Beroemde abstracte schilderijen die de manier waarop we kunst waarnemen hebben veranderd

“Welke beelden we kunnen hebben, zou men kunnen zeggen, hangt af van wie de verbeelding heeft.” - John Hospers, uit Een Inleiding tot Filosofische Analyse

We zijn afhankelijk van visionairs om verborgen deuren te openen, zodat we delen van de wereld, en delen van onszelf, kunnen zien die anders verborgen zouden blijven. Visie is de specialiteit van abstracte kunstenaars, en in de afgelopen 100+ jaar hebben veel beroemde abstracte schilderijen erin geslaagd de kijk van de mensheid te verbreden. De visionairs die die beelden creëerden, hebben ons, de kijkers, niet alleen de gave van nieuwe dingen om te zien gegeven; ze boden ons volledig nieuwe manieren van kijken aan.

Beroemde Abstracte Schilderijen: 1910s – 1920s

Toegegeven, sommige van onze keuzes in dit artikel kunnen controversieel blijken, aangezien elke liefhebber van abstracte kunst verschillende smaken heeft. Maar de meesten zouden het waarschijnlijk eens zijn met onze eerste keuze van abstracte schilderijen die de manier waarop we kunst waarnemen hebben veranderd. Wassily Kandinsky’s Untitled (First Abstract Watercolor) werd geschilderd in 1910 en wordt door kunsthistorici beschouwd als het eerste puur abstracte schilderij. De gedurfde weergave van levendig gekleurde vlekken, vegen en lijnen laat alle visuele verwijzing naar de objectieve realiteit achterwege. Dit schilderij bevrijdde kunstenaars van de ketenen van onderwerp en nodigde kijkers uit om op een geheel nieuwe manier betrokken te raken bij het concept van wat een afbeelding kan zijn.

Wassily Kandinsky - Ongenaamd (Eerste Abstracte Aquarel), 1910. Aquarel en Indische inkt en potlood op papier. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Parijs

Elf jaar later, in 1921, schilderde Piet Mondrian zijn iconische Tableau I. Na een periode van experimenteren met zijn opkomende nieuwe stem, verstevigde Tableau I wat Mondrians bepalende stijl zou worden. De harde zwarte lijnen en compartmentaliseerde kleurvlakken boden kijkers een glimp van gezuiverde geometrie en wiskundige precisie. De schone lijnen en precisie van het werk maakten geen verwijzing naar iets anders dan vorm, kleur en lijn. Het werk luidde een stijl in die generaties schilders, beeldhouwers, architecten en ontwerpers zou beïnvloeden, en blijft creatieve denkers tot op de dag van vandaag begeleiden.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olieverf op doek. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Keulen, Duitsland

In 1925, Joan Miró verlegde de grenzen tussen abstractie en surrealisme met zijn schilderij La mancha roja (De rode vlek). Miró beschouwde zichzelf niet als een abstractist. Hij zei dat hij thuis kwam in zijn kleine huis, hongerig en uitgeput, en de beelden schilderde die hij in zijn hoofd zag. La mancha roja (De rode vlek) balanceert op de dunne lijn tussen antropomorfe figuren, dromerige totems en pure abstractie. Iets kinderlijk, maar vreselijk, loert binnen het beeld. Met dit oeuvre opende Miró de deur naar de verborgen iconografie van onze nachtmerries en dromen.

Joan Miro - De rode vlek (La mancha roja), 1925. Olie en pastel op doek. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collectie. © Joan Miro Foundation, Barcelona

Beroemde Abstracte Schilderijen: 1930s – 1940s

Naarmate de westerse wereld voor de tweede keer in de 20e eeuw in depressie, hongersnood en oorlog verviel, werd abstractie stevig gevestigd als een belangrijke kracht in de kunstwereld. Een fantastische reeks methoden werd toegepast door kunstenaars die in deze stijl werkten, waarbij ieder bijdroeg aan de groeiende inspanningen om verbinding te maken met iets puur, iets waarheidsgetrouws en iets vrijs binnen de menselijke geest. In Groot-Brittannië breidde de schilder Ben Nicholson zijn abstracte werk uit tot een lichaam van wat hij witte reliëfschilderijen noemde. Een van zijn belangrijke vroege werken, 1935 (witte reliëf), brak nieuw visueel terrein, waardoor Nicholson werd gevestigd als een van de belangrijkste stemmen van de Engelse abstractie. Nicholson was een vriend van en werd beïnvloed door de schilder Piet Mondrian. De witte reliëfwerken breidden Mondrians gebruik van scherpe lijnen en geometrische ruimte uit, door dimensionale laagvorming en een monochromatisch palet in te voeren. Nicholson's eerste witte reliëfschilderijen werden in 1933 gemaakt, en tegen de tijd dat 1935 (witte reliëf) werd gemaakt, had hij een stijl geformaliseerd die elementen van abstractie, constructivisme, betonkunst combineerde en die de vroege zaden van minimalisme en post-schilderachtige abstractie suggereert.

Aan de andere kant van het spectrum, tijdens de jaren 1930 en 1940, bevonden zich de Abstract Expressionisten, ook wel bekend als de New York School. Ze verwierpen grondig de rationele geografie en ruimtelijke reductie van kunstenaars zoals Mondrian en Nicholson, en de Ab Ex-ers probeerden in hun werk verbinding te maken met primaire emoties. Geen enkele Abstract Expressionist was zo invloedrijk en succesvol in het belichamen van de stijl als Jackson Pollock.

Een beruchte alcoholist en neuroticus, Pollock werd geïnspireerd door psychoanalyses om diep in zijn onderbewustzijn inspiratie te vinden. Zijn werk putte uit lichamelijkheid en onbewuste totemafbeeldingen om felle portretten van moderne, naoorlogse angst te creëren. Een van Pollocks eerste druppelschilderijen, Full Fathom Five, geschilderd in 1947, veranderde de abstracte kunst voor altijd. Dit werk is een amalgaam van zijn eerdere penseelstijl en zijn visionaire druppeltechniek. Het bevat munten, sigarettenpeuken en andere willekeurige stukjes uit zijn studio, wat een niveau van textuur en diepte projecteert dat volledig nieuw is voor de abstractie. Full Fathom Five markeerde een keerpunt in Pollocks carrière en veranderde voor altijd onze relatie tot het canvas.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olie op doek met spijkers, punaises, knopen, sleutel, munten, sigaretten, lucifers, enz. 50 7/8 x 30 1/8 in. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Beroemde Abstracte Schilderijen: Jaren 50

In de jaren vijftig hadden de Abstract Expressionisten de verbeelding van de kunstwereld stevig overgenomen. Overal streefden kunstenaars ernaar om verbinding te maken met het oermenselijke zelf, het onbewuste en de verborgen beelden van het onderbewustzijn. Te midden van deze fervor ontstond een trend naar kalmte, gedeeltelijk voortkomend uit een groeiende interesse onder veel kunstenaars in oosterse filosofieën zoals het Taoïsme en Zen Boeddhisme. Een van de meest diepgaande bewegingen die uit deze tijd voortkwam, was een abstracte schilderstijl die bekend staat als Color Field Painting.

Het doel van Color Field Painting, zoals het algemeen is begrepen, was om kleur onafhankelijk van onderwerp, vorm, lijn en de andere beperkingen van beeldvorming te verkennen. Een meditatieve kwaliteit werd door de schilders nagestreefd, en als dit succesvol was, werd het vervolgens overgedragen van het werk naar de kijkers.

De abstracte schilder Helen Frankenthaler was een van de meest diepgaande stemmen van de Color Field-beweging. Met haar schilderij Mountains and Sea, geschilderd in 1952, introduceerde Frankenthaler de wereld aan een nieuwe schildertechniek die ze had uitgevonden, genaamd het “soak-stain proces.” In dit proces gebruikte Frankenthaler terpentijn om de consistentie van haar verven te verdunnen. Ze goot voorzichtig de verdunde verf op een ongeprepareerd doek op de vloer, waardoor de verf volledig door het doek kon trekken, wat het werk een geheel nieuwe textuur en uitstraling gaf. Het soak-stain proces creëerde sublieme kleurvelden die organische, veranderende configuraties aannamen die de serene aanraakten. Frankenthaler’s Mountains and Sea wordt beschouwd als een van de eerste successen van de Color Field-beweging en blijft een van de meest geliefde beelden ervan tot op de dag van vandaag.

Helen Frankenthaler - Bergen en Zee, 1952. Olie en houtskool op canvas. 86 5/8 x 117 ¼ in. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Misschien is de meest beroemde kunstenaar die geassocieerd wordt met de Color Field-kunstenaars Mark Rothko, een kunstenaar die deze en de meeste andere labels ook fel verwierp. Rothko werkte volledig met kleur, en streefde ernaar een spiritueel vlak te openen waarop hij en de kijkers de diepte van menselijke emotie konden ervaren. Hoewel hij zich volledig op kleur richtte, beschouwde Rothko het slechts als een voertuig waardoor deze spirituele verbinding tot stand kon komen. Een van Rothko's bepalende vroege werken was No. 2, Green, Red and Blue, geschilderd in 1953. Dit stuk is iconisch voor Rothko's toekomstige oeuvre en vestigt zijn stem als een uniek innemende bewoner van zowel de werelden van Abstracte kunst als transcendente spiritualiteit.

Mark Rothko - Nr. 2, Groen, Rood en Blauw, 1953. Privécollectie

Beroemde Abstracte Schilderijen: 1960s – 1970s

Naarmate de abstractie de jaren 60 en 70 binnenging, verwierpen veel schilders al de fundamentele ideeën ervan, keerden ze terug naar de figuratie en verkenden ze het rijk van conceptuele kunst. Desondanks hield de kracht van de helderheid en vrijheid van de abstractie nog steeds grote belofte in. Een van de meest sublieme stemmen van deze periode was de Amerikaanse abstracte schilderes Agnes Martin. Bekend om haar geschilderde rasterwerken, blijft Martin een iconische stem van de abstracte kunst.

Het schilderij Night Sea van Agnes Martin, gemaakt in 1963, is een van de vroegste voorbeelden van wat haar definitieve stijl zou worden. In het werk wordt een bijna monochromatische blauwe achtergrond onderbroken door een nauwgezet rasterpatroon geschilderd in goudblad. Dit werk omarmt kleur, terwijl het gelijke kracht aan lijn geeft. Het omarmt eenvoud terwijl het tegelijkertijd uitdrukt watervlakte, complexiteit en een gevoel van onderling afhankelijkheid. Martin sprak over hoe de lijn, voor haar, onschuld vertegenwoordigde. Ze hoopte dat het gevoel van onschuld werd overgebracht op de kijkers door haar werk. De eenvoud van haar beelden en de directheid van de emotie die ze hoopte over te brengen, was cruciaal in het overbruggen van de kloof tussen Abstract Expressionisme en Minimalisme.

Agnes Martin - Nachtzee, 1963. Olie en goudblad op canvas. 72 x 72 in. © Erfenis van Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

In de jaren 1970 schudde Robert Motherwell de wereld van de Abstractie opnieuw op met een stem die leek op de antithese van de aantrekkingskracht van het Minimalisme. Zijn primaire, robuuste gebaren straalden energie, kracht en angst tegelijkertijd uit. Er was een stoïcijnse kracht in hen, en toch kwam er een diepgaande emotie naar voren die de kracht en vrijheid van pure Abstractie belichaamde.

Motherwell's bepalende werk kwam in 1971 en heette Elegy to the Spanish Republic No. 110. De woedende energie van dit schilderij omhult de kijker en lijkt van het doek te barsten. Er is een schokkende vitaliteit aan, agressie die emotie en woede in de ruimte overbrengt. In een tijd waarin veel schilders Abstractie als uitgeput beschouwden, injecteerde Motherwell een krachtige nieuwe levenskracht in de stijl. Zijn frisse visie en zelfverzekerde stem hielpen Abstractie te overleven en blijven tot op de dag van vandaag Abstracte kunstenaars inspireren en empoweren.

Robert Motherwell - Elegie voor de Spaanse Republiek Nr. 110, 1971. Acryl met grafiet en houtskool op canvas. 82 x 114 in. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Gelicenseerd door VAGA bij Artists Rights Society (ARS), New York

Onze Waarneming van de Toekomst Veranderen

De hedendaagse abstracte kunstenaars zijn deze kunstenaars veel verschuldigd, zowel voor de manieren waarop zij vrijheid zochten in hun uitdrukkingsvormen als voor de manieren waarop zij kijkers hielpen hun geest te openen voor nieuwe manieren van zien. Abstractie blijft nieuwe deuren voor ons openen terwijl we proberen de eindeloze complexiteit te begrijpen die onze evoluerende samenleving ons presenteert. Door te putten uit de voorbeelden van de grote abstracte kunstenaars uit het verleden, kunnen de abstracte kunstenaars van vandaag en morgen hopelijk helpen onze hedendaagse angsten en vrezen te vertalen, en ons helpen verder te kijken dan de beperkingen van onze eigen ogen.

Uitgelichte afbeelding: Wassily Kandinsky - Compositie VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parijs / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio