Vroege Abstracte Kunst als de Visuele Belichaming van een Idee

Een van de ironieën van vroege abstracte kunst is dat zoveel mensen het verdachten van willekeurigheid, random of betekenisloosheid. Kijkers die gewend waren alleen objectieve representaties van de materiële wereld te accepteren, waren verbijsterd door een nieuwe generatie kunstenaars die, zoals Wassily Kandinsky het verwoordde, trachtten "ideeën uit te drukken die vrije ruimte geven aan de niet-materiële verlangens van de ziel." We weten nu dat de beoefenaars van abstracte kunst vanaf het begin zich bezighielden met allesbehalve willekeurige gebaren. Ze maakten doordachte en bewuste esthetische keuzes in een poging om de filosofische grondslagen over te brengen waarop de filosofie van abstractie was gebaseerd. 

Vroeg Abstracte Kunst vs. Het Verleden

Voor de opkomst van abstractie verwachtte elke redelijke kunstliefhebber dat een goede schilderij ten minste een herkenbaar element van de echte wereld bezat. Kijkers konden accepteren dat een kunstenaar stappen ondernam om herkenbare elementen te abstraheren. Ze konden zelfs soms een bijna volledig onherkenbaar schilderij accepteren, zolang de naam ervan enige aanwijzing gaf over het object waaruit het was geabstraheerd. Maar het idee van een puur abstract schilderij, eentje zonder herkenbare correlatie met de visuele werkelijkheid, werd als absurd beschouwd, zo niet als ketters.

Wassily Kandinsky was de eerste kunstenaar die het idee van pure abstractie volledig omarmde. Hij geloofde dat de fundamentele waarheden van de mensheid en universele ideeën niet konden worden ontdekt door de representatie van de materiële wereld. Hij geloofde dat objecten nutteloos waren voor kunstenaars die de innerlijke diepten van de mensheid wilden uitdrukken. In 1912 publiceerde Kandinsky zijn baanbrekende boek, "Over het Spirituele in de Kunst," waarin hij de filosofie uiteenzette die zijn zoektocht naar een puur abstracte kunst leidde. Hierin schreef hij:

"Vormeloze emoties zoals angst, vreugde, verdriet, enz., zullen de kunstenaar niet langer sterk aantrekken. Hij zal trachten subtielere emoties te wekken, die nog niet benoemd zijn... verheven emoties die buiten het bereik van woorden liggen."

Kazimir Malevich - Zwarte Vierkant, 1915, olie op linnen, 79,5 x 79,5 cm, Tretyakov Gallery, Moskou

De zoektocht naar pure kunstzinnigheid

Als we terugkijken op de kunstgeschiedenis, geloofde Kandinsky dat eerdere generaties zich voornamelijk hadden gericht op het communiceren met zichzelf en het uitdrukken van de persoonlijkheid van hun tijd. Hij geloofde dat abstracte kunstenaars moesten proberen de essentiële overeenkomsten uit te drukken die elk mens heeft met alle andere mensen, ongeacht tot welke tijdperk ze behoren. Hij noemde deze overeenkomsten de "innerlijke sympathie van betekenis" van de mensheid.

Kandinsky geloofde dat de bron van deze betekenis de menselijke ziel was, of wat hij de "Innerlijke Behoefte" noemde. Hij vond dat de innerlijke behoefte kon worden uitgedrukt door pure kunstzinnigheid, zolang het vrij was van ego en materialistische standpunten. Zoals hij het verwoordde:

“Dat is mooi… wat uit de ziel voortkomt.”

Wassily Kandinsky - Kandinsky's eerste abstracte aquarel, 1910, Aquarel en Indische inkt en potlood op papier. 19,5 × 25,5 in (49,6 × 64,8 cm) Centre Georges Pompidou, Parijs

Muziek als model

Kandinsky geloofde dat muziek de kunstvorm was die het beste in staat was om "emoties buiten het bereik van woorden" over te brengen. Hij schreef:

"Een schilder…in zijn verlangen om zijn innerlijke leven uit te drukken, kan niet anders dan de eenvoud benijden waarmee muziek, de meest immateriële van de kunsten vandaag, dit doel bereikt."

Hij erkende dat componisten erin geslaagd waren muziek te deconstrueren tot de eenvoudigste delen, waarbij ze identificeerden hoe de individuele elementen van een compositie de menselijke geest konden beïnvloeden. Hij begon de elementen van schilderkunst op dezelfde manier te ontcijferen, bijvoorbeeld door te proberen het individuele effect van elke kleur op kijkers te definiëren. Kandinsky leende zelfs woorden uit de lexicon van de muziek om zijn visie op abstracte kunst uit te leggen. Hij noemde schilderijen composities en raadde kunstenaars aan hun composities zorgvuldig te construeren door weloverwogen keuzes. Tegelijkertijd riep hij kunstenaars op om ruimte in hun composities te laten voor improvisatie, wat hij de "spontane uitdrukking van innerlijk karakter" noemde. Hij geloofde dat schilders door bewust geconstrueerd abstract werk "grote spirituele leiders" konden worden en eindelijk konden slagen in het uitdrukken van het volle potentieel van de menselijke geest door middel van kunst.

Wassily Kandinsky - schets voor Compositie II, 1910, 38.4 × 51.4 in (97.5 × 130.5 cm), Het Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Abstracte Kunst vs. de Toekomst

In zijn voorwoord bij Kandinsky's "Over het Spirituele in de Kunst" schreef de Britse historicus Michael Sadler:“Als (Kandinsky) er ooit in slaagt een gemeenschappelijke taal van kleur en lijn te vinden die op zichzelf staat zoals de taal van geluid en ritme op zichzelf staat… zal hij aan alle kanten worden verwelkomd als een grote innovator, als een kampioen van de vrijheid van kunst.” Terugkijkend op meer dan een eeuw abstracte kunst, zien we dat Kandinsky zijn doel heeft bereikt. Dankbaar zien we ook dat hij de basis heeft gelegd voor ons en ontelbare toekomstige generaties om voort te bouwen op zijn filosofie, op zoek naar nieuwe manieren om “verheven emoties die buiten het bereik van woorden liggen” uit te drukken.

Kazimir Malevich - Suprematisme: Schilderachtige Realisme van een Voetballer (Kleurmassa's in de Vierde Dimensie), 1915, Olieverf op doek, 27 x 17 1/2 in, Art Institute of Chicago, Chicago

Uitgelichte afbeelding: Hilma af Klint - De Zwaan, Nr. 17, Groep IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.