Post-Schilderlijke Abstractie - De Betekenis en de Reikwijdte

In kunsthistorische termen was modernisme geen beweging. Het was meer een proces van zelfbewustzijn in de kunst. In plaats van zich te concentreren op objectieve representatie, verkenden modernistische schilders wat ze konden uitdrukken door middel van abstractie, of door de formele kwaliteiten van de schilderkunst zoals kleur, vorm, gebaar en oppervlak. Onder de modernistische schilderbewegingen was Post-Painterly Abstraction een van de laatste die opkwam voordat postmodernistische houdingen aan belang wonnen in de late 20e eeuw. Het richtte zich op het meest essentiële element van de schilderkunst—tweedimensionaliteit, of platheid. Het elimineerde elke verwijzing naar narratieve onderwerpen en naar de persoonlijkheid van de kunstenaar. Het bereikte wat de kunstcriticus Clement Greenberg beschouwde als het wezenlijke punt van de modernistische schilderkunst, namelijk het reduceren van schilderkunst tot haar "levensvatbare essentie."

De Beginselen van Post-Schilderachtige Abstractie

Om Post-Painterly Abstraction te begrijpen, is het nuttig om het tegenovergestelde te overwegen: Painterly Abstraction, waarvan het perfecte voorbeeld Abstract Expressionism is. Stel je een van Jackson Pollock’s spetter schilderijen voor, met zijn oerkracht en inherente drama. Het is een uitdrukking van Pollock’s onderbewuste zelf. Verf hoopt zich op in lagen en hopen, waardoor richels en valleien ontstaan. Afval zoals glas en sigarettenpeuken vermengt zich met het medium, waardoor een levendig, “painterly” werk ontstaat, waarin de hand, persoonlijkheid en ego van de kunstenaar in elk teken evident zijn.

Helen Frankenthaler - Aanpak, 1962, Olie op doek, 82 x 78 in., Anderson Collectie aan de Stanford Universiteit, © Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

In een Post-Painterly Abstract schilderij zijn er geen zichtbare penseelstreken. Het oppervlak van het schilderij is vlak. Verf en oppervlak zijn één. Kleuren zijn lineair, niet gelaagd, en zijn ook levendig en helder, expressief van hun eigen essentiële kwaliteiten maar verder niets. Er zijn geen details in het schilderij behalve kleur, vorm en ruimte. In plaats van dat de compositie een verhaal vertelt of onderbewuste drama's overbrengt, is de compositie open, waardoor de formele kwaliteiten van kleur en oppervlak het onderwerp van het werk zijn. Een perfect voorbeeld is Bridge, geschilderd in 1964 door de Amerikaanse kunstenaar Kenneth Noland.

Kenneth Noland - Bridge, 1964, Acryl op canvas, 89 x 98 in., © Kenneth Noland

Modernisme vs. Postmodernisme

Het klinkt mogelijk verwarrend om Post-Painterly Abstraction een van de laatste modernistische kunstbewegingen te noemen. Tenslotte zijn er velen die geloven dat het modernisme vandaag de dag nog steeds voortduurt. Of je jezelf nu een modernist of postmodernist beschouwt, komt in wezen neer op wat je gelooft. Het postmodernisme beschouwt geschiedenis als relatief en beschouwt concepten van lineaire "vooruitgang" als onzin.

Jack Bush - Mooi Roze, 1965, Acryl op canvas, © Jack Bush

Modernisme was gebaseerd op het idee van een wederzijds overeengekomen formeel artistiek verleden. Modernisme eiste een artistieke evolutie. Het eiste nieuwheid, wat uitvinding vereiste, wat op zijn beurt een begrip vereiste van wat er eerder was gekomen. In wezen vertelt modernisme een verhaal. Het zegt: "Kunstenaars deden dit totdat ze begonnen met dit," en zo verder. Om de contextuele impact van een specifiek werk van modernistische kunst te begrijpen, moet je eerst begrijpen waarom het innovatief was voor zijn tijd, wat een begrip vereist van zijn plaats binnen zijn specifieke beweging, evenals de plaats van die beweging binnen het grotere kunsthistorische verhaal.

Ellsworth Kelly - Blauw Wit, 1962, Olieverf op doek, © Ellsworth Kelly

De Post-Painterly Abstraction Tentoonstelling van 1964

De kunstcriticus Clement Greenberg was een ware modernist, wat betekent dat hij geloofde in het overkoepelende verhaal van de kunstgeschiedenis en een drang voelde om hedendaagse tendensen te contextualiseren in relatie tot dat grotere verhaal. Greenbergs oprechtheid en diepgang van historische kennis maakten hem tot een van de meest invloedrijke verhalenvertellers van het modernisme. Gedurende de 20e eeuw definieerden zijn uitgebreide geschriften het modernistische verhaal door de evolutie ervan vanaf het midden van de 19e eeuw te beschrijven, de vooruitgangen te contextualiseren en zelfs de bekendste na de Tweede Wereldoorlog ontstane bewegingen, waaronder Abstract Expressionisme, te benoemen.

Morris Louis - Aarde Gamut, 1961, Acrylhars (Magna) op canvas, 86 7/8 x 60 in., Auteursrecht © MICA / Artists Rights Society (ARS), New York

Greenberg bedacht en definieerde de term Post-Painterly Abstraction door een tentoonstelling met dezelfde naam te cureren in het Los Angeles County Museum of Art in 1964. De LACMA Post-Painterly Abstraction tentoonstelling toonde het werk van 31 kunstenaars, van wie Greenberg vond dat ze werk maakten dat representatief was voor wat hij beschouwde als deze nieuwe tendens in de modernistische kunst. Onder degenen die in de tentoonstelling waren opgenomen, bevonden zich verschillende kunstenaars die later enkele van de beroemdste schilders van de 20e eeuw werden, waaronder Helen Frankenthaler, Jack Bush, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland en Frank Stella.

Kenneth Noland - Cadmium Radiance, 1963, Magna op doek, © Kenneth Noland

De Sterren van Post-Schilderachtige Abstractie

Helen Frankenthaler droeg drie werken bij aan de LACMA Post-Painterly Abstraction tentoonstelling. Onder andere was Approach inbegrepen, waarin Frankenthaler’s unieke “soak stain” techniek te zien is. Deze techniek hield in dat verdunde verf rechtstreeks op ongeprimed canvas werd gegoten, zodat het medium organische vormen kon aannemen en tegelijkertijd penseelstreken kon elimineren om de uitstraling van de hand van de kunstenaar te minimaliseren. 

Jack Bush was een Canadese abstracte schilder die geassocieerd werd met de groep genaamd Painters Eleven. De kunstenaars in Painters Eleven deelden geen gemeenschappelijke stijl. In plaats daarvan waren ze simpelweg allemaal toegewijd aan het maken van abstract werk en het ondersteunen van elkaars inspanningen. Clement Greenberg was een invloedrijke voorvechter van de groep en had een bijzondere interesse in Bush's werk, waarbij hij hem aanmoedigde om zijn kleuren en vormen verder te verfijnen en te vereenvoudigen.

Ellsworth Kelly's levendige, ultra-vlakke schilderijen bevatten een iconische visuele taal gebaseerd op de destillatie van vormen die hij in de natuur observeerde. Naast zijn bijdrage aan de vooruitgang van de Post-Painterly Abstraction, had hij ook invloed op het Minimalisme en Conceptuele Kunst met zijn gevormde, monochromatische werken. In Kelly's bijdrage aan de Post-Painterly Abstraction tentoonstelling van LACMA was het schilderij Blue White opgenomen.

Net als zijn tijdgenoot Helen Frankenthaler goot de in Baltimore geboren Morris Louis verf rechtstreeks op ongeprepareerd canvas om de uitstraling van penseelstreken te vermijden. Zijn esthetiek omvatte levendige, kleurrijke banden van gegoten kleur, vertegenwoordigd door het schilderij Earth Gamut, dat was opgenomen in de LACMA-tentoonstelling.

Voor Kenneth Noland was het doel van zijn werk om alle schijn van emotie te verwijderen. Hij creëerde een esthetische woordenschat gebaseerd op vlakke oppervlakken bestaande uit concentrische cirkels en kleurbanden. Zijn werken waren vrij van textuur, en onthulden niets van gebaar of de hand van de kunstenaar. Hij wordt beschouwd als een pionier, niet alleen in Post-Painterly Abstraction, maar ook in ideeën die invloedrijk zijn voor het Minimalisme.

Nog steeds actief vandaag de dag op 80-jarige leeftijd, is Frank Stella een van de meest herkenbare namen in de hedendaagse abstractie geworden. Zijn inspanningen beslaan meerdere bewegingen en ontlopen categorisering. Stella maakte naam met zijn vroege werken in de Post-painterly Abstraction en had drie werken opgenomen in de LACMA-tentoonstelling. Onder hen was dit stuk, Henry Garden.

Uitgelichte afbeelding: Frank Stella - Henry Garden, 1963, Olieverf op doek, 80 x 80 in., Leo Castelli Gallery, New York, © Frank Stella
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio