Beroemde abstracte schilderijen die de manier waarop we kunst waarnemen hebben veranderd

“Welke beelden we kunnen hebben, zou men kunnen zeggen, hangt af van wie het zich voorstelt.” - John Hospers, uit Een Inleiding tot Filosofische Analyse

We zijn afhankelijk van visionairs om verborgen deuren te openen, zodat we delen van de wereld en delen van onszelf kunnen opvangen die anders verborgen zouden blijven. Visie is het specialisme van abstracte kunstenaars, en in de afgelopen 100+ jaar zijn veel beroemde abstracte schilderijen erin geslaagd het menselijk blikveld te vergroten. De visionairs die die beelden creëerden schonken ons, de kijkers, niet alleen het geschenk van nieuwe dingen om te zien; ze boden ons geheel nieuwe manieren van kijken aan.

Beroemde Abstracte Schilderijen: 1910s – 1920s

Toegegeven, sommige van onze keuzes in dit artikel kunnen controversieel blijken, aangezien elke liefhebber van abstracte kunst andere smaken heeft. Maar de meesten zullen het waarschijnlijk eens zijn met onze eerste selectie van abstracte schilderijen die onze manier van kunst waarnemen veranderden. Wassily Kandinsky’s Untitled (First Abstract Watercolor) werd geschilderd in 1910 en wordt door kunsthistorici beschouwd als het eerste puur abstracte schilderij. De gedurfde weergave van levendig gekleurde vlekken, vegen en lijnen doet alle visuele verwijzingen naar objectieve werkelijkheid achterwege. Dit schilderij bevrijdde kunstenaars van de slavernij van het onderwerp en nodigde kijkers uit om op een geheel nieuwe manier met het concept van wat een beeld kan zijn om te gaan.

Wassily Kandinsky - Untitled (First Abstract Watercolor), 1910. Aquarel en Indiase inkt en potlood op papier. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Parijs

Elf jaar later, in 1921, schilderde Piet Mondriaan zijn iconische Tableau I. Na een periode van experimenteren met zijn opkomende nieuwe stem, verstevigde Tableau I wat Mondriaans kenmerkende stijl zou worden. De harde zwarte lijnen en ingedeelde kleurvlakken boden kijkers een glimp van gezuiverde geometrie en wiskundige precisie. De strakke lijnen en precisie van het werk verwezen naar niets anders dan vorm, kleur en lijn. Het werk luidde een stijl in die generaties schilders, beeldhouwers, architecten en ontwerpers zou beïnvloeden en blijft creatieve denkers tot op heden leiden.

Piet Mondriaan - Tableau I, 1921. Olie op doek. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Keulen, Duitsland

In 1925 loste Joan Miró de barrières tussen abstractie en surrealisme op met zijn schilderij La mancha roja (De rode vlek). Miró beschouwde zichzelf niet als een abstracte kunstenaar. Hij zei dat hij thuiskwam in zijn kleine huis, hongerig en uitgeput, en de beelden schilderde die hij in zijn hoofd zag. La mancha roja (De rode vlek) balanceert op de dunne lijn tussen antropomorfe figuren, droomachtige totems en pure abstractie. Iets kinderlijks, maar ook gruwelijks, schuilt in het beeld. Met dit werk gooide Miró de deur open naar de verborgen iconografie van onze nachtmerries en dromen.

Joan Miro - La mancha roja (De rode vlek), 1925. Olie en pastel op doek. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collectie. © Joan Miro Stichting, Barcelona

Beroemde Abstracte Schilderijen: 1930s – 1940s

Terwijl de westerse wereld in de 20e eeuw voor de tweede keer in depressie, hongersnood en oorlog verviel, was abstractie stevig gevestigd als een grote kracht in de kunstwereld. Een fantastische reeks methoden werd gebruikt door kunstenaars die in deze stijl werkten, elk bijdragend aan de groeiende pogingen om contact te maken met iets puurs, iets waarheidsgetrouws en iets vrijs binnen de menselijke geest. In Groot-Brittannië breidde de schilder Ben Nicholson zijn abstracte werk uit tot een reeks wat hij witte reliëfschilderijen noemde. Een van zijn baanbrekende vroege werken, 1935 (wit reliëf), brak nieuw visueel terrein en vestigde Nicholson als een van de belangrijkste stemmen van de Engelse abstractie. Nicholson was een vriend van en beïnvloed door de schilder Piet Mondriaan. De witte reliëfwerken bouwden voort op Mondriaans gebruik van harde lijnen en geometrische ruimte, met toevoeging van gelaagde diepte en een monochroom palet. Nicholsons eerste witte reliëfschilderijen werden gemaakt in 1933, en tegen de tijd dat 1935 (wit reliëf) werd gemaakt, had hij een stijl vastgelegd die elementen van abstractie, constructivisme, concrete kunst combineerde, en die de vroege kiemen van minimalisme en post-schilderachtige abstractie suggereert.

Aan de andere kant van het spectrum in de jaren 1930 en 1940 stonden de Abstracte Expressionisten, ook bekend als de New York School. Zij verwierpen grondig de rationele geografie en ruimtelijke reductie van kunstenaars als Mondriaan en Nicholson en zochten in hun werk contact met oeroude emoties. Geen Abstract Expressionist was zo invloedrijk en succesvol in het belichamen van de stijl als Jackson Pollock.

Pollock, een beruchte alcoholist en neuroticus, werd geïnspireerd door psychoanalyse om diep in zijn onderbewustzijn te graven voor inspiratie. Zijn werk putte uit lichamelijkheid en onbewuste totembeelden om felle uitbeeldingen van moderne, naoorlogse angst te creëren. Een van Pollocks eerste druppelschilderijen, Full Fathom Five, geschilderd in 1947, veranderde abstracte kunst voorgoed. Dit werk is een mengeling van zijn eerdere penseelstijl en zijn visionaire druppeltechniek. Het bevat munten, sigarettenpeuken en andere willekeurige voorwerpen uit zijn atelier, wat een nieuw niveau van textuur en diepte aan abstractie gaf. Full Fathom Five luidde een keerpunt in Pollocks carrière in en veranderde onze relatie met het doek voorgoed.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olie op doek met spijkers, punaises, knopen, sleutel, munten, sigaretten, lucifers, enz. 50 7/8 x 30 1/8 inch. © 2019 Pollock-Krasner Stichting / Artists Rights Society (ARS), New York

Beroemde Abstracte Schilderijen: 1950s

In de jaren 1950 hadden de Abstracte Expressionisten de verbeelding van de kunstwereld stevig in handen. Overal streefden kunstenaars ernaar contact te maken met het oeroude zelf, het onbewuste en de verborgen beelden van het onderbewustzijn. Te midden van deze geestdrift ontstond een trend naar kalmte, deels geboren uit een groeiende interesse van veel kunstenaars in Oosterse filosofieën zoals het Taoïsme en Zenboeddhisme. Een van de meest diepgaande bewegingen die uit deze tijd voortkwam, was een abstracte schilderstijl die bekend staat als kleurvlakschilderkunst.

Het doel van kleurvlakschilderkunst, zoals het algemeen wordt begrepen, was om kleur te onderzoeken los van onderwerp, vorm, lijn en andere beperkingen van beeldvorming. Een meditatieve kwaliteit werd door de schilders gezocht, en als dat lukte, werd die vervolgens overgedragen van het werk op de kijkers.

De abstracte schilder Helen Frankenthaler was een van de meest diepgaande stemmen van de kleurvlakbeweging. Met haar schilderij Mountains and Sea, geschilderd in 1952, introduceerde Frankenthaler de wereld aan een nieuwe schildertechniek die ze had uitgevonden, de “doorzuiptechniek.” Bij dit proces gebruikte Frankenthaler terpentine om de consistentie van haar verf te verdunnen. Ze goot de verdunde verf voorzichtig op een ongegrond doek op de vloer, waardoor de verf volledig door het doek trok en het werk een geheel nieuwe textuur en uitstraling gaf. De doorzuiptechniek creëerde sublieme kleurvlakken die organische, veranderende vormen aannamen die aan het serene raakten. Frankenthalers Mountains and Sea wordt beschouwd als een van de eerste successen van de kleurvlakbeweging en blijft een van de meest geliefde beelden ervan.

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Olie en houtskool op doek. 86 5/8 x 117 ¼ inch. © 2019 Helen Frankenthaler Stichting, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Misschien wel de beroemdste kunstenaar die met de kleurvlakkunstenaars wordt geassocieerd, is Mark Rothko, een kunstenaar die ook fel afwees dat en de meeste andere etiketten. Rothko werkte volledig met kleur en streefde ernaar een geestelijk vlak te openen waarop hij en de kijkers de diepte van menselijke emotie konden ervaren. Hoewel hij zich volledig op kleur richtte, zag Rothko het slechts als een middel waardoor deze geestelijke verbinding tot stand kon komen. Een van Rothko’s bepalende vroege werken was No. 2, Green, Red and Blue, geschilderd in 1953. Dit werk is iconisch voor Rothko’s latere oeuvre en vestigde zijn stem als een uniek innemende bewoner van zowel de wereld van abstracte kunst als van transcendente spiritualiteit.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue, 1953. Particuliere collectie

Beroemde Abstracte Schilderijen: 1960s – 1970s

Toen abstractie de jaren 1960 en 1970 binnenging, verwierpen veel schilders al de fundamentele ideeën ervan, keerden terug naar figuratie en verkenden het domein van conceptuele kunst. Desalniettemin hield de kracht van de helderheid en vrijheid van abstractie nog steeds grote belofte in. Een van de meest sublieme stemmen uit deze periode was de Amerikaanse abstracte schilder Agnes Martin. Bekend om haar lijnraster-schilderijen, blijft Martin een iconische stem van abstracte kunst.

Agnes Martins schilderij Night Sea, gemaakt in 1963, is een van de vroegste voorbeelden van wat haar definitieve stijl zou worden. In het werk wordt een bijna monochroom blauwe achtergrond doorkruist door een nauwkeurig rasterpatroon geschilderd in bladgoud. Dit werk omarmt kleur, terwijl het evenveel kracht aan lijn toekent. Het omarmt eenvoud terwijl het tegelijkertijd uitdrukking geeft aan uitgestrektheid, complexiteit en een gevoel van verweven onderlinge afhankelijkheid. Martin sprak over hoe de lijn voor haar onschuld vertegenwoordigde. Ze hoopte dat het gevoel van onschuld via haar werk op de kijkers werd overgebracht. De eenvoud van haar beelden en de directheid van de emotie die ze hoopte over te brengen, waren instrumenteel in het overbruggen van de kloof tussen abstract expressionisme en minimalisme.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Olie en bladgoud op doek. 72 x 72 inch. © Nalatenschap van Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

In de jaren 1970 schudde Robert Motherwell de wereld van abstractie opnieuw op met een stem die leek op het tegenovergestelde van de aantrekkingskracht van minimalisme. Zijn oeroude, ruwe gebaren straalden tegelijk energie, kracht en angst uit. Er was een stoere kracht in, en toch kwam er diepe emotie naar voren die de kracht en vrijheid van pure abstractie belichaamde.

Motherwells bepalende werk kwam in 1971 en heette Elegy to the Spanish Republic No. 110. De woeste energie van dit schilderij omhult de kijker en lijkt van het doek af te spatten. Het heeft een schokkende levendigheid, agressie die emotie en woede in de ruimte overbrengt. In een tijd waarin veel schilders vonden dat abstractie zijn tijd had gehad, bracht Motherwell een krachtige nieuwe levenskracht in de stijl. Zijn frisse visie en zelfverzekerde stem hielpen abstractie te laten voortbestaan en blijven abstracte kunstenaars tot op heden inspireren en versterken.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. Acryl met grafiet en houtskool op doek. 82 x 114 inch. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Gelicenseerd door VAGA bij Artists Rights Society (ARS), New York

Onze Waarneming van de Toekomst Veranderen

De hedendaagse abstracte kunstenaars van vandaag zijn elk van deze kunstenaars dankbaar, zowel voor de manieren waarop zij vrijheid zochten in hun uitdrukkingsvormen als voor de manieren waarop zij kijkers hielpen hun geest te openen voor nieuwe manieren van zien. Abstractie blijft nieuwe deuren voor ons openen terwijl we proberen de eindeloze complexiteiten van onze zich ontwikkelende samenleving te begrijpen. Door te putten uit de voorbeelden van de grote abstracte kunstenaars uit het verleden, kunnen de abstracte kunstenaars van vandaag en morgen hopelijk helpen onze hedendaagse angsten en vrees te vertalen en ons helpen voorbij de beperkingen van onze eigen ogen te zien.

Afbeelding: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parijs / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio