Kleur, Focus en Veld in Kenneth Noland Schilderijen

Een casual waarnemer zou Kenneth Noland kunnen verwarren met een schilder van ontwerpen. Inderdaad, de meest memorabele schilderijen van Kenneth Noland drukken een beperkte reeks vormen en patronen uit: cirkels, chevrons, diamanten, strepen en ruiten. Maar in tegenstelling tot dat perspectief, was Noland helemaal niet geïnteresseerd in dingen zoals vorm en ontwerp. De reden dat hij steeds weer naar dezelfde beelden terugkeerde, was omdat hij geloofde dat herhaling kijkers zou uitnodigen om de vormen en ontwerpen te negeren, en in plaats daarvan te focussen op zijn ware interessegebied: het oneindige potentieel van kleur en vlak.

Een reis naar stijl

Naast dat hij een uitstekende kunstenaar is, is Kenneth Noland ook een uitstekend voorbeeld van de waarde van de G.I. Bill; een programma van de Amerikaanse overheid dat ontslagen soldaten in staat stelt om gratis naar de universiteit te gaan. In 1942 trad Noland op 18-jarige leeftijd toe tot de Amerikaanse luchtmacht. Na zijn terugkeer naar North Carolina aan het einde van de Tweede Wereldoorlog, gebruikte hij zijn G.I. Bill-privileges om zich in te schrijven bij zijn lokale kunstschool. Die school was toevallig het beroemde Black Mountain College, waar veel invloedrijke docenten van de Bauhaus naartoe waren verhuisd toen hun academie werd gesloten als reactie op de Nazi-inmenging.

Tijdens zijn tijd aan het Black Mountain College studeerde Noland onder Ilya Bolotowsky, die een protegé was van Piet Mondrian, de grondlegger van het Neo-Plasticisme. In de traditie van de Neo-Plasticisten steunde Bolotowsky eenvoudige geometrische patronen en pure kleuren. Noland studeerde ook onder Josef Albers, een toonaangevende modernistische theoreticus en schilder, en een gepassioneerde student van kleurrelaties. Noland nam de mentorschap van zijn docenten in zich op en bouwde voort op hun ideeën, waarbij hij een levenslange interesse ontwikkelde in de expressieve mogelijkheden van eenvoudige composities gemaakt van levendige kleuren.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acryl op canvas. 60 x 60 in. Collectie van Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Post-Schilderlijke Abstractie

Samen met Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko en Jules Olitski, werd Kenneth Noland al snel geassocieerd met de Color Field-beweging, een van de artistieke tendensen die verband houdt met wat wordt genoemd Post-Painterly Abstraction. De term Post-Painterly Abstraction, bedacht in 1964 door Clement Greenberg voor een tentoonstelling die hij samenstelde in het Los Angeles County Museum of Art, verwijst naar een trend in de schilderkunst die zich afwendt van schilderachtige, impasto werken, en zich richt op vlakke oppervlakken en een gebrek aan zichtbare penseelstreken.

Hoewel de term Color Field Painting lijdt aan een enigszins onduidelijke definitie, was Kenneth Noland de quintessentiale vertegenwoordiger van Post-Painterly Abstraction. Zijn schilderijen verwierpen het persoonlijke drama van Abstract Expressionism. Ze vereenvoudigden de middelen van schilderen, verwierpen collage, assemblage, gevonden voorwerpen en andere complexiteiten, en vertrouwden in plaats daarvan op de eenvoudigste ingrediënten: verf en canvas. Zijn kleuren waren levendig en puur, zijn composities waren direct en eenvoudig, en zijn beelden werden één met hun dragers.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acryl op canvas. 75 x 141 in. © Kenneth Noland

Kleur Samensmelten Met Veld

Noland creëerde zijn eerste zogenaamde Color Field Paintings rond 1956. Ze bestonden uit concentrische ringen van gekleurde cirkels. Het is verleidelijk om te speculeren dat deze schilderijen op de een of andere manier verband hielden met zijn ervaringen in de oorlog, aangezien ze op doelen leken. Maar in verschillende interviews heeft Noland gezegd dat hij het cirkelmotief koos omdat het een non-image was dat het oog in staat stelde om in een ervaring van kleur te worden getrokken. Maar kleur was niet het enige waar zijn schilderijen over gingen. Ze gingen ook over het confronteren van de scheiding tussen een schilderij en zijn oppervlak.

Gedurende het grootste deel van de kunstgeschiedenis zijn schilderijen gezien als beelden die zijn geschilderd op voorbereide oppervlakken. Het vlak waarop het schilderij bestaat, d.w.z. het canvas, was vooraf gegrond, vooraf uitgerekt en geprimed. Het wachtte op het schilderij, ondersteunde het en was gescheiden van het beeld. In de gedachten van schilders zoals Noland was die scheiding een nadeel. In plaats van te genieten van vrije, onbelemmerde expressie, werd de kunstenaar beperkt of geleid door een vooraf bepaalde ondersteuning, ondanks het feit dat het resulterende beeld misschien nog niet was voorgesteld. Noland wilde het beeld samenvoegen met de ondersteuning door kleur te combineren met het vlak in een verenigde esthetische uitspraak.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acryl op canvas. 103,7 x 142,5 in. © Kenneth Noland

Het Geünificeerde Expressieve Object

Noland ontving zijn openbaring in 1953, in de vorm van een studio bezoek bij de schilderes Helen Frankenthaler. In haar New Yorkse studio had Frankenthaler het door haar genoemde soak-stain techniek gepionierd. In plaats van een voorbehandeld canvas voor te bereiden voor een geschilderd beeld, spreidde ze ruwe stukken canvas op de vloer en goot vervolgens verf rechtstreeks op het ongeprimede oppervlak. De verf versmolt met het oppervlak, zich op organische manieren verspreidend over het oppervlak terwijl het samensmolt met de stof. De verf en de ondersteuning werden één entiteit.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Acrylaat hars op canvas. 98 x 208 in. © Kenneth Noland

Noland nam onmiddellijk de Frankenthaler soak-stain techniek over. Het bood hem de kans om een verenigd object te creëren, waarin de kleur was ingebed. Het stelde hem ook in staat om het uiterlijk van penseelstreken te elimineren, die werden gezien als het teken van de persoonlijkheid van de kunstenaar. Samen stelden deze twee vooruitgangen hem in staat om schilderijen te maken die niet gericht waren op het afbeelden van iets specifieks, maar over de essentiële elementen die hem bezighielden, zoals kleur, oppervlak, textuur, symmetrie en schaal.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acryl op canvas. © Kenneth Noland

Bijsnijden

Het is goed gedocumenteerd dat Noland, evenals zijn tijdgenoot Morris Louis, de soak-stain techniek van Helen Frankenthaler heeft overgenomen. Maar er is een andere techniek die Kenneth Noland later in zijn carrière heeft aangenomen en die ook geïnspireerd kan zijn door Frankenthaler. Dat is de praktijk van het bijsnijden. In de fotografie betekent het bijsnijden van een afbeelding dat je alleen het deel van een opname selecteert dat je wilt afdrukken, waardoor alleen zichtbaar is wat je leuk vindt. Veel foto's van Frankenthaler in haar studio tonen haar terwijl ze werkt aan enorme ongespannen doeken. Ze snijdde en kaderde haar doeken nadat ze ze had geschilderd, wat haar in staat stelde om het beeld met zo min mogelijk beperkingen te ontwikkelen en vervolgens het gebied te selecteren waarvan zij vond dat het resulteerde in het meest expressieve object. Dit was een praktijk die Kenneth Noland uitgebreid gebruikte, vooral toen hij begon met het maken van gevormde doeken. Hij werkte op een enorm doek op de vloer en creëerde kleurcomposities zonder ruimtelijke beperkingen. Dit stelde hem in staat om kleurrelaties vrij te verkennen zonder zich zorgen te maken over het eindresultaat. Zodra het proces van creatie en ontdekking voltooid was, kon hij vervolgens de uiteindelijke afbeelding "uitstempelen", waarbij hij het gebied selecteerde dat hij wilde kaderen uit eindeloze mogelijke opties in wat in wezen een bewerkingsproces was. Noland verwees naar de schoonheid van dit proces in een interview uit 1977 met Diane Waldman voor Art in America, waarin hij zei: “Een kleur kan aan de rand van een afbeelding staan of binnen de ruimte van een afbeelding: de vraag van boven, onder, links, rechts werd totaal flexibel, net als de vraag van parallel of verticaal of horizontaal.”

Kenneth Noland - Zomer Eenvoud, 1967. Acryl op doek. © Kenneth Noland

De Diepten van Eenvoud

Kenneth Noland keek periodiek naar beeldhouwers in een poging de abstracte aard van kleur te verkennen. De beeldhouwer David Smith inspireerde hem in het bijzonder, en Noland werkte zelfs af en toe samen met de beeldhouwer Tony Caro, door zijn sculpturen te schilderen nadat ze waren gebouwd. Hij deed dit puur uit nieuwsgierigheid en in de geest van experimenteren. Hij kon niet precies uitdrukken wat hij hoopte te vinden, of wat dergelijke experimenten bedoeld waren te betekenen. Hij zei: “We neigen er vaak toe veel betekenis te negeren die in het leven plaatsvindt en die niet verbaal is. Kleur kan een totaal bereik van stemming en expressie overbrengen, van iemands ervaringen in het leven, zonder dat het beschrijvende of literaire kwaliteiten hoeft te hebben.”

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Mensen met een voorliefde voor het complexe zullen het misschien gemakkelijk vinden om een carrière die volledig gebaseerd is op eenvoud en nieuwsgierigheid af te wijzen. De schilderijen van Kenneth Noland lijken inderdaad helemaal geen drama te bevatten. En toch zijn ze expressief. Ze zijn als het gekrijs van een kind, het geluid van een bel, of het geschreeuw van een sirene. We herkennen ze onmiddellijk voor wat ze zijn. We weten dat ze ons vragen om te reageren, hoewel we misschien niet precies begrijpen wat hun doel is of wat onze reactie zou moeten zijn. Maar misschien, net als bij bellen, kreten en sirenes, is een reactie van iedereen niet noodzakelijk.

Uitgelichte afbeelding: Kenneth Noland - April (detail), 1960. Acryl op canvas. 16 x 16 in. © Kenneth Noland
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio