De Meest Beroemde Schilderijen van Pablo Picasso (En Enkele Abstracte Erfgenamen)

Het is geen eenvoudige taak om de beroemdste schilderijen van Pablo Picasso te kwantificeren. Pablo Picasso (ook bekend onder zijn volledige doopnaam, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) staat in het Guinness Book of World Records vermeld als de productiefste professionele schilder uit de geschiedenis. Tussen zijn eerste kunstlessen op zevenjarige leeftijd en zijn dood op 91-jarige leeftijd maakte hij tussen de 1.300 en 1.900 schilderijen. Het opmerkelijkste is echter niet het aantal schilderijen van Picasso, maar hoeveel ervan als meesterwerken worden beschouwd. In het besef dat geen enkele ranglijst van de beste werken van Picasso onomstreden kan zijn, omvat onze bescheiden poging beroemde werken uit elk van zijn vele fasen, waarmee het geheel van zijn indrukwekkende carrière wordt belicht.

En we besloten een vleugje complexiteit aan de taak toe te voegen: Picasso was voor het grootste deel een figuratief schilder. Hij schilderde mensen, stieren, gitaren en oorlogen. Toch legden zijn radicale vernieuwingen de directe basis voor de abstracte kunst die daarop volgde. In dit artikel onderzoeken we deze verwantschap door elk van zijn iconische meesterwerken te koppelen aan een "Hedendaagse echo", een abstracte kunstenaar uit het IdeelArt-portfolio wiens werk weerklank vindt in de specifieke geest, techniek, compositie of emotionele lading van Picasso's origineel. Hoewel het verbinden van een portret van een tiener uit 1905 met een abstract schilderij uit 2026 eerder een oefening in interpretatie dan in directe opvolging is, geloven we dat deze combinaties een fascinerende dialoog onthullen tussen de geschiedenis van de moderne kunst en haar levende, ademende toekomst.

De blauwe periode (1901 - 1904) 

Dit tijdperk is zo genoemd vanwege de blauwe tinten die in zoveel schilderijen van Picasso uit die tijd overheersen. Picasso schreef zijn keuze om uitsluitend in blauwtinten te schilderen zelf toe aan de depressie die hij voelde na de dood van zijn vriend Carlos Casagemas, die zichzelf in een café in Parijs door het hoofd schoot. Een van de meest geliefde werken uit deze periode is De oude gitarist (1903). Het toont een oudere, uitgemergelde man in gescheurde kleding, voorovergebogen over zijn gitaar op de straten van Barcelona.

Pablo Picasso - The Old Guitarist, 1903. The Art Institute of Chicago. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dit schilderij is meer dan een portret van armoede; het is een diepgaande bespiegeling over de troost die kunst biedt. De langgerekte ledematen en hoekige houding van de figuur onthullen Picasso's diepgaande studie van de Spaanse meester El Greco en verbinden modern lijden met de kunsthistorische traditie. De gitaar, het enige element in het schilderij dat enigszins afwijkt van het alomtegenwoordige blauw, symboliseert kunst als reddingslijn, een bron van warmte en overleving in een koude wereld.

Picasso was geen abstracte kunstenaar, maar zijn blauwe periode steunt op een principe dat de abstractie definieert: dat kleur zelf een emotie is. Hij gebruikte blauw om een sfeer van stilte en introspectie te creëren.

Vandaag voert de Schotse kunstenaar Eric Cruikshank die logica tot haar uiterste consequentie door. Waar Picasso op de figuur van de bedelaar vertrouwde om verdriet uit te drukken, vraagt Cruikshank zich af of kleur alleen voldoende is om het gewicht van die emotie te dragen. Met een rigoureus, subtractief proces om zijn eigen penseelstreken te verwijderen, creëert Cruikshank "sluiers" van atmosferische kleur die, net als Picasso's blauw, de ongrijpbare herinnering aan een gevoel vastleggen in plaats van een letterlijk beeld van de wereld. Hij bewijst dat je geen gitaar nodig hebt om een lied te schilderen.

Eric Cruikshank - P076, 2024

De roze (roze) periode (1904 – 1906) 

In 1904 werd Picasso verliefd op Fernande Olivier en veranderde hij de richting van zijn stijl op twee ingrijpende manieren. Ten eerste stopte hij, in een overgang van verdriet naar romantiek, met schilderen in blauwe tinten en stapte hij over op roze, oranje en aardetinten. Ten tweede maakte hij de overgang van nauwgezette weergaven van het menselijk lichaam naar meer gestileerde menselijke afbeeldingen. Het beroemdste voorbeeld uit deze periode is Jongen met een pijp.

Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Jongen met een pijp), 1905. Helen Birch Bartlett Memorial Collection. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Het onderwerp is "P’tit Louis", een lokale tiener en zwerver die regelmatig Picasso’s atelier in Montmartre bezocht. Hoewel het schilderij een gevoel van melancholie behoudt, wijzen de rozenkrans en de bloemrijke achtergrond op een vertrek uit de wanhoop van de Blauwe periode. De blik van de jongen is afwezig, bijna mystiek, en de pijp die hij vasthoudt en vreemd in zijn hand is geplaatst, fungeert als symbool van het bohemienleven en introspectie. Dit werk markeert een cruciaal moment waarop Picasso stemming en lyriek boven strikt realisme begint te stellen, en zo een beeld van adolescente kwetsbaarheid creëert dat zowel tijdloos als beklemmend is.

Tijdens zijn Roze periode ging Picasso verder dan eenvoudige representatie om een stemming vast te leggen - een gevoel van kwetsbaarheid en poëzie dat bestond tussen het onderwerp en de toeschouwer.

Vandaag de dag streeft de in Parijs gevestigde kunstenaar Macha Poynder via abstractie een vergelijkbare poëtische ambitie na. Beïnvloed door de filosofie dat "kleuren klanken zijn", bouwt ze composities op die functioneren als visuele akkoorden. Net zoals Picasso de roze kleur gebruikte om de emotionele toonaard van zijn werk te verschuiven van wanhoop naar kwetsbare warmte, gebruikt Poynder gelaagde kleurwassingen en lyrische, kalligrafische lijnen om "vensters waar het zichtbare en onzichtbare elkaar raken" te creëren. Haar werk bewijst dat het "poëtische" in kunst niet om het onderwerp draait, maar om de resonantie van het oppervlak zelf.

Macha Poynder  - We are all Phoenixes, even if we don't know it - 2020

Afrikaanse periode (1907 – 1909) 

Beïnvloed door Iberische sculpturen en Afrikaanse maskers maakte Picasso zich volledig los van het traditionele perspectief. Tegelijkertijd raakte hij geïnspireerd door de vlakheid van de latere werken van Paul Cézanne, die in 1906 overleed. Tijdens deze periode van snelle experimenten beperkte Picasso de beeldtaal van zijn schilderijen aanzienlijk en neigde hij steeds meer naar abstractie. Het belangrijkste schilderij uit deze periode is Les Demoiselles d'Avignon, dat als proto-kubistisch wordt beschouwd omdat het alle essentiële elementen bevat die deze stijl uiteindelijk zouden definiëren.

Het schilderij toont vijf naakte vrouwen in een bordeel, hun lichamen gefragmenteerd in scherpe, grillige vlakken die door de ruimte waarin ze zich bevinden lijken te snijden. 

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dit was niet zomaar een nieuwe stijl; het was een daad van agressie tegen de "welgemanierde" kunst uit het verleden. De twee figuren rechts hebben maskerachtige gezichten die angstaanjagend vreemd zijn voor de westerse schoonheidscanon. Door de figuur met de achtergrond te laten versmelten en meerdere standpunten tegelijk te tonen, schilderde Picasso niet zomaar een scène, maar ontmantelde hij de manier waarop we de werkelijkheid zien. Deze radicale deconstructie legde de directe basis voor het kubisme.

De Amerikaanse schilder Susan Cantrick is een hedendaagse erfgenaam van deze intellectuele traditie. Haar werk maakt gebruik van wat critici "de werkwijze van een kubist die de ruimte ontleedt en opnieuw creëert" hebben genoemd. Net als Picasso combineert ze scherp omlijnde architectonische structuren met vloeiende, gebarende penseelstreken, waardoor een "hybride" beeldtaal ontstaat. Maar waar Picasso het menselijk lichaam versplinterde, versplintert Cantrick de waarneming zelf en breekt ze het doek op in "digitale en analoge" lagen om de complexe, gefragmenteerde manier te onthullen waarop we in de moderne wereld informatie verwerken.

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©the artist

Kubisme & Collage (1908 – 1912) 

Naast het uitvinden van Het kubisme, dat de renaissancetraditie van perspectief met één verdwijnpunt verbrijzelde, Picasso en zijn tijdgenoot Georges Braque begon tegelijkertijd te experimenteren met het toevoegen van "puin uit de echte wereld" aan hun doeken. Deze stap daagde de definitie van wat een schilderij kon zijn fundamenteel uit. Een van de beroemdste werken uit deze periode is Still Life with Chair Caning (1912). 

Pablo Picasso - Still Life with Chair Caning, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dit kleine, ovaalvormige werk wordt algemeen beschouwd als de eerste collage van de beeldende kunst. Picasso plakte een stuk oliedoek met een rietpatroon rechtstreeks op het doek en omlijstte het met een stuk touw. Door massaal geproduceerde, industriële materialen te verwerken in een compositie van de "hoge kunst", vervaagde Picasso de grens tussen kunst en object, werkelijkheid en illusie. Het was een conceptuele sprong die de deur opende voor alles van het dadaïsme tot de popart en bewees dat materialen van de straat thuishoorden in het museum.

Picasso's introductie van touw en oliedoek bewees dat schilderkunst niet vlak hoefde te zijn. Het kon een fysieke constructie zijn, gemaakt van de wereld zelf.

De Britse kunstenaar Anthony Frost zet deze erfenis voort met viscerale energie. In plaats van illusies van textuur te schilderen, bouwt hij zijn oppervlakken op met de ruwe materialen uit zijn kustomgeving - zeildoek, fruitnetten, jute en puimsteen. Net zoals Picasso touw gebruikte om zijn compositie te omlijsten, gebruikt Frost industriële netten en rubber om reliëfachtige lagen te creëren die uit het doek steken. Zijn werk is een directe afstammeling van de collage-revolutie: een herinnering dat kunst niet alleen een afbeelding is om naar te kijken, maar een fysiek object om te ervaren.

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©de kunstenaar

Neoclassicisme (1918 - 1928) 

In 1918, kort voor het einde van de Eerste Wereldoorlog, trouwde Picasso met zijn eerste vrouw, Olga Khokhlova, een ballerina bij de Ballets Russes. In het naoorlogse tijdperk keerde de kunst in heel Europa terug naar de "Orde", en Picasso volgde deze ontwikkeling door tijdelijk afstand te nemen van de fragmentatie van het kubisme en over te stappen op een monumentale, sculpturale stijl, geïnspireerd door de Franse meester Ingres.

Een perfect voorbeeld is Portret van Olga in een fauteuil (1918).

Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Portret van Olga in een fauteuil), 1918. Musée Picasso Paris, Parijs, Frankrijk. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dit schilderij is een meesterclass in spanning. Picasso geeft Olga's gezicht een fotografische, porseleinachtige precisie en houdt zich aan strikte klassieke regels. De rest van het doek laat hij echter bewust in een staat van "non-finito" (onafgewerkt). De fauteuil is een vlak grafisch patroon en de jurk lost op in een ruwe, lineaire schets tegen de lege achtergrond. Door extreem realisme tegenover het kale doek te plaatsen, stelt Picasso dat een schilderij geen venster op de werkelijkheid is, maar een geconstrueerd oppervlak waarop het afgewerkte en het onafgewerkte naast elkaar kunnen bestaan.

In dit portret liet Picasso zien dat lege ruimte niet "niets" is: het is een actief ontwerpelement. Hij gebruikte de onbewerkte lijn om het volume van de jurk te definiëren zonder die in te vullen.

De Franse kunstenaar Marie de Lignerolle baseert haar praktijk op precies dit principe. Haar werk onderzoekt de concepten van "tegenvorm" en de "leegte", waarbij lege ruimte wordt behandeld als een "aanwezigheid binnen afwezigheid". Net als Picasso’s behandeling van Olga’s jurk gebruikt de Lignerolle de lijn als primair structureel hulpmiddel, waardoor het wit van het papier evenveel gewicht krijgt als de kleur. Ze bewijst dat in de kunst wat je weglaat vaak net zo belangrijk is als wat je toevoegt.

Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©de kunstenaar

Surrealisme (1928 - 1948) 

Aan het einde van de jaren 20 en het begin van de jaren 30 begon Picasso, beïnvloed door de surrealistische beweging en zijn hartstochtelijke verhouding met Marie-Thérèse Walter, de menselijke figuur op radicaal nieuwe manieren te vervormen. Deze periode bracht enkele van zijn meest sensuele en psychologisch geladen werken voort.

Twee belangrijke voorbeelden uit deze periode zijn Figuren aan zee (1931) en De droom (1932) (zie de headerafbeelding).

Pablo Picasso - Figuren aan zee, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

In Figuren aan zee worden twee figuren die elkaar innig kussen gereduceerd tot gladde, biomorfe vormen die meer weg hebben van verweerde stenen of botten dan van menselijke anatomie. Het is een groteske maar tedere verbeelding van verlangen, waarbij het letterlijke wordt weggelaten om een psychologische waarheid bloot te leggen. Ook De droom toont Marie-Thérèse in een staat van erotische mijmering, met een fallisch profiel dat haar gezicht doorsnijdt en een lichaam dat is weergegeven in zachte, golvende lijnen die de vloeibaarheid van het onderbewustzijn weerspiegelen. Samen tonen deze werken Picasso’s meesterschap in biomorfisme: hij verandert het lichaam in een landschap van vreemde, zachte vormen om de verborgen wereld van dromen en verlangen uit te drukken.

Picasso gebruikte deze surrealistische, organische vormen om te laten zien hoe het onderbewustzijn de werkelijkheid vervormt en het menselijk lichaam in iets vloeibaars en cellulairs verandert.

De hedendaagse kunstenaar Daniela Marin onderzoekt ditzelfde "innerlijke landschap". Haar schilderijen bruisen van "levendige, protozoïsche vormen" en zich herhalende vormen die de organische, biologische rondingen van Picasso's surrealistische figuren weerspiegelen. Door spanning met natuurlijke harmonie in balans te brengen, suggereert Marin een wereld waarin microscopisch leven en menselijke emoties met elkaar verweven zijn, waarmee ze de surrealistische traditie voortzet om naar binnen te kijken en daar de vormen van de natuur te vinden. 

Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©de kunstenaar

Guernica (1937) 

Van 1936 tot 1939 verkeerde Spanje in een burgeroorlog tussen nationalistische en republikeinse troepen. De nationalisten waren verbonden met fascistische machten in Duitsland en Italië. In het voorjaar van 1937 bombardeerden Duitse en Italiaanse vliegtuigen op verzoek van de Spaanse nationalisten het Baskische dorp Guernica. Dit was de eerste keer dat een moderne luchtmacht een ongewapende burgerbevolking aanviel. Eerder dat jaar hadden de Spaanse republikeinen Picasso opdracht gegeven een muurschildering te maken voor de Wereldtentoonstelling van 1937 in Parijs. Het werk dat Picasso voor de tentoonstelling maakte, was een reactie op het bombardement: het was Guernica.

Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Guernica wordt algemeen beschouwd als Picasso's meesterwerk en toont een nachtmerrieachtige scène van verwrongen lichamen en schreeuwende dieren te midden van stedelijke ruïnes. Esthetisch gezien combineert het de fragmentatie van het kubisme met de nachtmerrielogica van het surrealisme. Door zijn palet te beperken tot hard zwart, wit en grijs riep Picasso de rauwe directheid van krantenfotografie op, waardoor de grens tussen beeldende kunst en journalistiek vervaagde. Het blijft de ultieme antioorlogsverklaring, een bewijs dat kunst een wapen tegen wreedheid kan zijn.

Picasso schilderde Guernica om ervoor te zorgen dat de wereld niet kon wegkijken van een bloedbad. Hij bewees dat de kunstenaar een morele plicht heeft om getuige te zijn van verwoesting.

De Duitse kunstenaar Reiner Heidorn zet deze traditie van 'visueel getuigen' voort in de 21e eeuw, maar zijn focus verschuift van de verwoesting van oorlog naar de verwoesting van de planeet. Met zijn kenmerkende 'Dissolutio'-techniek creëert Heidorn massieve, meeslepende olieverfschilderijen die klimaatverandering en de vervagende relatie tussen de mensheid en de natuur aan de orde stellen. Net zoals Picasso het formaat van de muurschildering gebruikte om de kijker te confronteren met het geweld van zijn tijd, gebruikt Heidorn schaal en intense, oplossende texturen om ons te confronteren met het 'ecologische geweld' van onze tijd, en eist hij dat we niet wegkijken van het verdwijnen van de natuurlijke wereld.

Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©de kunstenaar

Na de Tweede Wereldoorlog

Tot aan zijn dood in 1973 bleef Picasso kunst maken, waarbij hij vaak terugkeerde naar de methoden en stijlen die hij eerder in zijn leven had verkend. Na de Tweede Wereldoorlog verhuisde Picasso naar Zuid-Frankrijk en begon hij aan zijn laatste, productieve fase. Hij was de beroemdste nog levende kunstenaar ter wereld geworden en kreeg opdrachten voor alles, van grootschalige openbare werken tot alledaagse huishoudelijke artikelen. In 1953 ontmoette hij de vrouw die zijn tweede echtgenote zou worden, Jacqueline Roque. Picasso was toen 72; Jacqueline was 27. Hij schilderde haar vaker dan welke andere vrouw in zijn leven ook: meer dan 400 keer in slechts 20 jaar. Een opvallend voorbeeld van deze obsessie is Jacqueline with Flowers (1954).

Pablo Picasso - Jacqueline with Flowers, 1954. Musée Picasso, Paris, France. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

In dit portret laat Picasso de zachte rondingen van zijn eerdere minnaressen achter zich voor een rigide, hiëratische stijl. Jacqueline is afgebeeld met een lange nek en grote, starende ogen (haar kenmerkende eigenschap), waardoor ze doet denken aan een moderne sfinx. De verf is aangebracht met een nieuw gevoel voor urgentie en snelheid, als voorbode van de rauwe, 'onontwikkelde' stijl van zijn laatste jaren. Destijds deden critici deze late werken af als de krabbels van een seniele oude man; tegenwoordig worden ze erkend als voorlopers van het neo-expressionisme en geprezen om hun felheid en vrijheid.

In zijn portretten van Jacqueline stopte Picasso met zijn streven naar 'perfectie'. Hij schilderde met een rauwe, grafische snelheid en gaf de onmiddellijke impact van het beeld voorrang boven verfijnde techniek.

De hedendaagse kunstenaar Tommaso Fattovich kanaliseert dezelfde uitzinnige energie. Hoewel zijn composities volledig abstract zijn, delen zijn werken uit de serie "Abstract Punk" de structurele dichtheid en grafische kracht van Picasso's late portretten. Fattovich bouwt zijn beelden snel op, laag na laag, en creëert zo een centrale "aanwezigheid" op het doek die door haar gewicht bijna figuratief aanvoelt. Net als Picasso's obsessieve herhaling van Jacquelines gezicht wordt Fattovichs werk gedreven door een dwangmatige behoefte om het doek te markeren, wat resulteert in kunst die minder als een afbeelding en meer als een plotselinge, onmiskenbare gebeurtenis aanvoelt.

Tommaso Fattovich - Wilde aardbei - 2025 - ©de kunstenaar

Een nalatenschap zonder einde

Picasso zei ooit: "Kunst is niet de toepassing van een schoonheidsideaal, maar wat het instinct en het brein zich voorbij elk schoonheidsideaal kunnen voorstellen." Deze niet-aflatende drang om verder te gaan, de figuur uiteen te laten vallen, het perspectief te ontmantelen en het onbewuste te schilderen, is zijn ware nalatenschap. Daar kwam geen einde aan met zijn dood in 1973. Ze verspreidde zich en ontwikkelde zich tot nieuwe vormen en nieuwe vragen.

De hedendaagse kunstenaars die naast deze meesterwerken worden uitgelicht, van de sfeervolle monochromen van Eric Cruikshank tot de punkenergie van Tommaso Fattovich, zijn het bewijs van deze levende traditie. Ze herinneren ons eraan dat de kunstgeschiedenis geen reeks afgesloten hoofdstukken is, maar een voortdurend, onbegrensd gesprek. Of het nu gaat om de stilte van één kleur of de chaos van een verwoest oppervlak, de vernieuwingsdrang die Picasso's eeuw bepaalde, leeft ook in de onze voort.

Door Phillip Barcio (2016) Bewerkt door Francis Berthomier (2026).

Uitgelichte afbeelding: Pablo Picasso - Le Rêve (De droom), 1932. Olieverf op doek. 130 cm × 97 cm. Privécollectie. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle afbeeldingen zijn uitsluitend ter illustratie

Gerelateerde kunstwerken