Vroege Abstracte Kunst als de Visuele Belichaming van een Idee

Een van de ironieën van vroege abstracte kunst is dat zoveel mensen het verdacht vonden van willekeur, toeval of zinloosheid. Kijkers die gewend waren alleen objectieve weergaven van de materiële wereld te accepteren, waren verbaasd door een nieuwe generatie kunstenaars die, zoals Wassily Kandinsky het uitdrukte, probeerden “ideeën te uiten die vrije ruimte geven aan de niet-materiële strevingen van de ziel.” We weten nu dat vanaf het begin van de abstracte kunst de beoefenaars allesbehalve willekeurige gebaren maakten. Ze maakten weloverwogen en bewuste esthetische keuzes in een poging de filosofische grondslagen over te brengen waarop de filosofie van de abstractie was gebaseerd.

Vroege Abstracte Kunst versus Het Verleden

Voor de opkomst van de abstractie verwachtte elke redelijke kunstliefhebber dat een goed schilderij ten minste een herkenbaar element uit de echte wereld bevatte. Kijkers konden accepteren dat een kunstenaar stappen zette om herkenbare elementen te abstraheren. Soms konden ze zelfs een bijna geheel onherkenbaar schilderij accepteren, zolang de naam enige aanwijzing gaf over het voorwerp waarvan het was afgeleid. Maar het idee van een puur abstract schilderij, zonder herkenbare relatie tot de zichtbare werkelijkheid, werd als absurd, zo niet ketters beschouwd.

Wassily Kandinsky was de eerste kunstenaar die het idee van pure abstractie volledig omarmde. Hij geloofde dat de fundamentele waarheden en universele ideeën van de mensheid niet ontdekt konden worden door het afbeelden van de materiële wereld. Hij vond dat voorwerpen nutteloos waren voor kunstenaars die de innerlijke diepten van de mens wilden uitdrukken. In 1912 publiceerde Kandinsky zijn baanbrekende boek, “Over het Geestelijke in de Kunst,” waarin hij de filosofie uiteenzette die zijn zoektocht naar een puur abstracte kunst leidde. Daarin schreef hij:

"Vormloze emoties zoals angst, vreugde, verdriet, enz., zullen de kunstenaar niet langer sterk aantrekken. Hij zal trachten subtielere emoties wakker te roepen, nog zonder naam… verheven emoties buiten het bereik van woorden."

Kazimir Malevitsj - Zwart Vierkant, 1915, olie op linnen, 79,5 x 79,5 cm, Tretyakov Galerie, Moskou

De Zoektocht naar Pure Kunstzinnigheid

Terugkijkend op de kunstgeschiedenis geloofde Kandinsky dat eerdere generaties zich vooral richtten op communicatie met zichzelf en het uitdrukken van de persoonlijkheid van hun tijd. Hij vond dat abstracte kunstenaars moesten streven naar het uitdrukken van de essentiële overeenkomsten die elk mens met alle andere mensen deelt, ongeacht tot welke tijd zij behoren. Hij noemde deze overeenkomsten de “innerlijke sympathie van betekenis” van de mensheid.

Kandinsky geloofde dat de bron van deze betekenis de menselijke ziel was, of wat hij de “Innerlijke Noodzaak” noemde. Hij vond dat deze innerlijke noodzaak kon worden uitgedrukt door pure kunstzinnigheid, mits vrij van ego en materialistische zienswijzen. Zoals hij het zei:

“Dat is mooi… wat uit de ziel voortkomt.”

Wassily Kandinsky - Kandinsky’s eerste abstracte aquarel, 1910, aquarel en Indiase inkt en potlood op papier. 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Parijs

Muziek als Voorbeeld

Kandinsky vond dat muziek de kunstvorm was die het beste in staat was “emoties buiten het bereik van woorden” over te brengen. Hij schreef:

"Een schilder… in zijn verlangen zijn innerlijk leven uit te drukken, kan niet anders dan jaloers zijn op het gemak waarmee muziek, de meest niet-materiële van de kunsten vandaag, dit doel bereikt.”

Hij zag dat componisten muziek met succes hadden teruggebracht tot de eenvoudigste onderdelen, waarbij ze ontdekten hoe de afzonderlijke elementen van een compositie de menselijke geest konden beïnvloeden. Hij begon de elementen van schilderkunst op dezelfde manier te ontcijferen, bijvoorbeeld door te proberen het individuele effect van elke kleur op kijkers te bepalen. Kandinsky leende zelfs woorden uit het muziekleer om zijn kijk op abstracte kunst te verduidelijken. Hij noemde schilderijen composities en raadde kunstenaars aan hun composities zorgvuldig op te bouwen door weloverwogen keuzes. Tegelijkertijd riep hij kunstenaars op ruimte te laten voor improvisatie, die hij de “spontane uitdrukking van het innerlijk karakter” noemde. Hij geloofde dat schilders door bewust opgebouwde abstracte werken “grote geestelijke leiders” konden worden en eindelijk konden slagen in het uitdrukken van het volle potentieel van de menselijke geest door middel van kunst.

Wassily Kandinsky - schets voor Compositie II, 1910, 97,5 × 130,5 cm, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Abstracte Kunst versus de Toekomst

In zijn voorwoord bij Kandinsky’s “Over het Geestelijke in de Kunst” schreef de Britse historicus Michael Sadler:“Als (Kandinsky) ooit slaagt in het vinden van een gemeenschappelijke taal van kleur en lijn die op zichzelf staat zoals de taal van klank en maat op zichzelf staat… zal hij door iedereen worden geprezen als een groot vernieuwer, als een voorvechter van de vrijheid van kunst.” Terugkijkend op meer dan een eeuw abstracte kunst zien we dat Kandinsky zijn doel bereikte. Gelukkig zien we ook dat hij de basis legde voor ons en talloze toekomstige generaties om voort te bouwen op zijn filosofie, op zoek naar nieuwe manieren om “verheven emoties buiten het bereik van woorden” uit te drukken.

Kazimir Malevitsj - Suprematisme: Schilderachtige Realiteit van een Voetballer (Kleurmassa’s in de Vierde Dimensie), 1915, olie op doek, 68,5 x 44,5 cm, Art Institute of Chicago, Chicago

Afbeelding: Hilma af Klint - De Zwaan, Nr. 17, Groep IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

Alle afbeeldingen zijn uitsluitend ter illustratie gebruikt