische stem binnen de abstracte kunst.
Het schilderij Night Sea van Agnes Martin, gemaakt in 1963, is een van de vroegste voorbeelden van wat haar kenmerkende stijl zou worden. In het werk wordt een bijna monochrome blauwe achtergrond doorsneden door een minutieus rasterpatroon, geschilderd met bladgoud. Dit werk omarmt kleur en verleent tegelijkertijd evenveel kracht aan de lijn. Het omarmt eenvoud en communiceert tegelijkertijd uitgestrektheid, complexiteit en een gevoel van onderling verweven afhankelijkheid. Martin vertelde dat de lijn voor haar onschuld vertegenwoordigde. Ze hoopte dat het gevoel van onschuld via haar werk op de kijkers zou worden overgedragen. De eenvoud van haar beelden en de directheid van de emotie die ze hoopte over te brengen waren instrumenteel in het overbruggen van de kloof tussen het abstract expressionisme en het minimalisme.
Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society
Martins ingetogen beeldtaal laat zien hoe een lijn onze aandacht kan vasthouden zonder iets te beschrijven. Untitled, 2014 (Id.383) van Richard Caldicott biedt een andere, sobere ontmoeting met lijn en ruimte. Tegen een lichte ondergrond vormen fijne en zwaardere donkere lijnen een open hoekige structuur tussen rode en gele vlakken. In plaats van Martins raster te herhalen, reduceert Caldicott de compositie tot enkele relaties waarvan de balans duidelijker wordt naarmate we kijken. Zijn seriële werken op papier verkennen een minimalistische, architecturale beeldtaal. De combinatie nodigt uit tot een tragere vorm van aandacht: niet zoeken naar een onderwerp, maar bewust worden van hoe tussenruimten, randen en lege ruimte onze ervaring vormgeven.
In de jaren 1970 schudde Robert Motherwell de wereld van de abstractie opnieuw op met een stem die de antithese leek van de aantrekkingskracht van het minimalisme. Zijn oergelijke, ruige gebaren brachten tegelijkertijd energie, kracht en angst over. Ze hadden een stoïcijnse kracht, en toch kwam er een diepgaande emotie naar voren die de macht en vrijheid van pure abstractie belichaamde.
Motherwells bepalende werk ontstond in 1971 en heette Elegy to the Spanish Republic No. 110. De furieuze energie van dit schilderij omhult de kijker en lijkt van het doek af te spatten. Het bezit een schokkende vitaliteit; een agressie die emotie en razernij de ruimte in overdraagt. In een tijd waarin veel schilders vonden dat de abstractie zichzelf had uitgeput, blies Motherwell de stijl een krachtige nieuwe levenskracht in. Zijn frisse visie en zelfverzekerde stem hielpen de abstractie voortbestaan en inspireren en versterken abstracte kunstenaars nog altijd.
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
Motherwells Elegy laat zien hoe herhaalde, krachtige vormen een abstract schilderij emotioneel gewicht kunnen geven. Tommaso Fattovichs Punk benadert dat gewicht via een meer gefragmenteerde, veelkleurige beeldtaal. Rechtopstaande passages in zwart, roze, lichtgroen en oranje rijzen op door een ruwe grijsbruine ondergrond; hun randen dragen de sporen van opeenvolgende gebaren. Fattovich ontwikkelt zijn composities intuïtief en reageert op kleur, lagen, lijnen en vormen totdat het beeld voltooid aanvoelt. De vergelijking betreft de fysieke aanwezigheid van de markering, niet een gelijkwaardigheid van onderwerp: Fattovichs door de stad geïnspireerde abstractie deelt niet de specifieke historische betekenis van Motherwells Elegy, maar biedt een andere manier om gebaar te ervaren als drager van intensiteit.
Onze perceptie van de toekomst veranderen
De hedendaagse abstracte kunstenaars van vandaag zijn elk van deze kunstenaars iets verschuldigd, zowel vanwege de manieren waarop zij vrijheid zochten in hun uitdrukkingsvormen als vanwege de manieren waarop zij kijkers hielpen hun geest open te stellen voor nieuwe manieren van kijken. Abstractie blijft nieuwe deuren voor ons openen terwijl we de eindeloze complexiteit proberen te begrijpen waarmee onze veranderende samenleving ons confronteert. Door voort te bouwen op de voorbeelden van de grote abstracte kunstenaars uit het verleden, kunnen de abstracte kunstenaars van vandaag en morgen hopelijk helpen onze hedendaagse zorgen en angsten te vertalen en ons helpen verder te kijken dan de beperkingen van onze eigen ogen.
De werken die met deze historische schilderijen in dialoog worden gebracht, laten zien dat die mogelijkheden open blijven. Van de rusteloze lijnen van Poynder en de ingebeelde organische vormen van Marin tot de geconstrueerde ruimtes van Göttin en Annear: abstractie biedt vele manieren om het oog te boeien. De materiële oppervlakken van Frost, de doorschijnende kleur van Helsen, de emotionele reeksen van Lee, de sobere structuren van Caldicott en de krachtige markeringen van Fattovich zetten het gesprek in verschillende richtingen voort. Ze vervangen de historische werken niet en herhalen hun prestaties evenmin. In plaats daarvan nodigen ze ons uit om wat we hebben geleerd mee te nemen naar nieuwe ontmoetingen en te ontdekken hoe abstractie de manier waarop we kijken blijft veranderen.
Uitgelichte afbeelding: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Alle afbeeldingen worden uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio (2016) Bewerkt door Francis Berthomier (2026)
