Claude Viallat: De ultieme gids voor kleur, herhaling en schilderen zonder lijst
Claude Viallat heeft zes decennia lang een vorm herhaald die weigert ons te vertellen wat ze is. Ze doet denken aan een knokkelbotje, een boon of een klein stukje spons en is onmiddellijk herkenbaar zonder een afbeelding van een identificeerbaar onderwerp te zijn. Op ongespannen doek, industriële dekzeilen, gordijnen en teruggewonnen textiel is deze bescheiden vorm het ordenende principe geworden van een omvangrijk onderzoek: wat kan schilderkunst doen wanneer ze ophoudt de wereld te beschrijven en haar eigen materialen begint bloot te leggen?
De schijnbare eenvoud is bedrieglijk. Viallat bedacht niet slechts een motief en maakte er zijn signatuur van. Hij veranderde de relatie tussen verf en doek, tussen een schilderij en zijn omgeving, en tussen de beslissing van een kunstenaar en de toevalligheden van het maakproces. Zijn werk kan uitbundig kleurrijk zijn en tegelijkertijd materieel radicaal blijven. Het kan decoratie oproepen en tegelijk de grens tussen ornament en kunst ter discussie stellen. Bovenal toont het aan dat iets herhalen niet noodzakelijk het tegenovergestelde is van iets ontdekken.
Als medeoprichter en belangrijke figuur van Supports/Surfaces behoort Viallat tot de belangrijkste nog levende abstracte schilders in Frankrijk en neemt hij een essentiële plaats in binnen de naoorlogse Franse schilderkunst. Toch overstijgt zijn oeuvre de geschiedenis van die beweging. De voortdurende variatie in zijn werk, waaronder tentoonstellingen ter gelegenheid van de zestigste verjaardag van het motief in 2026, vormt een overtuigend argument om verder te kijken dan het bekende etiket. Deze gids onderzoekt zijn ontwikkeling, de logica van zijn herhaalde vorm, het materiële leven van zijn schilderijen, zijn objecten en tentoonstellingen, en de vragen die verzamelaars zouden moeten stellen.
Claude Viallat: Korte feiten
- Geboren: 1936, Nîmes, Frankrijk.
- Gevestigd in: Nîmes.
- Opleiding: École des Beaux-Arts, Montpellier, 1955–1959; École des Beaux-Arts, Parijs, 1962–1963.
- Onderwijs: directeur van de École des Beaux-Arts de Nîmes vanaf 1979; later docent aan de École des Beaux-Arts in Parijs, vanaf 1991.
- Historische associatie: medeoprichter en belangrijke figuur van Supports/Surfaces.
- Kenmerkend motief: een onregelmatige, niet-representatieve vorm die voor het eerst werd ontwikkeld in de zomer van 1966.
- Belangrijkste materialen: verf op ongespannen canvas, dekzeilen en hergebruikte textielsoorten; ook touwen, netten, hout en andere objecten.
- Belangrijke internationale mijlpaal: Frans paviljoen, 43e Biënnale van Venetië, 1988.
- Geselecteerde openbare collecties: Centre Pompidou, Carré d'Art in Nîmes, Musée Fabre in Montpellier en het Museum of Modern Art in New York.
- Recente mijlpalen: de tentoonstelling Et pourtant si… van Carré d'Art in 2023–2024; tentoonstellingen ter gelegenheid van zestig jaar van het motief in 2026.
Claude Viallat, Parasol. Een meesterwerk van het gevonden doek. De parasol levert de architectuur, de vorm het ritme, en daartussen verschijnt een bloem die niemand heeft geschilderd. Viallat zou zeggen dat er geen bloem is, alleen een schilderij. Hij heeft gelijk, maar de bloem bloeit toch. © Claude Viallat
1. Vorming: van Nîmes naar de ontdekking van de vorm
Opleiding en de vraag wat een schilderij is
Viallat werd in 1936 geboren in Nîmes. Zijn formele opleiding bracht hem eerst naar Montpellier en vervolgens naar Parijs, waar hij begin jaren zestig studeerde. De biografie van Ceysson & Bénétière noemt zijn kennismaking met kunstenaars als Michel Parmentier en zijn belangstelling voor het Amerikaanse abstract expressionisme, in het bijzonder Jackson Pollock, als belangrijke elementen van deze vorming.
Pollock bood meer dan een vocabulaire van gebaren. Zijn praktijk suggereerde dat schilderkunst kon worden begrepen vanuit de handeling van het maken en de organisatie van een heel beeldvlak, in plaats van vanuit een afgebeelde scène. Voor Viallat zou de reactie echter niet bestaan uit het reproduceren van Pollocks drippings. Het zou erom gaan de middelen om een geschilderd beeld te maken te beperken en te onderzoeken welke variatie nog mogelijk bleef.
Dit onderscheid is belangrijk. Viallat's herhaalde vorm is geen heroïsche penseelstreek die bij elke beweging de persoonlijkheid van de schilder verkondigt. Ze creëert een terugkerende eenheid waartegen verschillen zichtbaar worden. Het gebaar blijft bestaan, maar wordt verdeeld over plaatsing, kleur, druk en de fysieke reactie van de drager.
De zomer van 1966: een toevallige vorm wordt een werkprincipe
De zomer van 1966 is de beslissende datum in Viallat's praktijk. In een essay bij de tentoonstelling van Ceysson & Bénétière uit 2026, His Form Is Sixty Years Old, vertelt Bernard Ceysson over de zoektocht van de kunstenaar naar een vereenvoudigde methode om kleur aan te brengen. Het verhaal brengt die zoektocht in verband met de decoratie van binnenmuren in Aubais, waar herhaalde motieven met een spons, doek of patroonroller op witgekalkte muren konden worden aangebracht.
Volgens het verhaal experimenteerde Viallat met een stuk polyurethaanschuim dat aanvankelijk ongeveer de vorm van een palet had. Nadat het in een sterke bleekoplossing was achtergelaten, viel het schuim uit elkaar. Hij behield het grootste overgebleven fragment en nam de ontstane omtrek over als zijn terugkerende vorm. Het verhaal plaatst het toeval aan de basis van een praktijk die vaak ten onrechte wordt gezien als strikt systematische beheersing.
Claude Viallat, CF 2.6.13, 1966. De herhaalde vorm is al aanwezig, maar heeft haar definitieve vorm nog niet bereikt. © Claude Viallat.
Het kan het best worden begrepen als een gedocumenteerd verslag van het ontstaan van het motief, niet als een vrijbrief om elk daaropvolgend werk aan de hand van één anekdote te verklaren. De beslissende artistieke daad was niet simpelweg het aanvaarden van een toevallige vorm. Het was de keuze om decennialang met die vorm te werken en te ontdekken hoeveel eromheen kon veranderen.
2. Het motief: herhaling als methode van ontdekking
Wat stelt de vorm van Viallat voor?
Beschrijvingen van het motief zijn er in overvloed: handwortelbeentje, boon, spons, organisch fragment. Het zijn nuttige visuele vergelijkingen, maar geen ervan levert een definitief onderwerp. De kracht ervan schuilt deels in die onzekerheid. De vorm is noch een geometrisch neutraal vierkant, noch een beeld dat zich tot een vaststaand verhaal voegt.
Detail van een gele stof: één vorm, herhaald, nooit helemaal twee keer hetzelfde. © Claude Viallat
Door het een boon te noemen, zeggen we iets over ons verlangen om vertrouwde objecten te herkennen. Daarmee is nog niet alles gezegd over wat de vorm in een schilderij doet. Viallat gebruikt het herhaalde teken om intervallen te creëren, ritmes vast te leggen, kleur te dragen en te interageren met wat al in het textiel aanwezig is. De functie ervan is relationeel voordat ze symbolisch is.
Waarom dezelfde vorm behouden?
Door één element vast te leggen, neemt het belang van andere elementen toe. Als de schilder niet voor elk doek een nieuwe figuur hoeft te bedenken, kan de aandacht verschuiven naar de dichtheid van de kleur, de afstand tussen de tekens, de weerstand van het doek en de verhouding tussen beschilderde en onbeschilderde vlakken.
De herhaling staat niet gelijk aan mechanische duplicatie. Ceyssons essay uit 2026 maakt onderscheid tussen massieve en uitgeholde sjablonen en benadrukt dat geen enkele verschijning precies hetzelfde is. Een terugkerende omtrek kan gevulde vormen, contouren of interacties met bestaande patronen opleveren. De methode schept continuïteit zonder uniformiteit te eisen.
In het trappenhuis van het Hôtel des Arts TPM vermenigvuldigt een opgehangen gele banier dezelfde vorm van boven naar beneden. © IdeelArt
Daarom mag het motief niet worden afgedaan als branding, ook al maakt het het werk herkenbaar. Herkenning is slechts het begin. De interessantere vraag is wat deze specifieke verschijning ons laat zien wat een andere niet deed.
Hoe de vorm evolueert
De vorm blijft hetzelfde, maar de manier waarop die wordt ingezet verandert. In de jaren 1960 staat het gestencilde teken ver uit elkaar, met ruime delen onbedrukt doek tussen de ene verschijning en de volgende, en het hierboven getoonde blauwe werk uit 1966 behoort tot dat vroege moment, toen de omtrek zelf nog vorm kreeg. In de daaropvolgende decennia worden de tekens dichter opeengeplaatst, wordt het kleurenpalet breder en wordt het motief soms gecombineerd met bedrukte meubelstoffen. Een bescheiden, bijna neutrale vorm vernieuwt zichzelf voortdurend en kan uitbundig worden. Ze past zich aan elke drager aan en is zowel de achtergrond als de vorm van het werk.
Een schilderij als fragment van iets groters
In de tekst voor Templons tentoonstelling in Brussel in 2026 beschrijft Viallat de mogelijkheid van een enorm ideaal doek waarvan afzonderlijke werken fragmenten zouden kunnen zijn. Dit helpt verklaren hoe herhaling een voortzetting voorbij een rand kan suggereren. Een schilderij hoeft zich niet rond één bevoorrecht centrum te organiseren en hoeft geen netjes afgesloten visueel statement te bieden.
Dat idee verandert ook de manier waarop een tentoonstelling wordt ervaren. Werken kunnen door een ruimte heen resoneren en een vocabulaire delen zonder onderling uitwisselbaar te worden. De kijker komt zowel een afzonderlijk materieel object tegen als een bijdrage aan een veel groter, mogelijk voortdurend voortzettend veld.
De presentatie volgt dezelfde logica. Omdat het doek niet aan een lijst is bevestigd, kan hetzelfde werk van locatie tot locatie anders worden gepresenteerd: rond een kolom gewikkeld, aan het plafond opgehangen of op de vloer gelegd als een gekleurd pad. Een monumentaal formaat is mogelijk wanneer de ruimte daarom vraagt.
3. Supports/Surfaces: de schilderkunst uit elkaar halen
Wat de beweging ter discussie stelde
Supports/Surfaces ontstond rond de overgang naar de jaren 1970 als een onderzoek naar de samenstellende elementen van de schilderkunst. De naam vestigt de aandacht op wat conventioneel kijken vaak over het hoofd ziet: de drager die de verf draagt en het oppervlak waarop een beeld verschijnt.
Tot de kunstenaars die met de beweging worden geassocieerd, behoren Vincent Bioulès, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Jean-Pierre Pincemin en Noël Dolla. Hun benaderingen verschilden. De beweging mag niet worden gereduceerd tot één enkele techniek, en evenmin mag elk werk van een van haar leden worden beschouwd als een illustratie van een gedeeld programma.
Wat de onderzoeken met elkaar verbindt, is de bereidheid om de vermeend natuurlijke conventies van de schilderkunst ter discussie te stellen. Waarom moet doek strak over een houten spieraam worden gespannen? Waarom moet een schilderij een begrensde rechthoek zijn? Waarom zou het materiaal onder het beeld er visueel aan ondergeschikt moeten blijven?
Supports/Surfaces was een van de radicaalste stromingen in de naoorlogse Franse kunst. In plaats van te vragen wat een schilderij moest voorstellen, vroeg de stroming waaruit een schilderij bestaat, en behandelde ze het spieraam, het doek, de lijst en de verf als onderwerpen op zich.
Lees ons diepgaande essay The Neo Supports/Surfaces: A Manifesto for Material Realism in the 21st Century voor een diepere kijk op de ontwikkeling van de beweging en op de vraag waarom haar vragen nog steeds relevant zijn voor de hedendaagse schilderkunst.
Viallats bijzondere bijdrage
Binnen deze groep neemt Viallat een bijzondere plaats in. Als medeoprichter is hij tegenwoordig de bekendste van de Supports/Surfaces-kunstenaars en degene wiens werk het meest wordt tentoongesteld en verzameld. Anderen, onder wie Dezeuze, Dolla en Pincemin, volgden hun eigen vragen met vergelijkbare consistentie, maar via andere middelen. Toch is Viallats herhaalde vorm, die al ruim een halve eeuw wordt voortgezet, het meest herkenbare beeld van de beweging geworden.
Wat zijn werk, afgezien van zijn bekendheid, centraal maakt binnen de beweging, is de directe manier waarop het de vragen van de beweging belichaamt. Door het spieraam achterwege te laten, maakt Viallat de antwoorden zichtbaar: het doek is niet langer strak gespannen, het schilderij is niet langer een begrensde rechthoek en de drager is niet langer verborgen achter het beeld. Bevrijd van een rigide kader behoudt de stof haar flexibiliteit.
Voor de kijker is het effect niet slechts een verandering van formaat. Een vouw creëert schaduw. Een onregelmatige rand verlegt de aandacht. Een naad onderbreekt een ritme. De constructie van het schilderij wordt onderdeel van de ontmoeting, in plaats van iets wat erachter verborgen blijft.
Politiek, economie en het alledaagse
Supports/Surfaces had zowel theoretische als politieke dimensies, maar Viallats gebruik van alledaagse materialen heeft ook een praktische geschiedenis. Ceyssons essay uit 2026 benadrukt de economische voordelen van het achterwege laten van spieramen: doek kon goedkoper worden opgevouwen, opgeslagen en vervoerd.
Deze materiaaleconomie maakt een puur ideologische lezing complexer. Een afgedankt dekzeil is niet simpelweg een embleem van verzet tegen luxe. Het is beschikbaar materiaal met een vorm, een geschiedenis en specifieke mogelijkheden. Viallats transformatie van dergelijke materialen brengt schilderkunst in contact met alledaags gebruik, zonder dat het werk een politieke boodschap hoeft te illustreren.
Een beschilderd textiel, gemaakt van reclamestof met de naam Ricard. Alledaags materiaal wordt de drager. © Claude Viallat
4. Schilderen zonder spieraam: doek, kleur en herinnering
De drager is geen blanco begin
Lakens, vloerkleden, gordijnen, industriële dekzeilen en gerecycled textiel behoren tot de materialen die in Viallats praktijk zijn gedocumenteerd. In tegenstelling tot een standaard geprepareerd doek kan hergebruikte stof al kleur, een gedrukt patroon, gestikte naden, randen of sporen van slijtage bevatten.
De schilder begint dus een gesprek met iets dat niet leeg is. Het herhaalde motief kan samenvallen met een bestaand patroon, het onderbreken of er een tweede ritme overheen leggen. De drager fungeert minder als een neutraal toneel dan als een actieve deelnemer.
Deze dragers zijn vaak versleten en afkomstig uit het dagelijks gebruik: tentdoek, parasols, zonneschermen, boothoezen, stof van ligstoelen. Viallat werkt erop terwijl ze plat op de vloer van het atelier liggen, spreidt het doek uit en stapt erop wanneer dat nodig is. Het werk wordt horizontaal, van bovenaf gemaakt en wordt pas rechtop wanneer het wordt getoond.
Tentoonstellingsoverzicht, Ceysson & Bénétière, Saint-Étienne, 2026: beschilderde doeken, een net van linten, een vloerkleed op de vloer, een uitgesneden rond doek en een gordijn met franjes en een kwast. Eén vorm, vele dragers. © Ceysson & Bénétière.
Het bekijken van deze werken vereist aandacht voor twee verstrengelde geschiedenissen: de geschiedenis van wat het doek was en de geschiedenis van wat de schilderkunst ermee heeft gedaan. Geen van beide heft de andere noodzakelijkerwijs op.
Randen, naden en zwaartekracht
Een conventionele lijst bepaalt waar een schilderij eindigt. De textielen van Viallat kunnen hun grenzen ontlenen aan een eerdere functie: een zonnescherm, een gordijn, een tas of een samengesteld stuk stof. Naden en gevormde randen kunnen integraal deel van het werk blijven.
Dit is een van de redenen waarom het opspannen van zo'n schilderij conceptueel ingrijpend kan zijn, en niet slechts een handige manier om het op te hangen. Het veranderen van soepele stof in een stijve rechthoek kan de verhouding tussen geschilderde vorm, textielstructuur en omringende ruimte veranderen.
De afwezigheid van een spieraam introduceert ook zwaartekracht als een zichtbare factor. Schilderkunst gaat niet langer alleen over het ordenen van tekens over een denkbeeldig plat vlak. Ze wordt een object dat een werkelijke ruimte inneemt.
Opgehangen zonder spieraam: de gevormde rand, de ingevoegde zigzagband en de naden blijven allemaal deel uitmaken van het beeld. © Claude Viallat
Hergebruik zonder het werk te reduceren tot een milieuboodschap
Hedendaagse kijkers kunnen Viallats hergebruikte materialen in verband brengen met discussies over consumptie en hergebruik. Die connectie kan vruchtbaar zijn, zolang ze de geschiedenis van het werk niet vervangt. De materiële onderzoeken ontwikkelden zich in de jaren zestig en zeventig, binnen specifieke artistieke, praktische en politieke omstandigheden.
Zijn schilderijen zijn niet simpelweg demonstraties dat afgedankte dingen mooi kunnen worden. Ze vragen hoe de eerdere identiteit van een materiaal zijn overgang naar de kunst overleeft, en hoe schilderkunst die identiteit kan veranderen zonder haar te laten verdwijnen.
5. Kleur, Matisse en de vraag naar decoratie
Kleur als relatie, niet als label
Zodra het motief vertrouwd raakt, wordt het steeds moeilijker om kleur als een accessoire te beschouwen. Kleur bepaalt de kracht van een teken, onderscheidt het ene interval van het andere en verandert de manier waarop het onderliggende textiel wordt waargenomen.
Een kleur werkt niet op zichzelf. Het effect ervan hangt af van de kleuren ernaast, de textuur eronder en de hoeveelheid zichtbaar gebleven omringend doek. Viallats methode maakt zulke relaties centraal: de terugkerende vorm biedt een zekere continuïteit waartegen chromatische verschillen leesbaar worden.
Oranje, geel en olijfgroen: kleur werkt als een relatie tussen panelen, niet als een label.
© Claude Viallat
De voortgaande dialoog met Matisse
Viallats relatie met Matisse is gedocumenteerd via tentoonstellingen, waaronder Hommage(s) à Matisse in het Musée Matisse in Le Cateau-Cambrésis in 2005, en latere presentaties die in zijn tentoonstellingsgeschiedenis worden vermeld. In Ceyssons essay uit 2026 worden recente werken bovendien in dialoog met Matisses The Red Studio geplaatst.
De verbinding mag niet worden gereduceerd tot gedeelde heldere kleuren. Het gaat om het vermogen van kleur om een volledige picturale omgeving te organiseren, en om de mogelijkheid dat een patroon serieuze artistieke gedachten kan dragen in plaats van als achtergrondversiering te dienen.
Viallats kenmerkende bijdrage is dat hij die mogelijkheid onderzoekt via een herhaalde eenheid en een fysiek zichtbaar textiel. Waar de drager een eigen patroon of eerder gebruik heeft, werkt kleur binnen een al actief veld.
Is het decoratief?
De vraag is onvermijdelijk, en haar te snel afwijzen betekent dat iets belangrijks over het hoofd wordt gezien. Herhaalde motieven, textieloppervlakken en chromatisch plezier verbinden Viallats werk inderdaad met decoratie. Toch is die verbinding geen bewijs dat de schilderijen intellectueel weinig ambitieus zijn.
De vraag is wat decoratie mag betekenen. Als ornament ondergeschikt moet blijven aan een afbeelding, verstoort Viallats werk die hiërarchie. Het patroon wordt het middel waarmee het schilderij zijn eigen oppervlak, grenzen en de aandacht van de kijker onderzoekt.
Deze werken kunnen prettig zijn om mee te leven en tegelijkertijd de aannames achter dat plezier ter discussie stellen. Visuele vrijgevigheid en formele analyse sluiten elkaar niet uit.
« Surtout pas le convenu, le convenable à la rigueur, mais l’inconvenant, oui. Parce que ce n’est pas la convention. »
Bovenal niet het conventionele; desnoods het gepaste, maar het ongepaste, ja. Omdat het geen conventie is.
Claude Viallat, interview met Martin Pierlot, 2014 (wandtekst, Hôtel des Arts TPM, Toulon)
6. Touwen, netten en objecten: schilderkunst voorbij de rechthoek
De objecten van Viallat zijn geen ondergeschikte aanvulling op zijn schilderijen. De tentoonstellingstekst van Templon uit 2026 dateert zijn verkenning van objecten al tot 1969 en beschrijft materialen als drijfhout, touw en planken. Ook zijn tentoonstellingsgeschiedenis benoemt netten en hoepels herhaaldelijk als onderzoeksgebieden.
Stofpanelen, verbonden met oranje banden: het werk verlaat de rechthoek en wordt een object aan de muur. © Claude Viallat
Deze materialen maken het mogelijk de logica van de schilderkunst te beschouwen buiten het doorlopende stoffen oppervlak. Een net toont herhaling en tussenruimten zonder een vaste ondergrond. Een touw trekt een lijn in de werkelijke ruimte. Een hoepel creëert een grens waarvan het binnenste open kan blijven.
Een lint van groene stof met geschilderde rode contouren, opgehangen als een open ruit: schilderkunst teruggebracht tot haar randen. © Claude Viallat
De relatie tot de schilderijen is daarom structureel en niet louter stilistisch. Beide werklichamen onderzoeken hoe een alledaags materiaal ruimte kan ordenen en hoe een beperkte werkwijze een ontmoeting kan voortbrengen. Ze bewegen zich tussen schilderij en object zonder dat onderscheid irrelevant te maken.
Ze maken ook de beweging van de toeschouwer belangrijker. Het werk kan niet alleen vanuit één frontale positie worden ervaren, maar ook via veranderende relaties tussen het materiaal, de muur en de omringende ruimte.
7. Geselecteerde werken en manieren van kijken
Het werk van Viallat wordt vaak aangeduid met jaartallen en nummers in plaats van beschrijvende titels. Een nuttige gids moet de loopbaan daarom niet reduceren tot een lijst van vermeende iconische meesterwerken. De volgende gedocumenteerde voorbeelden laten zien hoe de keuze van de drager verschillende vragen oproept. De materiële informatie is afkomstig uit de tentoonstellingsvermelding van Templon uit 2026.
Sans titre n°87, 2026: Acrylverf op een plunjezak
Claude Viallat, Sans titre n°87, 2026. Acrylverf op een plunjezak
© Claude Viallat
Dit werk, vermeld met de afmetingen 152 × 152 cm, laat zien hoe ver de categorie van een schilderijdrager kan worden opgerekt. Een plunjezak treedt het werk binnen met een eerdere functie, in plaats van als een anoniem stuk doek. De relevante vraag is niet alleen wat er is geschilderd, maar ook hoe het voormalige object is opengemaakt, gepresenteerd of getransformeerd tot een picturaal veld.
Zonder de drager als een bijkomstigheid te behandelen, vraagt het werk ons te overwegen hoe gebruik en beeldvorming in elkaar overlopen. De identiteit van de stof maakt deel uit van de materiële logica van het schilderij.
Sans titre n°80, 2026: Acrylverf op stof
Claude Viallat, Sans titre n°80, 2026. Acrylverf op textiel
© Claude Viallat
De vermelde afmetingen, 245 × 114 cm, bepalen een opvallend langgerekt formaat. Dergelijke verhoudingen herinneren er nuttig aan dat het herhaalde motief niet uitsluitend bij een standaard rechthoekig doek hoort. De schaal en vorm van de drager bepalen mede hoe herhaling kan worden ervaren.
Een vruchtbare kijkvraag is hoe het ritme met de grens omgaat: registreert het oog een gesloten compositie, of iets wat buiten het doek lijkt door te lopen? Het antwoord moet in het werk zelf worden ontdekt en mag niet op basis van de methode worden verondersteld.
Sans titre n°51, 2025: Acrylverf op een samengestelde textielen drager
Claude Viallat, Sans titre n°51, 2025. Acrylverf op samengestelde textielen drager
© Claude Viallat
Templon vermeldt dit werk als acrylverf op een samengestelde textielen drager, met afmetingen van 130 × 125 cm. De beschrijving wijst op een ander belangrijk aspect van de praktijk: de drager kan samengesteld zijn in plaats van een enkel neutraal vel. Materiële verbindingen kunnen een structuur introduceren waarmee de geschilderde herhaling moet samengaan.
Assemblage verandert de betekenis van continuïteit. De kijker ervaart niet alleen de herhaling van een vorm, maar ook de relatie tussen een herhaalde werkwijze en een fysiek geconstrueerde ondergrond.
Sans titre n°36, 2026: Acrylverf op een transparant gordijn
Claude Viallat, Sans titre n°36, 2026. Acrylverf op een transparant gordijn
© Claude Viallat
Dit werk wordt vermeld als acrylverf op een gestript transparant gordijn, met afmetingen van 113 × 116 cm, en plaatst een huiselijk textiel binnen het onderzoek. Een gordijn maakt deel uit van een architectuur van openingen, licht en afscheiding. Het gebruik ervan als drager verruimt het gesprek voorbij de conventionele ondoorzichtigheid van een doek.
Het belangrijke punt is niet dat het schilderij in het geheim een raam afbeeldt. Het is dat het materiaal associaties en fysieke eigenschappen met zich meedraagt waarop de schilderkunst kan inspelen zonder ze te illustreren.
Hoe je verder kijkt dan de signatuur
Begin met het hele object, niet alleen met het motief. Let op de verhoudingen, randen en de relatie tot de muur. Maak vervolgens onderscheid tussen de bestaande structuur van het textiel en de geschilderde toevoegingen. Volg de tussenruimten tussen de vormen even zorgvuldig als de vormen zelf. Keer ten slotte terug naar het geheel: hoe heeft een herhaalde werkwijze je ervaring van dit specifieke materiaal veranderd?
Deze opeenvolging voorkomt dat herkenning het einde van het kijken wordt. De vertrouwde omtrek is een toegangspunt tot verschillen, geen reden om niet langer aandachtig te blijven.
8. Tentoonstellingen, collecties en voortdurende erkenning
Van het Franse paviljoen tot grote retrospectieven
Viallat vertegenwoordigde Frankrijk op de 43e Biënnale van Venetië in 1988, een belangrijke internationale mijlpaal die in de tentoonstellingsgeschiedenis van zijn galerie is gedocumenteerd. Een retrospectief in het Musée Fabre in Montpellier in 2014 bood een andere belangrijke gelegenheid om de breedte van zijn oeuvre te beschouwen.
Zijn werken bevinden zich in talrijke openbare collecties. De collectielijst van Ceysson & Bénétière omvat onder meer het Centre Pompidou, Carré d'Art, het Musée Fabre, het Musée d'Art Moderne de Paris en MoMA. Het behoren tot een collectie mag niet worden verward met de toezegging dat een bepaald werk momenteel wordt tentoongesteld.
Et pourtant si… in Carré d'Art
Het tentoonstellingsarchief van Carré d'Art vermeldt Et pourtant si… van 27 oktober 2023 tot 3 maart 2024. Voor een kunstenaar die geworteld is in Nîmes plaatst de tentoonstelling institutionele erkenning binnen een langdurige lokale context, in plaats van de stad als een biografische voetnoot te behandelen.
Nîmes is van belang als voortdurende basis voor productie en receptie. Viallats internationale carrière vereist niet dat de regionale omstandigheden waaruit zijn materiële en visuele interesses zich ontwikkelden, verdwijnen.
Onderwijs en de vraag naar een École de Nîmes
Viallats invloed beperkt zich niet tot zijn eigen werk. In 1979 werd hij directeur van de École des Beaux-Arts de Nîmes, waar hij een generatie studenten ideeën over schilderkunst bijbracht die voor hun tijd radicaal waren. Alain Clément, die veel van zijn opvattingen over het ontmantelen van de conventies van de schilderkunst deelde voordat hij een iets andere weg insloeg, doceerde vanaf 1979 aan de school en leidde haar van 1985 tot 1990, na Viallat. Of men kan spreken van een École de Nîmes valt te betwisten, maar Viallats invloed op de Franse kunstscene staat buiten kijf. Tot zijn studenten in Nîmes behoorden Guillaume Moschini en Jean-Daniel Salvat. Later doceerde hij aan de École des Beaux-Arts in Parijs, waar Frédéric Prat een van zijn studenten was.
2026: Zestig jaar van de vorm
De zestigste verjaardag van het motief viel samen met een ongewoon dicht tentoonstellingsprogramma in Frankrijk en België in 2026. Zes presentaties, verspreid over galerieën, kunstcentra en historische locaties, bevestigden Viallats dubbele status als historische figuur en voortdurend productieve kunstenaar. In plaats van één herdenkingstentoonstelling bood het programma complementaire ontmoetingen met de lange ontwikkeling van de vorm, recente textielschilderijen, objecten en een minder bekend oeuvre rond thema's uit het stierenvechten.
Tentoonstellingsposter: Avatar 2005–2025, Clin d'œil à Jean Fournier, 20 december 2025 tot 25 april 2026. © IdeelArt
Het jaar begon in het Hôtel des Arts TPM in Toulon met Avatar 2005–2025, Clin d'œil à Jean Fournier (20 december 2025–25 april 2026), een overzicht van twee decennia als eerbetoon aan Viallats historische galeriehouder Jean Fournier. In het Château du Bois Orcan nabij Rennes presenteerde galerie Oniris ongeveer vijftig recente werken in dialoog met het gerestaureerde middeleeuwse landgoed (4 april–1 november 2026), tweeëntwintig jaar nadat Viallat de glas-in-loodramen van de Saint-Julienkapel van de locatie had gemaakt.
Claude Viallat - Avatar 2005-2025 - tentoonstellingsbeeld ©IdeelArt
Twee galeriepresentaties markeerden het jubileum expliciet. Ceysson & Bénétière Saint-Étienne presenteerde Claude Viallat: His Form Is Sixty Years Old. 1966–2026. Tribute to Henriette Viallat (6 maart–23 mei 2026), samengesteld door Bernard Ceysson en Arlette Klein, als onderdeel van het twintigjarig bestaan van de galerie zelf. Viallat was twintig jaar eerder de eerste kunstenaar die de galerie in Saint-Étienne tentoonstelde. De tentoonstelling toonde voor elk van de zestig jaar één, twee of drie doeken, waardoor continuïteit en variatie gedurende de volledige ontwikkeling van de praktijk zichtbaar werden. Van Van 22 april tot 26 juni 2026 volgde Templon Brussel met ongeveer dertig experimentele doeken die tussen 2024 en 2026 waren gemaakt, naast objecten.
Twee verdere presentaties breidden het programma uit tot in de zomer en de herfst. In de Abbaye du Ronceray in Angers, een onlangs heropende historische locatie, gingen ongeveer twintig monumentale vrij hangende doeken een directe dialoog aan met de architectuur (25 juni–17 oktober 2026). In de Espace Michèle Goalard in La Grande-Motte bood Retours en boucles – Taureau / Forme (10 juli–30 augustus 2026) een minder bekend perspectief op de carrière, met veertien nooit eerder getoonde panelen rond het thema stierenvechten, een onderwerp dat Viallat al lange tijd naast zijn abstracte werk heeft begeleid. Het herinnert er ook aan dat het terugkerende motief niet het hele verhaal vertelt.
"Claude Viallat" - tentoonstellingsbeeld Templon Brussel - 2026
Samen genomen dagen deze presentaties de veronderstelling uit dat een lange kunstenaarsloopbaan noodzakelijkerwijs herhaling zonder ontdekking betekent. In zijn essay uit 2026 voor de tentoonstelling in Saint-Étienne beschrijft Bernard Ceysson werken die in januari 2026 zijn gemaakt, waarbij het ene textiel over het andere werd gelegd en de tekening en verf door hun contact op het andere textiel werden overgedragen. De daaruit voortvloeiende interactie compliceert de relatie tussen een daadwerkelijke overlapping en de schijn van gelaagde picturale vlakken en laat zien dat Viallat, zes decennia nadat het motief ontstond, de formele mogelijkheden van zijn methode nog altijd uitbreidde.
9. Claude Viallat verzamelen
Begin met het specifieke werk
Voor een verzamelaar is het niet voldoende het motief te herkennen. Datering, drager, afmetingen, techniek, herkomst, staat en beoogde presentatie dragen allemaal bij aan het begrip van een afzonderlijk werk. Twee schilderijen met dezelfde terugkerende vorm kunnen een zeer verschillende plaats in het oeuvre innemen en heel verschillende eisen aan een ruimte stellen.
Een groot textielschilderij, een werk op papier, een editie en een object mogen niet als gelijkwaardig worden beschouwd alleen omdat de naam van de kunstenaar dezelfde is. Bevestig het medium en of het werk uniek is of deel uitmaakt van een editie, en beoordeel vervolgens de kwaliteit en volledigheid van de documentatie.
De staat en het beoogde leven van het textiel
Hergebruikt doek maakt de beoordeling van de staat bijzonder genuanceerd. Een naad of slijtageplek kan dateren van vóór het schilderij en deel uitmaken van de gekozen drager. Daarentegen kunnen latere scheuren, verkleuring, ondeskundige reparaties of schade aan de verf belangrijke problemen vormen. Deze onderscheidingen moeten worden gedocumenteerd en niet op basis van een foto worden geraden. Dit is vooral belangrijk bij Viallat, wiens losse uitvoering een werk soms kan laten aanvoelen alsof er iets is misgegaan: hij vindt het niet erg om tijdens het werken over zijn eigen schilderijen te lopen en laat soms sporen achter.
Vraag om een conditierapport en advies over ophangen, hanteren, transport en opslag. Bij ongespannen werken maakt de presentatie deel uit van de bespreking: een verzamelaar mag er niet van uitgaan dat het opspannen van de stof of het plaatsen ervan achter glas een neutrale aanpassing is. Raadpleeg de galerie en een passend gekwalificeerde restaurator over het specifieke object.
Claude Viallat - Detail van kunstwerk - Wanneer een gloednieuw schilderij vuil of bevlekt kan aanvoelen...
Waarde zonder ongefundeerde prijsclaims
Er bestaat geen enkele betekenisvolle prijs voor een kunstwerk van Claude Viallat. Bij vergelijkingen moet rekening worden gehouden met medium, formaat, datering, herkomst, staat en de relevante verkoopcontext. Een veilinginschatting, een hamerprijs en een vraagprijs van een galerie zijn verschillende soorten informatie.
Deze gids geeft geen prijsrange of beleggingsprognose zonder een gedateerde, geverifieerde reeks vergelijkbare verkopen. Het sterkste argument voor verzamelaars is artistiek: Viallat biedt een historisch belangrijke en langdurige bestudering van schilderkunst, waarbij materiële verschillen een nauwkeurige beschouwing belonen.
10. Waarom Viallat er vandaag toe doet
Viallats blijvende relevantie ligt minder in het aantal kunstenaars dat zijn motief zou kunnen imiteren dan in de mogelijkheden die zijn methode opent. Een schilderij hoeft zijn drager niet te verbergen. Een vertrouwde werkwijze kan open blijven staan voor het toeval. Gewone materialen kunnen intellectuele ambities dragen zonder hun alledaagse karakter te verliezen.
De tentoonstellingstekst van Templon uit 2014 bespreekt de hernieuwde relevantie van Supports/Surfaces voor de hedendaagse Amerikaanse abstractie en verwijst naar kritische vergelijkingen met kunstenaars als Gedi Sibony, Matt Connors en Blake Rayne. Deze verwantschappen moeten worden begrepen als een kritische bespreking van materiële en procedurele kwesties, niet als bewijs dat iedere verwante kunstenaar rechtstreeks in het spoor van Viallat werkt.
Voor lezers van IdeelArt biedt zijn praktijk een bijzonder waardevolle manier om naar abstractie te kijken. In plaats van alleen te vragen waarop een beeld lijkt, kunnen we ons afvragen waaruit het is gemaakt, welke beslissingen constant blijven, wat verandert en hoe het object de ruimte eromheen beïnvloedt.
Daarin schuilt de prestatie die in de terugkerende vorm verborgen ligt. Door één element vertrouwd te maken, maakt Viallat de rest van de schilderkunst opnieuw onbekend. Het motief is niet de conclusie van het werk. Het is het instrument waarmee het werk telkens opnieuw kan beginnen.
Claude Viallat met Christelle Thomas, medeoprichter van IdeelArt, voor een van zijn vaandels met herhaalde vormen in het Hôtel des Arts TPM, Toulon, december 2025. © IdeelArt
Francis Berthomier
Uitgelichte afbeelding: Claude Viallat (detail van kunstwerk)
Claude Viallat: 20 veelgestelde vragen
1. Wie is Claude Viallat?
Claude Viallat is een Franse kunstenaar, geboren in 1936 in Nîmes, en een van de oprichters en belangrijkste figuren van Supports/Surfaces. Hij is vooral bekend om het herhalen van een onregelmatig abstract motief op ongespannen canvas, dekzeilen en hergebruikte stoffen, terwijl hij kleur, materiaal en de grenzen van de schilderkunst onderzoekt.
2. Waar studeerde Claude Viallat?
Hij studeerde van 1955 tot 1959 aan de École des Beaux-Arts in Montpellier en van 1962 tot 1963 aan de École des Beaux-Arts in Parijs. In zijn verdere ontwikkeling combineerde hij belangstelling voor Amerikaanse abstractie met een steeds directer onderzoek naar de materiële eigenschappen van de schilderkunst.
3. Wanneer begon Viallat zijn kenmerkende motief te gebruiken?
Het motief ontstond in de zomer van 1966. Tentoonstellingen bij Ceysson & Bénétière en Templon markeerden in 2026 de zestigste verjaardag ervan en toonden het blijvende belang van die beslissing gedurende zes decennia kunstenaarschap.
4. Hoe werd het motief uitgevonden?
Volgens de beschrijving van Bernard Ceysson experimenteerde Viallat met polyurethaanschuim om kleur aan te brengen. Nadat een sterke bleekoplossing het schuim had beschadigd, behield hij het grootste overgebleven fragment en nam hij de toevallige vorm ervan over. De beschrijving brengt deze methode ook in verband met herhaalde motieven die in Aubais voor de decoratie van muren in woonhuizen werden gebruikt.
5. Wat stelt de vorm van Viallat voor?
Het wordt vaak vergeleken met een kootje, boon of spons, maar het heeft geen vaste figuratieve betekenis. De belangrijkste functie ervan is picturaal: het draagt kleur, creëert ritme en gaat een wisselwerking aan met het materiaal waarop het verschijnt. De vergelijkingen beschrijven gelijkenis, geen definitief onderwerp.
6. Waarom herhaalt Viallat dezelfde vorm?
Door de omtrek relatief constant te houden, wordt de aandacht gericht op andere variabelen, waaronder kleur, tussenruimte, textuur en de drager. Herhaling wordt een methode om verschil waar te nemen. De werkwijze is herkenbaar, maar afzonderlijke verschijningsvormen en afzonderlijke werken hoeven niet identiek te zijn.
7. Wat is Supports/Surfaces?
Supports/Surfaces is een Franse beweging die ontstond rond het begin van de jaren zeventig en de basiselementen van de schilderkunst onderzocht, met name dragers, oppervlakken en materialen. De kunstenaars plaatsten conventies zoals het opgespannen doek en de begrensde rechthoek ter discussie, via verschillende praktische en theoretische benaderingen.
8. Was Claude Viallat een oprichtend lid van Supports/Surfaces?
Ja. Zowel Templon als Ceysson & Bénétière noemen hem een van de oprichters. Zijn ongespannen textiel en herhaalde motief vormen een kenmerkende bijdrage aan de beweging, hoewel zijn carrière niet tot die betrokkenheid mag worden gereduceerd.
9. Waarom schildert hij zonder spieraam?
Door het spieraam weg te laten, behoudt het doek zijn flexibiliteit, randen, vouwen en relatie tot de zwaartekracht. Dit vormt ook een uitdaging voor de conventionele presentatie van een schilderij als een stijve rechthoek. Bernard Ceyssons relaas voegt daaraan toe dat het vouwen van doeken praktische voordelen had voor opslag en transport.
10. Welke materialen gebruikt Viallat?
Gedocumenteerde dragers zijn onder meer canvas, industriële dekzeilen, lakens, vloerkleden, gordijnen, netten en ander hergebruikt textiel. In zijn objecten gebruikt hij ook materialen zoals touw, drijfhout en planken. De bestaande structuur en geschiedenis van deze materialen maken deel uit van het werk.
11. Gebruikt hij sjablonen?
Ja. Sjabloneren staat centraal bij de herhaalde toepassing van zijn motief. Ceyssons essay uit 2026 maakt onderscheid tussen massieve en uitgeholde sjablonen, die verschillende bewerkingen van de vorm mogelijk maken. Dit garandeert geen mechanische uniformiteit: materiaal en uitvoering introduceren variatie.
12. Is Claude Viallat een abstract kunstenaar?
Hij wordt doorgaans binnen de abstractie besproken, omdat zijn kenmerkende motief geen vast onderwerp afbeeldt. Toch zijn zijn schilderijen ook nadrukkelijk concrete materiële objecten. Hun doek, verf, naden en randen zijn werkelijke dingen, niet slechts dragers van een ingebeeld beeld.
13. Is zijn werk decoratief?
Het werk maakt gebruik van patroon, herhaling en visueel plezier, maar dat maakt het niet louter decoratief. Viallat gebruikt deze kwaliteiten om kleur, oppervlak en de hiërarchie tussen beeld en ornament te onderzoeken. De materiële constructie van het werk maakt elke rechtlijnige vergelijking met gedrukte decoratie ingewikkelder.
14. Hoe is Viallat verbonden met Henri Matisse?
Zijn betrokkenheid bij Matisse is gedocumenteerd via tentoonstellingen zoals Hommage(s) à Matisse uit 2005 en latere kritische teksten. De connectie betreft kleur, patroon en de organisatie van de picturale ruimte, en niet een eenvoudige imitatie van Matisses onderwerpen of uiterlijk.
15. Beïnvloedde Jackson Pollock Viallat?
De biografie van Ceysson & Bénétière noemt Pollock een belangrijke interesse tijdens Viallats vormingsjaren. Deze connectie helpt zijn aandacht voor proces en het beschilderde veld te kaderen. Toch ontwikkelde Viallat een eigen methode op basis van een herhaalde vorm, in plaats van Pollocks druppeltechniek over te nemen.
16. Maakt Viallat naast schilderijen ook objecten?
Ja. Templon dateert zijn experimenten met objecten al uit 1969. Touwen, netten, hoepels en hout breiden zijn onderzoek naar de werkelijke ruimte uit. Ze vormen een integraal onderdeel van zijn praktijk en zijn niet slechts decoratieve accessoires bij de schilderijen.
17. Wanneer vertegenwoordigde hij Frankrijk op de Biënnale van Venetië?
Viallat exposeerde in het Franse paviljoen op de 43e Biënnale van Venetië in 1988. Deze mijlpaal maakt deel uit van een internationale tentoonstellingsgeschiedenis die ook belangrijke museumpresentaties en retrospectieve tentoonstellingen omvat.
18. Welke musea verzamelen werk van Claude Viallat?
Gedocumenteerde collecties omvatten het Centre Pompidou, Carré d'Art in Nîmes, het Musée Fabre in Montpellier, het Musée d'Art Moderne de Paris en MoMA in New York. Raadpleeg het actuele programma van elke instelling voordat u een bezoek brengt, aangezien opname in de collectie niet betekent dat een werk voortdurend wordt tentoongesteld.
19. Waar moet een verzamelaar op letten voordat die een werk van Viallat koopt?
Controleer de datum, het medium, de afmetingen, de herkomst, de staat en of het werk uniek is of in oplage is gemaakt. Vraag bij een textielschilderij advies over de beoogde presentatie en maak onderscheid tussen kenmerken van de oorspronkelijke hergebruikte drager en latere schade of wijzigingen.
20. Wat kost een kunstwerk van Claude Viallat?
Er is geen enkele prijs die zijn gevarieerde oeuvre betekenisvol beschrijft. Medium, formaat, datum, herkomst, staat en verkoopcontext spelen allemaal een rol. Een betrouwbare vergelijking vereist gedateerd bewijsmateriaal voor vergelijkbare werken; een veilinginschatting, hamerprijs en vraagprijs van een galerie mogen niet als onderling uitwisselbaar worden beschouwd.
Bronnen en verder lezen
Dit artikel is gebaseerd op galerijbiografieën, tentoonstellingsdocumentatie en institutionele tentoonstellingsarchieven. De interpretatieve passages zijn analyses van de auteur; het verslag van de oorsprong van het motief en de bespreking van de werken uit januari 2026 worden toegeschreven aan het tentoonstellingsessay van Bernard Ceysson. Onderzoek geraadpleegd in oktober 2026.
- Ceysson & Bénétière: biografie van Claude Viallat, materialen en openbare collecties.
- Bernard Ceysson: His Form Is Sixty Years Old, tentoonstellingsessay, 2026.
- Templon: biografie en tentoonstellingsgeschiedenis van Claude Viallat.
- Templon Brussel: Claude Viallat, 22 april–26 juni 2026, tentoonstellingstekst en werken.
- Templon Brussel: Claude Viallat, 2014, Supports/Surfaces en hedendaagse receptie.
- Carré d'Art: tentoonstellingsarchief, waaronder Et pourtant si…, 2023–2024.
- Stad Angers: Claude Viallat in de Abbaye du Ronceray, 2026.
- Oniris: Viallat au Bois Orcan, 4 april–1 november 2026.
- Stad La Grande-Motte: Retours en boucles – Taureau / Forme, 2026.
- Wikipedia: Claude Viallat, carrière en directeurschap van de École des Beaux-Arts de Nîmes vanaf 1979.
- Histoire de la pédagogie artistique: Claude Viallat, onderwijscarrière in Nîmes en Parijs.
- Galerie Champetier: Alain Clément, biografische notities, eerst docent en daarna directeur aan de École des Beaux-Arts de Nîmes.
- IdeelArt: Frédéric Prat, Guillaume Moschini en Jean-Daniel Salvat (biografieën van kunstenaars, studies bij Viallat).
GERELATEERDE KUNSTWERKEN
IdeelArt volgt deze traditie op de voet. Verschillende kunstenaars die wij presenteren, zijn persoonlijk verbonden met Claude Viallat en de kring rond Supports/Surfaces. Frédéric Prat, Guillaume Moschini en Jean-Daniel Salvat waren zijn studenten en hebben elk de erfenis van de beweging een eigen richting gegeven. André Debono, die enkele straten van Viallat vandaan in Nîmes woont, is een toegewijd materialistisch schilder wiens werk nauw aansluit bij de concepten van Supports/Surfaces. Alain Clément, een andere belangrijke Franse kunstenaar, exposeerde al in 1967 samen met Viallat en werkte met hem aan de École des Beaux-Arts de Nîmes. Ook behoort hij tot Viallats naaste kring. Hun werk kunt u hieronder en in onze collecties ontdekken.
Lees voor een ander perspectief op de abstractie die met Nîmes wordt geassocieerd onze uitgebreide gids over Alain Clément.
