Wat is Conceptuele Schilderkunst?

Elk kunstwerk was ooit slechts een idee in iemands hoofd. Dat is een grappige gedachte, gezien hoe vluchtig ideeën kunnen zijn en hoe moeilijk het kan zijn om zelfs de beste ideeën werkelijkheid te laten worden. Conceptuele schilderkunst, als een veld van artistieke praktijk, probeert de kloof tussen ideeën en fysieke realiteit te overbruggen. Het overweegt de mogelijkheid dat voor elke schilderij die uiteindelijk aan de muur hangt, er talloze anderen zijn die het nooit op het canvas hebben gehaald, en talloze alternatieve manieren om de ene te schilderen die het wel op de muur heeft gehaald. Het gaat zelfs zo ver te zeggen dat het schilderij er helemaal niet toe doet; dat het enige dat echt telt, het idee is. 

Denk er maar eens over na

Soms is de beste manier om iets gedaan te krijgen, het er niet over na te denken. Gewoon doen, zoals de slogan zegt. Wanneer we stoppen en nadenken over de aard van wat we doen, kan dat ons verlammen, terwijl we ons afvragen of wat we doen de moeite waard is, of enige waarde heeft. Toen de eerste abstracte schilders hun zoektocht begonnen om puur abstracte werken te creëren, was er veel nadenken gaande, en ze zaten vol ideeën. Maar tegelijkertijd stelden sommige kunstenaars vragen over de waarde van die, of andere ideeën.

In 1917 creëerde Marcel Duchamp een kunstwerk met de titel “Fountain.” Het was een urinoir dat ondersteboven was gekeerd en gesigneerd met “R. Mutt.” Duchamp nam een gewoon object en transformeerde het, in dit geval door het ondersteboven te draaien en het uit zijn utilitaire omgeving te verwijderen, waardoor het oorspronkelijke gebruik obsoleet werd en nieuwe mogelijkheden voor betekenis uitnodigde. “Fountain” werd afgewezen door de tentoonstelling waaraan het was ingediend, maar het werd de maatstaf voor wat uiteindelijk bekend zou komen te staan als Conceptuele Kunst, een tendens om de waarde van de ideeën van een kunstenaar boven de waarde van de processen of objecten van de kunstenaar te plaatsen.

Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 in, © Sarah Hinckley

Afbeelding is Niets

Veel van de eerste conceptuele schilderijen waren helemaal geen schilderijen. In 1953 had de kunstenaar Robert Rauschenberg het idee om een schilderij te wissen. Hij was van plan om het daadwerkelijke object te laten verdwijnen, alleen het idee achterlatend, en zo het naar een nieuwe eerbied te verheffen. Hij geloofde dat om de volledige manifestatie van zijn idee te bereiken, iemand anders het object in hoogachting moest houden. Hij moest het werk van een andere schilder wissen, anders zou het gewoon zijn als het ontkennen van iets dat nooit heeft bestaan.

Rauschenberg wendde zich tot zijn vriend Willem de Kooning en vroeg hem om een geliefd schilderij te doneren voor zijn concept. Hoewel de Kooning aanvankelijk weigerde, gaf hij uiteindelijk Rauschenberg een tekening, eentje die hij haatte om te zien verdwijnen en die moeilijk te wissen zou zijn. Rauschenberg ging meer dan een dozijn gummen door in de loop van meer dan een maand en slaagde er uiteindelijk in om het hele beeld te wissen. Het resultaat, genaamd "Erased de Kooning Drawing," stelde vol vertrouwen de opvatting vast dat het idee van een kunstwerk het belangrijkst is, en dat het werk helemaal niet hoeft te bestaan.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Resten van tekenmedia op papier, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation 

Het onzichtbare maken

Het idee van het primaire belang van het idee verspreidde zich snel over de westerse wereld. Kunstenaars begonnen te experimenteren met elke mogelijke manifestatie van een idee, in de overtuiging dat als een idee zich moet manifesteren, het zich op verschillende manieren kan manifesteren. Kunst over een afbeelding van een boom kan zich manifesteren als een foto van een boom, een schilderij van een boom, een tekening van een boom, een abstract schilderij van een boom, de woorden "afbeelding van een boom" geschreven op een oppervlak, een performer die naar een echte boom wijst, een interpretatieve dans die een boom imiteert, of zelfs een kunstenaar die op de vloer zit met gesloten ogen en denkt aan een afbeelding van een boom.

In 1958 hield de kunstenaar Yves Klein een tentoonstelling in Parijs die vaak wordt aangeduid als “De Leegte.” De volledige titel van de tentoonstelling was “De Specialisatie van Gevoeligheid in de Rauwe Materiestaat naar Gestabiliseerde Beeldende Gevoeligheid, De Leegte.” Volgens de legende kwamen meer dan 3000 bezoekers de tentoonstelling bekijken. Bij binnenkomst in de galerie werden de kijkers geconfronteerd met een witte kamer zonder schilderijen, die alleen een lege kast bevatte. Klein zei over de tentoonstelling: “Mijn schilderijen zijn nu onzichtbaar en ik zou ze graag op een duidelijke en positieve manier willen tonen.”

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Olie op papier, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

In 1968 voegde de abstracte schilder Sol LeWitt een andere dimensie toe aan het domein van de conceptuele schilderkunst. Hij theoriseerde dat het niet alleen niet uitmaakt of een idee ooit als een fysiek schilderij tot uiting komt, maar ook niet uitmaakt hoe het geschilderd wordt of wie het schildert. Alles wat telt is het oorspronkelijke idee van de kunstenaar over het schilderij. Als demonstratie van dit concept begon LeWitt met het ontwerpen van muurschilderingen die uitgevoerd konden worden, en meestal ook werden, door andere mensen dan hijzelf.

LeWitt's idee was dat elke individuele hand elke lijn anders zou tekenen, dus hoewel ze vanuit dezelfde plannen zouden werken, zou elke kunstenaar de muurschildering anders tekenen dan de anderen. De eindproducten zouden variëren van het oorspronkelijke ontwerp en van elkaar, maar aangezien het oorspronkelijke ontwerp het enige is dat ertoe doet, is de variatie irrelevant, net als de productiemethoden. De erfenis van LeWitt's idee is dat zijn conceptuele muurschilderingen nog steeds worden gereproduceerd vandaag de dag, na zijn dood.

John Monteith - De Nachtelijke Hemel, 2010, grafiet op handgemaakt papier, 24 x 17,7 in, © John Monteith

De toekomst van ideeën

De hedendaagse conceptuele schilderkunst blijft onze waardering voor de ideeën die de basis vormen van een kunstwerk uitbreiden. Het werk van de hedendaagse Amerikaanse abstracte schilder Debra Ramsay is geworteld in ideeën die fundamenteel zijn voor onze tijd. Haar proces is om de veranderende kleuren van de natuur te volgen, zoals die van seizoensgebonden flora, en vervolgens die kleurveranderingen te analyseren in een computerprogramma. De resulterende gegevens worden gebruikt om een palet te creëren dat verwijst naar de veranderende natuurlijke kleuren. Ze gebruikt dat palet vervolgens om een abstracte weergave te maken van objecten in de ruimte die in de loop van de tijd veranderen.

Ramsay's werk roept twee fundamentele ideeën op die onze huidige cultuur domineren. De eerste is het idee van data, en de notie dat elk aspect van ons leven wordt gemonitord, gedigitaliseerd, berekend en geanalyseerd in een monumentale zoektocht naar begrip. De andere is het idee dat de natuur verandert, en dat we dat nu misschien alleen maar kunnen observeren en op de een of andere manier esthetische schoonheid erin kunnen vinden. Ramsay's ideeën worden prachtig weergegeven in de vorm van abstracte schilderijen, maar het zijn de ideeën zelf die haar werk zo relevant maken voor onze cultuur nu.

Debra Ramsay- Een Jaar van Kleur, Aangepast voor Daglengte, 2014, Acryl op polyesterfilm, 39,8 x 59,8 in.

H7

De Canadese abstracte schilder John Monteith werkt in een aantal verschillende media terwijl hij zoekt naar de meest succesvolle fysieke manifestatie van zijn artistieke concepten. Een gebied dat hij vaak verkent, is dat van tekst. Monteith haalt stukjes tekst uit andere bronnen die hij tegenkomt tijdens het werken, zoals het dagelijkse nieuws of een boek of een gesprek. Vervolgens presenteert hij de tekst uit de context in een galerijomgeving, wat nieuwe conceptuele interpretaties van de ideeën die in de woorden vervat zitten, uitnodigt.

Door gebruik te maken van meerdere mediabronnen voor de tekst die hij in de werken gebruikt, brengen Monteiths tekstgebaseerde tekeningen een hedendaags perspectief op de werken van 1e generatie conceptuele kunstenaars zoals Robert Barry, die ook vaak met tekst werkt. Barrys werk bestaat uit het tonen van stukjes tekst op papier, canvas, muren, vloeren of elk ander oppervlak dat geschikt is voor het idee. Zijn woorden zijn vaak zijn eigen, maar soms zijn ze ontleend aan andere teksten, en ze worden gepresenteerd op een manier die nieuwe associaties en betekenissen uitnodigt. Vaak presenteren deze conceptuele werken veel meer informatie dan een traditioneel schilderij zou kunnen door de deelname van de verbeelding van de kijker te vereisen. 

Materie en betekenis

In 1965, in een baanbrekend werk van conceptuele kunst genaamd One and Three Chairs, presenteerde de conceptuele kunstenaar Joseph Kosuth een echte stoel, een foto van een stoel en een geschreven beschrijving van wat een stoel is. Net als zoveel andere conceptuele werken bracht het de vraag naar voren wat het verschil is tussen ideeën, objecten en abstracties.

We accepteren nu dat een conceptuele schilderij geen schilderij hoeft te zijn, noch dat het in materiële vorm hoeft te bestaan. Maar wanneer het wel bestaat, is dat belangrijk? Maakt het uit dat het hier is, in het fysieke rijk? Is er echt geen verschil tussen het object en het idee? Waarderen we het idee echt meer? Als we hongerig waren, zouden we dan liever een recept, een schilderij van voedsel, of echt voedsel hebben? In praktische termen stelt conceptuele schilderkunst zowel een vraag als een antwoord op een van de belangrijkste vragen van de mensheid: Maakt het uit wat we doen?

Uitgelichte afbeelding: Robert Barry - Untitled (Iets dat nooit een specifiek ding kan zijn), 1969, Typen op papier, 4 x 6 in., © Robert Barry

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.