Wat is Conceptuele Schilderkunst?

Elk kunstwerk was ooit slechts een idee in iemands hoofd. Dat is een grappige gedachte, gezien hoe vluchtig ideeën kunnen zijn en hoe moeilijk het kan zijn om zelfs de beste ideeën werkelijkheid te laten worden. Conceptuele schilderkunst, als een tak van artistieke praktijk, probeert de kloof tussen ideeën en fysieke werkelijkheid te overbruggen. Het overweegt de mogelijkheid dat voor elke schilderij die uiteindelijk aan een muur wordt gehangen, er talloze anderen zijn die nooit op het doek zijn gekomen, en talloze alternatieve manieren om het ene schilderij dat wel aan de muur hangt te maken. Het gaat zelfs zo ver te zeggen dat het schilderij helemaal niet belangrijk hoeft te zijn; dat het enige dat echt telt het idee is.

Denk Het Gewoon

Soms is de beste manier om iets gedaan te krijgen, er niet over na te denken. Doe het gewoon, zoals de slogan zegt. Wanneer we wel stilstaan bij de aard van wat we doen, kan dat ons verlammen, omdat we ons afvragen of wat we doen de moeite waard is, of überhaupt enige waarde heeft. Toen de eerste abstracte schilders hun zoektocht begonnen om puur abstracte werken te maken, was er veel nadenken en zaten ze vol ideeën. Maar tegelijkertijd stelden sommige kunstenaars vragen over de waarde van die, of andere ideeën.

In 1917 maakte Marcel Duchamp een kunstwerk getiteld “Fountain.” Het was een urinoir dat ondersteboven werd geplaatst en gesigneerd met “R. Mutt.” Duchamp nam een gewoon voorwerp en transformeerde het, in dit geval door het ondersteboven te draaien en het uit zijn nuttige omgeving te halen, waardoor het oorspronkelijke gebruik overbodig werd en het nieuwe mogelijkheden voor betekenis uitnodigde. “Fountain” werd afgewezen door de tentoonstelling waar het voor was ingediend, maar het werd de maatstaf voor wat uiteindelijk bekend zou worden als Conceptuele Kunst, een neiging om de waarde van de ideeën van een kunstenaar boven de waarde van de processen of objecten van de kunstenaar te plaatsen.

Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9,8 inch, © Sarah Hinckley

Beeld is Niets

Veel van de eerste conceptuele schilderijen waren helemaal geen schilderijen. In 1953 kreeg kunstenaar Robert Rauschenberg het idee om een schilderij uit te wissen. Hij wilde het daadwerkelijke voorwerp laten verdwijnen, zodat alleen het idee overbleef, en het zo tot nieuwe eer verheffen. Hij geloofde dat om de volledige manifestatie van zijn idee te bereiken, iemand anders het voorwerp moest waarderen. Hij moest het werk van een andere schilder uitwissen, anders zou het gewoon zijn alsof hij iets ontkende dat nooit bestond.

Rauschenberg wendde zich tot zijn vriend Willem de Kooning en vroeg hem een geliefd schilderij te schenken voor zijn concept. Hoewel de Kooning aanvankelijk weerstand bood, gaf hij uiteindelijk Rauschenberg een tekening, een die hij haatte te zien verdwijnen en die moeilijk uit te wissen zou zijn. Rauschenberg gebruikte meer dan een dozijn gummen gedurende meer dan een maand en slaagde er uiteindelijk in het hele beeld uit te wissen. Het resultaat, genaamd “Erased de Kooning Drawing,” stelde vol vertrouwen het idee dat het idee van een kunstwerk het belangrijkste is, en dat het werk zelf helemaal niet hoeft te bestaan.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Sporen van tekenmateriaal op papier, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation

Het Ongeziene Maken

Het idee van het primaire belang van het idee verspreidde zich snel over de westerse wereld. Kunstenaars begonnen te experimenteren met elke mogelijke manifestatie van een idee, in de overtuiging dat als een idee zich wil manifesteren, het op allerlei manieren kan gebeuren. Kunst over een afbeelding van een boom kon zich manifesteren als een foto van een boom, een schilderij van een boom, een tekening van een boom, een abstract schilderij van een boom, de woorden “afbeelding van een boom” geschreven op een oppervlak, een uitvoerder die naar een echte boom wijst, een interpretatieve dans die een boom imiteert, of zelfs een kunstenaar die op de vloer zit met gesloten ogen en denkt aan een afbeelding van een boom.

In 1958 hield kunstenaar Yves Klein een schilderijententoonstelling in Parijs die vaak wordt aangeduid als “De Leegte.” De volledige titel van de tentoonstelling was “De Specialisatie van Gevoeligheid in de Ruwe Materietoestand tot Gestabiliseerde Beeldende Gevoeligheid, De Leegte.” Volgens de overlevering kwamen meer dan 3000 bezoekers de tentoonstelling bekijken. Bij binnenkomst in de galerie werden de bezoekers geconfronteerd met een witte ruimte zonder schilderijen, met alleen een lege kast. Klein zei over de tentoonstelling: “Mijn schilderijen zijn nu onzichtbaar en ik wil ze op een duidelijke en positieve manier tonen.”

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Olie op papier, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

In 1968 voegde de abstracte schilder Sol LeWitt een nieuwe dimensie toe aan het domein van conceptuele schilderkunst. Hij stelde de theorie op dat het niet alleen niet uitmaakt of een idee ooit als een fysiek schilderij verschijnt, maar ook niet hoe het wordt geschilderd of door wie. Het enige dat telt is het oorspronkelijke uitgedrukte idee van de kunstenaar over het schilderij. Als demonstratie van dit concept begon LeWitt muurschilderingen te ontwerpen die meestal door anderen dan hijzelf werden uitgevoerd.

LeWitts idee was dat elke hand elke lijn anders zou tekenen, zodat hoewel ze allemaal van dezelfde plannen werkten, elke kunstenaar de muurschildering anders zou tekenen dan de anderen. De eindproducten zouden afwijken van het oorspronkelijke ontwerp en van elkaar, maar omdat het oorspronkelijke ontwerp het enige is dat telt, is de variatie onbelangrijk, net als de wijze van uitvoering. De erfenis van LeWitts idee is dat zijn conceptuele muurschilderingen nog steeds worden gereproduceerd, ook na zijn dood.

John Monteith - De Nachtelijke Hemel, 2010, grafiet op handgemaakt papier, 24 x 17,7 inch, © John Monteith

De Toekomst van Ideeën

Hedendaagse conceptuele schilderkunst blijft onze waardering voor de ideeën die de basis vormen van een kunstwerk uitbreiden. Het werk van de hedendaagse Amerikaanse abstracte schilder Debra Ramsay is geworteld in ideeën die fundamenteel zijn voor onze tijd. Haar werkwijze is het volgen van de veranderende kleuren van de natuur, zoals die van seizoensgebonden flora, en vervolgens die kleurveranderingen analyseren in een computerprogramma. De resulterende gegevens worden gebruikt om een kleurenpalet te creëren dat verwijst naar de veranderende natuurlijke kleuren. Ze gebruikt dat palet om een abstracte weergave te maken van objecten in de ruimte die in de loop van de tijd veranderen.

Ramsays werk doet denken aan twee fundamentele ideeën die onze huidige cultuur domineren. Het eerste is het idee van gegevens, en het besef dat elk aspect van ons leven wordt gevolgd, gedigitaliseerd, berekend en geanalyseerd in een monumentale zoektocht naar begrip. Het andere is het idee dat de natuur verandert, en dat we nu misschien alleen kunnen toekijken en er op de een of andere manier esthetische schoonheid in kunnen vinden. Ramsays ideeën zijn prachtig weergegeven in de vorm van abstracte schilderijen, maar het zijn de ideeën zelf die haar werk zo relevant maken voor onze cultuur nu.

Debra Ramsay- Een Jaar van Kleur, Aangepast aan Daglengte, 2014, Acryl op polyesterfilm, 39,8 x 59,8 inch.

H7

De Canadese abstracte schilder John Monteith werkt in verschillende materialen terwijl hij zoekt naar de meest geslaagde fysieke uitdrukking van zijn artistieke ideeën. Een gebied dat hij vaak verkent is dat van tekst. Monteith haalt stukjes tekst uit andere bronnen die hij tegenkomt tijdens zijn werk, zoals het dagnieuws, een boek of een gesprek. Hij presenteert de tekst vervolgens uit de context in een galerijomgeving, wat uitnodigt tot nieuwe conceptuele interpretaties van de ideeën die in de woorden besloten liggen.

Door gebruik te maken van meerdere mediabronnen voor de tekst in zijn werken, brengen Monteiths tekstgebaseerde tekeningen een hedendaags gezichtspunt naar het werk van eerste generatie conceptuele kunstenaars zoals Robert Barry, die ook vaak met tekst werkt. Barrys werk bestaat uit het tonen van stukjes tekst op papier, doek, muren, vloeren of elk ander oppervlak dat geschikt is voor het idee. Zijn woorden zijn vaak van hemzelf, maar soms ook uit andere teksten gehaald, en ze worden gepresenteerd op een manier die nieuwe associaties en betekenissen uitnodigt. Vaak bieden deze conceptuele werken veel meer informatie dan een traditioneel schilderij door de deelname van de verbeelding van de kijker te vereisen.

Materie en Betekenis

In 1965 presenteerde de conceptuele kunstenaar Joseph Kosuth in een baanbrekend werk genaamd One and Three Chairs een echte stoel, een foto van een stoel en een geschreven beschrijving van wat een stoel is. Zoals zoveel andere conceptuele werken bracht het de vraag naar voren wat het verschil is tussen ideeën, voorwerpen en abstracties.

We accepteren nu dat een conceptueel schilderij geen schilderij hoeft te zijn, noch dat het in materiële vorm hoeft te bestaan. Maar als het wel bestaat, is dat dan belangrijk? Maakt het uit dat het hier is, in de tastbare wereld? Is er echt geen verschil tussen het voorwerp en het idee? Waarderen we het idee werkelijk meer? Als we honger hadden, zouden we dan liever een recept, een schilderij van voedsel, of echt voedsel hebben? In praktische zin stelt conceptuele schilderkunst een van de belangrijkste vragen van de mensheid: Maakt het uit wat we doen?

Afbeelding in de uitgelichte afbeelding: Robert Barry - Untitled (Something which can never be any specific thing), 1969, Typen op papier, 4 x 6 inch, © Robert Barry

Alle afbeeldingen zijn alleen voor illustratieve doeleinden gebruikt