Kleur, Focus en Veld in Kenneth Noland Schilderijen

Een toevallige toeschouwer zou Kenneth Noland kunnen verwarren met een schilder van ontwerpen. Inderdaad, de meest gedenkwaardige schilderijen van Kenneth Noland tonen een beperkt aantal vormen en patronen: cirkels, chevrons, ruiten, strepen en ruitjes. Maar in tegenstelling tot dat beeld was Noland helemaal niet geïnteresseerd in zaken als vorm en ontwerp. De reden dat hij steeds weer terugkeerde naar dezelfde beelden was omdat hij geloofde dat herhaling de kijkers zou uitnodigen om de vormen en ontwerpen te negeren en zich in plaats daarvan te richten op zijn ware interessegebied: het oneindige potentieel van kleur en vlak.

Een Reis naar Stijl

Naast een uitstekende kunstenaar te zijn, is Kenneth Noland ook een uitstekend voorbeeld van de waarde van de G.I. Bill; een Amerikaans overheidsprogramma dat ontslagen soldaten toestaat om gratis naar de universiteit te gaan. In 1942 trad Noland op 18-jarige leeftijd toe tot de Amerikaanse luchtmacht. Na zijn terugkeer naar North Carolina aan het einde van de Tweede Wereldoorlog, gebruikte hij zijn G.I. Bill-privileges om zich in te schrijven aan zijn plaatselijke kunstschool. Die school was het beroemde Black Mountain College, waar veel invloedrijke leraren van het Bauhaus naartoe waren verhuisd toen hun academie werd gesloten vanwege nazi-inmenging.

Tijdens zijn tijd aan het Black Mountain College studeerde Noland onder Ilya Bolotowsky, die een leerling was van Piet Mondriaan, de grondlegger van het neoplasticisme. In de traditie van de neoplasticisten bepleitte Bolotowsky eenvoudige meetkundige patronen en pure kleuren. Noland studeerde ook onder Josef Albers, een vooraanstaand modernistisch theoreticus en schilder, en een gepassioneerd student van kleurrelaties. Noland nam de begeleiding van zijn leraren in zich op en bouwde voort op hun ideeën, waarbij hij een levenslange interesse ontwikkelde in de expressieve mogelijkheden van eenvoudige composities gemaakt van levendige kleur.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acryl op doek. 60 x 60 inch. Collectie van Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Post-Schilderachtige Abstractie

Samen met Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko en Jules Olitski werd Kenneth Noland al snel geassocieerd met de Kleurvlakbeweging, een van de artistieke tendensen die horen bij wat men noemt Post-Schilderachtige Abstractie. De term, bedacht in 1964 door Clement Greenberg voor een tentoonstelling die hij samenstelde in het Los Angeles County Museum of Art, verwijst naar een trend in de schilderkunst weg van schilderachtige, impasto werken, en naar vlakke oppervlakken zonder zichtbare penseelstreken.

Hoewel de term Kleurvlakschilderkunst een wat onduidelijke definitie kent, was Kenneth Noland de toonbeeldige vertegenwoordiger van Post-Schilderachtige Abstractie. Zijn schilderijen verwierpen het persoonlijke drama van het abstract expressionisme. Ze vereenvoudigden de middelen van het schilderen, verwierpen collage, assemblage, gevonden voorwerpen en andere complexiteiten, en vertrouwden in plaats daarvan op de eenvoudigste ingrediënten: verf en doek. Zijn kleuren waren levendig en puur, zijn composities direct en eenvoudig, en zijn beelden werden één met hun dragers.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acryl op doek. 75 x 141 inch. © Kenneth Noland

Kleur en Vlak Samensmelten

Noland maakte zijn eerste zogenaamde Kleurvlakschilderijen rond 1956. Ze bestonden uit concentrische ringen van gekleurde cirkels. Het is verleidelijk te speculeren dat deze schilderijen op de een of andere manier verband hielden met zijn oorlogservaring, omdat ze op doelen leken. Maar in verschillende interviews heeft Noland gezegd dat hij het cirkelmotief koos omdat het een niet-beeld was dat het oog kon uitnodigen om zich te verdiepen in een ervaring van kleur. Maar kleur was niet het enige waar zijn schilderijen over gingen. Ze gingen ook over het confronteren van de scheiding tussen een schilderij en zijn oppervlak.

Gedurende het grootste deel van de kunstgeschiedenis werden schilderijen gezien als beelden die op voorbereide oppervlakken werden geschilderd. Het vlak waarop het schilderij bestaat, dat wil zeggen het doek, was voorbehandeld, voorgespannen en gegrond. Het wachtte op het schilderij, ondersteunde het en stond los van het beeld. In de gedachten van schilders als Noland was die scheiding een nadeel. In plaats van vrije, onbelemmerde expressie te genieten, werd de kunstenaar beperkt of gestuurd door een vooraf bepaald draagvlak, ondanks het feit dat het daaropvolgende beeld nog onvoorstelbaar kon zijn. Noland wilde het beeld met het draagvlak samensmelten en kleur met vlak verenigen in een eenduidige esthetische uitdrukking.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acryl op doek. 103,7 x 142,5 inch. © Kenneth Noland

Het Geünificeerde Expressieve Object

Noland kreeg zijn openbaring in 1953, tijdens een atelierbezoek bij de schilder Helen Frankenthaler. In haar atelier in New York had Frankenthaler de zogenaamde soak-stain techniek ontwikkeld. In plaats van een voorbehandeld doek te gronden ter voorbereiding op een geschilderd beeld, spreidde ze ruwe stukken doek op de vloer uit en goot ze verf rechtstreeks op het ongegronde oppervlak. De verf smolt samen met het oppervlak en verspreidde zich op organische wijze over het doek terwijl het zich met de stof verbond. De verf en het draagvlak werden één geheel.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Acrylhars op doek. 98 x 208 inch. © Kenneth Noland

Noland nam onmiddellijk de soak-stain techniek van Frankenthaler over. Het gaf hem de kans om een geünificeerd object te creëren, waarin de kleur was ingebed. Het stelde hem ook in staat om het uiterlijk van penseelstreken te elimineren, die werden gezien als het teken van de persoonlijkheid van de kunstenaar. Samen maakten deze twee vernieuwingen het mogelijk om schilderijen te maken die zich niet richtten op het afbeelden van iets specifieks, maar op de essentiële elementen die hem bezighielden, zoals kleur, oppervlak, textuur, symmetrie en schaal.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acryl op doek. © Kenneth Noland

Bijsnijden

Het is goed gedocumenteerd dat Noland, evenals zijn tijdgenoot Morris Louis, de soak-stain techniek overnam van Helen Frankenthaler. Maar er is een andere techniek die Kenneth Noland later in zijn carrière overnam en die ook geïnspireerd kan zijn door Frankenthaler. Dat is de praktijk van het bijsnijden. In de fotografie betekent een afbeelding bijsnijden dat je alleen het deel van een opname selecteert dat je wilt afdrukken, waarbij je alleen toont wat je mooi vindt. Veel foto’s van Frankenthaler in haar atelier tonen haar werkend op enorme ongespannen doeken. Ze sneed en omlijstte haar doeken na het schilderen, wat haar in staat stelde het beeld te ontwikkelen met zo min mogelijk beperkingen en vervolgens het gebied te kiezen waarvan ze vond dat het het meest expressieve object opleverde. Dit was een werkwijze die Kenneth Noland veel gebruikte, vooral toen hij begon met gevormde doeken. Hij werkte op een enorm doek op de vloer en maakte kleurcomposities zonder ruimtelijke beperkingen. Dit stelde hem in staat kleurrelaties vrij te verkennen zonder zich zorgen te maken over het uiteindelijke resultaat. Zodra het proces van schepping en ontdekking voltooid was, kon hij het uiteindelijke beeld “uitstansen”, het gebied selecteren dat hij wilde omlijsten uit eindeloze mogelijke opties in wat in feite een bewerkingsproces was. Noland verwees naar de schoonheid van dit proces in een interview uit 1977 met Diane Waldman voor Art in America, waarin hij zei: “Een kleur kon op een rand van een schilderij zijn of binnen de ruimte van een schilderij: de vraag van boven, onder, links, rechts werd totaal flexibel, net als de vraag van parallel, verticaal of horizontaal.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acryl op doek. © Kenneth Noland

De Diepten van Eenvoud

Kenneth Noland keek van tijd tot tijd naar beeldhouwers in een poging de abstracte aard van kleur te verkennen. De beeldhouwer David Smith inspireerde hem in het bijzonder, en Noland werkte zelfs af en toe samen met de beeldhouwer Tony Caro, waarbij hij zijn beelden beschilderde nadat ze waren gemaakt. Hij deed dit puur uit nieuwsgierigheid en in de geest van experimenteren. Hij kon niet precies uitdrukken wat hij hoopte te vinden, of wat zulke experimenten moesten betekenen. Hij zei: “We neigen ertoe veel betekenis die in het leven plaatsvindt en niet-verbaal is, te onderschatten. Kleur kan een volledige reeks stemming en uitdrukking overbrengen, van iemands ervaringen in het leven, zonder dat het beschrijvende of literaire eigenschappen hoeft te hebben.”

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Mensen met een voorliefde voor het uitgebreide kunnen het gemakkelijk vinden om een carrière die volledig op eenvoud en nieuwsgierigheid is gebaseerd, af te doen als onbeduidend. Kenneth Noland’s schilderijen lijken inderdaad geen enkel drama te bevatten. En toch zijn ze expressief. Ze zijn als het gehuil van een kind, het geluid van een bel of het geschreeuw van een sirene. We herkennen ze onmiddellijk voor wat ze zijn. We weten dat ze ons vragen te reageren, ook al begrijpen we misschien niet precies wat hun doel is of wat onze reactie zou moeten zijn. Maar misschien, net als bij bellen, kreten en sirenes, is een reactie van iedereen niet nodig.

Uitgelichte afbeelding: Kenneth Noland - April (detail), 1960. Acryl op doek. 16 x 16 inch. © Kenneth Noland
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio