Vandaag de dag geïnspireerde kunstenaars door Rothko's kleurveld schilderstijl

Stilte is zo nauwkeurig.
Mark Rothko

Wanneer we op zoek gaan naar de hedendaagse erfgenamen van Mark Rothko's iconische colorfieldschilderstijl, kunnen we niet alleen zoeken naar werk dat er vergelijkbaar uitziet. We moeten ook werk nastreven dat op vergelijkbare ideeën is gebaseerd. Het is één ding als hedendaagse colorfieldkunstenaars Rothko's visuele stijl imiteren. Het is iets heel anders als zij Rothko's intenties delen en succesvol overbrengen. Maar hoe weten we wat Rothko's intenties waren? Eenvoudig. Hij heeft het ons verteld.

In 1971 werd de stad Houston, Texas, de ontvanger van een uniek kunstwerk: de Rothko Chapel, een modernistisch, achthoekig gebouw met veertien grootschalige schilderijen van Rothko. In de entree zijn heilige teksten uit verschillende religies ter wereld beschikbaar voor bezoekers. Ze kunnen een boek meenemen naar de ruimte, of niet. Rothko beschouwde het gebouw en de kunst die het bevatte als één enkel werk. De kapel is zijn bepalende prestatie. Ze verduidelijkt Rothko's intentie dat zijn schilderijen niet als doelen op zichzelf worden gezien, maar als middelen waarmee kijkers via kleur toegang kunnen krijgen tot een grotere ervaring.

Met andere woorden: Rothko wilde dat kijkers meer deden dan alleen de rangschikking van kleuren bewonderen: hij wilde dat de ontmoeting met die kleuren een ruimte zou openen voor gevoel, contemplatie en een verhoogd bewustzijn van hun eigen innerlijke ervaring. Zoals hij zelf zei: "Als je alleen wordt geraakt door kleurverhoudingen, mis je het punt."

De tien kunstenaars hieronder zetten die intentie voort. Vijf van hen werken met IdeelArt, en wij kennen hun praktijk door en door vanuit het atelier. Vijf werken buiten ons kunstenaarsbestand. Geen van hen imiteert Rothko. Elk van hen behandelt kleur of licht, in een ander medium, als een doorgang in plaats van een bestemming.

Vijf IdeelArt-kunstenaars die Rothko's intentie delen

Paul Snell

De Australische kunstenaar Paul Snell, die in Launceston, Tasmanië woont en werkt, begint met een foto van een plaats of object en ontdoet die vervolgens digitaal van alles wat herkenbaar is, totdat alleen kleurbanen, ritme en licht overblijven. De voltooide werken zijn chromogene afdrukken op metaalpapier, gemonteerd op plexiglas, en ze gloeien als beschilderde oppervlakken. Snell formuleert zijn doel helder: de kijker onderdompelen in kleur, ritme en ruimte, "waarbij een zintuiglijke ervaring van innerlijke contemplatie en transcendentie ontstaat." Van alle kunstenaars met wie we samenwerken, komen zijn woorden het dichtst bij die van Rothko.

Ontdek het werk van Paul Snell

Anne Katrine Senstad

De Noorse kunstenaar Anne Katrine Senstad, die afwisselend in New York en Oslo woont, werkt met fotografie, video, neon en immersieve installaties. Haar serie Color Kinesthesia, die in 2020 bij Freight + Volume in New York werd getoond, ontstond in dialoog met de kleurveldschilderijen van Rothko. De titel verwijst naar de reactie van het lichaam op kleurtransities, die ze vastlegt door kleurfilmnegatieven te fotograferen. Senstad beschrijft haar werk als een perceptieve en cognitieve reactie op licht, geluid en kleur, eerder dan als een spirituele. Dat onderscheid maakt haar tot een fascinerende erfgenaam: via perceptie in plaats van geloof bereikt ze Rothko's open, innerlijke ruimte. Ze heeft ook samen met James Turrell geëxposeerd in de lichtkunsttentoonstelling Through The Spectrum in de Athr Gallery in Jeddah.

Senstad was ook te zien in de televisieserie Immersive World, in een aflevering over lichtsculptuur waarin haar praktijk naast die van Anthony McCall en Dan Flavin werd gepresenteerd. Deze context breidt het centrale idee van het artikel uit: kleur hoeft niet op een geschilderd oppervlak te blijven om een immersieve ervaring te worden.

Ontdek het werk van Anne Katrine Senstad

Yari Ostovany

De in Iran geboren Amerikaanse schilder Yari Ostovany, die in San Francisco woont en werkt, bouwt rijk gelaagde kleurvelden op via een langdurig proces van pigment toevoegen, uitwassen, wegschrapen en oplossen. Elk schilderij begint met wat hij een gebarende uitbarsting noemt: kalligrafische tekens die hij vervolgens uitwrijft en verdunt totdat ze samensmelten met de onderliggende lagen. Zijn praktijk is geworteld in het abstract expressionisme en de Color Field-schilderkunst, evenals in verschillende mystieke tradities uit Oost en West. Titels als Numinous, Missa in Angustiis (Mis voor moeilijke tijden) of Conference of the Birds maken de bedoeling expliciet. Dit zijn schilderijen die je moet binnengaan, niet slechts bekijken.

Ontdek het werk van Yari Ostovany

Arvid Boecker

De Duitse schilder Arvid Boecker werkt in Heidelberg. Hij begint elk schilderij met een compositie in potlood en bouwt het oppervlak vervolgens op in langzame kleurlagen, die hij gedeeltelijk verwijdert met rakels voor zeefdruk, waardoor de sporen van die erosie zichtbaar blijven. Hij noemt het resultaat een "archeologie van kleur". Net als de gesluierde rechthoeken van Rothko nodigen de lagen van Boecker uit tot langzaam kijken. Hoe langer je bij een oppervlak blijft, hoe verder het oog naar binnen reist, door kleur en licht heen, naar een stil bewustzijn van het verstrijken van de tijd. Lees ons gesprek met hem in Serieus en niet zo serieus: Arvid Boecker in 14 vragen.

Ontdek het werk van Arvid Boecker

Kim Uchiyama

De New Yorkse schilder Kim Uchiyama gebruikt kleur om licht en vorm op te bouwen en het metafysische potentieel van de picturale ruimte te ontsluiten. Ze studeerde bij schilder Nicolas Carone, zelf een leerling van Hans Hofmann, en deelt hun nadruk op kleur als de architectuur van een schilderij. Voordat ze aan een werk begint, wacht ze tot ze een eerste kleur op het lege oppervlak kan 'zien', waarna ze een raster van kleurvormen opbouwt, sommige opaak en andere doorschijnend. Vaak geïnspireerd door het licht van een specifieke plek gebruikt ze kleur om de emotionele essentie ervan over te brengen, in plaats van de verschijningsvorm. Die overdracht, van wat wordt gezien naar wat wordt gevoeld, is precies waar Rothko naar streefde.

Ontdek het werk van Kim Uchiyama

Vijf kunstenaars buiten ons aanbod

Sean Scully

Sean Scully, geboren in Dublin in 1945, is een van de invloedrijkste abstracte schilders die vandaag werken en degene die het vaakst met Rothko wordt vergeleken. Die vergelijking is terecht: in 1999, een jaar nadat hij aan zijn serie Wall of Light was begonnen, schreef hij een essay met de titel Rothko: Bodies of Light. Scully heeft zijn taak omschreven als het opnieuw verbinden van abstractie met de echte wereld, zodat mensen rechtstreeks iets kunnen voelen bij een abstract schilderij. Hij benadrukt ook zijn verschil: in tegenstelling tot Rothko is hij naar eigen zeggen niet passief. Zijn gestapelde kleurstenen zijn opgebouwd, gewogen en tastbaar. In 2026 opende zijn tentoonstelling To Feel bij Thaddaeus Ropac in Salzburg en was zijn volledige Stack-serie te zien in Château La Coste in de Provence.

Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - Permanente collectie van het North Carolina Museum of Art

James Turrell

James Turrell, geboren in Los Angeles in 1943, werkt al zes decennia met licht zelf. Zijn Skyspaces, ruimtes die via een opening in het plafond openstaan voor de hemel, en zijn meeslepende lichtruimtes maken van kleur iets waar je middenin staat. Zijn centrale uitspraak leest als een toelichting bij Rothko: "Mijn werk gaat over jouw zien." Hij groeide op in een quakergezin en woonde stille bijeenkomsten bij, waar gelovigen samen zaten te wachten op innerlijk licht. In juni 2026 opende zijn grootste Skyspace in een museum, As Seen Below, in het ARoS Aarhus Art Museum in Denemarken. Het is zijn 100e Skyspace.

James Turell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain

Mary Corse

Mary Corse, geboren in Berkeley in 1945, is een van de weinige vrouwen die centraal staan in Californië's Light and Space-beweging. In 1968 ontdekte ze glazen microsferen, de kralen die in wegmarkeringen worden gebruikt, en begon ze door haar verf te mengen. Haar schilderijen uit de serie White Light veranderen wanneer de kijker beweegt, omdat het licht zich in het schilderij bevindt en er niet op is afgebeeld. "De kunst bevindt zich niet op de muur, maar in de waarneming van de kijker", heeft ze gezegd. Net als Rothko situeert ze het werk in de ontmoeting. Haar eerste museale overzichtstentoonstelling opende in 2018 in het Whitney Museum of American Art en reisde in 2019 door naar LACMA.

Mary Corse in Pace Gallery - 2025

Olafur Eliasson

Olafur Eliasson, geboren in Kopenhagen in 1967 en opgegroeid tussen Denemarken en IJsland, werkt vanuit een grote studio in Berlijn. Zijn ruimtes met gekleurd licht, mist en reflectie zijn opgebouwd rond een idee dat hij "jezelf voelen terwijl je waarneemt" noemt: een ervaring hebben terwijl je je ervan bewust bent dat je die ervaring hebt. Eliasson erkent dat de uitdrukking veel te danken heeft aan de Light and Space-kunstenaar Robert Irwin, die sprak over jezelf waarnemen terwijl je waarneemt. Rothko vroeg kijkers om een verhoogd bewustzijn van hun eigen innerlijke ervaring; Eliasson maakte dat bewustzijn tot zijn onderwerp. Hij plaatst vaak het woord "your" in zijn titels, als een gebaar van vertrouwen tegenover zijn publiek.

Olafur Eliasson - Uit de tentoonstelling Reality Machines in Tanya Bonakdar Gallery - 2016

Rachel Garrard

De Britse kunstenaar Rachel Garrard, geboren in Devon in 1984 en woonachtig tussen New York en Mexico, maalt haar eigen pigmenten uit rotsen en mineralen die ze tijdens haar reizen verzamelt, waaronder kristalkwarts en as. Ze beschrijft haar praktijk als een reis tussen wetenschappelijk onderzoek en esoterische beoefening, en haar composities worden beïnvloed door meditatie. Haar schilderijen bevatten geen afbeelding en geen vaste betekenis. Ze streven naar een ervaring voorbij de taal, een verbinding tussen de buitenwereld en de innerlijke wereld. Binnen haar generatie behoort ze tot de kunstenaars die het dichtst staan bij Rothko's overtuiging dat een schilderij eerder een drempel dan een object is.

Voorbij het oppervlak

Rothko's late schilderijen vragen om tijd en stilte. Dat geldt ook voor deze tien oeuvres, of ze nu zijn gemaakt met olieverf, aquarel, steenpigment, filmnegatieven, glazen kralen of de hemel zelf. Wat ze verbindt, is geen rechthoek of kleurenpalet, maar een gedeelde overtuiging: dat kleur, wanneer je er voldoende aandacht aan schenkt, ons bij onszelf kan terugbrengen.

Ontdek meer contemplatieve abstractie in onze minimalistische kunstwerken, of lees onze ultieme gids voor Mark Rothko.

Francis Berthomier

Uitgelichte afbeelding: Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (detail)Alle afbeeldingen worden uitsluitend ter illustratie gebruikt